Walaupun pada pandangan pertama, jelas bahawa karya seni terdiri daripada sisi, unsur, aspek dan sebagainya. Dengan kata lain, ia mempunyai kompleks komposisi dalaman. Lebih-lebih lagi, bahagian-bahagian individu karya itu disambungkan dan disatukan antara satu sama lain dengan begitu rapat sehingga ini memberi alasan untuk menyamakan karya secara metafora dengan organisma hidup. Oleh itu, komposisi kerja dicirikan bukan sahaja oleh kerumitan, tetapi juga oleh keteraturan. Karya seni ialah keseluruhan yang tersusun secara kompleks; Dari kesedaran fakta yang jelas ini mengikuti keperluan untuk memahami struktur dalaman kerja, iaitu, untuk mengasingkan komponen individunya dan menyedari hubungan antara mereka. Penolakan terhadap sikap sedemikian tidak dapat dielakkan membawa kepada empirisme dan pertimbangan yang tidak berasas tentang karya itu, untuk melengkapkan sewenang-wenangnya dalam pertimbangannya dan akhirnya melemahkan pemahaman kita tentang keseluruhan artistik, meninggalkannya pada tahap persepsi pembaca utama.

DALAM kritikan sastera moden Terdapat dua aliran utama dalam mewujudkan struktur kerja. Yang pertama datang daripada pengenalan beberapa lapisan atau peringkat dalam karya, sama seperti dalam linguistik dalam ujaran yang berasingan seseorang boleh membezakan tahap fonetik, morfologi, leksikal, sintaksis. Pada masa yang sama, penyelidik yang berbeza mempunyai idea yang berbeza tentang kedua-dua set tahap itu sendiri dan sifat perhubungan mereka. Jadi, M.M. Bakhtin melihat dalam karya terutamanya dua peringkat - "dongeng" dan "plot", dunia yang digambarkan dan dunia imej itu sendiri, realiti pengarang dan realiti wira*. MM. Hirshman mencadangkan struktur yang lebih kompleks, pada asasnya tiga peringkat: irama, plot, wira; di samping itu, "secara menegak" tahap ini diserap oleh organisasi subjek-objek karya, yang akhirnya mewujudkan bukan struktur linear, sebaliknya grid yang ditumpangkan pada karya seni**. Terdapat model lain karya seni yang mempersembahkannya dalam bentuk beberapa peringkat, bahagian.

___________________

* Bakhtin M.M. Estetika kreativiti lisan. M., 1979. Hlm 7–181.

** Girshman M.M. Gaya karya sastera // Teori gaya sastera. Aspek moden belajar. M., 1982. S. 257-300.

Kelemahan umum konsep-konsep ini jelas boleh dianggap sebagai subjektiviti dan kesewenang-wenangan tahap mengenal pasti. Lebih-lebih lagi, belum ada yang mencuba mewajarkan pembahagian kepada peringkat dengan beberapa pertimbangan dan prinsip umum. Kelemahan kedua berikutan dari yang pertama dan terdiri daripada fakta bahawa tiada pembahagian mengikut tahap meliputi keseluruhan kekayaan unsur-unsur karya, atau bahkan memberikan idea yang komprehensif tentang komposisinya. Akhirnya, tahap mesti dianggap sebagai asasnya sama - jika tidak, prinsip penstrukturan kehilangan maknanya - dan ini dengan mudah membawa kepada kehilangan idea tentang teras tertentu karya seni, menghubungkan unsur-unsurnya ke dalam integriti sebenar; hubungan antara tahap dan elemen ternyata lebih lemah daripada yang sebenarnya. Di sini kita juga harus perhatikan hakikat bahawa pendekatan "tahap" sangat sedikit mengambil kira perbezaan asas dalam kualiti beberapa komponen kerja: oleh itu, jelas bahawa idea artistik dan perincian artistik adalah fenomena pada asasnya. sifat yang berbeza.

Pendekatan kedua kepada struktur karya seni mengambil kategori umum seperti kandungan dan bentuk sebagai bahagian utama. Pendekatan ini dibentangkan dalam bentuk yang paling lengkap dan beralasan dalam karya G.N. Pospelova*. Kecenderungan metodologi ini mempunyai lebih sedikit kelemahan daripada yang dibincangkan di atas; ia lebih konsisten dengan struktur kerja sebenar dan lebih wajar dari sudut pandangan falsafah dan metodologi.

___________________

*Lihat, sebagai contoh: Pospelov G.N. Masalah gaya sastera. M., 1970. Hlm 31–90.

Kita akan mulakan dengan justifikasi falsafah untuk membezakan kandungan dan bentuk dalam keseluruhan artistik. Kategori kandungan dan bentuk, dibangunkan dengan sangat baik dalam sistem Hegel, menjadi kategori penting dialektik dan telah berulang kali berjaya digunakan dalam analisis pelbagai jenis objek kompleks. Penggunaan kategori ini dalam estetika dan kritikan sastera juga membentuk tradisi yang panjang dan membuahkan hasil. Oleh itu, tiada apa yang menghalang kita daripada menggunakan yang telah terbukti dengan baik konsep falsafah dan kepada analisis karya sastera, lebih-lebih lagi, dari sudut metodologi, ini hanya akan menjadi logik dan semula jadi. Tetapi terdapat juga sebab khusus untuk memulakan pembedahan karya seni dengan menonjolkan kandungan dan bentuknya. Karya seni bukanlah fenomena semula jadi, tetapi budaya, yang bermaksud bahawa ia berdasarkan prinsip kerohanian, yang, untuk wujud dan dirasakan, pastinya mesti memperoleh beberapa penjelmaan material, cara wujud dalam sistem. tanda-tanda material. Oleh itu, sifat semula jadi untuk menentukan sempadan bentuk dan kandungan dalam karya: prinsip kerohanian adalah kandungan, dan penjelmaan materialnya adalah bentuk.

Kita boleh mentakrifkan kandungan karya sastera sebagai intipati, kerohanian, dan bentuknya sebagai cara kewujudan kandungan ini. Kandungan, dengan kata lain, adalah "kenyataan" penulis tentang dunia, reaksi emosi dan mental tertentu terhadap fenomena realiti tertentu. Bentuk ialah sistem cara dan teknik di mana tindak balas ini menemui ekspresi dan penjelmaan. Memudahkan sedikit, kita boleh mengatakan bahawa kandungan adalah apa Apa penulis berkata dengan karyanya, dan bentuk - Bagaimana dia melakukannya.

Bentuk karya seni mempunyai dua fungsi utama. Yang pertama dijalankan dalam keseluruhan artistik, jadi ia boleh dipanggil dalaman: ia adalah fungsi untuk menyatakan kandungan. Fungsi kedua terdapat dalam kesan karya kepada pembaca, jadi ia boleh dipanggil luaran (berkaitan dengan karya). Ia terdiri daripada fakta bahawa bentuk mempunyai kesan estetik kepada pembaca, kerana ia adalah bentuk yang bertindak sebagai pembawa kualiti estetik karya seni. Kandungan itu sendiri tidak boleh cantik atau hodoh dalam erti kata estetik yang ketat - ini adalah sifat yang timbul secara eksklusif pada tahap bentuk.

Daripada apa yang telah diperkatakan tentang fungsi bentuk, jelaslah bahawa persoalan konvensyen, yang begitu penting bagi sesebuah karya seni, diselesaikan secara berbeza berhubung dengan kandungan dan bentuk. Jika dalam bahagian pertama kita mengatakan bahawa karya seni secara umum adalah konvensyen berbanding dengan realiti primer, maka darjah konvensyen ini berbeza untuk bentuk dan kandungan. Dalam karya seni kandungannya tidak bersyarat; berhubung dengannya, seseorang tidak boleh bertanya soalan "mengapa ia wujud?" Seperti fenomena realiti utama, kandungan dunia seni wujud tanpa sebarang syarat, sebagai sesuatu yang tidak boleh diubah. Ia tidak boleh menjadi fantasi bersyarat, tanda sewenang-wenangnya, yang mana tidak ada yang tersirat; dalam erti kata yang ketat, kandungan tidak boleh dicipta - ia secara langsung datang ke dalam karya dari realiti utama (dari kewujudan sosial orang atau dari kesedaran pengarang). Sebaliknya, bentuk boleh menjadi hebat dan tidak masuk akal secara bersyarat seperti yang diingini, kerana dengan konvensyen bentuk sesuatu yang dimaksudkan; ia wujud "untuk sesuatu" - untuk menjelmakan kandungan. Oleh itu, bandar Shchedrin Foolov adalah ciptaan fantasi tulen pengarang; ia adalah konvensional, kerana ia tidak pernah wujud dalam realiti, tetapi Rusia autokratik, yang menjadi tema "Sejarah Kota" dan terkandung dalam imej bandar Foolov, bukan konvensyen atau fiksyen.

Marilah kita ambil perhatian kepada diri kita sendiri bahawa perbezaan tahap konvensyen antara kandungan dan bentuk menyediakan kriteria yang jelas untuk mengklasifikasikan satu atau satu lagi elemen khusus karya sebagai bentuk atau kandungan - kenyataan ini akan berguna kepada kita lebih daripada sekali.

Sains moden bermula daripada keutamaan kandungan berbanding bentuk. Berhubung dengan karya seni, ini adalah benar untuk kedua-duanya proses kreatif(penulis sedang mencari bentuk yang sesuai, walaupun untuk kandungan yang samar-samar tetapi sudah sedia ada, tetapi tidak begitu sebaliknya - dia tidak mula-mula membuat "bentuk siap", dan kemudian menuangkan beberapa kandungan ke dalamnya), dan untuk kerja sedemikian (ciri kandungan menentukan dan menerangkan kepada kami spesifik borang, tetapi bukan sebaliknya). Walau bagaimanapun, dalam dalam erti kata tertentu, iaitu berhubung dengan kesedaran perceiving, ia adalah bentuk yang primer, dan kandungan sekunder. Oleh kerana persepsi deria sentiasa mendahului reaksi emosi dan, lebih-lebih lagi, pemahaman rasional subjek, lebih-lebih lagi, ia berfungsi sebagai asas dan asas bagi mereka, kita melihat dalam karya pertama bentuknya, dan hanya kemudian dan hanya melaluinya artistik yang sepadan. kandungan.

Daripada ini, dengan cara ini, ia mengikuti bahawa pergerakan analisis karya - dari kandungan ke bentuk atau sebaliknya - bukanlah kepentingan asas. Mana-mana pendekatan mempunyai justifikasinya: yang pertama - dalam sifat penentuan kandungan berhubung dengan bentuk, yang kedua - dalam corak persepsi pembaca. A.S. mengatakan ini dengan baik. Bushmin: “Ia sama sekali tidak perlu... untuk memulakan kajian dengan kandungan, hanya dipandu oleh satu pemikiran bahawa kandungan menentukan bentuk, dan tanpa mempunyai alasan lain yang lebih khusus untuk ini. Sementara itu, urutan pertimbangan karya seni inilah yang telah berubah menjadi skema yang dipaksakan, digodam, membosankan untuk semua orang, setelah menerima penggunaan yang meluas baik dalam pengajaran sekolah mahupun dalam buku teks, dan dalam karya sastera ilmiah. Pemindahan dogmatik kedudukan umum teori sastera yang betul kepada metodologi kajian khusus kerja menimbulkan templat yang membosankan"*. Marilah kita menambah ini bahawa, sudah tentu, corak yang bertentangan tidak akan menjadi lebih baik - ia sentiasa wajib untuk memulakan analisis dengan borang. Semuanya bergantung pada situasi tertentu dan tugas khusus.

___________________

* Bushmin A.S. Ilmu sastera. M., 1980. ms 123–124.

Daripada semua yang telah diperkatakan, timbul kesimpulan yang jelas bahawa dalam karya seni kedua-dua bentuk dan kandungan adalah sama penting. Pengalaman perkembangan sastera dan kritikan sastera juga membuktikan pendirian ini. Mengurangkan kepentingan kandungan atau mengabaikannya sepenuhnya membawa kritikan sastera kepada formalisme, kepada pembinaan abstrak yang tidak bermakna, membawa kepada melupakan sifat sosial seni, dan dalam amalan artistik, yang dipandu oleh konsep sedemikian, ia bertukar menjadi estetika dan elitisme. Walau bagaimanapun, mengabaikan bentuk artistik sebagai sesuatu yang sekunder dan, pada dasarnya, tidak perlu mempunyai akibat negatif yang tidak kurang. Pendekatan ini sebenarnya memusnahkan karya sebagai fenomena seni, memaksa kita untuk melihat di dalamnya hanya ideologi ini atau itu, dan bukan fenomena ideologi dan estetik. Dalam amalan kreatif yang tidak mahu mengambil kira kepentingan bentuk yang sangat besar dalam seni, ilustrasi rata, primitif, dan penciptaan pengisytiharan "betul" tetapi tidak berpengalaman secara emosi tentang topik "relevan" tetapi belum diterokai secara artistik pasti muncul.

Dengan menyerlahkan bentuk dan kandungan dalam sesebuah karya, kami dengan itu menyamakannya dengan mana-mana keseluruhan yang disusun secara kompleks. Namun begitu, perkaitan antara bentuk dan isi dalam sesebuah karya seni juga mempunyai kekhususannya yang tersendiri. Mari lihat apa kandungannya.

Pertama sekali, adalah perlu untuk memahami dengan tegas bahawa hubungan antara kandungan dan bentuk bukanlah hubungan ruang, tetapi hubungan struktur. Bentuknya bukan cangkerang yang boleh dikeluarkan untuk mendedahkan isirong kacang - kandungannya. Jika kita mengambil karya seni, maka kita tidak akan berdaya untuk "menuding dengan jari kita": inilah bentuknya, tetapi inilah kandungannya. Dari segi ruang ia digabungkan dan tidak dapat dibezakan; perpaduan ini dapat dirasai dan ditunjukkan pada mana-mana "titik" teks sastera. Mari kita ambil, sebagai contoh, episod dari novel Dostoevsky "The Brothers Karamazov", di mana Alyosha, apabila ditanya oleh Ivan apa yang perlu dilakukan dengan pemilik tanah yang memburu kanak-kanak dengan anjing, menjawab: "Tembak!" Apakah yang diwakili oleh "tembakan" ini? – kandungan atau bentuk? Sudah tentu, kedua-duanya dalam kesatuan, dalam kesatuan. Di satu pihak, ini adalah sebahagian daripada ucapan, bentuk lisan kerja; Replika Alyosha menduduki tempat tertentu dalam bentuk komposisi karya. Ini adalah urusan rasmi. Sebaliknya, "menembak" ini adalah komponen watak wira, iaitu, asas tematik karya; kenyataan itu menyatakan salah satu giliran dalam usaha moral dan falsafah wira dan pengarang, dan sudah tentu, ia adalah aspek penting dalam dunia ideologi dan emosi karya - ini adalah detik yang bermakna. Jadi dalam satu perkataan, pada asasnya tidak boleh dibahagikan kepada komponen spatial, kami melihat kandungan dan bentuk dalam kesatuan mereka. Keadaannya serupa dengan karya seni secara keseluruhannya.

Perkara kedua yang perlu diberi perhatian ialah perkaitan istimewa antara bentuk dan isi dalam keseluruhan seni. Menurut Yu.N. Tynyanov, hubungan diwujudkan antara bentuk artistik dan kandungan artistik yang tidak seperti hubungan "wain dan gelas" (gelas sebagai bentuk, wain sebagai kandungan), iaitu hubungan keserasian bebas dan pemisahan yang sama bebas. Dalam sesebuah karya seni, kandungannya tidak acuh tak acuh terhadap bentuk khusus yang terkandung di dalamnya, begitu juga sebaliknya. Wain akan kekal wain sama ada kita tuangkan ke dalam gelas, cawan, pinggan, dan lain-lain; kandungan acuh tak acuh untuk membentuk. Dengan cara yang sama, anda boleh menuangkan susu, air, minyak tanah ke dalam gelas di mana wain berada - bentuknya "tidak peduli" dengan kandungan yang mengisinya. Tidak begitu dalam karya fiksyen. Di sana hubungan antara prinsip formal dan substantif mencapai tahap tertinggi. Ini mungkin paling baik ditunjukkan dalam corak berikut: sebarang perubahan dalam bentuk, walaupun yang kelihatan kecil dan khusus, tidak dapat dielakkan dan serta-merta membawa kepada perubahan dalam kandungan. Cuba untuk mengetahui, sebagai contoh, kandungan unsur formal seperti meter puisi, ahli puisi menjalankan eksperimen: mereka "mengubah" baris pertama bab pertama "Eugene Onegin" dari iambic ke trochaic. Inilah yang berlaku:

Pakcik paling peraturan yang adil,

Dia jatuh sakit teruk

Membuat saya menghormati diri saya sendiri

Saya tidak dapat memikirkan apa-apa yang lebih baik.

Makna semantik, seperti yang kita lihat, kekal secara praktikalnya sama; perubahan nampaknya hanya melibatkan bentuk. Tetapi jelas kepada mata kasar bahawa salah satu komponen kandungan yang paling penting telah berubah - nada emosi, mood petikan. Ia bertukar daripada naratif epik kepada cetek main-main. Bagaimana jika kita membayangkan bahawa keseluruhan "Eugene Onegin" ditulis dalam trochee? Tetapi ini adalah mustahil untuk dibayangkan, kerana dalam kes ini kerja itu hanya dimusnahkan.

Sudah tentu, eksperimen dengan bentuk sedemikian adalah kes yang unik. Walau bagaimanapun, dalam kajian karya, kita sering, sama sekali tidak menyedarinya, menjalankan "eksperimen" yang serupa - tanpa mengubah struktur bentuk secara langsung, tetapi hanya tanpa mengambil kira ciri-ciri tertentu. Jadi, belajar di Gogol " arwah mati"terutamanya Chichikov, pemilik tanah, ya" wakil individu"dari kalangan birokrat dan petani, kami mempelajari hampir sepersepuluh daripada "populasi" puisi itu, mengabaikan jisim pahlawan "kecil" yang di Gogol tidak menengah, tetapi menarik baginya dalam diri mereka pada tahap yang sama seperti Chichikov atau Manilov. Hasil daripada "eksperimen pada bentuk" sedemikian, pemahaman kita tentang karya itu, iaitu kandungannya, sangat diputarbelitkan: Gogol tidak berminat dengan sejarah individu individu, tetapi dengan cara kehidupan negara; dia tidak mencipta "galeri imej," tetapi imej dunia, "cara hidup."

Satu lagi contoh yang sama. Dalam belajar Kisah Chekhov"The Bride" telah membangunkan tradisi yang agak kukuh untuk melihat cerita ini sebagai optimis tanpa syarat, malah "musim bunga dan bravura"*. V.B. Kataev, menganalisis tafsiran ini, menyatakan bahawa ia berdasarkan "pembacaan tidak lengkap" - ia tidak diambil kira frasa terakhir cerita secara keseluruhan: "Nadya... ceria, gembira, meninggalkan bandar, seperti yang dia percaya, selama-lamanya." "Tafsiran ini adalah" seperti yang saya percayai, " tulis V.B. Kataev, - sangat jelas mendedahkan perbezaan dalam pendekatan penyelidikan untuk kerja Chekhov. Sesetengah penyelidik lebih suka, apabila menafsirkan maksud "Pengantin", menganggap ayat pengenalan ini seolah-olah ia tidak wujud"**.

___________________

* Ermilov V.A. A.P. Chekhov. M., 1959. H. 395.

** Kataev V.B. Prosa Chekhov: masalah tafsiran. M, 1979. H. 310.

Ini adalah "percubaan tidak sedarkan diri" yang dibincangkan di atas. Struktur borang diherotkan "sedikit" - dan akibat dalam bidang kandungan tidak lama lagi. "Konsep optimisme tanpa syarat, "bravura" karya Chekhov muncul tahun kebelakangan ini”, padahal sebenarnya ia mewakili “keseimbangan yang halus antara harapan yang benar-benar optimis dan ketenangan yang terkawal mengenai dorongan orang-orang yang Chekhov tahu dan memberitahu banyak kebenaran pahit.”

Dalam hubungan antara kandungan dan bentuk, dalam struktur bentuk dan kandungan dalam karya seni, prinsip tertentu, corak, didedahkan. Kami akan bercakap secara terperinci tentang sifat khusus corak ini dalam bahagian "Pertimbangan holistik karya seni."

Buat masa ini, mari kita perhatikan hanya satu peraturan metodologi: Untuk pemahaman yang tepat dan lengkap tentang kandungan sesebuah karya, adalah perlu untuk memberi perhatian sedekat mungkin kepada bentuknya, sehinggalah kepada ciri-ciri terkecilnya. Dalam bentuk karya seni tidak ada "perkara kecil" yang acuh tak acuh terhadap kandungan; menurut ungkapan yang terkenal, "seni bermula di mana ia bermula" sedikit.

Kekhususan hubungan antara kandungan dan bentuk dalam karya seni telah menimbulkan istilah khas yang direka khusus untuk mencerminkan kesinambungan dan kesatuan aspek-aspek keseluruhan artistik tunggal - istilah "bentuk kandungan". Konsep ini mempunyai sekurang-kurangnya dua aspek. Aspek ontologi menegaskan kemustahilan wujudnya bentuk tanpa kandungan atau kandungan tidak terbentuk; dalam logik, konsep sedemikian dipanggil korelatif: kita tidak boleh memikirkan salah satu daripada mereka tanpa memikirkan yang lain secara serentak. Analogi yang agak dipermudahkan boleh menjadi hubungan antara konsep "kanan" dan "kiri" - jika ada satu, maka yang lain pasti wujud. Walau bagaimanapun, untuk karya seni, satu lagi, aspek aksiologi (penilaian) konsep "bentuk bermakna" kelihatan lebih penting: dalam kes ini, kami maksudkan korespondensi semula jadi bentuk dengan kandungan.

Konsep bentuk bermakna yang sangat mendalam dan sebahagian besarnya bermanfaat telah dibangunkan dalam kerja G.D. Gacheva dan V.V. Kozhinov "Kandungan bentuk sastera." Menurut pengarang, “sebarang bentuk seni adalah<…>tidak lebih daripada kandungan artistik yang keras dan objektif. Apa-apa harta, apa-apa unsur karya sastera yang kini kita anggap sebagai "formal semata-mata" adalah suatu ketika dahulu secara langsung bermakna." Kebermaknaan bentuk ini tidak pernah hilang; ia sebenarnya dirasakan oleh pembaca: "berbalik kepada kerja, entah bagaimana kita menyerap ke dalam diri kita sendiri" kebermaknaan unsur formal, mereka, boleh dikatakan, "kandungan muktamad." "Ia tepat mengenai kandungan, tentang sesuatu yang tertentu rasa, dan tidak sama sekali mengenai objektiviti bentuk yang tidak bermakna dan tidak bermakna. Sifat bentuk yang paling dangkal ternyata tidak lebih daripada jenis kandungan istimewa yang telah bertukar menjadi bentuk.”*

___________________

* Gachev G.D., Kozhinov V.V. Kandungan bentuk sastera // Teori sastera. Masalah utama dalam liputan sejarah. M., 1964. Buku. 2. ms 18–19.

Walau bagaimanapun, tidak kira betapa bermakna ini atau unsur formal itu, tidak kira betapa rapat hubungan antara kandungan dan bentuk, hubungan ini tidak bertukar menjadi identiti. Isi dan bentuk bukanlah perkara yang sama, ia adalah aspek yang berbeza dari keseluruhan seni yang ditonjolkan dalam proses abstraksi dan analisis. Mereka mempunyai tugas yang berbeza, fungsi yang berbeza, dan, seperti yang telah kita lihat, ukuran konvensyen yang berbeza; Terdapat hubungan tertentu antara mereka. Oleh itu, adalah tidak boleh diterima untuk menggunakan konsep bentuk substantif, serta tesis tentang kesatuan bentuk dan kandungan, untuk mencampur dan mencantumkan unsur formal dan substantif. Sebaliknya, kandungan sebenar sesuatu bentuk didedahkan kepada kita hanya apabila perbezaan asas antara kedua-dua belah karya seni ini cukup direalisasikan, apabila, oleh itu, peluang terbuka untuk mewujudkan hubungan tertentu dan interaksi semula jadi di antara mereka.

Bercakap tentang masalah bentuk dan kandungan dalam karya seni, seseorang tidak boleh tidak menyentuh sekurang-kurangnya ciri-ciri biasa ah, konsep lain yang digunakan secara aktif dalam sains moden tentang sastera. Kita bercakap tentang konsep "bentuk dalaman". Istilah ini sebenarnya mengandaikan kehadiran "antara" kandungan dan bentuk unsur-unsur karya seni, yang merupakan "bentuk berhubung dengan unsur-unsur peringkat yang lebih tinggi (imej sebagai bentuk yang menyatakan kandungan ideologi), dan kandungan - dalam hubungan dengan tahap struktur yang lebih rendah (imej sebagai kandungan bentuk gubahan dan pertuturan)"*. Pendekatan sedemikian terhadap struktur keseluruhan artistik kelihatan meragukan, terutamanya kerana ia melanggar kejelasan dan ketegasan pembahagian asal ke dalam bentuk dan kandungan sebagai, masing-masing, prinsip material dan rohani dalam karya. Jika beberapa elemen keseluruhan artistik boleh bermakna dan formal pada masa yang sama, maka ini menghilangkan dikotomi kandungan dan bentuk makna dan, yang penting, mewujudkan kesukaran yang ketara dalam analisis dan pemahaman lanjut tentang hubungan struktur antara unsur-unsur keseluruhan seni. Sudah tentu, seseorang harus mendengar bantahan A.S. Bushmina terhadap kategori "bentuk dalaman"; “Bentuk dan kandungan adalah kategori korelatif yang sangat umum. Oleh itu, pengenalan dua konsep bentuk memerlukan dua konsep kandungan yang sepadan. Kehadiran dua pasang kategori yang serupa, pada gilirannya, akan memerlukan keperluan, menurut undang-undang subordinasi kategori dalam dialektika materialis, untuk mewujudkan penyatuan, ketiga, konsep generik bentuk dan kandungan. Secara ringkasnya, pertindihan istilah dalam penetapan kategori tidak menghasilkan apa-apa selain kekeliruan logik. Dan dalam definisi umum luaran Dan dalaman, membenarkan kemungkinan persempadanan spatial bentuk, memvulgarkan idea yang terakhir”**.

___________________

* Sokolov A.N. Teori gaya. M., 1968. H. 67.

** Bushmin A.S. Ilmu sastera. Hlm. 108.

Jadi, pada pendapat kami, kontras yang jelas antara bentuk dan kandungan dalam struktur keseluruhan artistik adalah membuahkan hasil. Perkara lain ialah perlu segera memberi amaran terhadap bahaya membahagikan pihak ini secara mekanikal, secara kasar. Terdapat unsur artistik di mana bentuk dan kandungan kelihatan menyentuh, dan kaedah yang sangat halus dan pemerhatian yang sangat dekat diperlukan untuk memahami kedua-dua bukan identiti asas dan hubungan rapat antara prinsip formal dan substantif. Analisis "titik" sedemikian dalam keseluruhan artistik tidak diragukan lagi adalah yang paling sukar, tetapi pada masa yang sama minat yang paling besar baik dari segi teori dan dalam kajian praktikal karya tertentu.

? SOALAN KAWALAN:

1. Mengapakah pengetahuan tentang struktur sesebuah karya itu perlu?

2. Apakah bentuk dan kandungan karya seni (berikan definisi)?

3. Bagaimanakah kandungan dan bentuk saling berkaitan?

4. "Hubungan antara kandungan dan bentuk bukan spatial, tetapi struktur" - bagaimana anda memahami perkara ini?

5. Apakah hubungan antara bentuk dan isi? Apakah "bentuk kandungan"?

Walaupun pada pandangan pertama, jelas bahawa karya seni terdiri daripada sisi, unsur, aspek dan sebagainya. Dengan kata lain, ia mempunyai komposisi dalaman yang kompleks. Lebih-lebih lagi, bahagian-bahagian individu karya itu disambungkan dan disatukan antara satu sama lain dengan begitu rapat sehingga ini memberi alasan untuk menyamakan karya secara metafora dengan organisma hidup. Oleh itu, komposisi kerja dicirikan bukan sahaja oleh kerumitan, tetapi juga oleh keteraturan. Karya seni ialah keseluruhan yang tersusun secara kompleks; Dari kesedaran fakta yang jelas ini mengikuti keperluan untuk memahami struktur dalaman kerja, iaitu, untuk mengasingkan komponen individunya dan menyedari hubungan antara mereka. Penolakan terhadap sikap sedemikian tidak dapat dielakkan membawa kepada empirisme dan pertimbangan yang tidak berasas tentang karya itu, untuk melengkapkan sewenang-wenangnya dalam pertimbangannya dan akhirnya melemahkan pemahaman kita tentang keseluruhan artistik, meninggalkannya pada tahap persepsi pembaca utama.

Dalam kritikan sastera moden, terdapat dua aliran utama dalam membentuk struktur sesebuah karya. Yang pertama datang daripada pengenalan beberapa lapisan atau peringkat dalam karya, sama seperti dalam linguistik dalam ujaran yang berasingan seseorang boleh membezakan tahap fonetik, morfologi, leksikal, sintaksis. Pada masa yang sama, penyelidik yang berbeza mempunyai idea yang berbeza tentang kedua-dua set tahap itu sendiri dan sifat perhubungan mereka. Jadi, M.M. Bakhtin melihat dalam karya terutamanya dua peringkat - "dongeng" dan "plot", dunia yang digambarkan dan dunia imej itu sendiri, realiti pengarang dan realiti wira*. MM. Hirshman mencadangkan struktur yang lebih kompleks, pada asasnya tiga peringkat: irama, plot, wira; di samping itu, "secara menegak" tahap ini diserap oleh organisasi subjek-objek karya, yang akhirnya mewujudkan bukan struktur linear, sebaliknya grid yang ditumpangkan pada karya seni**. Terdapat model lain karya seni yang mempersembahkannya dalam bentuk beberapa peringkat, bahagian.

___________________

* Bakhtin M.M. Estetika kreativiti lisan. M., 1979. Hlm 7–181.

** Girshman M.M. Gaya karya sastera // Teori gaya sastera. Aspek pengajian moden. M., 1982. S. 257-300.

Kelemahan umum konsep-konsep ini jelas boleh dianggap sebagai subjektiviti dan kesewenang-wenangan tahap mengenal pasti. Lebih-lebih lagi, belum ada yang mencuba mewajarkan pembahagian kepada peringkat dengan beberapa pertimbangan dan prinsip umum. Kelemahan kedua berikutan dari yang pertama dan terdiri daripada fakta bahawa tiada pembahagian mengikut tahap meliputi keseluruhan kekayaan unsur-unsur karya, atau bahkan memberikan idea yang komprehensif tentang komposisinya. Akhirnya, tahap mesti dianggap sebagai asasnya sama - jika tidak, prinsip penstrukturan kehilangan maknanya - dan ini dengan mudah membawa kepada kehilangan idea tentang teras tertentu karya seni, menghubungkan unsur-unsurnya ke dalam integriti sebenar; hubungan antara tahap dan elemen ternyata lebih lemah daripada yang sebenarnya. Di sini kita juga harus perhatikan hakikat bahawa pendekatan "tahap" sangat sedikit mengambil kira perbezaan asas dalam kualiti beberapa komponen kerja: oleh itu, jelas bahawa idea artistik dan perincian artistik adalah fenomena pada asasnya. sifat yang berbeza.

Pendekatan kedua kepada struktur karya seni mengambil kategori umum seperti kandungan dan bentuk sebagai bahagian utama. Pendekatan ini dibentangkan dalam bentuk yang paling lengkap dan beralasan dalam karya G.N. Pospelova*. Kecenderungan metodologi ini mempunyai lebih sedikit kelemahan daripada yang dibincangkan di atas; ia lebih konsisten dengan struktur kerja sebenar dan lebih wajar dari sudut pandangan falsafah dan metodologi.

___________________

*Lihat, sebagai contoh: Pospelov G.N. Masalah gaya sastera. M., 1970. Hlm 31–90.

Bentuk kewujudan seni ialah karya seni (work of art) sebagai satu sistem imej artistik yang membentuk satu keseluruhan. Ia mewakili realiti rohani dan material yang timbul hasil usaha kreatif manusia, nilai estetika yang memenuhi kriteria artistik. Sebuah karya seni mencerminkan kedua-dua realiti objektif dan dunia subjektif artis, pandangan dunianya, pengalaman, perasaan, idea. Cara untuk menyatakan semua kepelbagaian ini adalah bahasa seni yang unik. "Sebuah karya seni adalah kesan lengkap, berehat dalam dirinya sendiri dan wujud untuk dirinya sendiri, dan membezakan yang terakhir, sebagai realiti bebas, dengan alam semula jadi. Dalam karya seni, bentuk wujud hanya wujud sebagai realiti pengaruh. Sebuah karya seni, menganggap alam semula jadi sebagai hubungan antara arah motor dan kesan visual, dibebaskan daripada segala-galanya yang boleh diubah dan rawak."
Satu daripada prinsip penting kreativiti artistik dan kewujudan sesebuah karya seni melambangkan prinsip kesatuan bentuk dan isi. Intipati prinsip ini ialah bentuk karya seni dihubungkan secara organik dengan kandungan dan ditentukan olehnya, dan kandungan hanya muncul dalam bentuk tertentu.
Bentuk artistik (dari Latin forma - penampilan) - struktur karya seni, organisasi dalamannya, keseluruhan kompleks cara ekspresif. Dicipta menggunakan cara visual dan ekspresif jenis seni tertentu untuk menyatakan kandungan artistik, bentuk sentiasa menunjukkan cara kandungan itu disampaikan dalam karya seni. Kandungan, menurut L.S. Vygotsky, adalah segala-galanya yang pengarang ambil sebagai siap, yang wujud sebelum cerita dan boleh wujud di luar dan bebas daripadanya. Kandungan ialah momen konstitutif yang diperlukan bagi objek estetik. M.M. Bakhtin menulis dalam karyanya "Masalah Kandungan, Bahan dan Bentuk dalam Kreativiti Artistik Verbal": "Realiti kognisi dan tindakan estetik, yang termasuk dalam pengiktirafan dan penilaiannya dalam objek estetik dan tertakluk di sini kepada penyatuan intuitif tertentu. , individuasi, konkritisasi, pengasingan dan penyiapan, i.e. reka bentuk artistik yang komprehensif menggunakan bahan, kami memanggil kandungan objek estetik. Dalam erti kata lain, kandungan adalah semua fenomena realiti yang dicerminkan secara artistik dalam pemahaman penilaian mereka.
Kebergantungan bentuk pada kandungan karya dinyatakan dalam fakta bahawa yang pertama tidak wujud tanpa yang terakhir. Kandungan mewakili makna dalaman bentuk tertentu, dan bentuk mewakili kandungan dalam kewujudannya yang segera.
Perbezaan antara kandungan dan bentuk adalah ciri terutamanya peringkat kreatif, i.e. untuk pembentukan bersama mereka, apabila artis memahami apa yang dia ingin nyatakan dalam karya seni dan mencari cara yang mencukupi untuk ini. Dalam karya seni yang telah siap, bentuk dan kandungan pastinya membentuk satu kesatuan yang tidak dapat dipisahkan dan harmoni.
Bercakap tentang kesatuan isi dan bentuk, seseorang tidak seharusnya memandang rendah kepentingan bentuk artistik sebagai daya ekspresif. Bukan kebetulan bahawa dalam tradisi falsafah Eropah sejak zaman Aristotle, bentuk telah difahami sebagai prinsip khusus sesuatu perkara, intipati dan tenaga penggerak. Kandungan karya seni menjadi jelas secara emosi dan memperoleh kepentingan estetik kerana pelaksanaannya dalam bentuk artistik, yang dengan itu secara aktif mempengaruhi kandungan. Ia boleh menyumbang kepada pendedahan kandungan yang paling lengkap dan meyakinkan, tetapi ia juga boleh mengganggu ekspresinya, melemahkan kuasa impaknya dan, oleh itu, persepsi.
Jika anda menganalisis karya seni dengan teliti, agak mudah untuk mengetahui bahawa semua elemennya boleh dibahagikan kepada formal dan substantif. Unsur-unsur kandungan sesebuah karya seni termasuklah tema, konflik, idea, watak, plot, plot. Elemen formal karya seni termasuk komposisi, genre, pertuturan, dan irama. Kekhususan bahasa artistik pelbagai jenis seni menentukan kepentingan yang menentukan bagi mereka elemen formal individu: dalam muzik - melodi, dalam lukisan - warna, dalam grafik - lukisan, dll. Bentuk karya mestilah mempunyai kesatuan dalaman. Keharmonian dan perkadaran unsur-unsurnya adalah syarat yang diperlukan untuk kesempurnaan, kesempurnaan, dan keindahan karya seni.
Kandungan sentiasa berstruktur dan dinyatakan hanya dengan cara yang bercirikan seni, i.e. pada dasarnya tidak dapat dipisahkan dari bentuk. Ia berbilang peringkat dan pelbagai rupa. Tahap kandungan tertinggi ialah idea dan tema, yang menentukan keseluruhan struktur kandungan karya.
Idea tersebut mewakili makna kiasan dan estetik asas. Idea seni sentiasa asli dan unik. Ia mungkin termasuk idea falsafah, politik, saintifik dan lain-lain, tetapi tidak terhad sepenuhnya kepada mereka. Struktur karya itu sangat kaya, menggabungkan kedua-dua idea ini dan semua kekayaan visi estetik dunia. Seni berminat bukan sahaja dalam politik, falsafah, sains, tetapi juga dalam keseluruhan sistem hubungan seseorang dengan dunia, dengan orang lain, dengan dirinya sendiri. Hubungan ini, yang dicerminkan oleh seni, ternyata lebih kompleks dan lebih kaya daripada sistem idea terdalam. Mari dedahkan yang menakjubkan kisah falsafah"Jonathan Livingston Seagull" Richard Bach dan kita akan dapati di dalamnya sejumlah besar idea falsafah: moral dan peningkatan fizikal, pencarian erti kehidupan dan bimbingan, kesunyian dan pengasingan, kematian dan kebangkitan. Tetapi makna karya kecil ini lebih luas daripada idea-idea ini: di dalamnya, dalam imej burung camar, intipati jiwa manusia yang gelisah dan gelisah terungkap, usaha abadi manusia untuk pengetahuan, untuk kesempurnaan, untuk memperoleh. maksud sebenar kehidupan:
“Dan semakin Jonathan belajar pelajaran tentang kebaikan, semakin jelas dia melihat sifat cinta, semakin dia mahu kembali ke Bumi. Kerana, walaupun hidup kesepian, Jonathan Seagull dilahirkan untuk menjadi seorang guru. Dia melihat apa yang benar untuknya, dan dia boleh merealisasikan cinta hanya dengan mendedahkan pengetahuannya tentang kebenaran kepada orang lain - kepada seseorang yang sedang mencari dan yang hanya memerlukan peluang untuk menemui kebenaran untuk dirinya sendiri.
Idea "The Seagull," yang diterbitkan sebagai edisi berasingan pada penghujung tahun 1970, telah menarik lebih daripada satu generasi pembaca ke kawasan alegori lama. Jadi, Ray Bradbury pernah berkata bahawa buku ini memberikannya perasaan terbang dan mengembalikan masa mudanya.
Tema karya seni (tema Yunani - secara harfiah apa yang diletakkan [sebagai asas]) adalah objek penggambaran artistik, lingkaran fenomena kehidupan yang ditangkap dalam karya dan dipegang bersama oleh idea pengarang - masalah. Tema merupakan salah satu elemen terpenting dalam kandungan sesebuah karya seni. Ia menunjuk kepada julat fenomena yang berfungsi sebagai titik permulaan untuk penciptaan karya seni. Sebagai contoh, tema novel L. Tolstoy "Anna Karenina" adalah nasib tragis hubungan antara Anna dan Vronsky.
Sebagai tambahan kepada tema utama, karya itu mungkin mengandungi tema sekunder yang berkait rapat dengan yang utama dan berada di bawahnya. Sebagai contoh, bersama dengan tema utama hubungan antara Onegin dan Tatyana, dalam puisi "Eugene Onegin" oleh A.S. Pushkin terdapat banyak tema sampingan: tema hubungan antara Lensky dan Olga, tema hubungan ibu bapa, dll.
Tema berkait rapat dengan idea karya. Bersama-sama mereka membentuk satu asas ideologi dan tematik kerja. Tema mendapati ekspresinya lebih jauh melalui watak, konflik, plot. Ini adalah tahap kandungan seterusnya yang lebih rendah bagi karya seni.
Watak adalah perwujudan artistik sistem sifat manusia yang tersendiri, yang dimanifestasikan dalam harga dirinya, hubungan dengan dunia luar dan orang lain, dalam kompleks dan biasa. keadaan hidup. Bergantung pada arah seni, watak boleh digambarkan dengan cara yang berbeza. Mereka mungkin kelihatan dikondisikan oleh keadaan. Beginilah cara realisme menggambarkan mereka, menunjukkan bagaimana keadaan, peristiwa, dan fenomena realiti mempengaruhi pembentukan watak dan manifestasinya. Ini adalah wira O. de Balzac, C. Dickens, J. Galsworthy. Watak boleh dianggap sebagai berasal daripada keturunan dan ciri fisiologi, seperti yang dilakukan dalam naturalisme (E. Zola, E. dan J. Goncourt). Mereka mungkin digambarkan sebagai ideal dan bertentangan dengan seluruh dunia sekeliling, selalunya bermusuhan. Ini adalah berapa ramai romantik melukis watak. Beginilah cara M.Yu. Lermontov menyampaikan watak wira dalam puisi "Corsair":
Sejak itu, dengan jiwa yang tertipu
Saya menjadi tidak percaya kepada semua orang.
Oh! Bukan di bawah bumbung kita sendiri
Saya berada di sana ketika itu, dan saya semakin pudar.
Saya tidak boleh dengan senyuman merendah diri
Sejak itu saya telah memindahkan segala-galanya:
Ejekan, kebanggaan, penghinaan...
Saya hanya boleh mencintai lebih ghairah.
Tak puas hati dengan diri sendiri
Ingin tenang, bebas,
Saya sering merayau melalui hutan
Dan hanya di sana dia hidup dengan jiwanya...
Walau bagaimanapun, setiap artis sejati, tanpa mengira arah seni, berusaha untuk menggambarkan watak tipikal dalam keaslian individu mereka, untuk menunjukkan kerumitan perkembangan mereka, ketidakkonsistenan. kehidupan batin, pencarian moral.
Konflik ialah percanggahan yang direka secara artistik dalam kehidupan seseorang, pertembungan watak, pandangan, idea, minat, dll yang berbeza. Peranan konflik dan keasliannya secara langsung bergantung bukan sahaja pada aspek realiti yang dicerminkan, tetapi juga pada ciri khusus dan cara tipifikasi, jenis dan genre seni. Sebagai contoh, dalam tragedi atau lukisan monumental, konflik menampakkan dirinya sebagai imej langsung perjuangan watak yang bertentangan, dan dalam lirik - sebagai ekspresi emosi perlanggaran orang yang berbeza dan perasaan. Kedalaman konflik, keterukan dan kesempurnaannya dalam bentuk artistik sebahagian besarnya menentukan kedalaman kesan emosi karya seni terhadap subjek yang ditanggapi. Akibatnya, kebanyakan impak yang kuat setiap orang dimiliki oleh karya seni jenis dan genre seni yang paling mendalam merangkumi konflik dramatik.
Plot (sujet Perancis - subjek lit.) ialah tindakan yang diterbitkan semula secara keseluruhannya. Plot mewakili dinamik spatio-temporal apa yang digambarkan, perjalanan peristiwa dalam karya sastera. Ia adalah koleksi peristiwa yang dinyatakan dalam bentuk artistik. Plot mengekspresikan bahagian naratif karya seni, dan ia secara organik menggabungkan episod individu, watak dan aksi wira.
Plot adalah ciri-ciri pelbagai jenis dan genre seni. Ia boleh diperincikan (dalam novel sejarah, epik filem, dll.), Mudah (dalam lukisan, grafik, dll.). Dalam lirik sastera, seni halus dan muzik, karya tanpa plot atau praktikal tanpa plot boleh didapati (contohnya, dalam seni abstrak, dalam muzik bukan program instrumental, seni bina). Plot yang paling jelas adalah dalam lukisan. Plot mengandaikan tindakan dan pergerakan, oleh itu dalam karya seni yang terdapat plot, ia berkembang dari awal melalui klimaks hingga akhir. Plot berkait rapat dengan plot, tetapi tidak selalunya bertepatan dengannya.
Fabula (dari bahasa Latin fabula - fable, cerita) ialah gambar rajah budaya-tipologi peristiwa utama yang dinyatakan dalam mereka. urutan kronologi. Ini adalah rangkaian atau corak peristiwa yang diterangkan secara terperinci dalam plot. Sebagai contoh, plot novel oleh N.G. Chernyshevsky "Apa yang perlu dilakukan?" bermula dengan penerangan tentang kehilangan misteri salah satu watak, manakala plot novel ini (penyingkapan peristiwa dalam urutan spatio-temporal) bermula dengan penerangan tentang kehidupan Vera Pavlovna di rumah ibu bapanya. Plot berfungsi sebagai alat bantu untuk mendedahkan plot, membantu menetapkan urutan peristiwa yang berlaku dan memahami matlamat yang dikejar artis dengan pembinaan plot yang unik. Plot lebih bersifat umum daripada plot.
Jika kita kembali ke plot sekali lagi, perlu diperhatikan bahawa dalam karya epik besar plot, sebagai peraturan, dibahagikan kepada beberapa jalan cerita. Oleh itu, dalam novel M.Yu. Lermontov "A Hero of Our Time" terdapat beberapa jalan cerita yang agak bebas (Bela, penyeludup, dll.), yang dikumpulkan di sekitar jalan cerita Pechorin.
Seperti yang dinyatakan di atas, cara ekspresi dan kewujudan kandungan adalah bentuk. Proses membentuk mempengaruhi kandungan melalui gubahan, irama, dan pertentangan.
Komposisi (dari compositio Latin - penambahan, komposisi) - pembinaan karya seni, susunan elemen dan bahagiannya yang sistematik dan konsisten, kaedah menyambung imej dan keseluruhan semua cara pendedahannya. Komposisi adalah unsur penyusunan yang paling penting dalam bentuk seni, memberikan kesatuan dan integriti kerja, menundukkan komponennya antara satu sama lain dan kepada keseluruhannya. Ini adalah susunan sedar dan semantik kerja. Tugas gubahan adalah untuk menyusun elemen individu yang berbeza ke dalam integriti. Semua teknik gubahan ditentukan oleh rancangan ideologi pengarang dan tugas kreatifnya. Mari kita lihat dengan teliti lukisan oleh P.A. Fedotov "Pagi selepas Perayaan, atau
Lelaki segar." Plot gambar itu diambil dari kehidupan: seorang pegawai kecil menerima pesanan pertama dan mengatur resepsi di biliknya untuk majlis ini. Pagi selepas pertarungan minum, "lelaki segar", yang hampir tidak melemparkan jubah ke bahunya, telah membuat pesanan dan menunjukkannya kepada tukang masaknya. Tukang masak, tidak berkongsi mood baik pemiliknya, menunjukkan but berlubangnya. Idea gambar itu luas: kemiskinan semangat birokrasi, tidak dapat mengatasi aspirasi kerjaya, akal sehat para pelayan, menyedari tuntutan lucu pemilik. Komposisi membantu mendedahkan garis besar ideologi karya. Gambar itu dibina di atas dua figura yang bertentangan antara satu sama lain: seorang pegawai beku dalam pose bangga dan seorang tukang masak yang menyatakan kewarasan semula jadi orang biasa. P.A. Fedotov memenuhi bilik dalam lukisan itu sebilangan besar perkara-perkara yang menerangkan plot dan plot kepada kami: sisa-sisa kenduri semalam, sampah di atas lantai, buku yang dilemparkan ke lantai, gitar dengan tali putus, bersandar pada kerusi di mana kot frock tuan dan ampaian tergantung. Sangkar kelihatan di bawah siling; kucing yang tersedar sedang meregang. Semua butiran ini dikira untuk mencipta gambaran sejelas mungkin tentang bilik di mana segala-galanya ditinggalkan tanpa mengambil kira kesopanan. Ini adalah dunia seorang pegawai yang tidak penting, tidak mempunyai pemikiran yang tinggi dan rasa kecantikan, tetapi berusaha untuk mencapai kejayaan.
Unsur bentuk seterusnya ialah irama. Irama (irama Yunani, dari rheo - aliran) ialah pergantian pelbagai unsur sepadan (bunyi, pertuturan, dll.), yang berlaku dengan urutan tertentu, kekerapan. Irama sebagai cara pembinaan bentuk dalam seni adalah berdasarkan pengulangan tetap dalam ruang atau masa unsur-unsur yang serupa pada selang waktu yang sepadan. Fungsi irama adalah untuk memisahkan dan menyepadukan kesan estetik secara serentak. Terima kasih kepada irama, kesan dibahagikan kepada selang yang sama, tetapi pada masa yang sama disepadukan ke dalam satu set elemen dan selang yang saling berkaitan, i.e. ke dalam integriti seni. Irama berulang yang stabil membangkitkan dalam subjek persepsi jangkaan pengulangannya dan pengalaman khusus tentang "kegagalan"nya. Oleh itu, satu lagi fungsi irama ialah dinamik kesan jangkaan dan kejutan. Irama, lebih-lebih lagi, mencerminkan dinamik, berbeza dengan simetri, yang mencerminkan statik. Dinamik irama menyumbang kepada penciptaan struktur artistik yang paling sesuai dengan struktur psikofizikal seseorang, yang juga dinamik dan mudah alih.
Penting irama ada dalam muzik, di mana ia menunjukkan dirinya sebagai organisasi sementara selang muzik dan konsonan. Menurut Aristotle, irama dalam muzik adalah serupa dengan keadaan emosi seseorang dan mencerminkan perasaan dan sifat seperti kemarahan, kelemahlembutan, keberanian, kesederhanaan. Sejak abad ke-17. Dalam muzik, irama beraksen bermasa telah diwujudkan, berdasarkan silih berganti tekanan kuat dan lemah. Dalam puisi, irama menunjukkan keteraturan umum struktur bunyi ucapan puitis, serta struktur bunyi sebenar sesuatu baris puitis. Dalam seni halus (lukisan, grafik, dsb.) dan seni bina, irama dimanifestasikan dalam pelbagai kombinasi corak, warna, susunan lajur, dsb. Dalam koreografi, irama ialah gabungan urutan pergerakan badan.
Tempat istimewa Gaya memainkan peranan dalam membentuk. Walau bagaimanapun, harus diingat bahawa gaya tidak bentuk tulen baik bentuk, mahupun kandungan, mahupun kesatuan mereka. "Gaya juga merujuk kepada bentuk, kandungan dan kesatuannya, sama seperti dalam organisma hidup "bentuk" dan "kandungan"nya merujuk kepada set gen dalam sel. Gaya ialah "set gen" budaya yang menentukan jenis integriti budaya." Gaya (daripada stylos Yunani - kayu runcing untuk menulis pada lilin, cara penulisan) ialah satu persamaan sistem kiasan, dana ekspresi artistik, teknik kreatif, kerana perpaduan kandungan ideologi dan artistik. Kita boleh bercakap tentang gaya karya atau genre tertentu (contohnya, tentang gaya novel Rusia pertengahan abad ke-19), tentang gaya individu atau gaya kreatif pengarang tertentu (contohnya, tentang gaya P. Picasso), serta tentang gaya keseluruhan era artistik atau pergerakan artistik utama (gaya Gothic atau Romanesque, Baroque, Romanticism, Classicism).
Dalam estetika formalisme, gaya sering difahami sebagai kesamaan teknik teknikal yang tidak berkaitan dengan kandungan karya. Oleh itu, pengkritik seni Jerman Heinrich Wölfflin (1864-1945), dalam karyanya "Konsep Asas Sejarah Seni," membahagikan keseluruhan sejarah seni halus kepada dua gaya: linear dan bergambar.
Pemahaman gaya formalistik sedemikian membawa kepada pemindahan mekanikal ciri-ciri umum gaya gunaan seni bina dan hiasan kepada semua jenis seni lain, yang mempunyai kekayaan dan kepelbagaian kandungan yang lebih besar, dan oleh itu kepelbagaian gaya yang lebih besar.
Gaya bukanlah satu kesatuan formal cara visual dan ekspresif dan teknik teknikal, tetapi kesamaan yang stabil, ditentukan oleh kandungan ideologi. Gaya karya seni bukan hanya bentuk luarannya, tetapi, pertama sekali, sifat kewujudan material dan rohaninya dalam budaya tertentu. Ini adalah bukti bahawa objek estetik tergolong dalam budaya tertentu. Gaya yang difahami dengan cara ini tidak boleh dikelirukan dengan penggayaan. Penggayaan ialah meniru gaya artistik mana-mana pengarang, genre, pergerakan, era, orang. Penggayaan sering dikaitkan dengan pemikiran semula kandungan artistik yang menjadi asas kepada gaya yang ditiru. Gaya melaksanakan banyak fungsi dalam proses mencipta dan mempersepsi karya seni. Dalam kreativiti artistik, ia mengarahkan proses kreatif ke arah tertentu, memastikan pemprosesan tera yang berbeza ke dalam satu sistem, dan menyumbang kepada pemeliharaan kesinambungan dalam tradisi seni. Dalam proses persepsi artistik sesebuah karya, gaya menentukan sifat kesan karya terhadap seseorang dan mengarahkan orang ramai ke arah jenis nilai seni tertentu.
Gaya mempunyai nilai maklumat yang penting. Ia menyampaikan kualiti keseluruhan kerja. Pengarang, apabila mencipta karya seni, sentiasa menumpukan perhatian kepada penonton, pembaca, pendengar, yang secara tidak kelihatan hadir dalam kreativiti artistik sebagai matlamat yang namanya dicipta oleh artis. Subjek persepsi juga mempunyai pengarang dalam kesedarannya: dia tahu namanya, biasa dengan karya terdahulunya, memahami kemahiran artistik dan rasa. Semua ini adalah latar belakang psikologi dan motif motivasi untuk persepsi karya seni. Titik pertemuan antara pengarang dan subjek persepsi ialah gaya, yang bertindak sebagai bukti kepengarangan, kepunyaan suatu era, kewarganegaraan, budaya, bentuk seni. Gaya adalah sejenis teras proses artistik secara keseluruhan. Sifat organik gaya, kesatuan yang tidak dapat dipertikaikan dengan keseluruhan struktur formal dan substantif karya membezakan karya seni yang benar-benar hebat.
Oleh itu, sebarang karya seni boleh dipersembahkan secara objektif realiti sedia ada, mempunyai cangkerang dan struktur bahan yang sesuai.

Hantar kerja baik anda di pangkalan pengetahuan adalah mudah. Gunakan borang di bawah

Kerja yang bagus ke tapak">

Pelajar, pelajar siswazah, saintis muda yang menggunakan pangkalan pengetahuan dalam pengajian dan kerja mereka akan sangat berterima kasih kepada anda.

Disiarkan pada http://www.allbest.ru/

Kategori universal dialektik - kandungan dan bentuk - secara khusus dimanifestasikan dalam seni dan menduduki salah satu tempat utama dalam teori estetika. Hegel berkata bahawa kandungan tidak lebih daripada peralihan bentuk ke dalam kandungan, dan bentuk adalah peralihan kandungan ke dalam bentuk. Berhubung dengan perkembangan sejarah seni, kedudukan ini bermakna bahawa kandungan secara beransur-ansur diformalkan dan "ditetapkan" dalam struktur genre-komposisi, spatio-temporal bahasa artistik dan, dalam bentuk "keras" sedemikian, mempengaruhi kandungan sebenar. daripada seni baharu itu. Berhubung dengan karya seni, ini bermakna kepunyaan satu atau satu lagi peringkatnya kepada kandungan atau bentuk adalah relatif: setiap daripada mereka akan menjadi bentuk berhubung dengan yang lebih tinggi dan kandungan berhubung dengan yang lebih rendah. Semua komponen dan peringkat karya seni nampaknya saling "menyerlahkan" satu sama lain. Akhirnya, dalam seni terdapat gabungan khas kandungan dan bentuk, ini termasuk, contohnya, plot, konflik, organisasi subjek-ruang, melodi.

Di satu pihak, seni tidak mempunyai kandungan siap sedia dan borang siap sedia dalam perpisahan mereka, tetapi terdapat pembentukan timbal balik mereka dalam proses itu perkembangan sejarah, dalam tindakan kreativiti dan persepsi, serta kewujudan yang tidak dapat dipisahkan dalam karya hasil daripada proses kreatif. Sebaliknya, jika tiada perbezaan yang pasti antara kandungan dan bentuk, ia tidak boleh dibezakan dan dipertimbangkan berhubung antara satu sama lain. Tanpa kemerdekaan relatif mereka, pengaruh dan interaksi bersama tidak dapat timbul.

Estetikkekhususankandungan

Kandungan dalam seni ialah sfera makna dan makna ideologi-emosi, deria-imajinatif, yang terkandung secukupnya dalam bentuk artistik dan memiliki nilai sosial dan estetika. Agar seni dapat memenuhi fungsi pengaruh sosio-spiritual yang tidak dapat diganti pada dunia dalaman individu, kandungannya mesti mempunyai ciri-ciri yang sesuai.

Seni mencerminkan, menghasilkan semula dengan tahap pengantaraan dan konvensyen yang lebih besar atau lebih kecil pelbagai kawasan realiti semula jadi dan sosial, tetapi tidak dalam kewujudannya sendiri, tanpa mengira pandangan dunia manusia, dengan garis panduan nilainya. Dalam erti kata lain, seni dicirikan oleh gabungan organik objektiviti dan keadaan dalaman, refleksi holistik kualiti objektif perkara yang bersatu dengan nilai dan penilaian rohani, moral, sosial dan estetika manusia.

Kognisi artistik, oleh itu, berlaku dalam aspek penilaian sosio-estetik, ditentukan, seterusnya, oleh ideal estetik. Walau bagaimanapun, sisi nilai kandungan adalah mustahil di luar pengetahuan artistik dan kiasan khusus yang bertujuan untuk realiti sejarah, alam semula jadi, dunia dalaman manusia dan artis itu sendiri, yang mengobjektifkan pencarian rohani terdalam keperibadiannya dalam produk seni.

Matlamat seni sebenar adalah untuk menggalakkan perkembangan rohani, kreatif, sosial dan moral individu, dan untuk membangkitkan perasaan yang baik. Ini adalah akar hubungan mendalam antara subjek seni dan sekatan yang menentukan kualiti estetika kandungannya. Dalam objek seni ini adalah kesatuan kandungannya, kesatuan objektif dan subjektif, kesatuan pengetahuan dan orientasi nilai kepada cita-cita estetik. Fungsi seni merangkumi kesan yang tidak boleh ditukar ganti pada dunia dalaman seseorang yang tidak berbelah bahagi secara organik. Oleh kerana itu, kandungan seni sentiasa mempunyai nada estetik tertentu: heroik, tragis, romantis, komik, dramatik, indah... Lebih-lebih lagi, setiap daripada mereka mempunyai banyak warna.

Mari kita perhatikan beberapa corak umum manifestasi pewarnaan estetik kandungan seni. Pertama, ia tidak selalu dibentangkan dalam bentuk tulennya. Tragedi dan sindiran, humor dan percintaan, idyll dan parodi, lirik dan ironi boleh berubah menjadi satu sama lain. Kedua, jenis kandungan estetik khas boleh dijelmakan bukan sahaja dalam jenis dan genre seni yang sepadan: oleh itu, sfera tragis bukan sahaja tragedi, tetapi juga simfoni, novel, arca monumental; sfera epik - bukan sahaja epik, tetapi juga epik filem, opera, puisi; dramatik dimanifestasikan bukan sahaja dalam drama, tetapi juga dalam puisi lirik, percintaan, dan cerpen. Ketiga, nada estetik umum kandungan besar dan artis berbakat unik, dicat secara individu.

Kekhususan sosial dan estetika kandungan terbentuk dalam pelbagai aksi dan karya kreatif yang khusus. Ia tidak dapat dipisahkan daripada karya imaginasi dan aktiviti artis mengikut undang-undang bahan dan bahasa seni, dari penjelmaan visual dan ekspresif rancangan itu. Hubungan yang tidak dapat dipisahkan antara kandungan seni dan undang-undang imejan, dengan undang-undang susunan dalaman dan penjelmaan formal terdiri daripada kekhususan artistiknya.

Manifestasi kekhususan imejan artistik ialah kesatuan dialektik kepastian, kekaburan dan integriti kandungan.

Idea Immanuel Kant tentang polisemi imej dan perwakilan artistik telah dimutlakkan oleh golongan romantik, contohnya Schelling, dan seterusnya oleh ahli teori dan pengamal simbolisme. Tafsiran imej sebagai ungkapan yang tidak terhingga dalam terhingga dikaitkan dengan pengiktirafan ketidakterungkapan asasnya dan penentangan terhadap pengetahuan.

Walau bagaimanapun, pada hakikatnya, polisemi kandungan artistik tidak terhad - ia dibenarkan hanya dalam had tertentu, hanya pada tahap kandungan artistik tertentu. Secara umum, artis berusaha untuk mewujudkan rancangan ideologi dan kiasan yang mencukupi dan untuk pemahaman yang mencukupi oleh mereka yang melihatnya. Lebih-lebih lagi dia tidak mahu disalah ertikan. Pada kesempatan ini F.M. Dostoevsky menulis: “... Kesenian... ialah kebolehan untuk menyatakan dengan jelas pemikiran seseorang dalam wajah dan imej novel sehingga pembaca, setelah membaca novel, memahami pemikiran penulis dengan cara yang sama seperti penulis itu sendiri. memahaminya ketika mencipta karyanya.”2

Konteks keseluruhan bukan sahaja menimbulkan polisemi imej individu, tetapi juga menghilangkan dan "memoderasi"nya. Secara keseluruhannya pelbagai komponen kandungan saling "menjelaskan" satu sama lain makna yang pasti dan bersatu. Tafsiran bercanggah tanpa had timbul hanya secara berasingan daripada keseluruhannya. Sebagai tambahan kepada interaksi dialektik kepastian dan kekaburan, kekhususan artistik kandungan dinyatakan dalam fakta bahawa dalam karya seni, menurut Ahli Akademik D. Likhachev, dunia sosialiti, moral, psikologi dan kehidupan seharian yang istimewa dan unik. timbul, dicipta semula melalui imaginasi kreatif artis, dengan undang-undangnya sendiri.

Satu lagi ciri kandungan artistik ialah interaksi isu sosio-estetik, moral dan kerohanian semasa dengan lapisan tradisi yang kuat. Perkadaran kandungan moden dan tradisional adalah berbeza dalam kawasan budaya dan seni, gaya dan genre seni yang berbeza.

Sosio-sejarah muncul dalam universal, dan universal dalam konkrit-temporal.

Sifat am kandungan artistik, yang kita bincangkan di atas, dimanifestasikan secara unik dalam pelbagai jenisnya.

Kita boleh bercakap tentang sifat plot penceritaan artistik dan lisan sebagai sfera khusus di mana kandungan mendapati dirinya. Plot adalah aksi dan tindak balas yang spesifik dan maksima lengkap, gambaran pergerakan yang konsisten bukan sahaja fizikal, tetapi juga dalaman, rancangan rohani, fikiran dan perasaan. Plot adalah tulang belakang kerja yang penuh peristiwa, sesuatu yang boleh diketepikan secara mental daripada plot dan diceritakan semula.

Kadang-kadang kita boleh bercakap tentang kekurangan plot, sebagai contoh, lirik, tetapi tidak bermakna kekurangan plot. Plot hadir dalam jenis dan genre seni lain, tetapi tidak memainkan peranan sejagat di dalamnya.

Adalah menjadi kebiasaan untuk membezakan antara kandungan artistik langsung dan tidak langsung. DALAM seni yang bagus objektiviti dan ruang yang dilihat secara visual dinyatakan secara langsung, dan sfera idea, nilai emosi dan estetik serta penilaian secara tidak langsung dinyatakan. Manakala dalam seni kata, kandungan mental dan emosi lebih diungkapkan secara langsung, dan isi bergambar lebih diungkapkan secara tidak langsung. Dalam tarian dan balet, kandungan visual-plastik dan emosi-afektif secara langsung terkandung, tetapi secara tidak langsung - rancangan falsafah-semantik, moral-estetik.

Mari kita pertimbangkan konsep asas analisis estetik, yang boleh dikaitkan dengan kandungan semua jenis seni. Kepada yang demikian konsep sejagat tergolong dalam tema (dari tema Yunani - subjek) - perpaduan bermakna yang mendasari karya seni, terpencil daripada kesan realiti dan dicairkan oleh kesedaran estetik dan kreativiti artis. Subjek imej boleh menjadi pelbagai fenomena dunia sekeliling, alam semula jadi, budaya material, kehidupan sosial, peristiwa sejarah tertentu, masalah rohani sejagat dan nilai.

Tema kerja secara organik menggabungkan imej aspek realiti tertentu dan pemahaman dan penilaian khusus mereka, ciri kesedaran artistik tertentu. Walau bagaimanapun, objektif kognitif, sisi bergambar secara langsung adalah dominan dalam tema artistik berbanding komponen penting kandungan artistik seperti idea artistik.

Konsep tema seni merangkumi empat kumpulan makna. Konsep tema objektif adalah berkaitan dengan ciri-ciri asal usul sebenar kandungan. Ini juga termasuk tema abadi, universal: manusia dan alam semula jadi, kebebasan dan keperluan, cinta dan cemburu.

Tema budaya-tipologi bermaksud objektiviti bermakna yang telah menjadi tradisi seni seni dunia atau negara.

Tema budaya-sejarah ialah perlanggaran sosio-psikologi yang serupa, watak dan pengalaman, imej koreografi dan muzik yang berulang kali dihasilkan oleh seni, yang terkandung dalam karya artis yang cemerlang, dalam gaya tertentu dan arah seni, yang telah menjadi sebahagian daripada genre atau diambil daripada senjata mitologi.

Tema subjektif ialah struktur perasaan, watak dan masalah yang menjadi ciri artis tertentu (jenayah dan hukuman di Dostoevsky, perlanggaran nasib dan dorongan kepada kebahagiaan di Tchaikovsky).

Semua topik ini disatukan oleh konsep "tema artistik konkrit" - objektiviti kandungan karya seni yang agak stabil. Tema seni konkrit adalah salah satu kategori utama dengan bantuan dunia karya seni yang unik diterokai, digabungkan dengan plastik, muzik-melodi, grafik, monumental, hiasan dan penjelmaan formal dan disemai dengan jenis kandungan tertentu. -sikap estetik terhadap realiti (tragis, komik, melodramatik ). Ia mengubah aspek objek dan tema seni budaya kepada kualiti baharu yang wujud dalam karya tertentu dan artis tertentu.

Dalam estetika, terdapat konsep untuk menentukan sisi subjektif-penilaian, emosi-ideologi kandungan. Ini termasuk konsep "pathos", yang berkembang dalam estetika klasik, dan konsep "kecenderungan", yang terbentuk dalam karya estetika moden.

Kategori pathos (dari bahasa Yunani pathos - perasaan yang mendalam, ghairah) dalam estetika klasik adalah semangat rohani artis yang menakluki semua, yang menggantikan semua impuls dan keinginan lain, dinyatakan secara plastik dan mempunyai kuasa menular yang sangat besar.

Jika dalam kesedihan, melalui subjektiviti yang paling dalam, melalui persepsi estetik dunia yang paling intim, seseorang bersinar melalui dunia besar aspirasi artis, maka konsep "kecenderungan" menekankan momen orientasi sosial yang sedar, konsisten, kemasukan konsisten pandangan dunia subjek ke dalam arus perdana idea dan aspirasi sosial. Kecenderungan artistik terbuka menunjukkan dirinya dalam genre dan gaya seni tertentu: satira, puisi sivil, novel sosial. Walau bagaimanapun, kecenderungan yang diasah dari segi kewartawanan pastinya perlu berkembang dalam seni selaras dengan pengalaman lirik, sebagai idea yang diungkapkan secara kiasan dan emosi.

Dalam genre dan gaya lain, hanya kecenderungan subteks yang tersembunyi, tersembunyi di dalam naratif yang paling dalam, adalah mungkin.

Kategori yang paling penting yang mencirikan kandungan seni ialah idea artistik (dari bahasa Yunani - jenis, imej, jenis, kaedah) - makna kiasan dan estetik holistik kerja siap. Idea artistik hari ini tidak dikenal pasti dengan keseluruhan kandungan karya, seperti dalam estetika klasik, tetapi sepadan dengan makna estetik emosi, kiasan dan artistik yang dominan. Ia memainkan peranan mensintesis berhubung dengan keseluruhan sistem karya, bahagian dan butirannya, yang terkandung dalam konflik, watak, plot, gubahan, irama. Adalah perlu untuk membezakan idea artistik yang terkandung, pertama, dari rancangan idea, yang dikembangkan dan dikonkritkan oleh artis dalam proses kreativiti, dan kedua, dari idea yang diekstrak secara mental dari sfera karya seni yang telah dicipta dan dinyatakan dalam bentuk konseptual (dalam kritikan, dalam sejarah seni, dalam epistolari dan warisan teori).

Peranan utama untuk memahami idea artistik ialah persepsi estetik langsung terhadap karya itu. Ia disediakan oleh keseluruhan amalan sosio-estetik seseorang sebelum ini, tahap pengetahuan dan orientasi nilainya dan berakhir dengan penilaian, kadang-kadang termasuk penggubalan idea artistik. Dengan persepsi awal, hala tuju umum idea artistik dapat dikuasai, dengan persepsi berulang dan berulang, tanggapan umum dikonkritkan, diperkukuh oleh tema, motif, dan "hubungan" dalaman yang baru, yang sebelum ini tidak dirasakan. Dalam idea karya, perasaan dan pemikiran yang ditimbulkan oleh kandungan seolah-olah meninggalkan sfera imejan deria langsung. Tetapi dengan tepat "seolah-olah": mereka tidak sepatutnya keluar sepenuhnya, sekurang-kurangnya pada peringkat persepsi karya seni. Jika dalam pengetahuan saintifik idea dinyatakan sebagai jenis konsep tertentu atau sebagai teori, maka dalam struktur idea artistik peranan yang luar biasa dimainkan oleh sikap emosi kepada kedamaian, kesakitan, kegembiraan, penolakan dan penerimaan. Sebutan boleh dibuat dari pelbagai peringkat martabat dan kepentingan sosio-estetik idea seni, yang ditentukan oleh kebenaran dan kedalaman kefahaman kehidupan, keaslian dan kesempurnaan estetik penjelmaan kiasan.

XartistikbentukDandiaKomponen

Asas material dan fizikal kreativiti artistik, dengan bantuan konsep itu diobjekkan dan objektiviti tanda komunikatif karya seni dicipta, biasanya dipanggil bahan seni. Ini adalah bahan "daging" seni yang diperlukan oleh artis dalam proses kreatif: perkataan, granit, sanguine, kayu atau cat.

Bahan ini direka untuk memikat, menjanjikan, memberi isyarat, merangsang imaginasi dan dorongan kreatif untuk penciptaan semula, tetapi pada masa yang sama menetapkan sempadan tertentu yang berkaitan terutamanya dengan keupayaannya. Kuasa material dan konvensyen yang dikenakan oleh seni ini dinilai oleh artis secara dialektik: kedua-duanya sebagai inersia yang menyakitkan yang mengehadkan kebebasan semangat dan imaginasi, dan sebagai syarat yang bermanfaat untuk kreativiti, sebagai sumber kegembiraan bagi seorang tuan yang telah berjaya mengatasinya. ketidakfleksibelan bahan.

Pilihan bahan ditentukan oleh ciri-ciri individu artis dan rancangan khusus, serta tahap keupayaan formal dan teknikal khusus umum dan aspirasi gaya seni pada peringkat tertentu perkembangannya.

Bahan yang digunakan oleh artis akhirnya tertumpu pada kandungan terkemuka dan trend gaya pada masa itu.

Dalam proses bekerja dengan bahan, artis mempunyai peluang untuk menjelaskan konsep dan mendalaminya, menemui di dalamnya potensi, aspek, nuansa baru, iaitu, untuk merangkumi kandungan artistik yang unik, yang oleh itu hanya wujud dalam bahan yang sesuai. struktur. Apabila mencipta karya baru, dia bergantung pada makna yang paling umum, yang "terkumpul" dalam bahan di bawah pengaruh sejarah budaya dan seni. Tetapi artis berusaha untuk menegaskan makna ini, mengarahkan persepsi kita ke arah tertentu.

Sistem visual material dan ekspresif bermaksud ciri sesuatu jenis seni dan bahasa seninya berkait rapat dengan bahan tersebut. Kita boleh bercakap tentang bahasa seni lukisan tertentu: warna, tekstur, reka bentuk linear, cara mengatur kedalaman pada satah dua dimensi. Atau tentang bahasa grafik: garisan, lejang, titik berhubung dengan permukaan putih helaian. Atau tentang bahasa puisi: intonasi dan cara melodi, meter (meter), rima, rangkap, bunyi fonik.

Bahasa seni mempunyai simbolisme tertentu. Tanda ialah objek deria yang menunjuk objek lain dan menggantikannya untuk tujuan komunikasi. Dengan analogi dengannya, dalam karya seni, bahagian material-bergambar mewakili bukan sahaja dirinya: ia merujuk kepada objek dan fenomena lain yang wujud sebagai tambahan kepada satah terwujud. Di samping itu, seperti mana-mana tanda, tanda artistik mengandaikan pemahaman dan komunikasi antara artis dan penerima.

Ciri-ciri sistem semiotik atau tanda ialah ia mengenal pasti unit tanda asas yang mempunyai lebih atau kurang nilai tetap untuk kumpulan budaya tertentu, dan juga kesalinghubungan unit-unit ini dijalankan, berdasarkan peraturan tertentu(sintaksis). Seni kanonik sememangnya dicirikan oleh hubungan yang agak stabil antara tanda dan makna, serta dengan kehadiran sintaks yang lebih kurang jelas, mengikut mana satu elemen memerlukan yang lain, satu hubungan memerlukan yang lain. Oleh itu, meneroka genre cerita dongeng, V.Ya. Propp membuat kesimpulan yang wajar bahawa ia mematuhi normativiti genre, abjad dan sintaks tertentu: 7 peranan dongeng dan 31 fungsinya. Walau bagaimanapun, percubaan untuk menggunakan prinsip analisis Propp pada novel Eropah gagal (ia mempunyai prinsip pembinaan artistik yang sama sekali berbeza).

Pada masa yang sama, dalam semua jenis seni, bahagian material dan visual, sfera simbolik, menetapkan satu atau satu lagi kandungan subjek-rohani.

Oleh itu, jika tanda-tanda sistematik semiotik yang ketat dalam seni sama sekali tidak universal, tetapi bersifat lokal, maka tanda-tanda ikonik dalam dalam erti kata yang luas Kata-kata ini sudah pasti terdapat dalam mana-mana bahasa seni.

Sekarang, selepas mukadimah yang begitu panjang, akhirnya kita boleh beralih kepada definisi konsep bentuk artistik itu sendiri.

Bentuk artistik ialah cara untuk mengekspresikan kandungan sedia ada secara material-objektif mengikut undang-undang jenis dan genre seni tertentu, serta tahap makna yang lebih rendah berhubung dengan yang lebih tinggi. ini definisi umum bentuk perlu dinyatakan berhubung dengan karya seni yang berasingan.Dalam karya holistik, bentuk ialah keseluruhan yang dibawa kepada perpaduan cara artistik dan teknik untuk tujuan menyatakan kandungan unik. Sebaliknya, bahasa seni adalah cara ekspresif dan visual yang berpotensi, serta tipologi, aspek normatif bentuk, secara mental diabstraksi daripada banyak penjelmaan artistik tertentu.

Seperti kandungan, bentuk artistik mempunyai hierarki dan susunannya sendiri. Beberapa tahapnya cenderung kepada kandungan kiasan rohani, yang lain - ke arah objektiviti material-fizikal karya. Oleh itu, perbezaan dibuat antara bentuk dalaman dan luaran. Bentuk dalaman ialah satu cara untuk menyatakan dan mengubah keteraturan kandungan kepada keteraturan bentuk, atau aspek struktur-komposisi, genre-konstruktif seni. Bentuk luaran adalah cara deria konkrit, yang disusun dengan cara tertentu untuk merangkumi bentuk dalaman dan, melaluinya, kandungan. Jika bentuk luaran dikaitkan dengan tahap kandungan tertinggi secara lebih tidak langsung, maka dengan bahan seni ia berkaitan secara langsung dan langsung.

Bentuk seni secara relatifnya bebas dan mempunyai undang-undang pembangunan dalaman yang imanen sendiri. Masih lagi faktor sosial mempunyai pengaruh yang tidak dapat dinafikan terhadap bentuk seni. Bahasa Gothic, Baroque, klasisisme, dan impresionisme dipengaruhi oleh iklim sosio-sejarah era, sentimen dan cita-cita yang berlaku. Dalam kes ini, keperluan sosio-sejarah boleh disokong oleh bahan yang dikuasai dan cara pemprosesannya, pencapaian sains dan teknologi (kaedah pemprosesan marmar Michelangelo, sistem pukulan berasingan oleh Impresionis, struktur logam oleh Konstruktivis).

Malah faktor persepsi yang paling stabil, tidak terdedah kepada dinamik khas, mempengaruhi bahasa seni bukan dengan sendirinya, tetapi dalam konteks sosial.

Jika adalah salah untuk menafikan faktor sosio-budaya yang mempengaruhi bahasa dan bentuk seni, maka adalah sama salah untuk tidak melihat kemerdekaan dalaman dan sistemik mereka. Segala sesuatu yang ditarik oleh seni daripada alam semula jadi, kehidupan sosial, teknologi, dan pengalaman manusia sehari-hari untuk menambah dan memperkaya cara formalnya diproses menjadi sistem seni yang khusus. Cara ekspresi khusus ini terbentuk dalam bidang seni, dan bukan di luarnya. Contohnya, organisasi berirama ucapan puitis, melodi dalam muzik, perspektif langsung dan songsang dalam lukisan.

Cara representasi dan ekspresi artistik cenderung sistematik dan terkondisi secara dalaman dan, kerana ini, mampu untuk pembangunan diri dan peningkatan diri. Setiap bentuk seni mempunyai undang-undang organisasi dalaman cara ekspresi tertentu. Oleh itu, cara ekspresi yang sama melakukan fungsi yang berbeza dalam jenis seni yang berbeza: garis dalam lukisan dan grafik, perkataan dalam lirik dan novel, intonasi dalam muzik dan puisi, warna dalam lukisan dan pawagam, gerak isyarat dalam pantomim, tarian, aksi dramatik. Pada masa yang sama, prinsip pembentukan beberapa jenis dan genre seni mempengaruhi yang lain. Akhirnya, bentuk ekspresi baharu dicipta oleh keperibadian kreatif yang cemerlang.

Oleh itu, bahasa artistik terbentuk di bawah pengaruh beberapa faktor sosio-sejarah dan budaya-komunikatif, tetapi ia dimediasi oleh logik perkembangan sistemik dalamannya. Bentuk dominan dalam seni ditentukan peringkat umum dan sifat budaya estetika.

Apabila mempertimbangkan bentuk artistik, kami, seperti semasa menganalisis kandungan, menyerlahkan komponen yang paling biasa. Marilah kita memikirkan ciri-ciri prinsip pembinaan bentuk tersebut, tanpanya adalah mustahil untuk mencipta karya seni apa-apa jenis seni. Ini termasuk genre, gubahan, ruang dan masa artistik, dan irama. Inilah yang dipanggil bentuk dalaman, yang mencerminkan aspek estetik umum seni, manakala dalam bentuk luaran cara ekspresi adalah khusus untuk jenis individunya.

Genre - jenis karya yang ditubuhkan secara sejarah yang agak stabil dan berulang struktur seni. Gabungan genre karya seni berlaku terutamanya berdasarkan persamaan subjek-tema dan ciri komposisi, berkaitan dengan pelbagai fungsi, dan mengikut ciri estetik ciri. Ciri tematik, komposisi, emosi dan estetik paling kerap mewujudkan hubungan sistemik antara satu sama lain. Oleh itu, arca monumental dan arca kecil berbeza dalam ciri tematik, estetik, emosi, komposisi, serta dalam bahan.

Perkembangan genre seni dicirikan oleh dua trend: kecenderungan ke arah pembezaan, ke arah pengasingan genre antara satu sama lain, di satu pihak, dan ke arah interaksi, interpenetrasi, sehingga sintesis, di pihak yang lain. Genre ini juga berkembang dalam interaksi berterusan norma dan penyelewengan daripadanya, kestabilan relatif dan kebolehubahan. Kadang-kadang ia mengambil bentuk yang paling tidak dijangka, bercampur dengan genre lain dan berantakan. Karya baru, yang ditulis secara zahir selaras dengan norma genre, sebenarnya boleh memusnahkannya. Contohnya ialah puisi karya A.S. Pushkin "Ruslan dan Lyudmila", memparodikan puisi heroik klasik, yang jatuh dari norma genre kerja, tetapi juga mengekalkan ciri-ciri individu puisi.

Penyimpangan daripada peraturan hanya boleh dilakukan atas dasar mereka, selaras dengan undang-undang dialektik universal tentang penolakan penolakan. Kesan kebaharuan timbul hanya apabila norma karya seni lain diingati.

Kedua, kandungan seni yang unik dan khusus berinteraksi dengan yang menyimpan "memori" genre. Genre diberi kehidupan dengan kandungan sebenar, yang mana ia diisi semasa tempoh asalnya dan pembentukan sejarah dan budaya. Secara beransur-ansur, kandungan genre kehilangan kekhususannya, digeneralisasikan, dan memperoleh makna "formula" dan garis besar anggaran.

Komposisi (dari compositio Latin - susunan, komposisi, penambahan) adalah kaedah membina karya seni, prinsip menghubungkan komponen dan bahagian yang serupa dan tidak serupa, konsisten antara satu sama lain dan dengan keseluruhan. Dalam gubahan terdapat peralihan antara kandungan artistik dan kandungannya hubungan dalaman berhubung dengan bentuk, dan keteraturan bentuk - ke dalam keteraturan kandungan. Untuk membezakan antara undang-undang pembinaan bidang seni ini, dua istilah kadang-kadang digunakan: arkitektonik - hubungan komponen kandungan; gubahan - prinsip pembinaan bentuk.

Terdapat satu lagi jenis pembezaan: bentuk umum struktur dan hubungan bahagian besar kerja dipanggil arkitektonik, dan hubungan komponen yang lebih pecahan dipanggil komposisi. Perlu diambil kira bahawa dalam teori seni bina dan organisasi persekitaran subjek, sepasang konsep berkorelasi lain digunakan: reka bentuk - kesatuan komponen bahan bentuk, dicapai dengan mengenal pasti fungsi mereka, dan komposisi - penyelesaian artistik. dan penekanan pada aspirasi konstruktif dan berfungsi, dengan mengambil kira ciri-ciri persepsi visual dan ekspresi artistik, hiasan dan integriti bentuk.

Komposisi ditentukan oleh kaedah pembentukan dan keanehan ciri persepsi jenis dan genre seni tertentu, undang-undang membina model artistik / kanon / dalam jenis budaya berkanun, serta keaslian individu artis dan kandungan unik karya seni dalam jenis budaya yang kurang dikanonkan.

Cara sejagat untuk membentuk dan menyatakan kandungan ideologi dan artistik ialah ruang dan masa artistik - refleksi, pemikiran semula dan penjelmaan khusus aspek spatio-temporal realiti dan idea tentangnya dalam bentuk kiasan, simbolik dan teknik bersyarat seni.

Dalam seni spatial, ruang adalah satu bentuk yang telah menjadi apa yang dipanggil kandungan segera.

Dalam seni sementara, imej spatial adalah bentuk yang telah menjadi kandungan pengantara, dicipta semula menggunakan bahan bukan ruang, contohnya, perkataan. Peranan mereka dalam mencerminkan idea sosio-etika, sosio-estetik artis adalah sangat besar. Kandungan artistik karya Gogol, sebagai contoh, tidak dapat dibayangkan di luar imej spatial kewujudan, dikelilingi oleh palisade, dan cita-cita estetiknya berada di luar ruang tanpa sempadan, di luar padang rumput yang luas dan bebas dan jalan yang berjalan ke jarak yang tidak diketahui. Lebih-lebih lagi, imej jalan ini adalah dua: ia adalah jalan yang nyata, longgar, berlubang di mana kereta kuda atau chaise bergegar, dan jalan yang penulis lihat dari "jarak yang indah." Dunia wira Dostoevsky - sudut St. Petersburg, telaga halaman, loteng, tangga, kehidupan seharian. Pada masa yang sama, terdapat adegan skandal dan pertobatan yang penuh sesak, "katedral". Ini adalah pengasingan pemikiran yang dipupuk dengan menyakitkan dan tindakan yang boleh dilihat secara terbuka di ruang terbuka.

Masa artistik melaksanakan fungsi yang bermakna terutamanya dalam seni sementara. Dalam pawagam, imej masa membentang dan mengecut. Kesan pergerakan sementara ditentukan oleh banyak cara tambahan: kekerapan perubahan bingkai, sudut kamera, nisbah bunyi dan imej, pelan. Ini boleh dilihat dengan mudah dalam filem A. Tarkovsky. Perbandingan seseorang dan masa peribadinya dengan keabadian, kewujudan seseorang di dunia dan dalam masa - masalah abstrak seperti itu dicerminkan menggunakan cara konkrit semata-mata. Dalam kesan estetik, bermakna dan semantik muzik instrumental dan persembahan koreografi, peranan tempo dan pelbagai jenis hubungan irama-masa. Di sini, semua cara yang mencipta imej sementara karya, dan melaluinya makna ideologi dan emosi, ditentukan oleh pengarang atau pelaku. Dan pemerhati mesti pada masa yang sama melihat mereka, hanya mempunyai kebebasan persatuan kiasan dan semantik tambahan.

Keadaannya agak berbeza dengan masa seni dalam seni statik spatial: persepsi imej mereka tidak ditetapkan oleh artis dengan ketegaran sedemikian. Tetapi seperti perkataan tanpa berat yang tidak mempunyai sempadan ruang sentiasa menghasilkan semula imej objek-ruang, begitu juga bahan tidak bergerak pemahat mencipta semula pergerakan yang kelihatan di luar kawalannya dengan bantuan pose, gerak isyarat, terima kasih kepada gambaran peralihan dari satu keadaan ke keadaan lain, terima kasih kepada perkembangan pergerakan dari satu bentuk ke bentuk yang lain, melalui sudut, aksen volum.

Irama (dari bahasa Yunani - keteraturan, kebijaksanaan) - pengulangan semula jadi yang serupa dan komponen yang serupa pada jarak yang sama dan sepadan dalam ruang atau masa. Irama artistik adalah perpaduan - interaksi norma dan penyelewengan, keteraturan dan kekacauan, didorong oleh kemungkinan persepsi dan pembentukan yang optimum, dan akhirnya oleh struktur kiasan kandungan karya seni.

Dalam seni, dua jenis utama corak irama boleh dibezakan: agak stabil (kawal selia, dikanonkan) dan berubah-ubah (tidak teratur, tidak dikanonkan). Irama biasa adalah berdasarkan unit kebolehbandingan yang jelas bagi tempoh artistik (meter), yang merupakan ciri seni hiasan, muzik, tarian, seni bina dan puisi. Dalam irama yang tidak teratur dan tidak berkanun, keberkalaan berlaku di luar meter ketat dan adalah anggaran dan tidak stabil: ia muncul dan kemudian hilang. Walau bagaimanapun, terdapat banyak bentuk peralihan antara dua jenis irama ini: yang dipanggil ayat bebas, prosa berirama, pantomim. Di samping itu, irama yang teratur dan berkanun boleh memperoleh watak yang lebih bebas dan lebih kompleks (contohnya, dalam muzik dan puisi abad ke-20).

Untuk memahami fungsi irama yang bermakna, kita mesti mengambil kira bahawa ia memanifestasikan dirinya pada semua peringkat karya seni. Mana-mana siri berirama peringkat terendah bentuk tidak boleh dikaitkan secara langsung dengan tema dan idea karya itu. . Fungsi semantik irama dalam puisi, muzik, dan seni bina didedahkan melalui kaitannya dengan genre.

Irama, seolah-olah, "menyebarkan" makna satu komponen ke seluruh struktur komponen berulang, membantu mendedahkan warna kandungan tambahan, mewujudkan kawasan perbandingan dan kesalinghubungan yang luas, yang melibatkan tahap formatif yang lebih rendah sekalipun karya seni ke dalam konteks kandungan umum

Siri berirama dalam karya seni boleh bertindih antara satu sama lain, meningkatkan satu kesan kiasan dan estetik.

Terdapat juga peniruan proses kehidupan dalam seni dengan bantuan irama (lari kuda, derap roda kereta api, bunyi ombak), pergerakan masa, dinamik pernafasan dan turun naik emosi. Tetapi fungsi irama yang bermakna tidak boleh dikurangkan kepada tiruan sedemikian.

Oleh itu, irama secara tidak langsung menyampaikan dinamik objek yang digambarkan dan struktur emosi subjek kreatif; meningkatkan kapasiti kerja yang ekspresif dan bermakna disebabkan oleh banyak perbandingan dan analogi, disebabkan oleh "menarik" ulangan formal ke dalam sfera semantik; menekankan perubahan tema dan motif intonasi-kiasan.

Estetika klasik telah lama menganggap perkadaran, perkadaran, "nisbah emas", irama, dan simetri sebagai manifestasi formal kecantikan. Nisbah emas ialah sistem perhubungan berkadar di mana keseluruhannya berkaitan dengan bahagian yang lebih besar kerana yang lebih besar adalah dengan yang lebih kecil. Peraturan nisbah emas dinyatakan dengan formula: c/a = a/b, di mana c menandakan keseluruhan, a bahagian yang lebih besar, b bahagian yang lebih kecil. Corak ini benar-benar wujud dalam bentuk artistik. Dan yang paling penting, keseronokan estetik dalam keindahan sesuatu bentuk ditentukan oleh tahap kesesuaian dan kecukupan yang tinggi terhadap kandungan yang terkandung di dalamnya. Surat-menyurat sedemikian dari segi estetik boleh dianggap sebagai harmoni.

InteraksiborangDankandungan

Kandungan artistik memainkan peranan utama dan penentu berhubung dengan bentuk artistik. Peranan utama kandungan berhubung dengan bentuk ditunjukkan dalam fakta bahawa bentuk dicipta oleh artis untuk menyatakan niatnya. Dalam proses kreativiti, rancangan rohani-substantif dan kesan perasaan berlaku, walaupun bentuknya "menolak" dan bahkan memimpinnya dalam beberapa kes. Secara beransur-ansur kandungan menjadi lebih lengkap dan lebih jelas. Tetapi dari semasa ke semasa ia seolah-olah berusaha untuk keluar dari "belenggu" dan sempadan bentuk, tetapi dorongan yang tidak dijangka ini dihalang oleh kerja yang kuat, membina dan kreatif tuan dalam bahan. Proses kreatif menunjukkan perjuangan, percanggahan antara bentuk dan kandungan dengan peranan utama kandungan.

Akhirnya, pelaziman bentuk mengikut kandungan juga dinyatakan dalam fakta bahawa dalam karya seni siap "blok" bentuk yang besar dan kadangkala tahap "atom"nya dikondisikan oleh kandungan dan wujud untuk menyatakannya. Sesetengah lapisan bentuk ditentukan oleh kandungan secara lebih langsung, yang lain - kurang, mempunyai kebebasan yang agak besar, ditentukan oleh pertimbangan teknikal, tujuan formatif seperti itu. Peringkat rendah karya seni tidak selalu mungkin dan perlu untuk dikaitkan dengan kandungan; mereka memasukinya secara tidak langsung.

Kandungan menunjukkan kecenderungan ke arah pengemaskinian yang berterusan, kerana ia lebih berkaitan secara langsung dengan realiti yang sedang berkembang, dengan pencarian rohani individu yang dinamik. Bentuknya lebih lengai, cenderung ketinggalan di belakang kandungan, melambatkan, dan membelenggu perkembangannya. Borang tidak selalu menyedari semua kemungkinan kandungan; pelazimannya oleh kandungan adalah tidak lengkap, relatif, dan tidak mutlak. Kerana ini, dalam seni, seperti dalam proses dan fenomena lain, terdapat perjuangan berterusan antara bentuk dan kandungan.

Pada masa yang sama, bentuk seni agak bebas dan aktif. Bentuk dalam seni berinteraksi dengan masa lalu pengalaman seni kemanusiaan dan dengan pencarian moden, kerana pada setiap peringkat perkembangan seni terdapat sistem bentuk yang agak stabil. Terdapat unjuran sedar atau intuitif bentuk yang dicipta ke dalam konteks bentuk yang mendahului dan bertindak serentak, termasuk tahap "keausan" estetik mereka diambil kira. Aktiviti bentuk dimanifestasikan dalam proses perkembangan sejarah seni, dan dalam tindakan kreativiti, dan pada tahap fungsi sosial karya seni, tafsiran pelaksanaannya dan persepsi estetik.

Akibatnya, percanggahan relatif antara kandungan dan bentuk, percanggahan mereka, adalah tanda berterusan pergerakan seni ke arah penemuan estetik baru. Percanggahan ini jelas dinyatakan semasa tempoh pembentukan arah, gaya baharu, apabila pencarian kandungan baharu belum dapat dipastikan bentuk baru atau apabila cerapan intuitif bentuk baharu ternyata pramatang dan oleh itu tidak dapat direalisasikan secara artistik kerana kekurangan prasyarat sosio-estetik untuk kandungan tersebut. Dalam karya "peralihan", disatukan oleh pencarian sengit untuk kandungan baharu, tetapi yang tidak menemui bentuk artistik yang mencukupi, tanda-tanda formasi yang biasa digunakan sebelum ini kelihatan, tidak difikirkan semula secara artistik, tidak dicairkan untuk menyatakan kandungan baharu. Ini selalunya disebabkan oleh fakta bahawa kandungan baharu itu hanya dilihat secara samar-samar oleh artis. Contoh karya tersebut ialah “ tragedi Amerika"T. Dreiser dan kisah awal M. Bulgakov. Karya peralihan seperti itu biasanya muncul semasa tempoh krisis akut dalam perkembangan seni atau polemik sengit antara artis dan dirinya sendiri, dengan inersia pemikiran dan gaya penulisannya yang biasa. Kadang-kadang, daripada pertembungan bentuk lama dan kandungan baharu ini, kesan artistik maksimum diekstrak dan surat-menyurat harmoni dicipta pada tahap baharu. Dalam karya seni yang telah siap, perpaduan berlaku dalam hubungan antara kandungan dan bentuk - surat-menyurat, saling berkaitan dan saling bergantung. Adalah mustahil untuk memisahkan bentuk daripada kandungan di sini tanpa memusnahkan integritinya. Di dalamnya, kandungan dan bentuk disambungkan ke dalam sistem yang kompleks.

Kesatuan estetik kandungan dan bentuk mengandaikan keseragaman positif tertentu, kandungan progresif dan dibangunkan secara artistik dan bentuk sepenuhnya. Adalah dinasihatkan untuk membezakan kesatuan kandungan dan bentuk, yang bermaksud bahawa seseorang tidak boleh wujud tanpa yang lain, dari padanan kandungan dan bentuk sebagai kriteria artistik dan ideal tertentu. Dalam karya seni sebenar, hanya anggaran kepada surat-menyurat ini ditemui.

karya seni bermaksud seni

DENGANsenarai sastera

1. Bakhtin M.M. Masalah kandungan, bahan dan bentuk dalam kreativiti artistik verbal // Bakhtin M.M. Persoalan kesusasteraan dan estetika. M.1975.

2. Gachev G.D. Kandungan bentuk artistik. M. 1968.

3. Hegel G.V.F. Estetika. T.1-4, M.1968-1974.

4. Girshman M.M. Karya sastera. Teori dan amalan analisis. M. 1991.

5. Khalizev V.E. Teori sastera. M.1999.

Disiarkan di Allbest.ru

Dokumen yang serupa

Ruang pelbagai budaya karya seni. Analisis budaya puisi oleh A.S. Pushkin "Tazit". Persepsi karya kesusasteraan Rusia oleh pelajar sekolah Belarusia. Ciri-ciri karya seni sebagai "bekas" budaya.

kerja kursus, ditambah 27/11/2009


Dunia dalaman karya seni lisan. Dunia realiti dari perspektif kreatif. Struktur sosial dan moral dunia dalam kerja. dunia seni dalam puisi A. Akhmatova "Ke Muse". Ciri-ciri temporal dan spatial.

abstrak, ditambah 05/27/2010


Ciri-ciri teks sastera. Jenis maklumat dalam teks sastera. Konsep subteks. Memahami teks dan subteks karya seni sebagai masalah psikologi. Ungkapan subteks dalam cerita "Heart of a Dog" oleh M. Bulgakov.

tesis, ditambah 06/06/2013


Mendedahkan kemahiran artistik penulis dalam kandungan ideologi dan tematik karya. Garis plot utama cerita oleh I.S. Turgenev" Air mata air". Analisis imej watak utama dan sekunder yang dicerminkan dalam ciri teks.

kerja kursus, ditambah 04/22/2011


Struktur, bentuk genre, sistem kiasan karya sastera. Struktur imej watak artistik: lisan, pertuturan, potret psikologi, nama, kontinum ruang-masa. Analisis teks sastera di sekolah menengah.

tesis, ditambah 01/21/2017


Kepentingan sosial kandungan karya Paulo Coelho"Tiga Cedar" Kedudukan pandangan dunia pengarang. Motivasi tindakan dan logik pembangunan, watak watak. Bahasa dan gaya karya, dengan mengambil kira ciri genre. Keupayaan emosi cerita.

analisis buku, ditambah 08/07/2013


Membaca teks sastera cerita oleh N.V. Gogol "The Stroller". Menjelaskan tafsiran perkataan yang tidak jelas. Stilitika karya, peraturan untuk menyusun perkataan dalam ayat. kandungan ideologi, gubahan dan imej utama teks, bentuk ungkapan yang digunakan.

abstrak, ditambah 07/21/2011


Kajian tentang faktor-faktor yang mempengaruhi penulisan novel sejarah "Gone with the Wind" oleh penulis Amerika Margaret Mitchell. Ciri-ciri watak dalam novel. Prototaip dan nama watak dalam karya. Kajian kandungan ideologi dan seni novel.

abstrak, ditambah 12/03/2014


Masalah sosial, ditonjolkan dalam cerita dongeng "The Adventures of Cipollino" oleh Gianni Rodari. Arah, jenis dan genre karya. Penilaian ideologi dan emosi kisah dongeng. Watak utama, plot, gubahan, keaslian artistik dan maksud kerja.

analisis buku, ditambah 04/07/2017


Pengenalpastian fenomena personaliti linguistik sesuatu watak dalam karya seni. Pengarang dan watak karya fiksyen sebagai personaliti linguistik yang berinteraksi. Personaliti bahasa pengarang. Potret ucapan watak-watak dalam novel "The Collector" oleh John Fowles.

2. Sastera dan realiti. Konsep "idealiti" seni.

3. Objektif dan subjektif, rasional dan emosi dalam seni kata

4. Mengatasi dualisme estetik

§ 3. Karya seni sebagai struktur

1. Model struktur sesebuah karya seni

2. Apa yang membentuk bentuk luar

3. Apakah bentuk dalaman sesebuah karya seni?

4. Perbezaan antara bentuk luaran dan dalaman dengan mobiliti (“ketelusan”) sempadan antara mereka. Konsep "aplikasi" imej dalam Potebnya (dalam aspek struktur).

5. Kandungan (atau idea) karya seni

6. Hubungan antara isi (idea) seni

7. Konsep am isomorfisme struktur

8. “Formula” karya seni dari segi struktur.

§ 4. Karya seni sebagai satu tindakan kreativiti (aspek epistemologi utama model saintifik A. Potebnya).

1. Dua peringkat mencipta imej artistik.

2. Penciptaan utama imej artistik. Intipati dan mekanisme psikologi proses kreatif.

2.1. Apakah mekanisme untuk mencipta imej artistik?

2. 2. Formula proses kreatif, perbuatan mencipta karya seni.

3. Hubungan antara kandungan dan imej (bentuk dalaman)

1) Ketidakpastian kandungan.

2) Ketaksamaan kandungan dan imej (x dan a)

4. Sedar dan tidak sedar dalam seni kata.

6. Sfera kewujudan imej artistik

§ 5. Karya seni sebagai objek persepsi dan pemahaman (aspek epistemologi sekunder model saintifik A. Potebnya)

1. Apakah yang ada kepada pembaca apabila melihat karya seni?

2. Mekanisme persepsi psikologi. Analogi antara tindakan kreativiti dan tindakan memahami karya seni. "Formula" persepsi.

1) A (pengalaman pengarang) tidak sama dengan a1 (pengalaman pembaca)

2) A1 tidak sama dengan a

3) X tidak sama dengan x1

3. Aspek subjektif psikologi persepsi.

3.1. Persepsi.

3.2. Aspek subjektif apersepsi

4. Detik objektif kreativiti dan persepsi.

5. Kepentingan metodologi teori kreativiti dan persepsi a. Potebni.

§ 6. Masalah analisis dan tafsiran karya seni

1. Tafsiran pengarang.

2. Tugas mengkritik.

3. Objektif dan objek utama analisis saintifik sesuatu karya seni.

§ 7. Kekhususan dan struktur karya seni lisan dan elemen utamanya.

1. Apakah seni yang sebenar?

Kriteria utama kesenian.

2. Masalah konvensyen seni.

2.1. Jenis dan bentuk alegori

2.2 Kiasan "kias"

2.3. Kiasan sinecdochic (kebiasaan artistik).

2.4. Kerelatifan tipologi ini.

2.5. Masalah "konvensional" dan "seperti kehidupan" dalam seni

3. Kekhususan imej lisan

4. Unsur-unsur sistem kiasan (bentuk dalaman dan luaran) karya dan kekhususannya dalam seni kata.

4.1 Dunia dan "perwakilannya" dalam kesusasteraan.

4.2. Ruang, masa, tindakan di dunia nyata

4.3. Masa dalam sastera.

4.4. Ruang dalam sastera

4.5. Tindakan dalam seni kata. Tindakan dan ruang.

4.6. Tindakan dan masa. Kategori kausalitas, genesisnya dalam seni kata dalam tafsiran Potebnya.

4.7. Penceritaan sebagai unsur penyepaduan sistem kiasan lisan

4.8. "Sudut pandangan" dalam penceritaan dan gubahan karya sastera.

4.9. Masalah kekhususan ekspresi lisan proses dan keadaan psikologi

4.10. Kesedaran dan kesedaran diri dalam sastera

4.11. Bentuk generik dan genre dalam seni kata

Prasyarat asas.

Genera sastera.

Genre sastera, sifat dan cirinya.

5. Lebih lanjut mengenai kesenian. Sifat umum sistem kiasan karya seni lisan.

§ 3. Karya seni sebagai struktur

(aspek struktur model saintifik A. Potebnya)

1. Model struktur sesebuah karya seni

sebagai analogi kepada model struktur sesuatu perkataan.

Dari sudut pandangan Potebnya, "semua bahagian konstituen yang kita temui dalam karya seni" adalah serupa dengan bahagian konstituen sesuatu perkataan. Premis ini adalah bahawa "setiap perkataan, sejauh pengalaman kita, pasti melalui keadaan di mana perkataan ini adalah karya puitis." Dalam kes di mana perkataan telah bertukar menjadi perkataan dua bahagian, di mana bentuk dalaman dilupakan, hilang, dan maknanya bersebelahan langsung dengan bunyi, keadaan "puitis" sebelumnya ini boleh dipulihkan dengan mengkaji sejarah perkataan itu. , iaitu kaedah analisis etimologi.

Berikut adalah contoh daripada Potebnya daripada "Kuliah Teori Kesusasteraan" beliau. Atas nama tumbuhan "coltsfoot" bentuk dalaman hilang. Ia dikaitkan dengan korelasi dalam kesedaran keadaan emosi yang kompleks seperti cinta dan tidak suka. Malah sekarang kita tidak dapat menentukan fenomena ini secara saintifik, "dengan ketepatan yang ia akan diingini." Tetapi dalam bahasa terdapat kesan fakta bahawa orang mengaitkan cinta dengan kehangatan, dan tidak suka dengan sejuk (contohnya, dalam perkataan Ukraine "ostuda", yang bermaksud tidak suka dan pada masa yang sama "sejuk", atau dalam bahasa Rusia "benci" , dan juga apabila perkataan "sejuk" digunakan untuk bermaksud "tidak mengasihi"). Dalam lagu Ukraine, kasih sayang seorang ibu dan rasa tidak suka ibu tiri dinyatakan seperti berikut: "ibu saya sendiri suka bagaimana matahari musim panas hangat, tetapi ibu tiri tidak suka, dia sejuk seperti matahari musim sejuk." Idea kiasan ini (cinta - kehangatan, tidak suka - sejuk) yang membentuk asas untuk nama tumbuhan "coltsfoot", kerana ia mempunyai "permukaan atas daun berkilat dan sejuk, dan bahagian bawah tidak hijau dan keputihan, lembut, hangat seolah-olah diselaputi sarang labah-labah putih. Oleh itu, tumbuhan itu adalah "ibu" dan "ibu tiri". Perbezaan antara kehangatan cinta dan kesejukan ketidaksukaan terbentuk, oleh itu, teras kiasan dalaman perkataan "coltsfoot".

Analisis karya seni sedikit sebanyak serupa dengan kajian etimologi sesuatu perkataan: ia sepatutnya (mempunyai matlamat) untuk mendedahkan struktur karya, mewujudkan teras kiasannya dan dengan itu memberikan kunci untuk memahami kandungannya.

Walau apa pun karya seni: besar atau kecil, mudah atau kompleks, apa sahaja ciri individu strukturnya (genre, gubahan, plot, gaya, dll.) - ia masih yang paling umum prinsip strukturnya serupa struktur puisi perkataan.

Seperti perkataan, ia mempunyai BENTUK LUARAN (tetapi jika dalam perkataan ia adalah satu set bunyi yang jelas, maka dalam karya seni ia adalah "penjelmaan lisan"); BENTUK DALAMAN (dalam perkataan - "perwakilan", simbol, tanda makna, dalam karya seni - imej atau satu siri imej yang mewakili kandungan, menunjuk kepadanya, melambangkannya); dan, akhirnya, KANDUNGAN (dalam satu perkataan - makna leksikal, dalam karya seni - satu set pemikiran dan perasaan yang pengarang menyatakan imej dan (atau) satu set pemikiran dan perasaan yang ditimbulkan oleh imej itu pembaca).

Secara umum, kami telah membincangkan perkara ini di atas, dan sekarang kami akan cuba memahami semua elemen kerja ini dan hubungannya dengan satu sama lain dengan lebih terperinci.

Unsur-unsur yang ditunjukkan terdapat dalam karya seni apa-apa jenis seni: dalam seni bina, arca, lukisan, muzik, kesusasteraan... Perbezaan di antara mereka terletak terutamanya (walaupun bukan sahaja) dalam bahan, dari mana bentuk luaran satu atau jenis seni lain dibina. Potebnya sendiri membuat analogi berikut, menggunakan sebagai contoh jenis imej yang paling mudah - alegori: "Unsur yang sama ada dalam karya seni, dan tidak akan sukar untuk mencarinya jika kita membuat alasan dengan cara ini: "Ini adalah patung marmar (bentuk luaran) wanita dengan pedang dan sisik (bentuk dalaman), mewakili keadilan (isi)."

Seperti tanah liat dan marmar dalam arca, warna dalam lukisan, bunyi dalam muzik, jadi dalam kesusasteraan bahan adalah perkataan. Mengenai hakikat bahawa perkataan itu istimewa bahan, tidak sama dengan bahan-bahan yang disebutkan di atas dari mana bentuk luaran seni lain dibina, perbualan masih akan datang. Sekarang kami ingin menekankan sifat-sifat lain yang biasa kepada semua seni: pertama, bahawa karya lisan adalah serupa dalam komposisi dengan karya jenis seni lain, dan kedua, bahawa bentuk luarannya, menurut Potebna, bukanlah sesuatu yang material semata-mata, lengai, formal sepenuhnya - sudah pun ia, sebagai "luaran" dan "bahan" ("bahan", seperti yang dikatakan oleh formalis), bukanlah sejenis bentuk "tulen" (iaitu "tulen" dari pemikiran, dari makna). Meneruskan analoginya, Potebnya berkata tentang bentuk luaran arca yang sama bahawa "yang terakhir dalam patung ini bukanlah bongkah marmar yang kasar, tetapi marmar, dipahat dengan cara tertentu," i.e. sudah diproses (dan pemprosesan mengandaikan penetapan matlamat tertentu, iaitu beberapa kandungan mental dan ideal yang diungkapkan oleh pencipta dalam bahannya, memproses, mengubah suainya). Begitu juga, bentuk luaran sesebuah karya lisan bukan sekadar himpunan bunyi-bunyi artikulasi. Lagipun, dalam satu perkataan keseluruhan bunyi ini, menurut Potebnya, "juga bukan bunyi sebagai material, tetapi bunyi yang telah dibentuk oleh pemikiran» 1 . Ini adalah benar terutamanya untuk bentuk luaran karya seni.