Chủ đề 6. Hoạt động âm nhạc, biểu diễn

Hoạt động biểu diễn âm nhạc không chỉ là quá trình hiện thực hóa kế hoạch của người soạn nhạc mà còn là việc tạo ra cách diễn giải biểu diễn của riêng mình. Thước đo tính độc lập tương đối của hoạt động biểu diễn âm nhạc được xác định bởi những chuẩn mực của đời sống âm nhạc của thời đại, được quy định trong các lý thuyết âm nhạc và thẩm mỹ tương ứng. Giải thích, nghĩa là quá trình diễn giải một tác phẩm âm nhạc là một quá trình khái quát hóa lý tưởng thẩm mỹ, phong cách biểu diễn và các lựa chọn đặc trưng của một thời đại nhất định, mỗi lần biểu diễn đều phản ánh qua ý thức cá nhân của người biểu diễn.

Theo A.L. Gottsdiener, “sự diễn giải chúng tôi gọi là sự diễn giải sáng tạo một tác phẩm âm nhạc và sự thể hiện nó bằng âm thanh phù hợp với nguyên tắc thẩm mỹ và cá tính của người biểu diễn”. Cần nhấn mạnh rằng việc giải thích không chỉ giới hạn ở phẩm chất nghề nghiệp và tay nghề của người thực hiện. Khả năng diễn giải sâu sắc các tác phẩm âm nhạc quan trọng có mối liên hệ chặt chẽ với thế giới quan nghệ thuật, văn hóa âm nhạc nói chung và kiến ​​thức, lối suy nghĩ toàn diện tạo nên nội dung nhân cách của người biểu diễn.

Như bạn đã biết, cách phổ biến nhất để nghiên cứu một bản nhạc là nghiên cứu văn bản âm nhạc. Tuy nhiên, ngay cả sau khi văn bản âm nhạc với hướng dẫn soạn nhạc và biên tập chi tiết đã ở dạng cuối cùng, nó vẫn để lại nhiều khả năng đọc sáng tạo. Trước hết, bởi vì mỗi người biểu diễn là một người có cá tính riêng như sự kết hợp độc đáo giữa tính cách và khả năng, một tập hợp động cơ và nhu cầu, đặc điểm của quá trình tâm sinh lý, cấu tạo cảm xúc và kỹ năng biểu diễn. Vì vậy, không thể loại trừ mặt chủ quan trong hoạt động.

Trong việc tạo ra một cách giải thích giá trị lớn Thuộc về trí tưởng tượng - quá trình tinh thần hình thành hình ảnh của hoạt động trong tương lai. Đây luôn là sự xây dựng tinh thần của một chương trình hoạt động trong tương lai, đi trước hình thức vật chất của nó. Phân biệt trí tưởng tượng sáng tạo và tái tạo. Trí tưởng tượng sáng tạo là việc tạo ra những ý tưởng và hình ảnh mới. Tái tạo trí tưởng tượng là việc xây dựng hình ảnh dựa trên ký hiệu âm nhạc hoặc văn bản văn học, vẽ hoặc phác họa. Tái tạo trí tưởng tượng là cơ sở tâm lý để tạo ra sự diễn giải biểu diễn âm nhạc.

Có ba giai đoạn trong quá trình người biểu diễn thực hiện một tác phẩm âm nhạc: 1) giai đoạn làm quen với tác phẩm âm nhạc, hình thành kế hoạch biểu diễn; 2) giai đoạn tìm kiếm phương tiện để thực hiện ý tưởng biểu diễn, giải quyết các vấn đề về nghệ thuật và kỹ thuật; 3) giai đoạn chuyển từ hình ảnh lý tưởng sang hình ảnh hiện thực như một sự tổng hợp biện chứng của hình ảnh gốc và hình ảnh đã được biến đổi dựa trên các phương tiện thực hiện đã tìm được.

Trong nghiên cứu của A.V. Vitsinsky trình bày hai loại nghệ sĩ piano, được chia theo cách họ làm việc trên một bản nhạc. Loại đầu tiên, phổ biến nhất (M. Grinberg, J. Flier) là những nghệ sĩ biểu diễn mà hiện thân của hình tượng âm nhạc mang tính chất ba giai đoạn trên. Đối với các đại diện thuộc loại thứ hai (K. Igumnov, G. Neuhaus, S. Richter), ý tưởng và việc thực hiện là một quá trình duy nhất trong đó không thể phân biệt được các giai đoạn riêng biệt. Trên thực tế, đối với họ, mọi công việc tạo ra một bản nhạc đều là công việc tạo ra hình ảnh nghệ thuật và việc tìm kiếm cách giải thích của riêng bạn.

Những điều sau đây cần được lưu ý ở đây. Trong sân khấu và sau đó là trong nghệ thuật âm nhạc, sự khác biệt cá nhân của người biểu diễn được nhóm lại dựa trên ưu thế của cảm giác hoặc kỹ năng (làm việc cẩn thận trên tất cả các yếu tố kỹ thuật của biểu diễn). Nghệ sĩ hoặc người biểu diễn loại cảm xúcđược K. Stanislavsky gọi là những tín đồ của “nghệ thuật trải nghiệm”, những nghệ sĩ thuộc loại trí thức - những người ủng hộ “nghệ thuật trình bày”. Ngoài ra, còn có một kiểu người biểu diễn tổng hợp, được đặc trưng bởi sự cân bằng giữa khía cạnh cảm xúc và trí tuệ của việc biểu diễn, được điều chỉnh một cách có ý thức.

Nếu chúng ta nói về khía cạnh tâm lý của những khác biệt này thì chúng ta đang nói về những gì tồn tại trong khoa học. văn học tâm lý chia mọi người thành ba loại theo lời dạy của I.P. Pavlov, người, tùy thuộc vào đặc điểm tương tác của hai hệ thống tín hiệu, đã phân biệt ba loại cao hơn “đặc biệt của con người”. hoạt động thần kinh: với ưu thế tương đối của hệ thống tín hiệu đầu tiên – loại hình nghệ thuật, với ưu thế tương đối của hệ thống tín hiệu thứ hai – kiểu suy nghĩ Và loại trung bình,được hình thành khi cả hai hệ thống tín hiệu tương đối cân bằng.

Các đại diện của loại hình nghệ thuật được đặc trưng bởi tính toàn vẹn của nhận thức, tư duy giàu trí tưởng tượng, trí tưởng tượng phong phú và chủ yếu là màu sắc cảm xúc trong sự phản ánh hiện thực. Những người thuộc kiểu tư duy có đặc điểm là mong muốn phân tích và hệ thống hóa, khái quát hóa và tư duy lý thuyết. Tuy nhiên, hầu hết mọi người thuộc loại trung bình, kết hợp các đặc điểm của loại nghệ thuật và tinh thần theo nhiều cách kết hợp khác nhau.

Cần lưu ý rằng sự phân loại trên chỉ là cách tiếp cận tổng quát, ban đầu đối với vấn đề khác biệt cá nhân, vì một sự khác biệt lớn và đôi khi chủ yếu có môi trường xã hội Và hướng sáng tạo nhân cách.

Liên quan đến kiểu chữ của những người biểu diễn, cần phải tập trung vào vấn đề về các kết nối và mối quan hệ phức tạp và mâu thuẫn được hình thành giữa nội dung của một tác phẩm âm nhạc, cấu trúc ngữ điệu của nó, một mặt là thiết kế “kỹ thuật” và mặt khác, cá tính sáng tạo của người biểu diễn. Sự kết hợp giữa cấu trúc hình tượng của tác phẩm với đặc điểm tâm lý nhân cách người biểu diễn góp phần phát triển khả năng sáng tạo của người nhạc sĩ ngay cả trong quá trình học tập. Mặt khác, các tiết mục nghệ thuật đa dạng góp phần giúp người nhạc sĩ biểu diễn phát triển hài hòa hơn. Trong trường hợp này, nội dung của tác phẩm âm nhạc ở một mức độ nào đó sẽ khuất phục và thay đổi hình ảnh nghệ thuật và biểu diễn của nhạc sĩ.

Bây giờ chúng ta hãy xem xét chi tiết hơn nội dung tâm lý của từng giai đoạn hoạt động biểu diễn âm nhạc.

Nội dung của giai đoạn đầu tiên của hoạt động biểu diễn âm nhạc, như đã nêu, là hình thành khái niệm biểu diễn, nguyên mẫu của một tác phẩm âm nhạc. Vai trò chủ đạo trong tapa này thuộc về trí tưởng tượng tái tạo, giúp người biểu diễn tạo ra ý tưởng của riêng mình về tác phẩm dựa trên việc nghiên cứu văn bản âm nhạc. Người biểu diễn - nhạc công và ca sĩ có cơ hội tái tạo âm thanh chân thực của âm nhạc được tưởng tượng và nghe thấy trong trí tưởng tượng. Vì vậy, ở giai đoạn đầu tiên của công việc tạo hình ảnh, nhiều người trong số họ phải nhờ đến sự trợ giúp của một công cụ. Đồng thời, nhiều người biểu diễn ở giai đoạn này làm việc bằng trí óc, không dựa vào âm thanh thực.

Chúng tôi nhấn mạnh rằng việc thực thi là “ngay lập tức”, dựa trên cấp độ cao Chỉ những nhạc sĩ vĩ đại mới có thể phát triển trí tưởng tượng khái quát theo nghĩa bóng. Vì vậy, bất kể loại quá trình sáng tạo và gõ cá tính sáng tạo nhạc sĩ biểu diễn, đã ở giai đoạn đầu tiên của hoạt động biểu diễn âm nhạc, cố gắng phác thảo toàn bộ tác phẩm để hiểu và cảm nhận được ý định của nhà soạn nhạc, tạo ra một chương trình cho các hành động tiếp theo. Trong một số trường hợp, quá trình hình thành một khái niệm biểu diễn dựa trên sự khái quát hóa trí tuệ-tưởng tượng, trong đó nguyên tắc phân tích chiếm ưu thế, trong các trường hợp khác, dựa trên sự khái quát hóa cảm xúc-hình tượng với ưu thế là nguyên tắc cảm xúc.

Do đó, hình ảnh một tác phẩm âm nhạc được hình thành ở giai đoạn đầu chỉ là hình mẫu ban đầu, sơ bộ, tạo nên thái độ sáng tạo ban đầu và xác định hướng đi cho tác phẩm tiếp theo.

Ở giai đoạn thứ hai, ý tưởng được hiện thực hóa, hình ảnh âm nhạc được thể hiện trong phương tiện biểu diễn. Người biểu diễn ngày càng trở nên tự tin hơn trong việc phát triển tầm nhìn cuối cùng của tác phẩm, tức là cách diễn giải tác phẩm. Hơn nữa, việc làm chủ kỹ thuật của vật liệu có thể dẫn đến sự thay đổi đáng kể trong ảnh gốc.

Việc giải thích đạt được hình thức cuối cùng ở giai đoạn thứ ba, là sự tổng hợp của hai giai đoạn đầu. Và nếu quá trình chuyển đổi từ giai đoạn thứ nhất sang giai đoạn thứ hai có điều kiện và không phải lúc nào cũng được phân định rõ ràng, thì việc chuyển sang giai đoạn thứ ba luôn được cảm nhận rất rõ ràng như việc đặt ra các nhiệm vụ mới liên quan đến một hình ảnh hoàn chỉnh và tinh tế hơn. Giai đoạn thứ ba rất gần với giai đoạn đầu về nội dung tâm lý, nhưng nó diễn ra ở trình độ biểu diễn và nghệ thuật cao hơn nhiều. Được giải phóng khỏi sự kiểm soát chuyển động, người biểu diễn có thể tập trung vào khả năng sáng tạo diễn giải. Sự hoàn thành cuối cùng của tác phẩm, như hầu hết những người biểu diễn chỉ ra, diễn ra trên sân khấu sau một loạt buổi biểu diễn hòa nhạc.

Cần phải nhấn mạnh rằng chất lượng biểu diễn, giống như năng suất của bất kỳ loại hoạt động âm nhạc nào khác, phụ thuộc đáng kể vào kiến ​​thức, kỹ năng và khả năng thể hiện. các mặt khác nhau hoạt động có ý thức của con người.

Kiến thức âm nhạcđược gọi là tích lũy trong quá trình lịch sử phát triển thành tựu thực hành âm nhạc được khái quát hóa và thể hiện dưới dạng các thuật ngữ, khái niệm, quy tắc xây dựng tác phẩm âm nhạc. Sự phát triển của chúng là một khía cạnh nhận thức rất quan trọng hoạt động nghề nghiệp nhạc sĩ.

Kỹ năng âm nhạc– đây là những khái quát của nhiều hành động, nhận thức và khả năng làm chủ của chúng, hình thành nên những cách thức tinh thần để thực hiện hoạt động âm nhạc. Kỹ năng âm nhạc đại diện cho một thuật toán đã được thiết lập (một hệ thống các quy tắc và hoạt động với sự trợ giúp của nó). trình tự phức tạp hành động), qua đó kiến ​​thức âm nhạc được vận dụng vào thực tế.

Kỹ năng biểu diễn âm nhạc là một hệ thống các chuyển động được phát triển có ý thức, được tự động hóa một phần, cho phép thực hiện kiến ​​thức và kỹ năng âm nhạc trong hoạt động âm nhạc có mục đích.

Kiến thức, khả năng và kỹ năng được hình thành trong quá trình giáo dục và hoạt động thực tế và đi vào một mối quan hệ phức tạp với nhau, và mỗi khía cạnh hoạt động này trong quá trình đào tạo đều trải qua những thay đổi khác nhau thể hiện cái chung chuyển động về phía trướcđể tự cải thiện hoạt động đó.

Một trong những đặc điểm nổi bật là khi một thuật toán đã được thiết lập có thể được áp dụng trong điều kiện khác nhau. Sau khi mất đi các kỹ năng trước đó hoặc ngừng hoạt động, các kỹ năng sẽ thực hiện chức năng hướng dẫn sự phát triển của kỹ năng. hệ thống mới phục hồi kỹ năng và hoạt động. .

Kỹ năng bảo thủ hơn. Chúng có thể linh hoạt, tạo thành các nhóm phức tạp trong một hệ thống hành động, nhưng mỗi kỹ năng chỉ là một tập hợp các chuyển động cụ thể được thiết lập để thực hiện một hành động cụ thể. Con đường dẫn đến sự sáng tạo nằm ở việc nâng cao kỹ năng và làm chủ kỹ năng. Điều đặc biệt quan trọng là các kỹ năng, khi phát triển thành thạo trong bất kỳ loại hoạt động nào, sẽ trở thành một đặc điểm nhân cách và góp phần hình thành khả năng đặc biệt.

Theo lý thuyết đa cấp độ về xây dựng chuyển động (N.A. Bernstein), kỹ năng là sự hình thành tâm lý thần kinh phức tạp, nội dung chính của nó là thiết lập cấp độ dẫn đầu, xác định thành phần vận động của các hành động và điều chỉnh tương ứng, phân bổ các cấp độ nền và đạt được sự ổn định của các chuyển động. Lý thuyết này bộc lộ đầy đủ nhất bản chất tâm sinh lý của kỹ năng biểu diễn âm nhạc.

Khi bắt đầu rèn luyện kỹ năng biểu diễn âm nhạc, có thể phân biệt hai khía cạnh của nhiệm vụ tâm lý chung: 1) sự xuất hiện của động cơ và nhu cầu ở học sinh khi nghiên cứu một tác phẩm nhất định, hình thành ý tưởng chung về tác phẩm. mục đích của hành động; 2) thiết lập ý nghĩa ngữ nghĩa và vị trí cấu trúc của từng kỹ năng. Vấn đề với hầu hết các lý thuyết về kỹ năng là mục tiêu cuối cùng, rõ ràng đối với giáo viên, được trình bày dưới dạng làm sẵn cho học sinh, người trong trường hợp này bị tước đi sự hòa hợp cảm xúc quan trọng nhất và thái độ tâm lý của chính mình khi nỗ lực thành thạo kỹ năng.

Số đông nhà khoa học nhà tâm lý học nêu bật những giai đoạn, giai đoạn, giai đoạn nhất định trong quá trình phát triển kỹ năng biểu diễn âm nhạc. Hãy tập trung vào Cấu trúc bốn giai đoạn của kỹ năng biểu diễn âm nhạc, được đề xuất bởi một trong những chuyên gia hàng đầu trong lĩnh vực tâm lý âm nhạc A.L. Gotsdiener (Tâm lý học âm nhạc).

Giai đoạn đầu tiên là giai đoạn cài đặt, nội dung tâm lý của nó là bản thân học sinh hoặc người biểu diễn, chứ không chỉ giáo viên hay nhà soạn nhạc, phát triển ý tưởng chung và ấn tượng cảm xúc về một tác phẩm âm nhạc như một chủ đề nghiên cứu, một hình ảnh thính giác được tạo ra và phác thảo kế hoạch sơ bộ rèn luyện các kỹ năng cần thiết để thực hiện nó. Hình ảnh âm nhạc ban đầu, cần thiết để bắt đầu sáng tác một bản nhạc và hình thành các kỹ năng biểu diễn âm nhạc, dựa trên khả năng của ý thức trong việc tưởng tượng ra sản phẩm cuối cùng của hoạt động trong hình thức hoàn hảo. PC. Anokhin gọi khả năng ý thức này là “sự phản ánh hiện thực nâng cao” và chỉ ra người chấp nhận hành động như một bộ máy thực hiện chức năng này.

Việc chuyển sang làm việc trực tiếp trên một bản nhạc gắn liền với giai đoạn phân tích mong muốn hiểu các yếu tố cơ bản của văn bản và cách chơi. Dần dần, nhờ các bài tập, âm thanh riêng lẻ và động cơ tạo thành một giai điệu, các chuyển động riêng lẻ ngày càng được kết hợp thành một hệ thống nhất quán. Sau đó, với sự xuất hiện và hình thành của một hành động tổng thể, một quá trình chuyển đổi diễn ra sang giai đoạn thứ ba - tổng hợp, một đặc điểm đặc trưng của nó là sự biến mất của những chuyển động không cần thiết. Tuy nhiên, cũng như giai đoạn phân tích trước, các động tác biểu diễn vẫn còn thiếu sức mạnh và chưa đủ khác biệt về chất lượng âm thanh. Dấu hiệu quan trọng của giai đoạn thứ ba là sự cải thiện rõ rệt về khả năng tự kiểm soát thính giác và vận động.

Sự kết hợp hoàn chỉnh nhất giữa hình ảnh âm nhạc-thính giác với thiết kế vận động của nó xảy ra ở giai đoạn cuối cùng (thứ tư). Một hệ thống được thiết lập tốt bắt đầu hoạt động: hình ảnh âm nhạc - chuyển động biểu diễn - âm thanh. Ý thức không còn hướng đến mọi hoạt động và yếu tố chuyển động; chúng đã trở nên tự động và được thực hiện như thể tự chúng, đồng thời vẫn chịu sự kiểm soát của ý thức. Điều này đã tạo nên tên tuổi giai đoạn cuối cùng của quá trình ổn định hoạt động.

Vì vậy, việc nắm vững các kỹ năng biểu diễn âm nhạc sẽ mang lại những điều sau. Nhờ việc xây dựng một hệ thống ổn định và mạch lạc để điều chỉnh các chuyển động và điều chỉnh kịp thời chúng, ý thức được giải phóng khỏi sự hướng dẫn và kiểm soát. một số lượng lớn các thao tác được thực hiện, đồng thời nó hướng dẫn sự biến đổi ngẫu hứng của hình ảnh âm nhạc. Tức là tạo điều kiện để hình ảnh âm nhạc chiếm được vị trí hàng đầu. Vì vậy, việc nắm vững tốt các kỹ năng biểu diễn âm nhạc sẽ đảm bảo năng suất cao hoạt động biểu diễn âm nhạc và tạo điều kiện cho hoạt động diễn giải, biểu hiện sáng tạo của nó.

Được biết, sự giao tiếp giữa người biểu diễn và người nghe là điều kiện cần thiết cho sự tồn tại của nghệ thuật âm nhạc. Hình thức giao tiếp chính như vậy là biểu diễn hòa nhạc, trong đó có sự tiếp xúc trực tiếp giữa người biểu diễn và khán giả.

Đối với một nghệ sĩ biểu diễn, cuộc gặp gỡ với người nghe sẽ gây ra một trạng thái đặc biệt, phức tạp, được định nghĩa là sự phấn khích của nhạc pop. A.L. Gotsdiener xác định năm giai đoạn hứng thú của nhạc pop gắn liền với buổi biểu diễn hòa nhạc.

Giai đoạn đầu- Cái này trạng thái kéo dài trước buổi hòa nhạc. Sự phấn khích xảy ra định kỳ và chỉ làm gián đoạn “ yên tâm"đang chơi.

Giai đoạn thứ hai là trạng thái ngay trước buổi hòa nhạc. Việc nghiên cứu trạng thái trước buổi hòa nhạc là rất quan trọng đối với nhà tâm lý học và giáo viên vì mục đích chẩn đoán, vì nó bộc lộ rõ ​​ràng các triệu chứng lo âu đặc trưng của một nghệ sĩ biểu diễn nhất định. Việc tính đến trạng thái trước buổi hòa nhạc cũng là điều cần thiết vì đôi khi nó sẽ cạn kiệt hệ thần kinh người biểu diễn, và bản thân màn trình diễn trở nên tệ hơn nhiều so với dự kiến.

Giai đoạn thứ ba- nó rất ngắn khoảng thời gian giữa thông báo và bắt đầu thực hiện. Giai đoạn thứ tư là giai đoạn bắt đầu biểu diễn, giao tiếp nghệ thuật với công chúng và đấu tranh với chính mình. trạng thái tiêu cực. Giai đoạn thứ năm là trạng thái sau buổi hòa nhạc.

Theo A.L. Gottsdiener, lý do gây phấn khích trên sân khấu nằm ở sự không chắc chắn và khó đoán trước phản ứng của khán giả đối với màn trình diễn. Đối với một người biểu diễn có kinh nghiệm, sự phấn khích trên sân khấu thường trở nên trầm trọng hơn bởi kinh nghiệm trong quá khứ, điều này khiến ký ức về phản ứng không thỏa đáng từ công chúng không trùng với đánh giá chủ quan của người biểu diễn. Sự phấn khích trên sân khấu gần như không thể phân tích một cách logic và khó kiểm soát.

Tuy nhiên, sự hứng khởi trên sân khấu là cần thiết. Nó nâng cao đáng kể sự phong phú về mặt cảm xúc của buổi biểu diễn, tăng độ tương phản của các phương pháp biểu diễn trình bày chất liệu âm nhạc và cho phép tác động mạnh mẽ hơn đến người nghe. Do đó, cuộc trò chuyện không nên xoay quanh sự phấn khích trong giai đoạn chiến đấu và loại bỏ nó mà là về việc người chơi thích nghi với điều kiện đặc biệt buổi biểu diễn buổi hòa nhạc và sự phấn khích đi kèm với nó.

Như L.L. nhấn mạnh Bochkarev, nhiều nhạc sĩ biểu diễn giải thích trạng thái tinh thần trên sân khấu là sự tổng hợp của cảm hứng và khả năng kiểm soát, tự phát và có ý thức. Theo dõi nội bộ (“nghe trước”) cung cấp khả năng điều chỉnh toàn bộ khái niệm biểu diễn và động lực của trải nghiệm âm nhạc, theo dõi bên ngoài cho phép bạn kiểm soát âm thanh, chơi chuyển động, tiếp xúc với khán giả trong phân khúc này thời gian. Trạng thái sáng tạo của “phân nhánh” không chỉ được đặc trưng bởi mức độ hoạt động chú ý cao mà còn được phân biệt bởi tính năng động của tất cả các quá trình tinh thần: nhận thức, ý tưởng, suy nghĩ, tưởng tượng.

Ngoài ra còn xem xét sự khác biệt về tâm lý giữa trí tưởng tượng tái tạo và trí tưởng tượng sáng tạo, đồng thời, người ta phải lưu ý sự tương tác của chúng trong hoạt động sáng tạo của một nhạc sĩ biểu diễn trên sân khấu và điểm chung về chức năng của chúng trong việc chuyển đổi sáng tạo của khái niệm biểu diễn. Trí tưởng tượng sáng tạo tham gia cùng với tư duy vào việc thực hiện kế hoạch biểu diễn trên sân khấu, tính phù hợp của kế hoạch đó với kế hoạch của nhà soạn nhạc được kiểm soát thông qua chức năng điều chỉnh của trí tưởng tượng tái tạo.

Biểu diễn là một chủ đề được tất cả các nhạc sĩ quan tâm.

Làm thế nào để đạt được thành công trên sân khấu, bí quyết là gì và điều kiện để có kỹ năng biểu diễn là gì?

Cần lưu ý ngay rằng thành công trên sân khấu trước hết phụ thuộc vào mục tiêu đã đặt ra.

Mục tiêu là điều kiện chính để thực hiện thành công.

Là một giáo viên, tôi có thể đánh giá học sinh của một trường âm nhạc.

Mục tiêu là điều kiện để thực hiện thành công

Trẻ em đến trường với những mục tiêu khác nhau: một số muốn học để chơi; có người không quan tâm đến lớp học nhưng lại muốn con học nhạc; Một số trẻ thậm chí còn không hiểu tại sao chúng lại đi học.

Nhưng có những người mắt long lanh, lao lên sân khấu, cần lưu ý trên sân khấu, họ như cá gặp nước - họ cảm thấy tự do, tự tin - đây là yếu tố của họ, họ thích biểu diễn. Không cần phải thuyết phục những đứa trẻ như vậy tham gia buổi hòa nhạc - chúng luôn sẵn sàng và bạn có thể tin tưởng vào những đứa trẻ như vậy - chúng sẽ không bao giờ làm bạn thất vọng và sẽ hoàn toàn chịu trách nhiệm về buổi hòa nhạc.

Và cũng có những sự trùng hợp đáng mừng khi

1 – trẻ em thích biểu diễn
2 – đồng thời họ chăm chỉ và hiệu quả
3 – những đứa trẻ này có khả năng âm nhạc tốt
4 – Người thân hỗ trợ đầy đủ cho trẻ trong các hoạt động của trẻ.

Chúng ta phải tri ân những bậc cha mẹ, ông bà đã đưa con đến trường, đến các buổi hòa nhạc và các buổi diễn tập, và cống hiến hết mình cho trẻ em. Nhưng điều này có thể được thực hiện theo nhiều cách khác nhau: một số người nói: con cái chúng ta nên có những thứ tốt nhất. Và điều tuyệt vời nhất là mua sắm - mua đồ chơi, quần áo, điện thoại, đồ trang sức bằng vàng mà trẻ nhỏ không cần chút nào. Hơn nữa, trường học không phải là nơi bạn nên thể hiện khả năng tài chính của mình.

Và có những bậc cha mẹ cho rằng điều tốt nhất đối với họ là giáo dục và nuôi dưỡng, coi đó như một khoản đầu tư cho đứa trẻ. Chẳng trách có câu nói: “Việc gì đến sẽ đến.” Và còn nữa - “Hãy gieo những gì hợp lý, vĩnh cửu, tốt đẹp.”

Và do đó, cả trẻ em và phụ huynh phải hiểu rõ mình muốn gì ở trường âm nhạc và mong đợi gì từ việc đào tạo. Rốt cuộc, một số cha mẹ trực tiếp nói - để không đi chơi ngoài đường, hãy bận rộn trong khi bố mẹ đi làm.

Các bậc cha mẹ khác coi con mình là nhạc sĩ; mục tiêu của họ là chuẩn bị cho con vào trường âm nhạc. cơ sở giáo dụcđể trở thành một nhạc sĩ. Và một số cha mẹ nhìn thấy những ngôi sao ở con mình và hướng mọi nỗ lực của chúng vào các buổi hòa nhạc và cuộc thi.

Và vì vậy, để thành công cần có một lộ trình rõ ràng và mục tiêu rõ ràng, tất cả các điều kiện để đạt được nó đã được thống nhất và một kế hoạch đã được vạch ra. Và tất cả những gì còn lại là hướng tới mục tiêu này và làm việc trong một nhóm thân thiện - gia đình, trường học, học sinh.

Mục tiêu là cơ sở và điều kiện quan trọng nhất để đạt được thành công.

Hành động thay thế trên sân khấu

Nhưng tại sao sau đó nhiều người không đạt được mục tiêu của mình? Bất kỳ nhạc sĩ nào, kể cả sinh viên trường âm nhạc, đều muốn làm khán giả ngạc nhiên với màn trình diễn của mình; trong tâm trí anh ta hình dung ra những ánh mắt ngưỡng mộ của đồng đội, sự tán thành của thầy cô, niềm tự hào của người thân.

Và một số người biểu diễn tưởng tượng họ đã đi lạc lối, phạm sai lầm như thế nào. Và họ đã trải qua tất cả nỗi kinh hoàng của thất bại và hậu quả của sự sụp đổ.

Nhưng điều này thường xảy ra - cha mẹ thiếu sự khôn ngoan để hỗ trợ con mình sau một màn trình diễn không thành công, giáo viên thiếu sự phân tích khéo léo và khách quan về màn trình diễn - điều gì đã hiệu quả và điều gì cần tiếp tục cải thiện.

Và kết quả là người biểu diễn cảm nhận được sự thoải mái bên trong của mình và không tưởng tượng được âm thanh, nhịp độ, tính cách, những đoạn phức tạp của tác phẩm. Nghĩa là, trước buổi hòa nhạc, người biểu diễn thiếu tỉnh táo, cảm xúc lấn át và mọi sự chú ý đều đổ dồn vào những cảm giác này.

Kết luận - để biểu diễn thành công, bạn nên suy nghĩ về công việc trước khi thực hiện. Biết rõ và tưởng tượng các hành động liên tiếp trên sân khấu - thoát ra, cúi đầu, chuẩn bị bắt đầu buổi biểu diễn, thể hiện nhịp độ của tác phẩm, nhìn trực quan phần đầu của văn bản âm nhạc, tưởng tượng trước các đoạn phức tạp.

Đó là, cảm xúc không nên lấn át lý trí.

Làm việc để nghiên cứu công việc

Và tất nhiên, để thực hiện thành công đòi hỏi phải có sự chuẩn bị tốt - nghiên cứu công việc liên tục và chăm chỉ. Và đây là một khoảng thời gian dài.

Trong giai đoạn này, công việc về các chi tiết và bộ phận trở nên nổi bật khi tác phẩm được chia thành các đoạn nhỏ. Bạn phải làm việc không chỉ trên các bộ phận mà còn phải làm việc trên một âm thanh riêng biệt, một hợp âm riêng biệt.

Và ở đây các mục tiêu nhỏ xuất hiện - tìm hiểu văn bản của một đoạn văn, nghiên cứu về khoa học âm thanh, động lực học.

Điều rất quan trọng là người thực hiện hiểu được mục tiêu và nhiệm vụ được đặt ra cho mình trong việc này. công việc vất vả. Bạn có thể yêu cầu học sinh lặp lại những gì được yêu cầu. Khi trẻ diễn đạt nhiệm vụ bằng lời, trẻ sẽ đáp ứng các yêu cầu một cách chính xác hơn và hiểu rõ hơn những gì giáo viên mong muốn ở trẻ.

Trong tác phẩm này, mọi chi tiết đều quan trọng; những chi tiết này càng tạo nên tính toàn vẹn của tác phẩm và hiệu suất. Và những chi tiết này phải được tưởng tượng và lưu giữ trong trí nhớ.

Chơi mà không có nhạc cụ, chẳng hạn như trên mặt đàn piano và trên bàn, có thể giúp giải quyết vấn đề này. Trong trường hợp này, người biểu diễn phát triển trí tưởng tượng và trí nhớ, điều này rất quan trọng.

Xét cho cùng, cùng một học sinh ở trường âm nhạc phải ghi nhớ nhiều tác phẩm; ở trường trung học, các tác phẩm rất đồ sộ, và đối với nhiều học sinh, việc ghi nhớ văn bản âm nhạc là một vấn đề lớn.

Xem và nhìn

Để ghi nhớ và hình dung một tác phẩm trong trí tưởng tượng của mình, bạn cần phải nhìn rõ nó, tức là phải phân tách cụ thể từng chi tiết. Bởi vì nhìn là một chuyện, nhưng nhìn thấy lại là một chuyện hoàn toàn khác. Nhìn là tưởng tượng trong tâm trí, và tưởng tượng một cách cụ thể, rõ ràng, với đủ loại chi tiết. Bạn có nhớ câu nói - “Anh ta nhìn nhưng không thấy”?

Câu nói này rất phù hợp để miêu tả công việc của nhiều sinh viên trường âm nhạc. Tại sao? Có, bởi vì họ chưa có kinh nghiệm học các tác phẩm từ trí nhớ.

Và do đó, cần phải liên tục giải thích những yêu cầu của học sinh, phân tích tác phẩm và các phần của nó, từng tình tiết riêng lẻ, nghiên cứu âm thanh, hợp âm để trẻ dễ dàng tiếp thu tác phẩm hơn.

Và để trong tương lai bé biết cách tự học chơi và những gì cần thiết cho việc này. Nghĩa là, học sinh nên được dạy cách nhìn chứ không chỉ nhìn vào ghi chú. Xem văn bản âm nhạc và hiểu nó, đọc và ghi nhớ nó. Và văn bản đã được ghi nhớ có thể được tưởng tượng và sau đó được sao chép.

Khả năng nghe

Để tái tạo một tác phẩm, bạn cần học cách nghe. Và để làm được điều này, điều rất quan trọng là phát triển khả năng cảm thụ âm nhạc - cảm nhận được ngữ điệu và màu sắc âm sắc. Xét cho cùng, kỹ năng biểu diễn bao gồm nhiều thành phần.

Người nghệ sĩ phải trình bày nội dung tác phẩm, hình ảnh rồi truyền tải sao cho người nghe cảm nhận được tầm nhìn, ý đồ của người sáng tác.

Dudina Alevtina Vladimirovna

Sinh viên sau đại học của bang Ural đại học sư phạm, giáo viên dạy bổ túc, Cơ sở giáo dục trẻ em thành phố "Nhạc thiếu nhi" trường hợp xướng» Verkhnyaya Salda, vùng Sverdlovsk.

[email được bảo vệ]

Việc cải tiến đàn accordion nút và do đó, mở rộng các tiết mục do chuyển soạn các tác phẩm cổ điển và bố cục của các vở kịch gốc, đòi hỏi người biểu diễn phải thành thạo nhiều kỹ thuật chơi khác nhau (tremolo với ống thổi, ricochet, hiệu ứng âm thanh). Điều này đòi hỏi sự nỗ lực về tinh thần và thể chất, sự phát triển của bộ máy biểu diễn. Sản phẩm cuối cùng của quá trình biểu diễn là tạo ra một hình tượng nghệ thuật.
Giáo dục kỹ năng biểu diễn là một trong những vấn đề trọng tâm của sư phạm âm nhạc. Trong nhiều thế kỷ, các nhạc sĩ không thể dựa vào kiến ​​thức về sinh lý học. Kết quả là đã có rất nhiều tranh cãi trong nỗ lực theo nhiều cách khác nhau giải quyết các vấn đề nâng cao kỹ năng thực hiện dựa trên việc đạt được hiệu quả của hành động. Đó là cách tiếp cận máy móc, khi đó bài toán về mối quan hệ giữa công nghệ và nghệ thuật đã được giải quyết. Và chỉ có sự giao tiếp của các nhạc sĩ-giáo viên với các nhà nghiên cứu trong lĩnh vực tâm sinh lý chuyển động mới dẫn đến việc giải quyết tranh chấp giữa những người ủng hộ phương pháp thính giác và vận động.
Chỉ đến cuối thế kỷ 19 - đầu thế kỷ 20, sư phạm âm nhạc mới đi theo con đường phức tạp hơn trong việc tìm hiểu việc quản lý quá trình học chơi nhạc cụ. Quá trình này là cách để đạt được lợi ích âm nhạc của các hoạt động chơi game.
Con đường hướng tới các chuyển động chơi thích hợp thông qua thành phần thính giác vẫn được các giáo viên âm nhạc ưa chuộng. Điều này là do vị trí xác định của nó trong sự sáng tạo âm nhạc, mặc dù sự phụ thuộc của việc thực hiện các ý tưởng thính giác vào chất lượng của các chuyển động chơi và hiệu quả kiểm soát của chúng.
Lý luận phân tích đặc điểm hoạt động tinh thần, kết quả nghiên cứu trong lĩnh vực “Lý thuyết tổng quát về hình thành hành động tinh thần"(Galperin P. Ya. Tâm lý học tư duy và học thuyết về sự hình thành các hành động tinh thần theo từng giai đoạn) bộc lộ những đặc điểm của quá trình điều khiển hành động trò chơi bằng điều khiển thính giác.
Một số nhà sinh lý học nổi tiếng đã có đóng góp to lớn vào việc giải thích các khía cạnh giải phẫu và sinh lý của các quá trình vận động: I. M. Sechenov, I. P. Pavlov, N. A. Bernshtein, P. K. Anokhin, V. L. Zinchenko, A. V. Zaporozhets, v.v.
Chức năng vận động là chức năng chính của con người. Trong nhiều năm, các nhà khoa học đã cố gắng xác định ý nghĩa của chuyển động và chứng minh một cách khoa học quá trình vận động (I.M. Sechenov). I.M. Sechenov là người đầu tiên lưu ý đến vai trò của các yếu tố vận động cơ trong việc thể hiện âm nhạc qua thính giác. Anh viết: “Tôi không thể hát một bài hát chỉ bằng âm thanh của bài hát đó, nhưng tôi luôn hát bằng cơ bắp của mình”. Trong tác phẩm “Phản xạ của não” I. Sechenov đã chứng minh tính chất phản xạ chuyển động tự nguyện của con người và bộc lộ vai trò của sự nhạy cảm của cơ trong việc kiểm soát các chuyển động trong không gian và thời gian, mối liên hệ của nó với các cảm giác thị giác và thính giác. Ông tin rằng mọi hành động phản xạ đều kết thúc bằng chuyển động. Các phong trào tự nguyện luôn có động cơ, do đó, tư duy xuất hiện trước rồi mới đến phong trào.
Hoạt động biểu diễn của một nhạc sĩ bao gồm công việc trí óc, thể chất và tinh thần.
Tính chính xác của các chuyển động trong trò chơi được kiểm tra bằng kết quả âm thanh. Học sinh lắng nghe âm giai, bài tập, etude, bản nhạc và chơi một cách có ý nghĩa và biểu cảm. Dựa vào nhận thức thính giác sẽ phát triển ở học sinh khả năng dựa vào thính giác trong trò chơi chứ không chỉ dựa vào trí nhớ thị giác và cơ bắp. Khó khăn ở giai đoạn này còn là sự phối hợp giữa các chuyển động của bàn tay và ngón tay cũng như sự phát triển sự phối hợp giữa lĩnh vực thính giác và chuyển động phức tạp, vì mỗi chuyển động thể hiện một nhiệm vụ âm nhạc cụ thể. Vì vậy, không thể dạy nhiều kỹ năng vận động khác nhau nếu không kết nối chúng với âm nhạc thực sự. Điều này khẳng định nguyên tắc dạy nhạc chứ không phải động tác.
Mặc dù thực tế là các chuyển động âm nhạc và chơi game không phải là vô điều kiện và tự nhiên đối với bộ máy, người ta phải cố gắng đạt được sự tự do, linh hoạt và mở rộng khả năng vận động. Mọi thứ phụ thuộc vào đặc điểm cá nhân của cơ thể nhạc sĩ, sự tương tác của các quá trình vận động và tinh thần (âm nhạc là phạm vi của các hành động tâm linh), vào tính khí, tốc độ phản ứng và sự phối hợp tự nhiên.
Không giống như các nghệ sĩ violin và ca sĩ, những người dành nhiều năm để rèn luyện đôi tay và bộ máy giọng nói của mình, những người chơi đàn accordion được đào tạo rất ít. Nhưng việc đặt máy chơi game đúng vị trí ở giai đoạn đào tạo ban đầu là rất quan trọng, bởi vì khả năng thể hiện một khái niệm nghệ thuật trong quá trình thực hiện phụ thuộc vào nó. Vị trí của người chơi đàn accordion bao gồm ba thành phần: tiếp đất, định vị nhạc cụ, vị trí của tay. Khi làm việc trên bến, người ta phải tính đến tính chất của tác phẩm được trình diễn, đặc điểm tâm lý cũng như các dữ liệu giải phẫu và sinh lý của nhạc sĩ, đặc biệt là học sinh (chiều cao, chiều dài và cấu trúc của cánh tay, chân, thân hình).
Tư thế đúng là cơ thể ổn định, không hạn chế cử động của cánh tay, quyết định sự điềm tĩnh của người nhạc công, tạo tâm trạng xúc động. Vị trí chính xác là vị trí thoải mái và tạo ra sự tự do hành động tối đa cho người biểu diễn cũng như sự ổn định của nhạc cụ. Tất nhiên, việc lắp đặt nhạc cụ hợp lý không phải là tất cả, nhưng người chơi đàn accordion và nhạc cụ phải là một sinh vật nghệ thuật duy nhất. Do đó, toàn bộ cơ thể của người chơi đàn accordion tham gia vào các động tác biểu diễn: cả chuyển động khác nhau của cả hai tay và hơi thở (trong khi biểu diễn, bạn cần theo dõi nhịp thở, bởi vì căng thẳng về thể chất chắc chắn dẫn đến rối loạn nhịp thở).
Do đặc điểm thiết kế, cần có hai chuyển động để tạo ra âm thanh - nhấn phím và di chuyển ống thổi. Mỗi trường phái chơi đàn accordion, đồ dùng dạy học đều nói về mối quan hệ giữa ống thổi và âm thanh, âm lượng của nó. Nhưng kinh nghiệm cho thấy rằng những người mới bắt đầu chơi đàn accordion đã mắc sai lầm khi nhấn mạnh phím và cố gắng đạt được âm thanh lớn hơn mà không có sự kiểm soát thích hợp của ống thổi, điều này dẫn đến sự nô lệ của bộ máy chơi và ảnh hưởng đến trạng thái tâm lý chung của cơ thể. Để tổ chức máy chơi game một cách hợp lý, chúng ta phải ghi nhớ mối quan hệ này. Ưu điểm của đàn accordion nút là sự độc lập của âm thanh với lực nhấn phím giúp tiết kiệm năng lượng cho nhạc sĩ. Cái gọi là “cảm giác cơ bắp” có tầm quan trọng rất lớn trong việc phát triển các kỹ năng biểu diễn. Đây là những cảm giác phát sinh do sự kích thích của các cơ và dây chằng liên quan đến các động tác hát hoặc chơi. B. M. Teplov nói về mối liên hệ giữa các biểu hiện âm nhạc-thính giác và các biểu hiện không thuộc thính giác, lưu ý rằng chúng (thính giác) nhất thiết phải bao gồm các khoảnh khắc thị giác, vận động và cần thiết “khi cần gợi lên và duy trì sự biểu đạt âm nhạc bằng nỗ lực tự nguyện.”
Khoa học sinh lý đã chứng minh rằng, dựa trên sự tương tác của các biểu hiện thính giác và vận động, mỗi loại hoạt động âm nhạc có thể phác thảo được
sự phóng chiếu tinh thần của việc biểu diễn chất liệu âm nhạc. “Một người biết hát,” Sechenov viết, “biết trước, như mọi người đã biết, tức là trước thời điểm hình thành âm thanh, cách định vị các cơ điều khiển giọng nói để đạt được một mức nhất định và giai điệu âm nhạc được xác định trước.” Theo tâm lý học, ở các nhạc sĩ, việc kích thích dây thần kinh thính giác sẽ dẫn đến phản ứng và dây thanh âm, và các cơ ngón tay. Không phải ngẫu nhiên mà F. Lips khuyên những người chơi đàn accordionist (và không chỉ họ) nên nghe ca sĩ thường xuyên hơn. Các cụm từ được thực hiện giọng nói của con người, nghe tự nhiên và biểu cảm. Việc hát chủ đề của các tác phẩm âm nhạc cũng rất hữu ích để xác định cách diễn đạt chính xác, hợp lý.
Việc tiếp thu một tác phẩm âm nhạc dựa trên hai phương pháp: vận động và thính giác. Với phương pháp thính giác, vai trò chủ đạo trong việc kiểm soát hiệu suất được trao cho thính giác, và với phương pháp vận động, nó (thính giác) trở thành người quan sát các hành động của động cơ. Vì vậy, trong phương pháp giảng dạy, hai phương pháp này được kết hợp thành một - vận động thính giác. Đối với anh ấy phát triển thành công một điều kiện cần thiết là tính nghệ thuật của tài liệu giáo dục. Suy cho cùng, những tác phẩm giàu trí tưởng tượng gây được tiếng vang trong tâm hồn có lợi thế hơn bài tập kỹ thuật. Điều này được xác nhận bởi tâm lý học, dạy rằng những gì vang vọng trong tâm hồn đều được cảm nhận và ghi nhớ. Sinh lý học chứng minh rằng phản ứng dạng vết sẽ kéo dài miễn là được cung cấp một kích thích mạnh hơn. Phương pháp này dựa trên sự kết nối phản xạ mạnh mẽ giữa hình ảnh thính giác, kỹ năng vận động và âm thanh. Kết quả là đạt được kết quả âm thanh mong muốn và các chuyển động biểu diễn cần thiết để đạt được kết quả đó. Tổ chức tâm lý vận động nhằm mục đích thể hiện một hình ảnh nghệ thuật thông qua chuyển động.
Mỗi màn trình diễn mới của một tác phẩm âm nhạc đều mang một hình tượng và ý nghĩa nghệ thuật mới. Hoạt động biểu diễn có ngữ điệu. Ví dụ, một nhà soạn nhạc có thể ngân nga âm nhạc trong chính mình. Và người biểu diễn phải tái tạo nó bằng giọng nói của mình hoặc trên một nhạc cụ. Lúc này, anh gặp phải sự cản trở của chất liệu, bởi vì nhạc cụ và giọng nói, những thứ có thể coi là nhạc cụ, là thành phần vật chất của quá trình ngữ điệu.
Ngay cả một người mới bắt đầu học chơi một nhạc cụ cũng cố gắng truyền tải đến người nghe ý nghĩa của nội dung, tâm trạng của bản nhạc, tức là. thể hiện sự hiểu biết của bạn về âm nhạc đang được chơi. Ở cấp độ ngữ điệu như một cách phát âm âm thanh có ý nghĩa và biểu cảm, không thể thực hiện được nếu không tổ chức âm thanh theo các mối quan hệ du dương, nhịp điệu, điệu thức, âm sắc, hòa âm, động, khớp nối, v.v. Khả năng hiểu âm nhạc
những suy nghĩ, diễn giải chúng, kết hợp chúng thành một thể thống nhất nghệ thuật toàn diện phụ thuộc vào khả năng và kỹ năng của người biểu diễn. Không thể hiểu được cấu trúc tượng hình tác phẩm, “nội dung ẩn” của nó, diễn giải nó một cách thuyết phục mà không cần hiểu rõ ràng về hình thức. Từ quan điểm này, trong các bài học, giáo viên và học sinh tìm ra cách thực hiện thông qua những gì đang được thực hiện.
Việc học không nên dựa trên việc học vẹt, hình thành suy nghĩ rập khuôn. Bất kỳ hoạt động đào tạo nào cũng phải dựa trên công nghệ phát triển sáng tạo.
Trong quá trình biểu diễn, hoạt động của nhạc sĩ nhằm bộc lộ ý đồ của người soạn nhạc, tạo ra hình tượng nghệ thuật và diễn giải tác phẩm có liên quan trực tiếp đến thế giới nội tâm người biểu diễn, cảm xúc, ý tưởng của mình. Việc diễn giải một tác phẩm luôn gắn liền với trí tưởng tượng và do đó với tư duy sáng tạo. Đó là lý do tại sao việc phát triển tư duy sáng tạo của một nhạc sĩ sinh viên là điều quan trọng. Cơ sở để hiểu và giải quyết vấn đề là cách dạy ngữ điệu của B.V. Asafiev và lý thuyết về nhịp điệu của B.L Yavorsky. Từ đó, cả nhạc sĩ và người nghe trong quá trình nhận thức đều phải có ý tưởng về ngữ điệu, âm nhạc. phương tiện biểu đạt, gợi lên những tâm trạng, hình ảnh nhất định, v.v.
Việc phát triển các kỹ năng biểu diễn được thực hiện bằng cả phương pháp sư phạm chung (bằng lời nói, hình ảnh, thực tế) và phương tiện (gợi ý, thuyết phục), cũng như các phương pháp và kỹ thuật cụ thể được thảo luận dưới đây. Những phương pháp và kỹ thuật này nhằm phát triển kỹ năng biểu diễn của người chơi đàn accordion trong các trường âm nhạc dành cho trẻ em mà giáo viên có thể sử dụng trong công việc của mình.
Trong quá trình thực hiện phương pháp quan sát và so sánh, học sinh có cơ hội được nghe một bản nhạc do nhiều nhạc sĩ trình diễn và so sánh kỹ thuật biểu diễn của họ.
Một phương pháp khác là phương pháp phân tích sản xuất âm thanh. Nó cho phép tôi phát triển các chuyển động hợp lý, phối hợp chúng, giảm mệt mỏi và có được kỹ năng tự chủ.
Phương pháp ngữ điệu điều phối các quá trình tinh thần (nhận thức, tư duy, trí nhớ, trí tưởng tượng), cô lập các ngữ điệu chính, góp phần thể hiện một cách tổng thể nội dung tác phẩm âm nhạc, hiện thân của một hình tượng nghệ thuật.
Phương pháp “thống nhất giữa nghệ thuật và kỹ thuật”. Việc phát triển các kỹ năng biểu diễn phù hợp phải được kết hợp với việc xác định mục tiêu nghệ thuật.
Thu nhận tác động cảm xúc gắn liền với sự xuất hiện hứng thú với một tác phẩm thông qua việc giáo viên thực hiện tác phẩm đó bằng cử chỉ và nét mặt. Sau đó, cảm xúc được thể hiện trong màn trình diễn trên nhạc cụ.
Thông thường trong một lớp học nhạc cụ, công việc tập trung vào việc học các bản nhạc thông qua trí nhớ ngón tay, tức là “ghi nhớ”. Vì vậy, cần chuyển trọng tâm theo hướng phát triển tư duy sáng tạo. Hầu hết phương pháp hiệu quả là học tập dựa trên vấn đề (M.I. Makhmutov, A.M. Matyushkin, V.I. Zagvyazinsky), được đặc trưng bởi thực tế là kiến ​​thức và kỹ năng không được trình bày cho học sinh ở dạng có sẵn. Trong công nghệ học tập dựa trên vấn đề của D. Dewey, động lực sáng tạo là tình huống có vấn đề khuyến khích học sinh tham gia vào các hoạt động tìm kiếm. Ý nghĩa của việc đào tạo dựa trên việc kích thích hoạt động tìm kiếm và tính độc lập. Trong quá trình làm việc, giáo viên không tuyên bố mà tranh luận, phản ánh, từ đó thúc đẩy học sinh tìm tòi. Ngoài ra, trong công việc của mình, chúng tôi sử dụng phương pháp chuyên sâu của T.I. Smirnova, bản chất của phương pháp này là nguyên tắc “ngâm chìm”. Kỹ thuật này liên quan đến việc kích hoạt tất cả các khả năng của học sinh: anh ta phải chơi nhạc cụ, hình thành và giải quyết các vấn đề kỹ thuật và nghệ thuật. Kiến thức không được trình bày ở dạng làm sẵn mà “được chính anh ta tiếp thu từ việc thực hành các bài tập, từ việc liên tục phân tích công việc, từ câu trả lời của giáo viên cho các câu hỏi đặt ra”.
Trong quá trình làm bài, học sinh được giao nhiệm vụ từng bước: so sánh cách diễn giải của cùng một bản nhạc. những người biểu diễn khác nhau, chọn cái thành công nhất, dựa trên kiến ​​thức về phong cách, thời đại, v.v.; chọn các tùy chọn hợp lý nhất cho ngón tay, cách phân nhịp, động lực, nét vẽ; nhiệm vụ sáng tạo bằng cách chọn lọc bằng tai, hoán vị, ngẫu hứng.
Thông thường, nền tảng làm việc với những người mới bắt đầu không phải là tác phẩm nghệ thuật mà là các yếu tố ký hiệu âm nhạc, bài tập, etudes. Và tiếp tục làm việc tác phẩm nghệ thuật bị xếp xuống nền, điều này thường khiến các nhạc sĩ trẻ không còn hứng thú với việc học. Giáo viên nên chú ý đến thực tế là các lớp học có tính chất phát triển và không chỉ dành riêng cho kỹ thuật.
Thực hành cho thấy cần bắt đầu làm việc trong lớp đàn accordion với các hình thức chơi nhạc tích cực, đòi hỏi sự chủ động và độc lập của học sinh. Trong trường hợp này, bất kỳ công việc cơ khí. Để làm được điều này, thay vì chơi thang âm ở giai đoạn đầu, tốt hơn là bạn nên chơi các quân cờ có chuyển động lên xuống tăng dần.
Tóm lại, tôi muốn nhắc bạn rằng toàn bộ việc tổ chức các phong trào có liên quan trực tiếp đến việc trình bày chất liệu âm nhạc. Vì vậy, học sinh học càng sớm
phân tích các chuyển động của anh ta, điều này có thể dẫn đến sự tự nhiên và tự do thì kết quả thực hiện của anh ta sẽ càng tốt hơn. Và một thực tế quan trọng khác: quyền tự do biểu diễn không thể được hiểu là sự thư giãn, bởi vì tự do là sự kết hợp giữa giọng điệu với sự suy yếu của hoạt động, phân phối chính xác cố gắng. Kỹ năng vận động, kết hợp với khả năng âm nhạc và trí thông minh, tạo thành nền tảng cho kỹ năng biểu diễn của một nhạc sĩ, nhờ đó anh ta tạo ra hình ảnh nghệ thuật của một tác phẩm.
Văn học
1. Akimov Yu T. Một số vấn đề về lý thuyết biểu diễn đàn accordion / Yu. M.: “Nhà soạn nhạc Liên Xô”, 1980. 112 tr.
2. Môi F. R. Nghệ thuật chơi đàn accordion bằng nút: sổ tay phương pháp / F. R. Môi. M.: Muzyka, 2004. 144 tr.
3. Maksimov V. A. Những nguyên tắc cơ bản về hiệu suất và phương pháp sư phạm. Lý thuyết tâm lý vận động phát âm trên đàn accordion: Sách hướng dẫn dành cho sinh viên và giáo viên các trường âm nhạc, cao đẳng, đại học / V. A. Maksimov. St.Petersburg: Nhà soạn nhạc, 2003. 256 tr.
4. Pankov O. S. Về sự hình thành bộ máy chơi đàn accordion / O. S. Pankov // Các câu hỏi về phương pháp và lý thuyết biểu diễn nhạc cụ dân gian / comp. L.G.Bendersky. Sverdlovsk: Nhà xuất bản sách Trung Ural, 1990. Số 2. P.12–27: bị bệnh.
5. Sechenov I. M. Phản xạ của não / I. M. Sechenov. M., 1961. 128 tr.
6. Teplov B. M. Tâm lý học về khả năng âm nhạc / B. M. Teplov. M.: Nhà xuất bản Acad. ped. Khoa học của RSFSR, 1947. 336 tr.
7. Tsagarelli Yu. Tâm lý học về hoạt động biểu diễn âm nhạc [Văn bản]: sách giáo khoa. trợ cấp / Yu. St.Petersburg: Nhà soạn nhạc, 2008. 368 tr.
8. Shakhov G.I. Chơi bằng tai, đọc thị giác và chuyển vị (bayan, accordion): sách giáo khoa. hỗ trợ cho sinh viên cao hơn sách giáo khoa tổ chức / G. I. Shakhov. M: Nhân đạo. biên tập. Trung tâm VLADOS, 2004. 224 tr.

Một cái nhìn sáng tạo về hoạt động biểu diễn của một nhạc sĩ

Con người là giá trị văn hóa nhất. Phần quan trọng nhất của giá trị này là khả năng sáng tạo của anh ấy, toàn bộ cơ chế thực hiện các kế hoạch và ý tưởng. Nền văn hóa khép kín thế giới cá nhân cá tính sáng tạo và thế giới khách quan của các giá trị văn hóa.
Do tính khác thường, độc đáo và mức độ khái quát cao của ngôn ngữ, nghệ thuật âm nhạc chiếm lĩnh nơi đặc biệt trong số các nghệ thuật khác.
Âm nhạc là nghệ thuật ngữ điệu, sự phản ánh nghệ thuật hiện thực trong âm thanh. Để thể hiện một tư tưởng tượng hình đặc biệt liên kết các trạng thái và quá trình thế giới bên ngoài, trải nghiệm nội tâm của một người với ấn tượng thính giác, hoạt động nghệ thuật trong âm nhạc nhằm vào chất liệu âm thanh, được sắp xếp theo thời gian, âm sắc, độ to và các khía cạnh khác.
Khả năng xã hội hóa của nghệ thuật âm nhạc và các chức năng của nó được hiện thực hóa bằng các thành phần cấu trúc của nghệ thuật. Có một trình tự chuyển tiếp nhất định. Chức năng nhận thức gắn bó chặt chẽ với chức năng đánh giá, do đặc thù nhận thức của chúng ta. Chức năng dự đoán nằm giữa định hướng nhận thức và giá trị. Khả năng của nghệ thuật trong việc bổ sung những gì cần thiết cho sự hài lòng của con người làm cơ sở cho chức năng bù đắp liên quan đến việc giảm bớt căng thẳng tinh thần và nghệ thuật để thư giãn và giải trí.
Âm nhạc trong nội dung của nó bao trùm toàn bộ hệ thống ý thức xã hội. Nó gắn kết chặt chẽ với cái chung di sản văn hóa. Một tác phẩm âm nhạc thể hiện những khía cạnh nhất định của ý thức hiện đại, cũng như bất kỳ hiện tượng tâm linh nào cũng tham gia vào việc giáo dục con người. Khát vọng vĩnh cửu của con người về chân, thiện, mỹ được thể hiện qua các tác phẩm âm nhạc, chúng truyền tải đến con người những khát vọng, tư tưởng về cái đẹp, đánh thức trong con người một thái độ nghệ thuật, sáng tạo với hiện thực, xâm chiếm tích cực lối sống, lối suy nghĩ của họ.
Sự phát triển của văn hóa vật chất và tinh thần đã ảnh hưởng trực tiếp đến sự phát triển của âm nhạc. Cô dần giành được độc lập, giữ vững sự độc đáo của mình văn hóa dân gian trong các tổ hợp thể loại phát triển, trong các phương tiện biểu đạt đa dạng. Việc tổ chức hình thức trở nên phức tạp và sâu sắc hơn khi nội dung âm nhạc trở nên phức tạp và sâu sắc hơn. Cô đã giúp người nghe tìm đường đi qua mê cung của những hình ảnh âm nhạc. Và điều này đã và vẫn rất quan trọng trong lĩnh vực văn hóa, vì âm nhạc được thiết kế để phản ánh cuộc sống, thể hiện ý tưởng và cảm xúc của một người, từ đó góp phần hình thành thế giới tinh thần của con người.
Trong một bản nhạc, chúng ta cảm nhận được sự kết nối có ý nghĩa giữa các âm thanh. Toàn bộ bản chất của âm nhạc chỉ đơn giản dựa trên ngữ điệu và nhịp điệu. Nhịp điệu là âm thanh của các âm tương quan với nhau theo thời gian. Ngữ điệu âm nhạc- tỷ lệ cao độ và kết nối các giai điệu âm nhạc. Nó không tồn tại bên ngoài nhịp điệu; nó giống như ngữ điệu lời nói trong nội dung ngữ nghĩa của nó. Tuy nhiên, ngược lại, khác với ngữ điệu lời nói, ngữ điệu âm nhạc gắn liền với các mối quan hệ cao độ - quãng không đổi, dựa trên các mô hình kết nối phương thức đã được thiết lập trong lịch sử.
Bản thân âm nhạc có khả năng thể hiện mọi thứ mà một người nhìn thấy, cảm nhận, nghe thấy. Bằng cả những phương tiện nghệ thuật tổng quát và độc đáo, cô ấy có thể thể hiện toàn bộ thế giới con người: những khái niệm toàn cầu về sự sống và cái chết, tự do và sự cần thiết, lương tâm, tình yêu, một tương lai tươi đẹp lý tưởng, v.v. Các hoạt động chính trong lĩnh vực nghệ thuật âm nhạc có thể gọi là cảm nhận, biểu diễn và ứng biến.
Nhận thức âm nhạc liên quan đến giao tiếp tích cực với âm nhạc. Nó dựa trên các nguyên tắc sau: lặp lại, so sánh, tương phản, tóm tắt, v.v. Đây là công việc của tư duy và tâm hồn trong quá trình nghe nhạc.
Khi sáng tác, người soạn nhạc cố gắng ghi lại tâm trạng của mình thông qua ký hiệu âm nhạc. Nó dựa trên quá trình sáng tạo sáng tạo, dựa trên nhận thức và tầm nhìn “được âm nhạc hóa” về thế giới. Tham lam trải nghiệm cuộc sống, ham muốn nhìn thấy mọi thứ, ham muốn cảm nhận mọi thứ, khi những ấn tượng và trải nghiệm cá nhân sau đó được tái sinh thành những hình ảnh âm nhạc.
Tạo ra một cấu trúc bố cục hài hòa và hợp lý, nhà soạn nhạc cố gắng xây dựng nó trong sự thống nhất của các cấu trúc phụ về bố cục, giai điệu, điệu điệu, nhịp điệu metro, kết cấu, âm sắc và động. Tác phẩm hoàn thiện nhất thiết phải mang dấu ấn cá nhân và tất nhiên mỗi nhà soạn nhạc đều có phong cách tư duy và cách trình bày riêng. Mỗi nhạc sĩ sáng tạo đều cố gắng đạt được kết quả cao trong công việc của mình, muốn tìm ra những hình thức mới, phấn đấu để hoàn thiện, mong muốn tác phẩm của mình trường tồn và lâu dài. cuộc sống hạnh phúc vì lợi ích của mọi người.
Phiên dịch- dịch từ tiếng Latinh - diễn giải, tức là quá trình diễn giải một tác phẩm âm nhạc, là sự làm phong phú và kết tinh các lý tưởng thẩm mỹ, các lựa chọn biểu diễn và phong cách trình diễn đặc trưng của thời đại đó, mỗi lần được phản ánh qua ý thức cá nhân của một người biểu diễn cụ thể.
Người biểu diễn là người trung gian giữa người sáng tác và khán giả. Nghệ thuật biểu diễn không đòi hỏi sự phản ánh tái tạo âm nhạc trong trí tưởng tượng của người chơi mà là sự chủ động, sáng tạo, liên quan chặt chẽ đến hoạt động của trí tưởng tượng, với quá trình xử lý phức tạp của từng cá nhân đối với chất liệu được cảm nhận. Đến lượt người biểu diễn lại trở thành người sáng tạo, bởi vì mặc dù anh ta bị giới hạn bởi khuôn khổ nghiêm ngặt của ký hiệu âm nhạc, nhưng, khi cố gắng đọc ký hiệu này một cách chính xác và đầy đủ nhất có thể, anh ta là một nhà tư tưởng, đưa ra, giống như một nhà phê bình và một nhà khoa học, phiên bản của câu hỏi “cái gì làm” một ý nghĩa công việc nhất định. Cuối cùng, người biểu diễn chính là “bản thân âm nhạc”, vì chỉ trong quá trình biểu diễn, âm nhạc mới có được bản thân, chất âm và sự đáp ứng ngữ nghĩa của nó.
Người biểu diễn tái tạo văn bản của tác giả. Tái tạo lại hình ảnh giàu cảm xúc và thẩm mỹ do nhà soạn nhạc đặt ra và đáp lại nó bằng chính hình ảnh của mình phản ứng cảm xúc. Ông không chỉ chịu trách nhiệm với tác giả mà còn với lượng thính giả đông đảo chưa từng có ngày nay, đối với nền văn hóa ý thức âm nhạc nói chung. Thật vậy, một họa sĩ có thể phá hủy tác phẩm của mình nếu anh ta cho rằng nó không thành công. Một nhà văn sẽ đốt hoặc xé bản thảo mà anh ta không thích. Một nhạc sĩ, giống như một diễn viên trong nhà hát, không thể phá hủy thành quả lao động của mình. Nghệ thuật của anh ấy là không thể đảo ngược.
Trong văn bản của một tác phẩm âm nhạc, trong chính âm thanh của nó, có cái có thể gọi là logic âm nhạc, tức là một khuôn mẫu về giai điệu, sự phát triển âm sắc, cường độ âm thanh, cách phát âm, cách diễn đạt, v.v. Sự hiện diện của logic âm nhạc dựa trên sự khác biệt về phong cách, thể loại và các đặc điểm tiếp theo của việc sản xuất âm thanh. Công việc phải được thực hiện theo phong cách riêng, đúng cách. Một nhạc sĩ-nghệ sĩ, việc phân tích một tác phẩm xa lạ, phụ thuộc vào kiến ​​\u200b\u200bthức và kỹ năng của anh ta.
Một nhạc sĩ biểu diễn phải không ngừng nỗ lực xây dựng văn hóa biểu diễn. Những kỹ thuật dễ tiếp cận và hiệu quả để kích hoạt hoạt động thính giác và tinh thần như chơi bằng tai, đọc thị giác và chuyển vị sẽ giúp ích cho việc này. Chơi nhạc bằng tai rất hữu ích cho bất kỳ nghệ sĩ chơi nhạc cụ nào ở các giai đoạn đào tạo khác nhau. Càng ngày, phương pháp sư phạm âm nhạc càng chuyển sang đọc thị giác. Chuyển vị giúp bạn nhận thức lại cách bấm ngón, quãng, hòa âm, là phương tiện triệt để nhất để phát triển thính giác, trí nhớ âm nhạc và giúp thiết lập mối liên hệ giữa chuyển động và thính giác.
Đọc thị giác- một trong những con đường ngắn nhất, hứa hẹn nhất dẫn đến sự phát triển chung về âm nhạc, nghệ thuật, trí tuệ và cảm xúc. Khả năng đọc và chuyển giọng là những kỹ năng chuyên nghiệp. Đây là những kỹ năng đặc trưng cho mức độ thành thạo một công cụ, trình độ chuyên môn và cuối cùng là sự phù hợp với công việc sản xuất.
Cách chính để phát triển các khái niệm thính giác và kích hoạt thính giác là chuyển vị. Bạn nên bắt đầu làm việc với việc chuyển cung bằng tai, và sau một thời gian, phương pháp này nên được bổ sung bằng cách chuyển cung bằng các nốt nhạc và dần dần biến phương pháp chuyển cung này thành phương pháp giảng dạy chính. Chuyển nốt là phương tiện triệt để nhất để phát triển kỹ năng nghe, ghi nhớ, chú ý, đọc thị giác, góp phần “thiết lập mối liên hệ giữa chuyển động và thính giác - toàn bộ quá trình trò chơi bắt đầu tuân theo các ý tưởng thính giác.
Khả năng nghe nội tâm giúp người biểu diễn làm việc trên một bản nhạc mà không cần nhạc cụ, cải thiện chất lượng của trò chơi bằng cách cải thiện chất lượng và nội dung của trò chơi. cảm giác thính giác.
Đọc thị giác là việc phát lại liên tục các chất liệu âm nhạc xa lạ theo nốt nhạc để làm quen với tác phẩm một cách tổng quát nhất. Mỗi nhạc sĩ nên cố gắng đọc hoàn hảo, biểu diễn một văn bản âm nhạc mới theo nhịp độ, với tất cả sự hoàn chỉnh về mặt nghệ thuật và với tất cả sự hướng dẫn của tác giả. Sự thành công của hoạt động này không chỉ phụ thuộc vào tài năng của người thực hiện, vai trò quan trọngĐây là lúc kinh nghiệm thu được trong quá trình tập luyện phát huy tác dụng.
Nhu cầu liên tục phát tài liệu mới, trong đó người biểu diễn bị giới hạn về thời gian, khiến quá trình đọc thị giác trở nên khó khăn hơn nhiều so với phân tích thông thường. Sự thành công của việc đọc thị giác phụ thuộc hoàn toàn vào mức độ phát triển kiến ​​thức, kỹ năng và khả năng của người biểu diễn: người biểu diễn càng nhìn và nghe nội tâm nhiều trong văn bản âm nhạc thì anh ta càng dự đoán sớm và xa hơn tính logic của sự phát triển của chất liệu âm nhạc, anh ấy càng thành thạo nhạc cụ thì anh ấy càng đọc thành công các nốt nhạc từ tầm nhìn .
Cải tiến, giống như các lựa chọn nêu trên để dạy chiến thuật sáng tạo âm nhạc (chuyển vị, đọc thị giác), có ảnh hưởng tích cực đến sự phát triển khả năng sáng tạo. Ứng biến có nghĩa là sáng tác ngay trong khi biểu diễn. Bắt đầu từ cảm xúc, tình cảm và trí tưởng tượng, sự ngẫu hứng bao gồm việc tạo ra một sản phẩm nghệ thuật và sáng tạo bằng sức mạnh của trí óc, công việc tự phát của nó sẽ ngay lập tức chọn lọc. hình thức cần thiết thực hiện các ý tưởng nghệ thuật. Âm nhạc tưởng tượng là phần không thể thiếu kỹ năng của người biểu diễn. Có hai loại ngẫu hứng chính: tự do và chủ đề nhất định.
Tư duy sáng tạo trong quá trình ứng tác dựa trên sự gắn kết chặt chẽ với âm thanh, tính chất ngữ điệu của nghệ thuật âm nhạc. Ngữ điệu, phát sinh do sự kết nối giữa các yếu tố của ngôn ngữ âm nhạc, có tính chất cơ bản, tượng hình, ngữ nghĩa và thành phần cấu trúc tác phẩm âm nhạc. Dựa trên các phức hợp ngữ điệu với sự trợ giúp của các mối quan hệ liên kết, người ta đưa ra lời kêu gọi khái quát ý tưởng nghệ thuật và hình tượng nghệ thuật cụ thể.
Cải tiến đưa ra một giải pháp mới, bất ngờ nhiệm vụ sáng tạo. Các nhiệm vụ sử dụng rộng rãi nguyên tắc của các tình huống có vấn đề tập trung vào việc tìm kiếm, chủ động và sáng tạo. Nói chung, học sinh phát triển nghệ thuật, âm nhạc và sáng tạo. tư duy phân tích. Phạm vi khả năng biểu diễn của anh ấy chắc chắn đang mở rộng.

Bộ Giáo dục và Khoa học Cộng hòa Kazakhstan

Sở Giáo dục khu vực Tây Kazakhstan

« Cao đẳng Âm nhạcđược đặt theo tên Kurmangazy"

có phương pháp

TIN NHẮN

về chủ đề:

“Biểu diễn là chìa khóa cho sự phát triển của một nghệ sĩ piano biểu diễn”

Hoàn thành: giáo viên

Raimkulov S.A.

Uralsk, 2014

Việc biểu diễn một tác phẩm âm nhạc vừa là mục tiêu, vừa là kết quả hoạt động của người nhạc sĩ. Đồng thời, sự biểu hiện của sự thành thạo trước hết gắn liền với khía cạnh sáng tạo của việc biểu diễn, bao gồm việc tạo ra và thực hiện hình ảnh biểu diễn của một tác phẩm âm nhạc. Tuy nhiên, quá trình này không chỉ là khoảnh khắc khơi dậy cảm hứng sáng tạo: sự thể hiện của nó được chuẩn bị bởi toàn bộ thời gian làm việc bằng một bản nhạc. Hình ảnh biểu diễn, là sản phẩm của trí tưởng tượng sáng tạo, tạo ra một cách trình bày chất liệu âm nhạc giúp bộc lộ ý nghĩa của tác phẩm và tầm nhìn cá nhân của nó, đồng thời xác định các phương tiện biểu diễn phù hợp.

Trong sư phạm âm nhạc hầu như không có phương pháp thực hành về sự phát triển các khía cạnh sáng tạo của biểu diễn hoặc các kỹ thuật kích thích sự phát triển trí tưởng tượng sáng tạo và quá trình tạo ra hình ảnh biểu diễn, cần thiết nếu chỉ vì một nỗ lực quản lý trực tiếp Việc đưa khái niệm hình ảnh biểu diễn vào ý thức học sinh gặp phải những khó khăn đáng kể liên quan đến tính chất trừu tượng (của khái niệm) của nó. Giải pháp cho vấn đề này sẽ cho phép chúng ta trang bị kỹ thuật hiện có trong lĩnh vực sư phạm âm nhạc bằng phương pháp tâm lý, giúp việc học hiệu quả hơn, thúc đẩy sự phát triển sáng tạo và tinh thần của các em.

Tuyên bố về vấn đề. Một trong những chính đặc điểm tâm lý biểu diễn âm nhạc coi đó là chức năng tinh thần cao nhất và sự phát triển của nó có thể coi là sự hình thành chức năng này, được thực hiện với sự trợ giúp của các phương tiện văn hóa. Mặt khác, sự phát triển các kỹ năng biểu diễn gắn liền với quá trình tưởng tượng sáng tạo, bao gồm việc tạo ra và biến đổi hình ảnh biểu diễn. Do đó, các phương tiện văn hóa cần thiết trước hết phải nhằm mục đích hình thành hình ảnh biểu diễn như một điều kiện cần thiết để phát triển các kỹ năng biểu diễn.

Phát triển hơn nữa kỹ năng biểu diễn giả định trước khả năng tái tạo tự phát của hình ảnh biểu diễn và độ ổn định của nó. Điều này đạt được tốt nhất khi việc biểu diễn một tác phẩm âm nhạc chỉ là một hoạt động trong khuôn khổ một hoạt động sáng tạo tổng quát hơn. Ở giai đoạn này, những thay đổi về động lực và văn hóa xã hội do sự phát triển các kỹ năng biểu diễn gây ra sẽ được nghiên cứu.

1. Hình ảnh khái niệm là sản phẩm của trí tưởng tượng sáng tạo, được tạo ra trong quá trình tổng hợp các đơn vị có vấn đề và cung cấp cho một hình ảnh biểu diễn riêng lẻ khả năng tái tạo tự phát, bất kể điều kiện biểu diễn.

2. Sự phát triển các kỹ năng biểu diễn âm nhạc gây ra những thay đổi về động lực và văn hóa xã hội ở học sinh: xuất hiện động lực cho các loại hoạt động sáng tạo khác, hình thành tâm lý sẵn sàng nói trước đám đông.

Trong tâm lý nghệ thuật hiện đại, trí tưởng tượng sáng tạo thường được coi là gắn liền với các quá trình nhận thức hoặc sáng tạo ra các tác phẩm hội họa, âm nhạc và văn học. Hoạt động biểu diễn âm nhạc được nghiên cứu chủ yếu dưới góc độ cảm xúc hoặc vận hành. Trong khi đó, loại hoạt động này biểu hiện cao nhất kỹ năng biểu diễn không chỉ bao hàm sự tham gia mà còn bao hàm sự ưu tiên của trí tưởng tượng sáng tạo, vì nó gắn liền với việc tạo ra và thể hiện hình ảnh biểu diễn của một tác phẩm âm nhạc.

Cũng cần lưu ý rằng hầu hết tất cả các nghiên cứu tâm lý liên quan đến trí tưởng tượng sáng tạo của các nhạc sĩ đều liên quan đến các nhà soạn nhạc, nhạc trưởng, nhạc công nổi tiếng, người tham gia các cuộc thi quốc tế, sinh viên nhạc viện - tức là những nghệ sĩ biểu diễn đã thành danh. Kết quả của những nghiên cứu này là một đóng góp đáng kể cho sự phát triển và hình thành của tâm lý học âm nhạc.

Các giai đoạn học kỹ năng biểu diễn được xem xét thông qua các giai đoạn hình thành hình tượng biểu diễn như một sản phẩm của trí tưởng tượng sáng tạo. Ba giai đoạn như vậy đã được xác định. Đầu tiên được đặc trưng bởi quá trình tạo ra hình ảnh biểu diễn, các tính năng chính của nó xuất hiện khi đưa các tác phẩm âm nhạc cụ thể vào. Những dấu hiệu đó là: tính toàn vẹn của màn trình diễn, tính hợp lệ của việc thể hiện cảm xúc, việc thể hiện thái độ của chính mình đối với những gì đang được trình diễn, sự hiện diện của các yếu tố diễn giải: sự thay đổi ở cao trào, sự gay cấn (dao động về thời gian), những thay đổi trong kế hoạch năng động của màn trình diễn, nhấn mạnh hoặc làm mượt nhịp điệu, các điểm nhấn khác thường, v.v.

Thứ hai là hiểu hình ảnh. Nó mang tải ngữ nghĩa lớn nhất trong quá trình phát triển kỹ năng biểu diễn âm nhạc: ở đây diễn ra quá trình hiểu như bối cảnh cho các tác phẩm âm nhạc được trình diễn, nhận thức. máy liên lạc bối cảnh này với nội dung âm nhạc. Làm việc cùng với “đơn vị vấn đề”, được định hướng từ bối cảnh đến âm nhạc, sẽ dẫn đến sự hiểu biết nội dung tổng thểđơn vị và làm rõ ý nghĩa biểu diễn của một tác phẩm âm nhạc, và do đó - để hiểu nó chi tiết nội bộ. Đã được chỉ định những cách có thể nội tâm hóa - chúng được chính tác phẩm âm nhạc gợi ý cho chúng ta như một đối tượng nghệ thuật. Trước hết, những con đường này gắn liền với những yêu cầu mà tác phẩm đưa ra đối với người biểu diễn. Những yêu cầu như vậy là hình thức âm nhạc, được xác định nội bộ cấu trúc động công trình; chế độ mang lại cảm giác về giai điệu cảm xúc và tên cho biết khu vực nội dung sẽ đặt ra một khuôn khổ nhất định cho người biểu diễn và ảnh hưởng đến nội dung của bối cảnh.

Giai đoạn thứ ba, giai đoạn cao nhất của quá trình hình thành hình ảnh biểu diễn bao gồm khả năng tái tạo tự phát và tính ổn định của nó, điều này đã trở nên tự nhiên. Điều kiện để chuyển sang giai đoạn này là việc biểu diễn một tác phẩm âm nhạc trong khuôn khổ hoạt động sáng tạo tổng quát hơn và quá trình tạo ra một hình ảnh khái niệm, dẫn đến sự hiểu biết về động lực bên trong của việc làm chủ âm nhạc và sự phát triển. năng lực sáng tạo trong các lĩnh vực chuyên môn khác nhau.

Học chơi piano là một quá trình phức tạp, đồ sộ và nhiều thành phần. Nhưng mục tiêu chính của nó - cùng với việc hình thành các kỹ năng chơi piano - là phát triển khả năng âm nhạc và khả năng tổng quát của học sinh. Khi đặt nhiệm vụ này, giáo viên phải lưu ý rằng các khả năng đặc biệt không tồn tại biệt lập mà có mối liên hệ hữu cơ với các khả năng chung và sự phát triển của chúng tuân theo những khuôn mẫu thống nhất mà giáo viên phải hiểu rõ và tính đến trong bài học của mình. công việc. Do đó, khi giải quyết các vấn đề về phương pháp luận để phát triển kỹ năng biểu diễn, có vẻ thích hợp để đưa ra một phân tích ngắn gọn về nghiên cứu lý thuyết chung trong lĩnh vực này và trên cơ sở đó xác định các nguyên tắc phương pháp cơ bản để phát triển khả năng.

Là một nền giáo dục phức tạp và nhiều mặt, các khả năng được nghiên cứu bởi nhiều ngành khoa học khác nhau: tâm lý học và sư phạm, triết học, xã hội học, thẩm mỹ, v.v. Ngoài ra, mỗi ngành khoa học cụ thể đều giải thích khả năng của con người theo quan điểm riêng. Các vấn đề liên quan đến việc nghiên cứu khả năng âm nhạc và xác định các khả năng cũng như mô hình phát triển của chúng chiếm vị trí trung tâm trong tâm lý học và sư phạm âm nhạc, vì giải pháp của chúng có tác động trực tiếp đến thực tiễn giáo dục âm nhạc. Khả năng âm nhạc được tâm lý học hiện đại định nghĩa là một dạng khả năng nhận thức cụ thể, biểu hiện trong hoạt động tinh thần đặc biệt của một người.

Những khả năng này được xem xét ở hai khía cạnh - khả năng nhận thức ngữ điệu-nghĩa bóng, lĩnh vực cảm xúcâm nhạc và khả năng điều hướng trong “hình ảnh âm thanh” của nó. Hơn nữa, trong chính quá trình hoạt động âm nhạc, những biểu hiện khả năng này có mối liên hệ chặt chẽ với nhau: “Khả năng đáp ứng cảm xúc ngày càng tăng đối với âm nhạc hình thành một xu hướng đòi hỏi sự phát triển các khả năng vận động thính giác, và cùng với đó là khả năng cảm nhận âm nhạc và cảm giác nhịp điệu. .” Đổi lại, việc phát triển khả năng âm nhạc cho phép một người cảm nhận một cách tinh tế hơn vẻ đẹp và tính biểu cảm của âm nhạc, cảm nhận được nội dung nghệ thuật nhất định trong đó và - hơn nữa - tái tạo chúng trong buổi biểu diễn của họ. Sự phát triển âm nhạc toàn diện đòi hỏi ở một người không chỉ những khả năng đặc biệt có tổ chức cao mà còn cả trình độ cao. phát triển chung, văn hóa tình cảm phong phú, óc quan sát tinh tế, trí tưởng tượng sáng tạo, gắn liền với phẩm chất và tính cách hoạt động-ý chí của ông. Do đó, trong nghiên cứu tâm lý và sư phạm hiện đại (Yu.B. Aliev, Z.A. Richkyavichyus, G.S. Tarasov, G.M. Tsypin), sự phát triển âm nhạc của học sinh được hiểu rộng hơn nhiều so với sự phát triển các khả năng đặc biệt của học sinh và nhiệm vụ hình thành nhân cách của học sinh. mang đến cho học sinh đi trước. Giải pháp của họ gắn liền với sự hiểu biết rằng âm nhạc và chính quá trình đó đào tạo âm nhạc là phương tiện hiệu quả tác động đến thế giới tâm linh của mình. Tất nhiên, nhiệm vụ phát triển khả năng âm nhạc, biểu diễn và hình thành nhân cách học sinh là rất lớn và đa dạng. Nhưng chúng phải được giải quyết ngay từ đầu quá trình giáo dục ở từng phần, từng loại hình hoạt động âm nhạc.

Làm thế nào những nhiệm vụ này có thể được thực hiện trong công việc cụ thể và cụ thể như hình thành các kỹ năng và khả năng vận động-kỹ thuật của học sinh, phát triển kỹ năng chơi piano của học sinh? Để trả lời câu hỏi này, có vẻ thích hợp để chuyển sang xem xét các nền tảng tâm lý và sư phạm của sự phát triển các khả năng âm nhạc và tìm hiểu xem trong chính cấu trúc của chúng, cơ chế tâm lý của các khả năng đó cung cấp cơ sở cho việc đặt ra các mục tiêu “toàn cầu” như vậy ở mức độ nào. các giai đoạn công việc khác nhau. Điều này hóa ra là có thể, trước hết, khi đề cập đến các khái niệm lý thuyết cơ bản của S.L. Rubinshteina, A.N. Leontyeva, B.G. Ananyev và các nhà khoa học khác. Tuy nhiên, trong số những tác phẩm dành cho khả năng âm nhạc, tác phẩm của B.M. Họ đã phát triển các loại tài năng âm nhạc “sự kết hợp độc đáo về mặt chất lượng giữa các khả năng phụ thuộc vào khả năng thực hiện thành công hoạt động âm nhạc và được xác định bởi chính bản chất của âm nhạc” và khả năng âm nhạc – “khả năng trải nghiệm âm nhạc như một biểu hiện”. của một số nội dung", trung tâm của nó là "sự phản ứng cảm xúc với âm nhạc".

Tác giả phân tích chi tiết những đặc tính cơ bản, ban đầu của tâm hồn con người (“cốt lõi của âm nhạc”), cần thiết để có đủ nhận thức khác biệtâm nhạc và do đó rất quan trọng cho sự phát triển các khả năng. Hơn nữa, Teplov coi hai mặt này của âm nhạc - cảm xúc và thính giác - trong một thể thống nhất phụ thuộc lẫn nhau, vì “xét riêng biệt, chúng làm mất đi sự chắc chắn và nội dung khách quan trong nhận thức và trải nghiệm âm nhạc về âm nhạc”. Teplov đưa vào khái niệm tài năng âm nhạc không chỉ những biểu hiện cụ thể đặc tính tinh thần người, mà còn phẩm chất chung những cá nhân tham gia vào cả hoạt động âm nhạc và bất kỳ hoạt động nghệ thuật nào: sức mạnh, sự phong phú và tính chủ động của trí tưởng tượng, sự kết hợp giữa hình ảnh thính giác và thị giác trong đó; khả năng đắm chìm cảm xúc vào một bản nhạc và tập trung mọi suy nghĩ vào nó sức mạnh tinh thần; các đặc điểm về sự chú ý, trí nhớ, trình độ hiểu biết, kinh nghiệm sống.

Các phương pháp tiếp cận cơ bản được vạch ra để nghiên cứu khả năng âm nhạc đã được phát triển hơn nữa trong các tác phẩm của V.N. Myasishchev và A.L. Gottsidner, L.L. Bochkarev, K.V. Tarasova và các nhà tâm lý học và nhạc sĩ khác. Họ xem xét sự hình thành chủng loại và bản thể của âm nhạc và khả năng âm nhạc, cấu trúc của chúng, mối quan hệ giữa sinh học và xã hội trong chúng, đồng thời thu hút sự chú ý đến thành phần chung năng khiếu âm nhạc là điều kiện tiên quyết để hoạt động âm nhạc thành công. Phân tích các loại khác nhau của nó (lắng nghe, sáng tạo, hiệu suất), các tác giả cho thấy nó được hiện thực hóa như thế nào nguyên tắc cơ bản sự hình thành các khả năng. Vì vậy, họ thuyết phục chúng ta rằng sự phát triển các khả năng âm nhạc, cũng như bản thân quá trình sáng tạo âm nhạc, cốt lõi thiết yếu của nó - sự hình thành nhận thức và sau đó là sự chuyển giao biểu diễn hình ảnh nghệ thuật tổng thể của một tác phẩm âm nhạc - đều phải tuân theo các nguyên tắc chung thống nhất. quy luật tâm lý. Đồng thời, họ chứng minh khả năng âm nhạc có nét đặc trưng riêng, gắn liền với đặc điểm của âm nhạc với tư cách là một loại hình nghệ thuật. Do đó, những tác phẩm trong đó âm nhạc, hoạt động âm nhạc và tâm lý con người được xem xét có mối liên hệ với nhau có tầm quan trọng đặc biệt để phân tích tính đặc thù này. Nhiều tác phẩm này về tâm lý học nhận thức âm nhạc (Yu.B. Aliev, N.A. Vetlugina, G.S. Tarasov) và các tác phẩm âm nhạc “ranh giới” cùng với chúng (V.V. Medushevsky, E.V. Nazaikinsky, A.N. . Sokhor); nghiên cứu trong lĩnh vực tâm lý học biểu diễn âm nhạc (L.L. Bochkarev, V.A. Petrushin, G.M. Tsypin) hoặc các công trình tương tự về lý thuyết biểu diễn (L.A. Barenboim, G.M. Kogan, S.I. Savshinsky, V.G. Razhnikov) và chuyên khảo của các giáo viên dạy piano xuất sắc (G. G. Neugauz, Ya. I. Milshtein, S. E. Feinberg), bằng cách này hay cách khác liên quan đến các vấn đề phát triển kỹ năng biểu diễn. Việc làm quen với những công việc này không chỉ giúp bạn có thể xác định được nhiệm vụ phát triển âm nhạc học sinh trong quá trình hoạt động giáo dục và biểu diễn mà còn phải xem xét chi tiết, làm cơ sở cho giải pháp của mình, cấu trúc và cơ chế hình thành khả năng âm nhạc trong đặc thù biểu diễn piano của các em. Các vấn đề về phát triển khả năng âm nhạc cũng được giải quyết theo cách tương tự: B.V. Asafiev, L.S Vygotsky, D.K. Kirnarskaya, S.M. Maykapar, A.V. Malinkovskaya, A.G. Kovalev, F.M. Blumenfeld, V.A. Zuckerman và nhiều người khác.

Tuy nhiên, bản thân các khả năng không phải là mục tiêu đặc biệt của những nghiên cứu này - phạm trù trọng tâm trong đó là thực hiện hoạt động quyết định khả năng tiếp cận các vấn đề về khả năng. Vì vậy, trong văn học hiện đại, đặc biệt là trong các tác phẩm của giáo viên âm nhạc, các nhà nghiên cứu lưu ý “mong muốn đưa vào cấu trúc âm nhạc những khả năng thẩm mỹ âm nhạc và tâm vận động nói chung cần thiết cho một số loại hoạt động biểu diễn nhất định”. Ví dụ, S.I. Savshinsky mô tả đặc điểm âm nhạc dựa trên hoạt động biểu diễn của học sinh và chia các khả năng thành nghệ thuật (cảm xúc, nội dung, tính nghệ thuật), kỹ thuật (kỹ thuật điêu luyện, độ chính xác khi chơi) và thẩm mỹ (âm sắc phong phú, sắc thái). Và L.A. Barenboim đề xuất đưa vào tổ hợp âm nhạc cơ bản như khả năng quan sát dòng nhạc và đọc nó từ một tờ giấy, khả năng trải nghiệm hình thức âm nhạc như một quá trình. Tất cả chú ý hơn về sư phạm, cũng như tâm lý học và âm nhạc học (M.G. Aranovsky, A.N. Sokhor), được đưa ra quá trình trí tuệ, người ta nhấn mạnh rằng chúng dựa trên “lớp ngôn ngữ của tư duy âm nhạc”, giúp cho việc giao tiếp âm nhạc (bao gồm cả biểu diễn) trở nên khả thi. Các vấn đề trong việc diễn giải một tác phẩm âm nhạc có tầm quan trọng đặc biệt; sự chú ý tập trung vào thực tế là nhiệm vụ truyền tải đầy đủ ý định của tác giả đòi hỏi người biểu diễn phải: a) có khả năng đọc văn bản âm nhạc, xuyên qua nó vào thế giới tưởng tượng của tác giả; b) khả năng kết nối nó với sự hiểu biết của bạn về phong cách, quỹ cảm xúc và kinh nghiệm sống của chính bạn; c) mong muốn hiện thực hóa hình ảnh biểu diễn được sinh ra (theo V.G. Razhnikov) một cách chính xác và thuyết phục nhất có thể thông qua việc lựa chọn các kỹ thuật chơi piano thích hợp, và do đó cần phải bổ sung liên tục “kho vũ khí” kỹ thuật của mình.

Trong các công việc của những năm gần đây, nhiệm vụ là suy nghĩ lại về chiến lược sư phạm và chiến thuật phương pháp luận hiện có, theo đó sự phát triển âm nhạc của học sinh được rút gọn thành việc phát triển các khả năng âm nhạc cơ bản, làm giàu trí nhớ, kỹ năng biểu diễn, tích lũy kỹ năng và kiến thức (Z.N.Richkevicius). Các tác giả nhấn mạnh trong sự phát triển âm nhạc, vai trò của kiến ​​thức âm nhạc mang tính cá nhân, sáng tạo sâu sắc, kết hợp thông tin nghệ thuật đến từ đối tượng (một bản nhạc) với cảm xúc và ngữ nghĩa. kinh nghiệm sống môn học - chỉ bằng cách này người ta mới có thể “giới thiệu học sinh vào thế giới nghệ thuật âm nhạc tuyệt vời, dạy các em yêu và hiểu âm nhạc với tất cả sự phong phú về hình thức và thể loại của nó, hay nói cách khác là giáo dục học sinh văn hóa âm nhạc như một phần của toàn bộ nền văn hóa tinh thần của họ” (D.B. Kabalevsky). Vẫn nằm trong khuôn khổ của cách tiếp cận xã hội học nói chung, tất cả các nghiên cứu trên và các nghiên cứu khác đặt nhiệm vụ là nghiên cứu các chức năng nghệ thuật và giáo dục của âm nhạc, và trong đó chúng tiếp xúc với sư phạm âm nhạc, cung cấp những cách tiếp cận mới về lý thuyết về khả năng âm nhạc và chắc chắn có thể hỗ trợ giáo viên thực hành.

Tìm ra chìa khóa mở ra kho tàng ấn tượng cuộc sống của học sinh và sử dụng chúng đúng hướng trở thành một trong những điều quan trọng nhất. nhiệm vụ quan trọng công việc của giáo viên. Điều này cho phép anh ta không chỉ kích thích sự phát triển âm nhạc của học sinh mà còn thâm nhập vào thế giới tâm linh của anh ta và tác động tích cực đến anh ta: đánh thức trí tưởng tượng, mở rộng tầm nhìn âm nhạc và nghệ thuật cũng như hình thành gu thẩm mỹ của anh ta. Thiết lập mối quan hệ giữa nhiều loại nghệ thuật, giáo viên dạy cách suy nghĩ rộng rãi và sáng tạo, đồng thời bộc lộ sự tương tác giữa các khả năng, cố gắng đảm bảo rằng học sinh có thể “học với cùng lợi ích từ Madonna của Raphael giống như một nghệ sĩ học từ bản giao hưởng của Mozart” (R. Schumann).

Phân tích được thực hiện phương pháp tiếp cận lý thuyếtđối với vấn đề phát triển kỹ năng biểu diễn sẽ mang lại lợi ích chắc chắn trong thực tế đào tạo đặc biệt nghệ sĩ piano, vì nó sẽ giúp xác định điểm xuất phát và các hướng dẫn tâm lý và sư phạm sẽ hướng dẫn giáo viên trong hoạt động sư phạm. Trong số những điểm khởi đầu quan trọng nhất cần tiếp cận các vấn đề phát triển âm nhạc của học sinh, có thể lưu ý những điểm sau:

Khả năng âm nhạc không tồn tại như một “khả năng tự thân”, nằm ngoài nhận thức về âm nhạc hoặc sự tái tạo âm thanh hoặc biểu diễn trực tiếp. Hiện tại sự kết hợp phức tạp tự nhiên (bẩm sinh), xã hội và cá nhân, chúng chỉ phát triển trong hoạt động âm nhạc thực tế. Chơi một nhạc cụ chính xác có thể là một hoạt động như vậy, khi các khả năng không chỉ thể hiện mà còn được hình thành và tồn tại ở dạng năng động. Như vậy, hoạt động âm nhạc giáo dục đóng vai trò như một quá trình và khả năng âm nhạc – là tiềm năng của cá nhân, tương tác chặt chẽ với nhau.

Quá trình hình thành năng lực biểu diễn ngay trong cái nhìn tổng quát người ta có thể tưởng tượng như sau: khả năng phản ứng tăng lên đối với ấn tượng âm nhạc làm nảy sinh xu hướng nghe nhạc và biểu diễn nó, điều này phát triển thành nhu cầu ổn định về các bài học âm nhạc. Đồng thời, mối quan hệ giữa khả năng và hoạt động được thể hiện ở chỗ trong một số tình huống, cái chủ yếu liên quan đến hoạt động là thiên hướng về âm nhạc và sự biểu hiện của một số tính chất tự nhiên nhất định, ở những tình huống khác - hoạt động là hình thức chính và lý do chính sự hình thành các khả năng.

Khi giải quyết các vấn đề phát triển khả năng âm nhạc của một nghệ sĩ piano biểu diễn, cần tính đến: xu hướng chung trong việc phát triển kỹ năng biểu diễn, trình độ chất lượng cao hơn về khả năng của một nhạc sĩ chuyên nghiệp và đặc điểm biểu diễn của họ. Điều này cho phép, lấy làm cơ sở cách tiếp cận truyền thống Phân loại các khả năng, coi tài năng âm nhạc là một hệ thống tương tác giữa các khả năng chung (tinh thần), đặc biệt (âm nhạc) và khả năng biểu diễn thực tế. Sự phức tạp về khả năng âm nhạc của một nghệ sĩ piano biểu diễn bao gồm cơ sở là thính giác âm nhạc, cảm giác nhịp điệu, trí nhớ âm nhạc, khả năng đọc văn bản và nắm bắt hình thức của một tác phẩm âm nhạc, tư duy âm nhạc, trí tưởng tượng nghệ thuật và sáng tạo và khả năng diễn giải. . Lần lượt, mỗi khả năng là giáo dục phức tạp, bao gồm nhiều thành phần tương tác, bao gồm cả “khoảnh khắc” về năng khiếu nói chung và phẩm chất cá nhân. Khi chuyển hóa thành những khả năng âm nhạc đặc biệt, các em góp phần phát triển từ các thành phần cơ bản đến các thành phần ngày càng phức tạp và đảm bảo sự tích hợp của chúng thành một hệ thống không thể thiếu.

Tất cả các khả năng âm nhạc đều phát triển trong điều kiện tương tác chặt chẽ: không thể có một khả năng hoàn toàn vắng mặt những khả năng khác, nhưng sự phát triển về chất của chúng khác nhau , Đó là lý do tại sao Trong thực tiễn giảng dạy, câu hỏi về mối quan hệ này hay mối quan hệ khác của chúng và khả năng bù đắp một số thành phần tương đối yếu bằng các thành phần khác, tiên tiến hơn trở nên rất quan trọng. Trên con đường này, giáo viên được trao quyền tự do lựa chọn sáng tạo, cơ hội sử dụng tối đa điểm mạnh tài năng âm nhạc cá nhân.

Điều đặc biệt quan trọng trong quá trình sư phạm là đạt được sự thống nhất giữa cảm xúc và ý thức. trong việc phát triển nhân cách, điều này làm tăng đáng kể khả năng tinh thần của học sinh và cho phép giáo viên mở rộng phạm vi các phương tiện ảnh hưởng sư phạm. Điều này trở nên khả thi nhờ sự tham gia thường xuyên và tích cực của các mối liên hệ giữa âm nhạc với cuộc sống, tập trung sự chú ý của học sinh vào nội dung cuộc sống của âm nhạc và các phương tiện biểu đạt của nó, kết nối kiến ​​thức âm nhạc và các hiệp hội ngoài âm nhạc, xác định và làm phong phú thêm khả năng âm nhạc của học sinh, kinh nghiệm sống nghệ thuật và nói chung, và cuối cùng, nhờ tác động của cá nhân đến thế giới tinh thần của anh ta, giúp “lây nhiễm” âm nhạc vào học sinh, khơi dậy trong anh ta sự đồng cảm với điều kỳ diệu của nghệ thuật âm nhạc và cuối cùng phát triển một cách tiếp cận dựa trên cảm xúc và giá trị đến nó.

Sự phát triển kỹ năng biểu diễn của học sinh có quan hệ mật thiết với hoạt động giáo dục– nó diễn ra “bên trong” quá trình sáng tạo trong việc làm chủ và biểu diễn các tác phẩm âm nhạc, với sự “đắm chìm” sâu sắc vào thế giới cảm xúc và ý nghĩa của tác phẩm cũng như sự phát triển các kỹ thuật biểu diễn tương ứng với nó.

Vì vậy, giáo viên phải sử dụng tất cả các khả năng của quá trình này để phát triển nhân cách người nhạc sĩ - không ngừng gắn kết nhiệm vụ thông thạo một bản nhạc và nâng cao kỹ năng chơi piano của học sinh với sự phát triển các khả năng chung và khả năng âm nhạc của học sinh, điều này cuối cùng sẽ quyết định tương lai nghề nghiệp và sáng tạo của mình.