Spesifikasi versifikasi Rusia
(Peringkat utama dalam pembangunan versifikasi dalam puisi Rusia)
Asas ucapan puitis adalah, pertama sekali, prinsip berirama tertentu. Oleh itu, ciri-ciri versifikasi khusus terdiri, pertama sekali, dalam menentukan prinsip organisasi beriramanya, iaitu, dalam menetapkan prinsip yang membina irama puisi. Dari sudut pandangan ini, sistem versifikasi dibahagikan kepada dua kumpulan utama: kuantitatif (kuantitatif) versifikasi dan kualiti (kualitatif) versifikasi.
Irama pertuturan itu sendiri tidak mencipta pantun, sama seperti pantun tidak boleh dikurangkan kepada irama itu sendiri. Jika, dalam satu pihak, rentak tertentu secara amnya wujud dalam pertuturan disebabkan oleh sebab fisiologi (penyedutan dan hembusan nafas, memecahkan pertuturan kepada segmen yang lebih atau kurang seragam), maka sebaliknya, organisasi pertuturan berirama yang jelas timbul, contohnya. . dalam proses buruh, dalam lagu kerja yang merakam dan meningkatkan irama kerja.
Verifikasi rakyat adalah salah satu bidang puisi Rusia yang paling kurang maju. Mengenai prinsip reka bentuknya sepanjang abad ke-19. Pelbagai andaian dan andaian yang saling eksklusif telah dinyatakan. Salah seorang penyelidik pertama versifikasi rakyat Rusia ialah A.Kh. Vostokov, mencatat di dalamnya "kewujudan bebas dua ukuran yang berbeza, iaitu menyanyi dan membaca," menganalisis di dalamnya hanya "ukuran kedua," iaitu fenomena irama pertuturan. Pada masa yang sama, Vostokov membuat kesimpulan bahawa dalam versifikasi rakyat "bukan kaki atau suku kata yang dikira, tetapi tempoh prosodik, iaitu, tekanan."
Salah satu yang paling spesies ciri Ayat rakyat Rusia - ayat epik - terdiri daripada tiga "tempoh prosodik", iaitu, ia membawa tiga tekanan frasa yang dominan, di mana yang pertama paling kerap jatuh pada suku kata ketiga ayat itu, dan yang berikutnya dipisahkan oleh selang suku kata, antara satu hingga tiga suku kata. Ciri tetap ayat epik ialah struktur khas klausa - dactylic dengan separuh tekanan pilihan pada suku kata terakhir. Klausa sedemikian membentuk perbezaan luaran antara ayat epik yang betul dan yang dipanggil kemudiannya. "lagu bersejarah" dibina atas pengakhiran feminin.
Pelbagai bentuk lirik rakyat adalah berdasarkan prinsip yang sama, yang termasuk dalam beberapa jenis, berbeza dalam bilangan tegasan frasa dalam ayat dan dalam jenis pengakhirannya (antaranya maskulin adalah jarang). Ini terpakai terutamanya kepada apa yang dipanggil. Lagu-lagu yang "berlarutan", kerana lagu-lagu tarian, disebabkan oleh keteraturan ruang antara suku kata, sering mendekati bentuk ayat "sastera", suku kata-tonik.
Sistem versifikasi aksen (pertuturan) dibahagikan kepada tiga kumpulan utama: silabik, silabik-tonik dan tonik. Semua kumpulan adalah berdasarkan pengulangan unit berirama (baris), kesesuaiannya ditentukan oleh susunan suku kata yang ditekankan dan tidak ditekankan dalam baris, tanpa mengira hubungan kuantitatifnya, dan ekspresifnya bergantung pada intonasi-sintaktik. (dan bukan muzik) struktur ayat.
Kumpulan suku kata termasuk, sebagai contoh. Sistem Perancis, Poland, Itali, Sepanyol dan lain-lain. (Kumpulan ini termasuk sistem Rusia dan Ukraine pada abad ke-16–18.) Kumpulan tonik suku kata termasuk sistem Inggeris, Jerman, Rusia, Ukraine dan lain-lain (yang pada masa yang sama sebahagian besarnya tergolong dalam kumpulan tonik). Tiada perbezaan asas antara kumpulan ini; dalam ketiga-tiga kumpulan kita bercakap tentang asas aksen irama, yang memberikan satu atau yang lain, sering berubah menjadi satu sama lain, variasi. Oleh itu, pembahagian tradisional di atas adalah sewenang-wenangnya.
Bentuk sistem aksen yang paling mudah ialah ayat tonik, di mana kesesuaian baris (unit berirama) adalah berdasarkan pemeliharaan yang lebih kurang berterusan dalam setiap baris. nombor tertentu tekanan dengan bilangan suku kata tidak bertekanan yang berubah-ubah (kedua-duanya dalam baris secara keseluruhan dan di antara suku kata yang ditekankan). Bilangan tegasan yang sama dalam setiap baris mungkin tidak diperhatikan dalam amalan, tetapi ini tidak mengubah corak irama.
Ayat suku kata ialah ayat tonik di mana bilangan suku kata dalam baris dan lokasi beberapa tekanan (di hujung dan di tengah baris) ditetapkan. Tekanan selebihnya (pada permulaan setiap hemistik) tidak tetap dan boleh jatuh pada suku kata yang berbeza.
Jika dalam versification tonik ada kebebasan mutlak dalam bilangan dan lokasi suku kata yang tidak ditekankan; dalam ayat suku kata terdapat bilangan suku kata yang tetap dengan kebebasan relatif dalam susunannya, manakala dalam ayat suku kata-tonik terdapat kedua-dua bilangan suku kata yang tetap dan tempatnya dalam baris. Ini memberikan unit puitis kesesuaian yang paling jelas.
Penegasan dalam ayat silabik-tonik diletakkan sama ada melalui satu suku kata yang tidak ditekankan (dua suku kata meter) atau melalui dua (tiga suku kata meter). Memindahkan terminologi versifikasi purba kepada ayat suku kata tonik, meter dissilabik di mana tekanan jatuh pada suku kata ganjil dipanggil trochaic, dan meter dissilabik, di mana tekanan jatuh pada suku kata genap, - iambik.(Menyamakan suku kata yang ditekankan dengan yang panjang, dan yang tidak ditekankan dengan yang pendek, sudah tentu, sebab sebenar tidak mempunyai dan hanya boleh diterima sebagai konvensyen istilah.) Sehubungan itu, meter tiga suku kata dengan aksen pada 1/4/7, dsb. suku kata dipanggil dactylic, dengan aksen pada 2/5/8, dsb. suku kata - amfibrakik dan dengan aksen pada 3/6/9, dsb. suku kata - anapestik.
Bergantung pada bilangan tegasan dalam satu baris, saiz ditetapkan sebagai dua, tiga, empat, dsb. iambs kaki, dactyls, amphibrachs, anapes, dll. Terminologi ini (memandangkan konvensyennya) berakar umbi dalam penggunaan dan agak mudah.
Dalam amalan dalam saiz silabik-tonik suku kata yang ditekankan tidak sentiasa dikekalkan dalam susunan "suku kata-tonik" tetap. Sebagai fenomena terbalik, dalam kedua-dua ayat tonik dan suku kata susunan tekanan boleh mengambil iambic, trochaic, dsb. watak. Oleh itu, dalam puisi Perancis dan Poland seseorang boleh mencari contoh trochee; Ayat sepuluh suku kata bahasa Itali hampir dengan tonik suku kata. Itu. Tiada garis ketat antara kumpulan ayat beraksen; terdapat beberapa binaan perantaraan, dan perbezaan sebenar antara kumpulan berlaku pada tahap yang lebih besar secara statistik, mengikut kekerapan fenomena metrik.
Perkara utama dalam sejarah versifikasi Rusia
Sehingga akhir abad ke-16. Di Rusia, seperti di Ukraine, sistem versifikasi lagu rakyat mendominasi. Komplikasi hubungan sosial dari akhir abad ke-16, pengenalan kepada budaya barat, perkembangan penulisan membawa kepada fakta bahawa dalam buku puisi abad ke-17. pantun rakyat digantikan dengan ucapan. Ayat suku kata ini berkembang di bawah pengaruh ayat suku kata utama Poland yang digunakan untuk menulis. S. Polotsky, D. Rostovsky, F. Prokopovich, A. Cantemir, Trediakovsky awal. Verifikasi suku kata berlaku sehingga 30-an. abad XVIII di Rusia, dan di Ukraine walaupun kemudian, sehingga tahun 70-an.
30-an abad XVIII dalam kesusasteraan Rusia dicirikan oleh pengembangan julat kreatif, penciptaan yang baru imej sastera dan genre, pembangunan bahasa sastera. Pencarian sedang dijalankan untuk sistem puisi yang lebih individu dan ekspresif. Pencarian ini dilakukan dalam kedua-dua ayat suku kata (Kantemir, Trediakovsky), dan di bawah pengaruh ayat tonik dan tonik-suku kata Eropah Barat (Trediakovsky, Gluck dan Chaus, Lomonosov), dan berkaitan dengan kajian lanjut tentang versifikasi rakyat ( Trediakovsky).
Pencarian berakhir secara praktikal dan teori dengan ucapan oleh Trediakovsky dan Lomonosov ("Baharu dan jalan singkat gubahan puisi" oleh Trediakovsky, 1735, dan "Ode to the Capture of Khotin" oleh Lomonosov, 1738). Karya-karya ini meletakkan asas ayat silabik-tonik moden, yang menemui ungkapan yang paling lengkap dan sempurna dalam karya Pushkin.
Walaupun kepentingan dominan ayat suku kata-tonik, sudah pada abad ke-18, pada dasarnya sudah di Lomonosov, dengan kejelasan yang tidak diragukan dalam Sumarokov, kemudian di Vostokov, di Pushkin (dongeng, "Lagu-lagu Slavia Barat"), perkembangan tonik ayat telah digariskan. Ini disebabkan, di satu pihak, oleh minat yang semakin meningkat dalam ayat rakyat dengan struktur tonik, sebaliknya, oleh percubaan untuk meniru meter kompleks kuno, yang berubah menjadi pembinaan tonik dalam tafsiran Rusia.
Sumbangan besar kepada pembangunan bahasa Rusia puisi klasik disumbangkan oleh Zhukovsky, Lermontov dan, sudah tentu, Pushkin. Dengan A.S. Ramai saintis mengaitkan Pushkin dengan pembentukan bahasa sastera seperti yang dibentangkan sekarang. Walaupun penulis sendiri bereksperimen dengan bahasa dengan sangat intensif. Terkenal ialah bait Oneginnya dari novel dalam ayat "Eugene Onegin", yang berdasarkan soneta - puisi 14 baris dengan skema rima tertentu.
Dengan kedatangan Zaman Perak, versifikasi menjalani pendemokrasian. Eksperimen berterusan dengan puisi gerakan avant-garde (futurisme, Dadaisme, Acmeisme) membawa kepada perubahan dalam struktur pembinaan. Puisi yang ditulis mengikut sistem ini dipanggil garisan berdenyut (atau impulsarisme). Walau bagaimanapun, gaya impulseisme lebih banyak diwakili dalam puisi moden daripada kalangan penyair Zaman Perak. Puisi dicirikan oleh pelbagai jenis teknik seni: membahagikan baris dengan pembahagian berirama (contohnya, menyusun baris dalam corak "tangga", baris panjang dan pendek berselang-seli), pengulangan, perifrasa, tulisan bunyi, perbendaharaan kata persendirian, dan sebagainya. Keadaan puisi moden agak bertentangan dan pelbagai rupa, kerana ia menggabungkan banyak aliran dan prinsip yang telah terkumpul sepanjang sejarah versifikasi. Penggunaan arkaisme, dialek, dan kata-kata sombong, secara praktikal dikurangkan kepada minimum, membawa kepada fakta bahawa puisi menjadi sukar dibaca, tetapi mudah difahami. Ini menyebabkan puisi-puisi menjadi lebih terarah secara tematik, memintas seni tinggi ke arah postmodernisme pragmatik.
1. Skripov, G.S. Mengenai versi / manual bahasa Rusia untuk pelajar. M.: Pendidikan, 1979. – 64.
2. Vostokov A. Pengalaman mengenai versifikasi Rusia, ed. ke-2. – St. Petersburg, 1817.
3. Sokalsky P.P., muzik rakyat Rusia, Great Russian dan Little Russian, dalam struktur melodi dan beriramanya. – Kharkov, 1888.
4. Korsh F., Mengenai versifikasi rakyat Rusia, dalam buku: Koleksi Jabatan Bahasa dan Sastera Rusia Acad. Sciences, vol. LXVII, No. 8. – St. Petersburg, 1901.
5. Maslov A.L., Epik, asal usulnya, struktur berirama dan melodinya, dalam buku: Prosiding Suruhanjaya Muzik-Etnografi, yang terdiri daripada Etnografi. Jabatan Persatuan Pencinta Sains Alam, Antropologi dan Etnografi, jilid XI, M., 1911.
6. Kesusasteraan Rusia abad ke-20 / ke bawah ed umum. V.V. Agenosov, dalam dua bahagian. M.: Bustard, 2002.
7. O keadaan sekarang sastera. Mod akses – http://impulsarizm.narod2.ru/
V.A. Kovalev dan lain-lain. "Esai mengenai sejarah kesusasteraan Soviet Rusia"
Bahagian kedua
Rumah penerbitan Akademi Sains USSR, Moscow, 1955.
tapak OCR
Kerja diteruskan...
Kerja terbaik puisi Soviet Tempoh selepas perang dicirikan oleh rasa kemodenan, kesusahan kerja kreatif, penciptaan dan perjuangan untuk keamanan, kesusahan aspirasi negara ke hadapan, ke arah komunisme.
Perasaan patriotisme Soviet, yang memenuhi hati rakyat Soviet yang mengalahkan fasisme, bergabung dengan rasa bangga terhadap peranan besar Tanah Soviet dalam nasib semua manusia. Suara orang yang yakin terdengar dalam kata-kata ringkas penyair Isakovsky, yang diilhamkan oleh perasaan bangga ini:
Terdapat sebuah negara Bolshevik,
negara yang hebat.
Dari semua lima benua
Bintangnya kelihatan.
..........
Orang ramai tahu:
Ada kebenaran!
Dan mereka melihat di mana dia berada.
Jalan menuju kebahagiaan adalah dengan dia sahaja
Buka sepanjang jalan
Dan kepadanya -
Ke negara asal saya -
Hati diarahkan.
Idea patriotisme Soviet dan persahabatan orang ramai terdengar dalam lirik Isakovsky. Pada tahun-tahun inilah dia mencipta lagu-lagu yang terkenal seperti "Song of the Motherland" dan "Migratory Birds Are Flying" (1948).
Watak wira puisi pasca perang didedahkan terutamanya oleh sikapnya untuk bekerja. Pada tahun-tahun pertama selepas perang, dia adalah seorang pahlawan yang menang yang kembali ke tanah airnya untuk mencipta secara aman. Penerusan tradisi mempertahankan diri dalam yang baru, keadaan aman damai- motif ciri banyak puisi lirik.
Rayuan ghairah yang menyatakan harapan rakyat dan keyakinan terhadap kemenangan yang akan berlaku di barisan buruh telah pun didengari dalam “The First Toast” (1945) oleh M. Isakovsky:
Mari kita naikkan bandar ke langit
Dari abu, dari runtuhan,
Supaya tiada jejak yang tinggal
Dari kesedihan dan kesedihan...
Kesakitan orang mati, perasaan kehilangan yang tidak dapat dipulihkan, yang dicairkan di kalangan berjuta-juta orang Soviet ke dalam tenaga kerja kreatif yang sengit, sudah tentu, tidak ada persamaan dengan suasana keletihan dan pesimisme yang menembusi karya penyair individu. pada tahun-tahun pertama selepas perang.
Tanggapan terhadap sentimen sedemikian adalah puisi A. Tvardovsky "Saya terbunuh berhampiran Rzhev," di mana wira yang jatuh cinta kepada Tanah Air menuntut agar mangsa yang terselamat menjaga Tanah Air sebagai kebahagiaan mereka.
Puisi Soviet juga melawan perasaan puas hati, yang dicerminkan dalam karya penyair yang menggambarkan negara Soviet sebagai kerajaan keamanan yang baru ditemui di kalangan alam yang mekar secara aman ("The Garden" oleh A. Prokofiev). Nota indah palsu dan keinginan untuk archaization juga menjejaskan beberapa penyair muda, yang dalam puisinya tanda-tanda tipikal tahun-tahun pasca perang pertama dengan pembinaannya yang sengit dan kepesatan pemulihan ekonomi negara hilang. Tetapi fenomena ini adalah pengecualian. Secara umum, puisi kami dengan jujur menyatakan pemikiran dan perasaan rakyat Soviet yang bersedia untuk mengatasi kesukaran dan bekerja tanpa pamrih untuk memulihkan ekonomi negara yang dimusnahkan oleh Nazi.
Kami tidak memerlukan rehat
Dan bukan diam.
Jangan belai kami dengan tajuk:
"Peserta dalam perang."
Sukar untuk kami memperbaharui pesanan dan penghormatan!
dahaga kerja keras ia memotong tapak tangan kita, -
Penyair muda M. Lukonin dengan hangat bercakap "Mereka yang datang dari perang."
Karya puisi utama pertama pada tahun-tahun selepas perang ialah puisi A. Tvardovsky "House by the Road".
Nasib keluarga Soviet pada hari yang sukar Perang Patriotik, nasib rumah berhampiran jalan tentera, yang penduduknya terpaksa menanggung banyak penderitaan, dicerminkan dalam beberapa puisi oleh A. Tvardovsky, yang ditulis di bahagian depan ("The House of a Soldier", "The House of a Soldier". Balada Kawan"), dan dalam puisi "Vasily Terkin" ("Sebelum pertempuran"). Motif karya-karya ini secara organik memasuki puisi lirik barunya, mencipta gambaran puitis yang jelas yang menggambarkan ciri-ciri luar biasa rakyat Soviet biasa dan mendedahkan makna perjuangan rakyat menentang fasisme.
Menurut rancangan asal, imej utama "House by the Road" sepatutnya menjadi imej petani kolektif biasa Anna Sivtsova, seorang pekerja patriotik heroik yang meninggalkan rumahnya untuk melarikan diri dari musuh. Ini dibuktikan oleh bab pertama puisi itu, yang diterbitkan pada tahun 1942 di halaman akhbar barisan hadapan "Krasnoarmeyskaya Pravda". Dalam edisi akhir (1946), puisi itu mengalami perubahan yang ketara. Anna Sivtsova tidak sempat meninggalkan rumahnya, ditangkap oleh Nazi dan, bersama anak-anaknya, dihantar ke Jerman milik Hitler. Perubahan dalam plot puisi ini membantu A. Tvardovsky mendedahkan daya tahan wanita Soviet dengan lebih jelas.
Nasib keluarga Soviet semasa perang melawan penceroboh fasis dan kemenangan sistem sosialis ke atas fasisme sebagai kemenangan hidup atas kematian, penciptaan atas kemusnahan - ini adalah dua rancangan yang saling menembusi puisi itu. Kedua-duanya dengan imej Anna Sivtsova, seorang pekerja dan ibu yang heroik, dan dengan imej suaminya Andrei, penyair menegaskan ketabahan yang tidak tergoyahkan orang Soviet, yang dibesarkan di bawah sistem sosialis. Bab puisi itu penuh dengan makna yang mendalam dan kekuatan lirik yang hebat, berdedikasi untuk kelahiran Anak lelaki Anna, hari pertamanya dalam kurungan. Walaupun keadaan kerja keras fasis yang tidak berperikemanusiaan, kanak-kanak itu terselamat. Nyawanya diselamatkan berkat penjagaan ibunya yang tidak mementingkan diri sendiri dan bantuan orang Soviet yang merana bersama Sivtsova dalam kurungan. Prinsip kehidupan yang terang, yang dipersonifikasikan dalam imej ibu dan anak, menang. Tema kehidupan baru yang menakluki kematian kedengaran dengan kekuatan tertentu dalam monolog yang dijalankan oleh pengarang bagi pihak kanak-kanak.
Protes marah terhadap fasisme dan perang, penegasan kuasa rakyat yang tidak habis-habis dan kegembiraan kerja kreatif membentuk kesedihan puisi, ditujukan kepada masa depan, kepada pembinaan, kepada kehidupan. Leitmotif yang terdapat di seluruh puisi adalah nyanyian rakyat di Kosovitsa:
Potong, sabit, sementara ada embun,
Embun jauh - dan kami pulang.
Kata-kata baris pembuka ini, yang menyatakan keceriaan dan kerja keras rakyat Rusia, sudah terdengar di awal puisi, menggambarkan hari kerja Andrei Sivtsov, terganggu oleh berita maut perang. Anna Sivtsova juga boleh mendengar mereka, memastikan dia ceria semasa hari-hari paling sukar dalam penawanan fasis. Mereka akhirnya menghasilkan melodi khidmat yang menyimpulkan puisi, menyampaikan kegembiraan Andrei Sivtsov kembali ke kerja damai:
Dan mengelap tocang saya dengan rumput
Di singgah sebentar,
Dia seolah-olah mendengar suaranya sendiri,
Apabila penyodok berbunyi.
Dan suara itu seolah-olah berada di kejauhan
Dia menjerit dengan kerinduan dan keghairahan.
Dan membawa bersamanya kesedihannya,
kedua-dua kesakitan dan kepercayaan dalam kebahagiaan:
Potong, sabit, sementara ada embun,
Turun dengan embun - dan kami pulang...
Puisi "House by the Road" dipanggil oleh pengarang sebagai "kronik lirik." Ia berdasarkan permulaan lirik, renungan penyair tentang perang dan keamanan, tentang hidup dan mati, tentang penciptaan dan kemusnahan - refleksi yang lahir dari tahun-tahun sukar dan gemilang Perang Patriotik Besar.
Wira lirik pantun sentiasa berada di latar depan; suaranya kedengaran bukan sahaja dalam penyimpangan lirik, tetapi juga bergabung dengan suara watak dalam puisi. Prinsip falsafah dan lirik menentukan intonasi naratif, komposisi puisi, dan bahasanya, yang tidak menyampaikan keanehan bahasa pahlawan puisi (seperti yang berlaku dalam puisi "Negara Semut ” dan “Vasily Terkin”), tetapi mewakili ucapan teruja penyair itu sendiri - ucapan, diwarnai dengan nada menuduh yang menyedihkan dan marah, dan nada lirik yang tulus.
Kedalaman bakat lirik A. Tvardovsky kekuatan yang hebat telah didedahkan dalam karya pasca perangnya yang lebih lanjut - dalam beberapa puisi dan terutamanya dalam serpihan puisi baru "Beyond the Distance - Distance," yang disebut oleh penyair "bab dari diari perjalanan" (1950-1954).
Semua karya pasca perangnya disatukan oleh imej Tanah Air yang didedahkan secara lirik, tanpa jemu membina "dunia hidup dan buatan manusia sendiri."
"Diari Perjalanan" menggambarkan ruang yang tidak berkesudahan di negara Soviet, di mana, dalam perjalanan yang panjang, "jarak yang tersendiri, berbeza" yang baru dibuka sebelum penyair melampaui jarak. Bab-bab puisi baru penuh dengan pemikiran puitis tentang rakyat - "para pertapa dan pahlawan", tentang jalan sejarah negara asal mereka, yang menyatukan "separuh dunia di kem kami", tentang hak dan tanggungjawab penyair. Dalam cerita santai tentang pengalamannya, penyair secara laconically, dalam dua atau tiga pukulan, mencipta semula ciri-ciri zaman kanak-kanaknya di padang gurun. Kampung Smolensk, mengimbau tukang besi kampung "di bawah bayang-bayang pokok birch yang berasap," yang untuk orang dewasa dan baginya, seorang budak kampung,
pada zarah cahaya yang kecil itu
Kelab dan akhbar itu,
Dan Akademi Sains.
Dengan senyuman yang baik, dia menggambarkan kehidupan kereta dan jiran petaknya, dan dalam lakaran puitis pantasnya imej tipikal yang meriah muncul. Landskap lirik dalam diari penyair penuh dengan makna yang hebat dan ekspresif akut - "Ibu Volga" dan "Bapa Ural", hamparan Siberia, taiga, di mana
Ribut salji kering dengan asap mengantuk
Hutan bertulang berawan.
Jarak pembukaan, masing-masing
Satu timbunan jerami yang dituai,
Nah, gerai perjalanan -
Bait-bait diari yang menjiwai, berbunyi seperti ucapan secara langsung penyair, lebih daripada sekali membuat kita mengingati kedalaman lirik landskap Pushkin, Lermontov, Nekrasov, Blok.
Pada tahun-tahun pasca perang pertama, tema kembali kepada aktiviti kreatif yang aman menjadi tema puitis utama penyair generasi baru yang membesar semasa tahun-tahun sukar perang. Ia dinyatakan secara ekspresif dalam puisi orang muda, abadi penyair mati A. Nedogonov "Bendera di atas majlis kampung" (1947). Ahli agronomi Yegor Shirokov, wira puisi itu, seorang lelaki Soviet yang mempertahankan Tanah Airnya dalam pertempuran sengit dengan musuh, melakukan kerja aman dengan semangat yang lebih besar. Impian tanah asal yang berkembang, yang menawan Shirokov, memikat kedua-dua muda dan tua dalam puisi itu. Adegan genre dan lakaran landskap dipenuhi dengan keceriaan rohani, cinta kepada Tanah Air Soviet, dan keyakinan yang menegaskan kehidupan. Penyair menunjukkan bagaimana dalam suasana kerja ladang kolektif yang mesra, kedekatan rohani orang timbul. Menggambarkan perjuangan sengit untuk menuai yang kaya, A. Nedogonov tidak mengabaikan perasaan tidak sihat yang menjangkiti sebahagian daripada mereka "yang datang dari perang." Pembawa sentimen ini dalam puisi itu ialah Andrey Dubok. Mempamerkan pesanan dan jasanya kepada rakan sekampungnya, dia berpura-pura berehat selepas perang.
Menggambarkan pertembungan antara Yegor Shirokov dan Dubko, Nedogonov menolak pandangan ke belakang, menegaskan kesedaran tinggi dan kemurnian moral sebagai sifat perwatakan orang Soviet.
- Adakah anda mengatakan bahawa anda bosan dengan perang?
Adakah ia benar, Andrey?
Anda telah menjadi seratus kali lebih kuat
Dan seratus kali lebih ceria, -
Shirokov berseru dalam pertikaian dengan Andrei, dan dalam kata-kata ini seseorang dapat mendengar keyakinan terhadap kekuatan besar rakyat Soviet, yang diperkaya dengan pengalaman perang.
Menunjukkan bagaimana Dubok secara beransur-ansur ditarik ke dalam karya seni dan kembali bertugas, penyair mendedahkan kepentingan pendidikan yang sangat besar dalam kerja kolektif. Mengatasi kesukaran dan mencapai kejayaan dalam perjuangan untuk menuai, Yegor Shirokov dan rakan-rakannya berkembang secara rohani dan muncul dalam bab terakhir, diliputi dalam percintaan revolusioner, sebagai pembina sejati masyarakat komunis.
Penanam bijirin berdiri:
nampaknya penduduk Dubrovsk -
ini ialah Sepanduk Merah
dengan hujung emas
berkembang
dan disentuh dengan sutera terbang
ketinggian yang kita berada dalam kehidupan
Kami memanggilnya komunisme.
Puisi A. Nedogonov dengan jujur mendedahkan perubahan mendalam yang berlaku pada tahun-tahun pasca perang di kampung ladang kolektif. Salah satu ciri puisi A. Nedogonov, yang memulakan karyanya pada puisi di hadapan, adalah wataknya yang berwarna-warni, meriah, keupayaan pengarang untuk menyampaikan dengan kata-kata yang mudah. bermakna puitis percintaan menaikkan tenaga kerja, mendedahkan dunia rohani petani kolektif petani. Penerangan tentang alam semula jadi, padang asli, hutan adalah indah; Di Nedogonov mereka secara organik berkaitan dengan fenomena cara hidup baru sosialis. Kesungguhan yang tinggi dalam setiap bab digantikan dengan intonasi perbualan yang mudah, ucapan yang mesra, dipanaskan oleh jenaka yang hangat. Kepelbagaian cara pertuturan ini memberikan narasi puitis Nedogonov mudah dan semula jadi. Penyair secara meluas dan unik menggunakan pelbagai bait, mengubah irama, imej dan teknik seni rakyat - motif dongeng, lagu, ditties. Tiada penggayaan atau zaman purba dalam puisi itu. Nedogonov, dengan caranya sendiri, meneruskan tradisi Nekrasov, dibangunkan dan diperkaya dalam puisi Soviet dalam karya M. Isakovsky, A. Tvardovsky dan lain-lain.
Perkampungan baru yang sedang dibina di tapak bangunan yang musnah, dikelilingi oleh perancah, bau papan yang baru dirancang, bunyi bip kilang yang dipulihkan, garisan rel yang baru dipasang - ini adalah gambar ciri, butiran, imej yang ditemui semasa ini tahun dalam puisi penyair dan generasi yang lebih tua, dan "orang muda" - M. Lukonina, A. Mezhirova, S. Gudzenko, S. Narovchatova, S. Smirnova dan lain-lain. Kitaran puisi "Glorious is Buruh" (1947) oleh S. Shchipachev dipenuhi dengan kesedihan buruh kreatif yang aman (1947), di mana penyair dalam meditasi lirik cirinya, dalam imej artistik yang luas dan tepat, berusaha untuk memahami secara falsafah dan secara puitis menyatakan fenomena tipikal realiti pasca perang.
Cinta untuk Tanah Air dalam puisi tahun-tahun pasca perang adalah perasaan aktif yang memerlukan tindakan, semangat kreatif, penyertaan yang berkesan dalam kerja kolektif rakyat.
Pada masa kini tidak cukup untuk mencintai Tanah Air, -
Dia perlu mencintai awak
Dan bukan mudah untuk menjadi dan menjadi seperti itu!
S. Smirnov meluahkan perasaan sedar ini.
Kitaran puisinya "Di Kawasan Kami," di mana seseorang dapat merasakan mata artis yang tajam, menuntut kerja pada kata-kata, dan humor, melukis imej orang Soviet biasa yang berusaha untuk "disayangi oleh Tanah Air mereka." Ketua tapak semaian pokok ialah Tatyana Lvovna, seorang "wanita yang sederhana dengan senyuman malu", yang menganggap pokoknya sebagai "murid" ("Wanita Rumah Tangga"); penjaga Klim Lukich, yang menanam tembikai di ladang hutan untuk menindas rumpai dan yakin bahawa karyanya, "jika anda melihatnya, boleh dilihat dari Kremlin" ("Klim Lukich"); seorang pakar hidrologi perempuan yang mencipta "cabang Laut Rybinsk" ("Rusalka") - semuanya gelisah dan tamak bekerja, sederhana dan orang yang sederhana dengan dunia rohani yang kaya. Kesemua mereka ditangkap oleh percintaan penciptaan dan pembaharuan. Mereka adalah tuan sebenar "kuasa beribu-ribu batu panjang," dan nasib peribadi mereka berkaitan dengan nasib Tanah Air sosialis.
Kehidupan itu sendiri telah membawa imej seorang komunis ke hadapan dalam fiksyen, dan bukan kebetulan bahawa dalam wira lirik puisi tahun-tahun selepas perang kita pertama sekali mengenali ciri-cirinya.
Dimana - mana,
Di mana garis plumbum bersilang,
Di mana tidak ada kekurangan tenaga kerja tanpa pamrih,
Melalui berabad-abad
selama berabad-abad,
selamanya,
untuk menamatkan:
Komunis, teruskan!
Komunis, teruskan!
menulis penyair muda A. Mezhirov.
Komunis progresif yang mengetuai tenaga buruh massa digambarkan dalam beberapa puisi pasca perang yang lain: penganjur parti Zernov dalam puisi N. Gribachev "Spring in "Victory"", Alena Fomina dalam kisah puitis dengan nama yang sama oleh A. Yashin, Badin dalam "Hari Bekerja" oleh M. Lukonin dan lain-lain.
Dalam proses kerja kreatif pasca perang, Ciri-ciri terbaik orang. Kami mengenali ciri-ciri ini dalam wira kitaran A. Yashin "Soviet Man" (tentang pembina struktur Volga yang megah), dalam kitaran M. Aliger "Lenin Mountains" dan lain-lain.
Pengumpul daun teh, bersemangat tentang kerjanya, membangkitkan perasaan kecantikan pada penyair, yang mengikuti pergerakan pantas tangannya yang mahir; Perasaan estetik ini dicerminkan oleh N. Tikhonov dalam puisi yang menggambarkan musim bunga pasca perang Georgia. Penyair menekankan bahawa "ia adalah buruh contoh biasa”, dan melihat dalam kerja buruh gadis ladang kolektif dinaikkan ke tahap seni. Perbandingan pedih antara pemetik daun teh dan pemain piano penuh dengan kedalaman:
Seolah-olah tangan ini bermain
Dengan daun hijau, meluncur
Pada cawangan lebih lembut daripada apa-apa di dunia.
Saya hanya perasan kulit gelap tangan ini,
Tetapi kelajuan mereka tidak dapat digambarkan.
Mungkin ini adalah jari seorang pemain piano,
Terbang melintasi kunci dengan hati,
Seperti burung walet, mereka memotong rendah
Melodi kesedihan yang dihafal.
Puisi lirik atau, lebih tepatnya, monolog lirik S. Kirsanov "The Top" (1954) didedikasikan untuk kepahlawanan prestasi kerja sehari-hari, kemanusiaan, ketinggian kesedaran orang Soviet, untuk siapa jalan ke ketinggian komunisme terbuka dalam kehidupan.
Pengimpal di langit di tapak pembinaan bertingkat tinggi, menggabungkan pengendali menuai bijirin dari tanah dara baru-baru ini, pekerja terowong menyambungkan terowong kereta api bawah tanah ke dalam cincin, pakar bedah menghidupkan semula seseorang, seorang ibu tanpa pamrih membesarkan warga baru Tanah Air sosialis , pembuat jam yang menggerakkan mekanisme jam tangan yang rumit dan rumit - setiap orang mempunyai matlamat mereka sendiri yang dihargai, tinggi, kemuncak kreatif mereka sendiri. Jalan ke sana adalah sukar, ia memerlukan keberanian dan kemahuan, mengerahkan semua kekuatan, dan di jalan yang sukar tetapi indah ini semua orang merasakan siku rakan seperjuangan.
Bersama-sama dengan ahli geologi memanjat rabung Pamir yang tidak dapat diakses untuk mencari batu berharga yang diperlukan oleh Tanah Air, penyair juga membuat pendakian. Dia sedang mencari jalannya yang tidak dilalui ke Puncak Mayakovsky, yang melambangkan kemuncak seni sebenar.
Satu-satunya wira puisi itu ialah wira lirik, memberi tumpuan kepada pemikiran dan pengalamannya. Dan seseorang boleh menyatakan kekesalan bahawa pengarang tidak mempunyai warna untuk mencipta imej hidup ahli geologi, yang baginya adalah contoh keberanian dan perkhidmatan kepada Tanah Air. Butiran realistik dalam naratifnya bergabung dengan mimpi wira lirik dan imej di mana penyair melaburkan makna simbolik. Imej-imej ini mendedahkan landskap lasak dengan puncak gunung yang menjulang tinggi. Mereka diberi nama bangga Revolusi dan Komune, nama "yang terbaik daripada yang terbaik," ringkas dan orang yang berani yang mengorbankan nyawa mereka untuk kebahagiaan manusia.
Puisi pasca perang K. Simonov ("Kawan dan Musuh", 1948; "Puisi 1954") juga mendedahkan ciri-ciri orang Soviet yang maju. Dalam samaran pahlawan liriknya, yang baginya buruh dan perjuangan rakyat untuk komunisme adalah peribadi, soal darah, mencerminkan banyak aspek penting realiti selepas perang. Puisi K. Simonov, dengan rayuannya kepada ayat intonasi bebas, dibezakan oleh keluasan dan kepentingan topik itu.
Penyair prihatin dengan masalah moral komunis - hubungan manusia baru, persahabatan ketenteraan, persahabatan dan cinta sejati lelaki Soviet, perjuangan menentang penipuan, kemunafikan, keinginan untuk mengelak daripada menjawab persoalan kehidupan yang mendesak ("Di Bawah Payung" , "Jiwa Alien", "Dahulu Ada Seorang Lelaki" berhati-hati", dsb.).
Dalam "Puisi 1954" terbaik oleh K. Simonov, imej hidup orang muncul, suara teruja penyair terdengar ("Melawat Shaw", "Rakan saya telah meninggal dunia - itulah masalahnya", dll.).
Rasa kemodenan yang mendalam, sikap berpihak dalam menilai manusia dan fenomena kehidupan, pencarian berterusan untuk pelbagai cara artistik, walaupun tidak selalu berjaya, memberi kesaksian kepada keinginan penyair untuk meneruskan dan mengembangkan tradisi V. Mayakovsky.
Dan jika pengalaman penyair dan imej yang dia cipta mengujakan orang Soviet, meluahkan fikiran dan perasaan mereka, jika mereka mengenali diri mereka dalam wira liriknya, itu adalah kerana K. Simonov, dalam karya terbaiknya, dapat bercakap dengan jujur dan bersemangat tentangnya. sikap terhadap ciri-ciri dan fenomena penting kehidupan moden.
Kekayaan dunia rohani seseorang tidak dapat ditunjukkan tanpa mendedahkan hubungannya dengan tanah airnya, dengan pekerjaannya, kepada kekasihnya, kepada kawan, kepada seorang anak. Setiap orang mempunyai kesedihan dan kegembiraannya sendiri, fikiran dan perasaannya sendiri, dan tanpa menyampaikannya, mustahil untuk mencipta kehidupan. imej lirik orang Soviet. Untuk menyampaikan keunikan individu keperibadian puitis dan pada masa yang sama untuk menyatakan perasaan tipikal orang Soviet - itulah tugas puisi lirik.
Dalam lirik selepas perang, terdapat peningkatan perhatian yang ketara kepada tugas-tugas ini dengan tepat.
Lagu M. Isakovsky yang ringkas dan tulus adalah kisah puitis tentang masa muda yang mekar, tentang perasaan yang muncul, tentang kesedihan dan kegembiraan yang mendalam, digabungkan dengan mendalam. patriotisme Soviet; imej yang dicipta oleh penyair penuh cinta untuk orang, untuk kehidupan.
Dalam lirik S. Shchipachev, tema cinta dikaitkan dengan masalah kemodenan sosialis yang membimbangkan penyair; penyair menegaskan tuntutan tinggi dalam hubungan peribadi: cinta tidak seharusnya "lebih kecil daripada urusan kita."
Perasaan menuntut yang hebat, yang, seperti yang berlaku dalam kehidupan, bukan sahaja menjana kegembiraan, tetapi kadang-kadang juga penderitaan cinta yang tidak berbalas, bunyi dalam lirik yang penuh semangat dan jujur O. Bergholz ("Surat dari Jalan", dll.). Dalam puisi tahun-tahun pasca perang - A. Tvardovsky ("Kepada Anak pahlawan mati"), K. Simonov (puisi "Ivan dan Marya", dll.), M. Aliger, E. Dolmatovsky, tema keibuan, cinta penyayang untuk seorang anak, dan keluarga yang rapat didengar dalam puisi ramai penyair muda. Masalah mendidik perasaan dan membentuk watak orang Soviet diselesaikan bukan sahaja dalam lirik, tetapi juga dalam gambaran puitis yang luas tentang kehidupan. Prinsip epik semakin jelas dalam karya-karya yang ditulis oleh kedua-dua penyair generasi lama dan remaja puitis.
Dalam beberapa puisi pasca perang, pembentukan watak orang Soviet didedahkan dalam imej masa lalu heroik. Oleh itu, puisi oleh O. Berggolts "Pervorossiysk" (1951), diwarnai dengan terang oleh percintaan revolusioner, dalam penyimpangan lirik yang optimis dan episod heroik perang saudara, mendedahkan imej-imej Bolshevik lama - pekerja St. Petersburg pada tahun-tahun pertama revolusi: diilhamkan oleh V.I. Lenin dan dengan sokongannya, mereka berani membawa idea-idea komune pertanian ke kawasan terpencil Altai.
Imej salah seorang pengasas pertandingan sosialis seluruh negara, Makar Mazai, tercipta di puisi dengan nama yang sama S. Kirsanov (1951). Penyair, menggunakan teknik penulisan romantik, menunjukkan perkembangan watak seorang lelaki Soviet, yang berubah dari seorang gembala kampung yang tidak mencolok kepada pembuat keluli inovator yang berani dan pejuang komunisme yang tidak mementingkan diri sendiri, yang mati secara tragis dalam penjara fasis.
Berdasarkan bahan Perang Patriotik Besar, masalah etika utama diselesaikan dalam puisi dramatik "Kesetiaan" oleh O. Bergholz (1954), genre yang ditakrifkan oleh penyair sebagai tragedi moden. Ditulis dalam bentuk dialog, walaupun tanpa ciri ucapan individu yang berbeza bagi setiap pahlawan, puisi itu dengan jujur menggambarkan hal ehwal dan hari pertahanan Sevastopol.
Dalam "rayuan tragedi", kenyataan pengarang, adegan genre penuh drama, dalam plot konflik akut, imej "yang tidak ditakluki" didedahkan - Andrei Morozov, bekas pengerusi majlis bandar, penganjur "partisan bandar" , pejuang Sergei yang telah meninggal dunia secara tragis dan orang tersayang mereka, yang dengan gagah berani "berdiri di atas kematian".
Imej berani rakyat yang tidak ditakluki, berpaling dengan penghinaan dari pengecut dan pengkhianat, bergabung dengan dengan cara yang kuat wira lirik, penyair yang berjiwa besar, pemikiran dan perasaan yang besar:
Saya bercakap untuk semua orang yang mati di sini.
Dalam barisan saya adalah langkah mereka yang tersekat,
nafas mereka yang kekal dan panas.
Saya bercakap untuk semua orang yang tinggal di sini
yang melalui api, dan maut, dan ais,
Saya bercakap seperti daging anda, orang,
dengan hak penderitaan bersama...
Dalam beberapa puisi, percubaan dibuat untuk menunjukkan orang Soviet dalam aktiviti kreatif kreatif mereka.
N. Gribachev adalah salah seorang yang pertama menggambarkan realiti ladang kolektif pasca perang dalam puisi "The Bolshevik Collective Farm" (1947), dibina sebagai kitaran adegan genre individu, tanpa plot yang berkembang. Setiap episod puisi itu menggambarkan sesuatu yang baru yang dilihat oleh penyair di ladang kolektif pasca perang, gambar buruh kreatif, imej wanita ladang kolektif dan petani kolektif. Walau bagaimanapun, penulis tidak menunjukkan kesukaran perjuangan yang dilakukan oleh ladang kolektif untuk kebangkitan pertanian, dan sisa-sisa kapitalisme dalam minda bahagian belakang petani kolektif.
Dalam puisi "Spring in "Victory" (1948), N. Gribachev berusaha untuk mendedahkan watak lelaki Soviet yang maju, dibentuk dalam perjuangan, kehendaknya yang tidak tergoyahkan, kesedaran sosialis yang tinggi, perjuangan tanpa pamrih untuk komunisme.
Suasana kerja yang penting telah dinyatakan secara puitis dalam landskap musim bunga ladang kolektif, penuh dengan pergerakan pantas dan warna-warna cerah. Penyair menggambarkan kemasukan ke dalam bidang lajur traktor ladang kolektif sebagai permulaan serangan musim bunga yang luas.
Adegan genre individu dan angka ekspresif Petani kolektif dalam puisi itu secara langsung berkaitan dengan imej pusatnya - penganjur parti Zernov. Dalam cerita tentang dia oleh petani kolektif Nilovna, datuk-pemandu yang cerewet dan watak-watak lain dalam puisi itu, biografi heroik "orang yang paling diperlukan untuk parti" ini dibentangkan ciri demi ciri.
Penganjur parti Zernov melihat kehidupan "dari ketinggian parti", tahu bagaimana "mendekati sesuatu dengan cara parti", dan baginya komunisme tidak jauh. mimpi indah, tetapi boleh dilaksanakan dan dilaksanakan sudah menjadi kenyataan. Zernov sakit tenat, tetapi tidak meninggalkan jawatannya. Kematian menemuinya di ambang kelab ladang kolektif, di mana, tidak mendengar permohonan rakan-rakannya, mengumpulkan kekuatan terakhirnya, dia pergi membuat laporan. Walaupun kematian tragis watak utama, puisi N. Gribachev dicat dengan nada optimis dan mengesahkan keabadian tenaga kerja manusia yang diberikan untuk kepentingan Tanah Air. Zernov meninggal dunia, tetapi kerja hidupnya terkandung di lebuh raya "Zernovsky", yang dicipta oleh inisiatif dan ketekunannya, dan di pondok baru yang menggantikan tempat duduk - dalam seluruh kehidupan makmur ladang kolektif, dalam kesedaran kolektif yang semakin meningkat petani.
Dalam puisi ini N. Gribachev menggambarkan bukan sahaja cahaya, tetapi juga sisi bayang kehidupan ladang kolektif dan mewujudkan imej petani kolektif, dipisahkan buat sementara waktu daripada kolektif, turun kepada spekulasi dan penipuan.
Imej artistik yang menggambarkan beberapa ciri penting ladang kolektif pasca perang, Bahasa kiasan, yang merangkumi pertuturan bahasa sehari-hari yang bercirikan watak-watak, pewarnaan emosi yang terang dalam naratif dan terutamanya penyimpangan lirik, pelbagai cara ayat ekspresif (meter klasik, ayat intonasi, asonansi, rima majmuk dan lain-lain) - kekuatan puisi ini, di mana N. Gribachev berusaha mengikut tradisi V. Mayakovsky secara kreatif.
Tradisi kreatif penyair besar, dibiaskan dengan caranya sendiri, tercermin dalam pantun lirik M. Lukonin "Hari Bekerja" (1948). Realiti selepas perang didedahkan dalam gambar kerja kreatif yang sengit di Loji Traktor Stalingrad, yang bangkit dari runtuhan, dalam imej patriot Soviet generasi tua dan terutamanya generasi muda kelas pekerja. Segala-galanya dalam puisi - gambar kehidupan kilang yang berubah semasa hari bekerja, di mana penyair menggunakan pelbagai irama dengan baik, dan potret lakaran pekerja di bengkel, dan landskap lirik musim bunga yang akan datang - ditaklukkan kepada tugas utama: penggambaran generasi muda kelas pekerja.
Penyair merangkumi ciri-ciri generasi ini dalam imej Valya, anak angkat Bardins, dalam samaran pekerja Volodya, yang baru tiba di kilang dari bangku simpanan. Sekolah Vokasional, dalam imej Dima yang mati secara heroik, yang hidup secara tidak kelihatan dalam puisi itu, yang kita pelajari dari kisah dongeng yang diceritakan oleh ibunya.
Dalam cerita puitis, M. Lukonin secara lirik mendedahkan bukan sahaja tema persahabatan Komsomol, apabila rakan seperjuangan menghidupkan impian kreatif kawan yang telah pergi, tetapi juga tema cinta muda yang murni.
Puisi P. Antokolsky "Di Lorong Di Belakang Arbat" juga didedikasikan untuk imej lelaki Soviet moden.
"Masa lalu telah menjadi kawan dengan masa depan," dalam naratif yang bersemangat, menyedihkan yang ditulis dalam iambik klasik, kaya dengan intonasi yang meriah, dan dalam penyimpangan lirik yang penuh dengan perasaan yang hebat, penyair memperkenalkan pembaca kepada jalan hidup wiranya Ivan Egorov . Laluan ini bermula dengan perjalanan berani seorang budak kampung ke Moscow pada bulan-bulan pertama revolusi Oktober dan berakhir dengan kerjanya sebagai arkitek di tapak pembinaan pasca perang di ibu negara. Remaja di rumah anak yatim, di mana kebolehan seorang remaja pertama kali menampakkan diri, kerja seorang jurutera muda di Donbass pada tahun 30-an, perasaan muda yang mekar yang selamanya menghubungkan Egorov dengan Zhenya, seorang artis yang bercita-cita tinggi, perjuangan heroik rakyat menentang penceroboh fasis, apabila pembina yang aman menjadi pahlawan patriotik, - bab demi bab, dalam butiran gambar kehidupan yang realistik yang tepat, penyair mendedahkan pembentukan watak pahlawan. Pada masa yang sama, dia juga menggambarkan watak orang yang disayanginya yang sedang berkembang: isterinya, yang pergi dari teater kecil remaja pada tahun-tahun pertama revolusi ke pentas besar teater Moscow, dan seorang guru dari anak yatim Andrei Grigorievich, yang menjadi ahli arkeologi.
Sudah dalam bait pertama puisi, imej wira liriknya muncul, menurunkan wira puisi yang lain ke latar belakang.
Suara penyair kedengaran kuat dan berani dalam dirinya rayuan lirik kepada pahlawannya, kepada pembaca, kepada dirinya sendiri, kepada Moscow:
Untuk anda, Moscow, apa yang anda alami
Saya akan memberikannya dalam setengah abad.
Berdiri di hadapan anda tanpa topi,
Saya sedang menyusun kronik saya.
Saya tahu kebahagiaan dan ketidakbahagiaan
Hari cuti dan tahun ribut petir.
Saya adalah bahagian mereka yang tidak kelihatan
Dan itu sahaja yang dia hidup dan dibesarkan.
Tetapi walaupun puisi terbaik tentang kemodenan tidak menggambarkan gambaran yang luas tentang pembinaan sosialis yang megah pada tahun-tahun pasca perang, belum lagi mencipta imej penuh darah lelaki Soviet pada zaman kita.
Dibina lebih pada prinsip gubahan lirik, puisi pasca perang, yang mengetengahkan imej wira lirik, hanya menggariskan garis besar umum watak utama puisi itu. Dia mendedahkannya paling kerap dalam istilah lirik, dalam pengalaman, dalam perihalan, dan bukan dalam tindakan, juga menghalang mereka daripada keaslian ucapan.
Puisi pasca perang juga mempunyai beberapa kekurangan lain. Ayat intonasi kadangkala sukar dibezakan dengan prosa berirama. Banyak puisi dan puisi lirik dilukis dan bertutur dan, akibatnya, kehilangan ekspresi. Sebilangan penyair jelas tidak mempunyai kemahiran artistik yang mencukupi untuk mencipta sedemikian bentuk kompleks seni puisi, seperti puisi. Ia betul-betul dinyatakan dalam salah satu artikel Pravda bahawa pembaca kadang-kadang hanya mementingkan episod individu daripada puisi yang agak lemah, seperti, sebagai contoh, "Komsomolskaya Tale" oleh Ya. Helemsky, "The Builder" oleh S. Poddelkov , dan lain-lain.
Dalam beberapa karya puisi dalam beberapa tahun kebelakangan ini terdapat pengurangan dalam tema lirik, penggantian pathos sivik tulen dengan retorik berirama. Imej artistik yang berkesan, ciri realisme sosialis, dalam beberapa puisi lirik, dan kadang-kadang walaupun dalam keseluruhan koleksi, digantikan dengan penerangan harian dan landskap yang lembap.
"Teori" bukan konflik yang terkenal juga memainkan peranan yang berbahaya dalam puisi. "Teori" ini menumpulkan visi kreatif penyair. Puisi pasca perang, seperti banyak karya genre sastera lain, beralih kepada realiti ladang kolektif, sering mengabaikan fenomena negatif kehidupan kampung.
Karya terbaik puisi Soviet pada tahun-tahun selepas perang dengan betul menyerlahkan fenomena tipikal yang positif, memberi inspirasi kepada rakyat Soviet untuk memperjuangkan komunisme. Tetapi bersama-sama dengan ini, perjuangan aktif melawan segala yang asing dan bermusuhan dengan orang Soviet telah dilemahkan dalam puisi. Puisi satira, yang bertujuan untuk memerangi sisa-sisa dalam kesedaran dan kehidupan orang Soviet, ketinggalan dengan ketara. DALAM tahun lepas Apabila parti dan masyarakat umum Soviet menarik perhatian kepada kelewatan sedemikian, terdapat sedikit kebangkitan dalam bidang kehidupan puitis ini.
Antara karya puitis yang didedikasikan untuk mendedahkan sisi gelap realiti kita, menonjol adalah potret satira individu oleh K. Simonov dan beberapa dongeng oleh S. Mikhalkov, mempersendakan pembawa tertentu sisa-sisa kapitalisme dalam masyarakat Soviet - penipu dan pengecut ("Hare dalam Hop"), birokrat lengai ("Raccoon , tetapi bukan yang itu", "Pembaikan semasa"). Jenis terang masuk dongeng terbaik S. Mikhalkov, berjaya dipersonifikasikan dalam imej haiwan dan dunia objektif, ciri, perbendaharaan kata ekspresif, laconicism dan ketajaman cara artistik menentukan kejayaan sindiran puitis apabila ia mencapai matlamat yang besar dan penting. Tetapi ucapan satira K. Simonov, dongeng S. Mikhalkov, epigram S. Marshak, puisi paling berjaya S. Vasiliev, A. Bezymensky, A. Raskin, S. Shvetsov, V. Dykhovichny dan M. Slobodsky, V. Mass dan M. Chervinsky, puisi individu dalam majalah "Crocodile" dan penerbitan lain adalah sedikit. Selalunya puisi satira ditumpukan kepada fenomena yang tidak penting kehidupan sastera dan mendekati jenis "kartun mesra".
PERKEMBANGAN PUISI
BENTUK dalam puisi mempunyai asas yang cukup kukuh.
Ia sama ada gandingan dengan atau tanpa rima. Atau kuatrain yang sama, quintuple. Lima baris boleh dibina dengan tiga baris untuk satu rima dan dua untuk yang lain.
Terdapat juga enam baris. Di mana rangkap, pertama dan kedua, boleh mempunyai rima yang sama atau berbeza, dan di antaranya terdapat dua baris dengan rima yang berbeza. Semua ini adalah Borang PERCUMA - di sini penulis sendiri memilih susunan baris.
Dan terdapat bentuk di mana susunan baris ditetapkan sekali dan untuk semua - ini adalah BENTUK PEJAL: sonnet, oktaf, triolet, dll.
Lihat dengan teliti kamus puisi Kvyatkovsky. Berapa banyak perkara menarik yang akan anda pelajari daripadanya tentang puisi. Begitu banyak yang telah dicipta dalam puisi selama berabad-abad kewujudannya! Adakah sastera telah menghabiskan kemungkinannya?
Tidak! Dan ia tidak mungkin kehabisan. Lagipun, ada perkara yang bergerak seperti KANDUNGAN. Lihat dengan cepat bagaimana ia telah berubah dari semasa ke semasa. Mula-mula terdapat pujian kepada tuhan, kalendar pertanian dan ajaran. Kemudian, puisi cinta oleh Catullus, Tibullus, Propertius atau Ovid muncul. Pada masa yang sama, pujian dan odes (Pindar dan Bacchylides) dicipta sebagai penghormatan kepada pemenang Olimpik. Pada Zaman Pertengahan, tema harian mula menembusi lebih banyak lagi ke dalam puisi. Ini datang daripada perubahan dalam pandangan dunia orang ramai. Mereka mula lebih percaya kepada kreativiti manusia. Ini amat jelas dalam kesusasteraan Renaissance.
Jika BENTUK dalam puisi kekal tidak berubah sehingga hari ini, maka KANDUNGAN berubah dan sangat dramatik. Adegan-adegan kehidupan bermasyarakat sudah pun kukuh mengambil tempat dalam puisi. Banyak jenis ayat (odes, eclogues, idylls) turun dalam sejarah. Ya, dan di sini kita harus membuat tempahan: kita mempunyai banyak penyair yang membahas tema kampung, walaupun tidak dalam bentuk yang sama seperti pada zaman dahulu. Banyak kisah lama telah ditafsir semula. Ode juga tidak mati. Mayakovsky, sebagai contoh, menulis "Ode to the Revolution." Ode juga wujud dalam karya Pablo Neruda - "Ode to Simple Things."
Walau bagaimanapun, keadaan hidup baru dengan segera menentukan plot mereka; adakah patut beralih kepada sesuatu yang telah lama ditakdirkan untuk mati? Masa Nichevoks (pergerakan dalam puisi), futuris dan formalis lain telah berlalu. Tetapi masa-masa sulit kita tidak dapat dilihat membangkitkan masa lalu. Malangnya, ia tidak hanya tinggal dalam sejarah kesusasteraan, tetapi hanya bersembunyi di bawah tanah, menunggu di sayap. Dan saat itu telah tiba.
Penulis Rusia dari untuk masa yang lama berfikir dan bercakap tentang revolusi.
Seorang penulis, jika hanya dia
Gelombang, dan lautan adalah Rusia,
Tidak boleh menahan marah
Apabila unsur-unsur marah!
Seorang penulis, jika hanya dia
Terdapat saraf orang yang hebat,
Tidak dapat menahan kagum
Apabila kebebasan dikalahkan!
Yakov Polonsky (dalam album K.Sh. 1871)
Berikut adalah kata-kata Nekrasov mengenai perkara ini:
Rakyat Rusia telah cukup bertahan
………………………………………..
Akan menanggung segala-galanya - dan luas, jelas
Dia akan membuka jalan untuk dirinya sendiri dengan dadanya.
Tetapi apabila revolusi berlaku, mereka seolah-olah tidak menyedarinya. Nampaknya kebebasan akan datang sebagai hadiah dari atas - tanpa pertumpahan darah, dengan aman. Tetapi realitinya ternyata lebih keras, dan dari bibir ramai penulis ada seruan: "Kembalikan masa lalu!"
Bukankah perkara yang sama berlaku dalam kesusasteraan pada tahun-tahun sebelum perestroika? Pembangkang mengkritik pihak berkuasa, menuntut perubahan radikal di negara ini, dan apabila semua ini berlaku, ternyata sastera mahupun diri mereka sendiri tidak kerajaan baru Tidak diperlukan.
Jadi, patutkah kita berteriak lagi: "Kembalikan masa lalu"?
Pemansuhan penapisan, sikap acuh tak acuh sepenuhnya terhadap apa yang ditulis dan bagaimana, peluang untuk menerbitkan buku dengan perbelanjaan anda sendiri, kebebasan lain - saya pasti - ini bukan jalan yang diperlukan oleh sastera. Mungkin sesetengah pembaca yang tidak mengetahui sejarah sastera akan menikmati membaca opus moden untuk seketika; seorang kanak-kanak terhibur dengan mainan baru sehingga dia mengenali strukturnya, iaitu sehingga dia membongkarnya, kemudian dia membuangnya. Begitu juga dalam sastera. Apabila pembaca menyedari bahawa tidak ada yang serius di sebalik semua perkara tambahan itu, dia akan kehilangan minat terhadapnya.
Ambil contoh novel detektif yang begitu meluas hari ini. Ini jauh daripada baru dalam kesusasteraan dunia. Cerita detektif pertama dicipta oleh Edgar Allan Poe. Tetapi genre ini menjadi popular dengan kemunculan Sherlock Holmes. Pada zaman Soviet, banyak karya dalam genre ini juga dicipta. Jadi bagaimana novel detektif Soviet berbeza daripada novel moden? Nampaknya semua spesifik genre telah dipelihara di dalamnya, tetapi...
Tetapi ini TETAPI adalah perkara yang paling penting! Penulis Soviet dalam karya mereka merangkumi cita-cita moral lelaki Soviet. Seorang yang bermoral tinggi dan berbudaya profesional, menjaga kepentingan negara. Apa yang penting bagi kami bukanlah pengembaraan wira secara umum, tetapi tujuan pengembaraan itu dijalankan. Pembaca tertarik terutamanya oleh pesona keperibadian wira dan kepercayaan penuh terhadap pemikiran dan tindakannya. Kami bersimpati dengannya dan menirunya. Tanpa disedari pembaca, novel sebegini berfungsi sebagai pendidikan moral dan patriotik.
Siapakah wira cerita detektif moden? Selalunya detektif adalah detektif tunggal. melindungi kepentingan seseorang (oligarki, atau ringkasnya "Pinocchio kaya"). Oleh itu, selalunya kami tidak mempunyai simpati khusus untuk wira cerita detektif, kami hanya mengikuti perkembangan peristiwa dan itu sahaja. Novel sebegini ditulis dengan matlamat untuk menghiburkan pembaca. Untuk mengasimilasikan mereka, sudah cukup untuk mempunyai hanya jiwa yang mudah teruja.
Sesuatu yang serupa berlaku dalam puisi.
Suatu ketika, dalam persatuan sastera kita, seorang penyair moden, yang menulis dengan cara yang kompleks dan tidak dapat difahami, diminta untuk menerangkan maksud puisinya. Berikut adalah petikan:
Pisau hadiah dijual di pasaran,
untuk memotong marmalade kering.
Tidak ada burung hantu yang khusyuk... Di bangku simpanan
terletak payung senget.
Lollipop berbunyi dalam kotak yang ternoda,
dan seekor lebah meluncur dengan takut-takut.
Saya akan bermimpi tentang diri saya semula seperti hamba,
Saya akan mencurahkan enamel ke atas tanah.
Sebuah odalisque akan datang kepada saya dari Renault,
dan kemudian Sibyl - Komisar Rakyat.
Saya akan buktikan kepada mereka bahawa saya akan buta daripada kilauan itu
sinaran menembusi Rom,
……………………………….
dan kemudian tujuh lagi rangkap yang serupa tidak bersambung antara satu sama lain makna umum teks.
Penulis, dengan pandangan serius, mula mengatakan sesuatu yang saintifik dan tidak dapat difahami. Tetapi kita telah belajar daripada semua yang telah dikatakan hanya satu perkara: kandungan yang kurang konkrit dalam puisi, semakin tinggi nilainya oleh pencinta dan pencipta seni jenis ini. Tetapi M.V. Lomonosov (1711-1765) kami yang hebat berkata:
- Mereka yang menulis secara gelap sama ada secara tidak sengaja mengkhianati kejahilan mereka atau sengaja menyembunyikannya. Mereka menulis dengan samar-samar tentang apa yang mereka bayangkan secara samar-samar.
Ramai penulis di Barat cuba mengisytiharkan puisi sebagai inspirasi naluri, tidak tertakluk kepada kawalan akal. Inilah yang saya fikirkan, sebagai contoh: penyair Perancis Stephane Mallarmé (1842-1898). Walau bagaimanapun, saya menarik perhatian kepada satu ciri puisi tersebut: pengisytiharan penyair hampir tidak pernah bertepatan dengan amalan kerja mereka. Saya fikir kerana pengisytiharan tidak mampu merangkumi keseluruhan isipadu perasaan yang lahir dalam proses peningkatan kreatif dan inspirasi. Pengisytiharan dan manifesto paling kerap ditulis pada usia muda, apabila semangat muda kuat, apabila anda ingin menafikan segala-galanya, mengubah segala-galanya, lakukan dengan cara anda sendiri. Tetapi selama bertahun-tahun, pengalaman yang diperlukan terkumpul, dan kadang-kadang pandangan dunia penyair, sikapnya terhadap kreativiti dan kehidupan, berubah. Kreativiti dipengaruhi oleh peningkatan tahap budaya pengarang dan sikap pembaca terhadapnya dan komen kritis, dsb. Bagi sesetengah artis, terdapat beberapa perubahan sedemikian, dan ini adalah wajar: kehidupan tidak berhenti, dan begitu juga manusia. Lagipun, seseorang bukanlah mesin yang diprogramkan sekali dan untuk semua, tetapi organisma yang hidup dan berfikir, kadang-kadang bertindak balas secara mendadak terhadap alam sekitar. A.S. Pushkin kami adalah pengarang seperti itu. Dia bermula sebagai penyair romantis, dan menamatkan karyanya sebagai seorang realis yang yakin. Nampaknya Mallarmé sendiri kemudiannya mengubah pandangannya tentang kreativiti. Lagipun pengarang sebenar tidak bertindak atas inspirasi, bukan di bawah pengaruh sejenis mantra. Tidak, dia sentiasa ingin menyampaikan pemikiran (perasaan!) dan difahami oleh pembacanya.
Mayakovsky bermimpi untuk difahami oleh rakyatnya. Malah dia berkata bahawa suatu hari nanti mereka akan mengatakan dari podium bahawa tahap pemahaman puisi telah meningkat dengan begitu banyak peratus! lawak jenaka, tetapi terdapat banyak kebenaran di dalamnya. Tidak semua orang benar-benar dapat memahami puisi secara keseluruhan. Lagipun, puisi mengandaikan bukan sahaja makna langsung yang terkandung dalam baris ayat, tetapi juga apa yang terkandung di antara baris tidak diungkapkan secara langsung, tetapi cukup difahami oleh pembaca yang kaya imaginasi, dengan pengalaman yang luas dalam membaca puisi. Dan bagaimana pembaca seperti itu akan berundur dari puisi apabila menemui puisi tanpa makna!
Dalam karyanya, Mayakovsky sendiri bermimpi, tanpa mempercayai sesiapa pun, untuk "bercerita tentang masa dan tentang dirinya sendiri." Ini adalah matlamat tertinggi yang pernah ditetapkan sebelum puisi.
Apakah puisi asli atau asli? PUISI Pushkin, Lermontov dan klasik lain? Ini, pertama sekali, puisi perasaan. PERASAAN bukan pura-pura, tetapi tulen, dicurahkan dari lubuk jiwa! Dan sudah tentu, ini adalah PLOT. Menarik, mengujakan. Dan akhirnya, inilah PUISI PEMIKIRAN. Tidak ramai orang sezaman Pushkin mengenalinya sebagai penyair pemikiran!
Untuk memaksa pembaca untuk berfikir bukan tentang APA yang penyair ingin katakan, tetapi tentang BAGAIMANA dia berkata dan melakukannya - ini adalah tugas, dan sangat sukar, untuk mana-mana penyair tulen. Apabila pembaca menyelesaikan sandiwara tentang apa yang penulis ingin sampaikan kepadanya, HUBUNGAN antara bentuk dan kandungan HILANG, dan mustahil untuk memisahkannya antara satu sama lain!
Tanpa mengetahui kandungan, sukar untuk menilai sisi artistik karya. Puisi sebenar hanya akan berjaya apabila ia mempunyai pembaca yang tulen, menuntut dan bijak. Pembaca mesti mengetahui dengan tepat apa yang boleh dituntut daripada puisi, iaitu mengetahui kemungkinannya. Dan, sudah tentu, dia mesti tahu apa yang dia harapkan daripadanya.
Apabila membaca klasik, kami cuba memahami bukan kandungan, tetapi cara yang menjadikan kandungan itu cemerlang! Apa yang lebih menyenangkan daripada renungan sedemikian untuk pembaca. Dalam kes ini, saya maksudkan bukan hanya seorang yang membaca, tetapi seorang pembaca-pencipta, pembaca-penulis-penyair, yang sendiri ingin mencapai kejelasan, kesederhanaan dan genius yang sama dalam karyanya.
Karya sastera memerlukan banyak masa dan usaha. Sememangnya untuk berada di tahap zamannya, penulis mesti banyak mengetahui dan melihat, sentiasa meluaskan ufuk, membaca, memerhati, berkomunikasi. Tahu bukan sahaja fiksyen, tetapi juga buku mengenai isu lain: falsafah, sejarah, sejarah seni, kamus dan banyak lagi. Di samping itu, dia memerlukan masa untuk memikirkan secara serius tentang apa yang dia baca, tentang kehidupan, tentang apa yang dia tulis, dll.
Berfikir mengambil masa yang lama, dan selama bertahun-tahun ia menjadi satu keperluan. Kebanyakan penulis utama menamatkan kerjaya mereka dengan buku refleksi tentang kehidupan dan kreativiti. (Tvardovsky "Di Tanah Elninsky", Paustovsky "Kisah Kehidupan"). Ini amat jelas dilihat dalam kehidupan dan kerja Leo Tolstoy. Pada akhir hayatnya, dia beralih kepada genre kewartawanan, di mana dia mendedahkan pandangan dunianya, pandangannya mengenai isu-isu yang paling mendesak pada zaman kita.
REALISME
Pencarian literatur sememangnya perlu.
Seseorang akan sentiasa berusaha untuk memahami semua kemungkinan jenis seni ini, untuk mencapai titik yang paling ekstrem, apabila carian selanjutnya akan menjadi sia-sia. Eksperimen dalam bidang kesusasteraan telah dijalankan sama ada pada zaman dahulu dan pada zaman berikutnya.
V.Ya.Bryusov (1873-1924) banyak melakukan dalam bidang bentuk dan kandungan.
Dia cuba menterjemahkan kemajuan sains dan teknologi kepada puisi, dan untuk itu kita patut berterima kasih kepadanya. Dia menunjukkan sepenuhnya semua keupayaan teknikal ayat, tetapi berapa ramai pengarang moden yang tahu tentang ini?
Keseluruhan masalah dengan penguji moden ialah mereka mempunyai budaya yang terlalu rendah, dan oleh itu eksperimen mereka turun untuk mengulangi apa yang telah dicipta pada masa lalu dan ditolak oleh generasi berikutnya.
Lihat, Blok bermula sebagai seorang simbolis dan berakhir sebagai seorang realis. Mayakovsky bermula dengan pembinaan gaya yang kompleks, tetapi datang kepada kesederhanaan, kejelasan yang melampau dan ringkas bahasa puitis. Ini terutama dinyatakan dengan jelas dalam pengenalan kepada puisi "At the top of my voice." Malah seorang ego-futurist dan pencinta diri seperti Igor Severyanin, yang tinggal di luar negara, menulis karya realistik yang indah. Bukankah ini pengajaran untuk golongan moden moden!
Saya ulangi, carian diperlukan. Tetapi BAGAIMANA dan DI MANA?
Realisme adalah satu-satunya cara yang betul untuk seni sebenar, bukan rekaan.
Realisme membolehkan anda melihat kehidupan sebagaimana adanya, membolehkan pembaca membandingkan hidupnya dengan kehidupan wira buku, membolehkannya memahami "apa yang baik dan apa yang buruk," dalam kata-kata Mayakovsky. Dan ini amat penting untuk belia kita: hanya di jalan realisme anda boleh merealisasikan sepenuhnya keupayaan anda dan mendedahkan bakat anda sepenuhnya.
Malangnya, tidak jelas kepada semua orang bahawa menulis "tentang sesuatu yang saya tidak tahu apa" bukanlah perkara yang membuatkan pengarang bekerja dan mencipta; kaji watak dan hubungan wira anda, lihat alam sekeliling, cari yang lebih baik, lebih tepat, kata-kata terang untuk menyatakan fikiran, dsb. Kesusasteraan modenisme hanya memerlukan kemustahilan: lebih buruk untuk memutarkan frasa, tetapi tentang apa itu - siapa yang peduli! Sedihnya ramai pembaca buku sebegitu...
Dan ini sudah menjadi bencana untuk sastera! Ini bukan penalaran spekulatif, tetapi pendapat sains: buku-buku seperti itu memusnahkan tubuh manusia, menghakis jiwa dengan pesimisme dan kurang keyakinan diri...
Saya secara tidak sengaja teringat kata-kata Giordano Bruno (1548-1600) - "Seni menebus kekurangan alam semula jadi," yang diucapkan empat abad yang lalu.
Sesuatu untuk difikirkan...
Harapan hari ini menyanjung,
Dan esok - di manakah awak, kawan?
Waktu hampir berlalu,
Kekacauan terbang ke dalam jurang,
Dan sepanjang hidup anda berlalu seperti mimpi.
G.R.Derzhavin
Proses pendemokrasian sastera mendapat sambutan daripada golongan pemerintah. Di kalangan kerajaan mahkamah, gaya upacara normatif tiruan dan unsur-unsur barok Ukraine sedang ditanam.
Masalah Baroque dalam kesusasteraan Rusia. Istilah "Barok" diperkenalkan oleh penyokong klasikisme pada abad ke-18. untuk menunjukkan seni yang kasar, tawar, "biadab" dan pada mulanya hanya dikaitkan dengan seni bina dan seni halus. Istilah ini diperkenalkan ke dalam kritikan sastera pada tahun 1888 oleh G. Wölfflin dalam karyanya "Renaissance and Baroque." Dia membuat percubaan pertama untuk menentukan ciri-ciri Baroque, mengurangkannya kepada keindahan, kedalaman, keterbukaan bentuk, iaitu ciri-ciri formal semata-mata. Penyelidik Perancis moden Jean Rousset, dalam karyanya "Literature of the Baroque Century in France" (1954), mengurangkan Baroque kepada ekspresi dua motif ciri: ketidakkekalan dan hiasan. Berhubung dengan kesusasteraan Rusia, istilah "baroque" diperkenalkan oleh L. V. Pumpyansky.
Sarjana Hungary A. Andyal memberikan tafsiran luas tentang Baroque dalam bukunya "Slavic Baroque." Pandangannya dikembangkan oleh A. A. Morozov, yang cenderung untuk mengklasifikasikan semua kesusasteraan separuh kedua abad ke-17 dan separuh pertama abad ke-18 sebagai barok, melihat ke arah ini ekspresi keaslian kebangsaan kesusasteraan Rusia. Sudut pandangan A. A. Morozov menyebabkan bantahan tajam dari P. N. Berkov, D. S. Likhachev, dan penyelidik Czech S. Mathauzerova.
P. N. Berkov keluar dengan penafian tegas tentang kewujudan barok Rusia dan menimbulkan persoalan tentang keperluan untuk mempertimbangkan puisi dan drama virsch Rusia pada akhir abad ke-17. sebagai kemunculan gerakan klasikis baru. S. Mathauzerova membuat kesimpulan tentang kewujudan dalam kesusasteraan Rusia pada akhir abad ke-17. dua arah Baroque: kebangsaan Rusia dan pinjaman Poland-Ukraine.
D. S. Likhachev percaya bahawa kita harus bercakap tentang kewujudan hanya Baroque Rusia, yang pada mulanya dipinjam dari kesusasteraan Poland-Ukraine, tetapi kemudian memperoleh ciri khususnya sendiri.
Pada awal 60-an, I. P. Eremin menganalisis secara terperinci ciri-ciri Baroque Rusia dalam puisi Simeon of Polotsk. Kesimpulan dan pemerhatian saintis ini penting untuk memahami masalah ini.
Walaupun terdapat perbezaan yang ketara dalam pandangan tentang Baroque dalam kesusasteraan Rusia, penyelidik telah menetapkan yang paling penting tanda rasmi gaya ini. Ia dicirikan oleh ekspresi estetik kesedihan yang dibesar-besarkan, kemegahan yang disengajakan, upacara, emosi luaran, pengumpulan berlebihan dalam satu karya komponen gaya yang kelihatan tidak serasi dalam bentuk bergerak, alegori, plot hiasan dan bahasa.
Ia adalah perlu untuk membezakan antara dua pelbagai aspek dalam kandungan istilah barok: a) barok sebagai kaedah dan gaya seni yang timbul dan berkembang dalam era sejarah tertentu; b) barok sebagai jenis kreativiti artistik, memanifestasikan dirinya dalam tempoh sejarah yang berbeza.
Baroque sebagai gaya muncul di Rusia pada separuh kedua abad ke-17, dan melayani absolutisme pencerahan yang muncul. Dalam intipati sosialnya, gaya Baroque adalah fenomena bangsawan yang bertentangan dengan kesusasteraan demokratik. Oleh kerana peralihan kepada barok dalam kesusasteraan Rusia bukan berasal dari Renaissance, seperti di Barat, tetapi secara langsung dari Zaman Pertengahan, gaya ini tidak mempunyai sentimen mistik-pesimis dan bersifat pendidikan; pembentukannya diteruskan melalui sekularisasi budaya, iaitu, pembebasannya daripada bimbingan gereja.
Penulis Baroque Rusia, bagaimanapun, tidak sepenuhnya menolak pandangan agama, tetapi membentangkan dunia dengan cara yang rumit, menganggapnya misteri dan tidak dapat diketahui, walaupun mereka mewujudkan hubungan sebab-akibat fenomena luaran. Beralih dari perlambangan agama zaman pertengahan lama, mereka melihat dengan teliti hal-ehwal duniawi, menjalani kehidupan manusia duniawi dan mengemukakan tuntutan untuk pendekatan "munasabah" terhadap realiti, walaupun pengiktirafan idea nasib dan kehendak Tuhan dalam kombinasi dengan didaktisisme. Fiksyen, sistem alegori dan simbol, serta struktur karya yang kompleks, kadangkala canggih dibina di atas sistem pandangan ini.
Gaya Baroque dalam kesusasteraan Rusia lewat XVII - awal XVIII abad menyediakan kemunculan klasikisme Rusia. Ia menerima penjelmaan paling jelas dalam gaya puisi Virsch, mahkamah dan drama sekolah.
Pembentukan dan pembangunan puisi buku Rusia. Satu daripada faktor penting sejarah kesusasteraan Rusia abad ke-17. ialah kemunculan dan perkembangan puisi buku. Persoalan tentang asal-usul dan sebab-sebab kejadiannya telah menduduki dan menduduki ramai penyelidik. Malah pada abad yang lalu, dua sudut pandangan yang bertentangan muncul. A. Sobolevsky percaya bahawa puisi suku kata - ayat (dari bahasa Latin berbanding - ayat) timbul di bawah pengaruh puisi Ukraine dan Poland. L.N. Maykop berhujah bahawa "eksperimen pertama dalam ayat berirama muncul, boleh dikatakan, dengan sendirinya dan, dalam apa jua keadaan, bukan sebagai tiruan ayat suku kata Eropah Barat dengan rima."
Sumbangan penting kepada kajian peringkat awal perkembangan puisi Rusia dibuat oleh penyelidik Soviet A. V. Pozdneev, L. I. Timofeev dan A. M. Panchenko.
Kemunculan puisi buku bermula sejak sepertiga pertama abad ke-17. dan dikaitkan dengan pengukuhan peranan bandar dalam kehidupan budaya negara dan keinginan lapisan masyarakat Rusia yang maju untuk menguasai pencapaian budaya Eropah, dan juga, menurut A. M. Panchenko, kelemahan peranan cerita rakyat. Ayat pertuturan Rusia berdasarkan, di satu pihak, pada ayat deklamasi buffoons, dan sebaliknya, ia menggunakan pengalaman puisi suku kata Ukraine-Poland.
Semasa tempoh perjuangan rakyat Rusia menentang campur tangan Poland, disebabkan pengukuhan unsur emosi dan kewartawanan dalam kesusasteraan, percubaan pertama untuk memberikan contoh ucapan puitis muncul. Dalam "Kisah" Abraham Palitsyn kita sering menemui organisasi ucapan naratif yang berirama. Buku Chronicle, yang dikaitkan dengan Katyrev-Rostovsky, berakhir dengan ayat-ayat berima. Seperti yang dinyatakan oleh L.I. Timofeev, ayat dalam karya ini sepenuhnya berdasarkan cara ekspresi lisan dan tidak merujuk kepada sebarang unsur muzik. Namun, struktur pertuturan ayat tersebut memberikan sedikit peluang untuk disampaikan keadaan dalaman seseorang, pengalaman individunya. Pantun itu belum disusun secara berirama: bilangan suku kata dalam satu baris berubah-ubah secara bebas, tiada perhatian diberikan kepada selang-selang tekanan, sajak digunakan terutamanya secara lisan, maskulin, feminin, dactylic dan hyperdactylic. Ayat-ayat pra-suku kata ini mula mendapat sambutan yang semakin meningkat.
Walau bagaimanapun, bersama-sama dengan ayat pra-suku kata, sudah dalam sepertiga pertama abad ke-17. ayat suku kata muncul. Mereka ditubuhkan terutamanya dalam genre mesej. Jadi, pada tahun 1622, Putera S.I. Shakhovskoy "Mesej kepada rakan tertentu sangat berguna tentang kitab suci ilahi" berakhir dengan 36 baris yang tidak sama suku kata berima.
Paderi Ivan Nasedka mengakhiri risalah polemiknya "Exposition on the Luthors" dengan ayat-ayat suku kata. "Banyak celaan," tulis Putera I. A. Khvorostinin dalam ayat. Pada akhir hayatnya, dia mencipta risalah puitis polemik yang ditujukan terhadap bidaah - "Kata pengantar ditetapkan dalam perjanjian dua baris, tepinya dieja" dalam 1000 baris puisi.
Pada separuh pertama abad ke-17. koleksi mesej yang ditulis dalam ayat suku kata muncul. Salah satu koleksi ini termasuk puisi oleh "pegawai rujukan" Rumah Percetakan dengan subjek yang agak pelbagai. Lagu-lagu buku suku kata dicipta pada awal 50-an abad ke-17. penyair sekolah Nikon. Di kalangan penyair ini, Herman menonjol, menunjukkan kehebatan tertentu dalam mengembangkan puisi akrostik yang boleh dibaca dari kanan ke kiri dan sebaliknya, dari bawah ke atas dan atas ke bawah. Ayat-ayat suku kata mula digunakan dalam perihalan jata, dalam "Buku Judul Tsar" tahun 1672, dalam inskripsi pada ikon, dan cetakan popular.
Karya Simeon dari Polotsk dan pelajarnya Sylvester Medvedev dan Karion Istomin memainkan peranan utama dalam pembangunan puisi suku kata.
Simeon dari Polotsk(1629-1680). Belarusia mengikut kewarganegaraan, Simeon dari Polotsk menerima pendidikan yang luas di Akademi Kiev-Mohyla. Setelah menerima monastikisme pada tahun 1656, dia menjadi guru "sekolah persaudaraan" di Polotsk asalnya. Pada tahun 1661 bandar itu diduduki sementara oleh tentera Poland. Polotsk berpindah ke Moscow pada tahun 1664. Di sini dia mengajar kerani urusan rahsia memerintahkan bahasa Latin, yang mana sebuah sekolah khas dicipta di Biara Spassky. Pada tahun 1667, Tsar Alexei Mikhailovich mempercayakan Simeon dari Polotsk untuk membesarkan anak-anaknya - pertama Alexei, dan kemudian Fedor.
Polotsk mengambil bahagian aktif dalam perjuangan menentang Penganut Lama. Pada majlis gereja tahun 1666, dia bercakap dengan risalah teologi "The Rod of Government," di mana dia berpolemik terhadap "petisyen" paderi Nikita dan paderi Lazarus. Atas permintaan peribadi raja, dia mengembara tiga kali untuk menasihati Habakuk.
Simeon dari Polotsk menumpukan aktivitinya untuk perjuangan untuk penyebaran pendidikan. Dia secara aktif mengambil bahagian dalam perdebatan antara penyokong pendidikan Yunani dan Latin, memihak kepada yang terakhir, kerana pembela sistem pendidikan Yunani berusaha untuk menundukkan perkembangan pencerahan kepada kawalan gereja. Polotsk percaya bahawa peranan utama dalam pembangunan pendidikan adalah milik sekolah, dan, beralih kepada tsar, mendesaknya untuk membina sekolah dan "memperoleh" guru-guru. Dia sedang membangunkan projek untuk mewujudkan institusi pendidikan tinggi pertama di Rusia - sebuah akademi. Tidak lama sebelum kematiannya, dia menulis draf piagam akademi masa depan. Di dalamnya, Simeon dari Polotsk menyediakan kajian sains yang sangat luas - kedua-dua sivil dan rohani.
Polotsk sangat mementingkan pembangunan percetakan: "Tiada apa-apa yang mengembangkan kemasyhuran seperti meterai," - dia menulis. Atas inisiatif dan petisyen peribadinya kepada Tsar Fyodor Alekseevich, rumah percetakan "Atas" dibuka di Kremlin pada tahun 1678.
Salah satu hobi kegemaran Simeon of Polotsk ialah "membuat sajak" iaitu aktiviti sastera puitis yang menarik perhatian ramai ahli sejarah sastera.
Permulaan aktiviti sastera Simeon dari Polotsk bermula sejak dia tinggal di Akademi Kiev-Mohyla. Di Polotsk, dia menulis puisi dalam bahasa Poland, Belarusia, Ukraine, mendedahkan bakat puisi yang luar biasa: dia mencipta elegi, puisi satira yang ditujukan kepada raja Sweden Gustav Adolf, epigram (dalam makna kuno mereka). Tiba di Moscow, Polotsky menulis puisi hanya dalam bahasa Rusia. Ini dia kreativiti puitis mencapai kemuncaknya. Sebagai pelajarnya Sylvester Medvedev, Polotsk, nota "Setiap hari, mempunyai ikrar untuk menulis setengah dozen setengah buku nota, tetapi tulisannya sangat kecil dan padat."
Ayat suku kata Polotsky terbentuk di bawah pengaruh langsung ayat Ukraine dan Poland. Walau bagaimanapun, kemungkinan menggunakan ayat suku kata sebelas dan tiga belas suku kata dengan sajak wanita berpasangan wajib dalam versifikasi Rusia telah disediakan oleh perkembangan sejarah panjang cara ekspresif yang wujud secara organik dalam bahasa buku Rusia. Ayat suku kata Simeon dari Polotsk berkait rapat dengan buku halus itu "bahasa Slovenia" yang mereka sengaja bezakan dengan bahasa pertuturan.
Polotsky melampirkan kepentingan pendidikan dan pendidikan yang besar kepada karya puitisnya. Polotsky melihat panggilan tinggi seorang penyair dalam keupayaan untuk menarik "khabar angin dan hati" daripada orang. Senjata puisi yang ampuh, dia percaya, harus digunakan untuk menyebarkan pendidikan, budaya sekular, dan konsep moral yang betul. Di samping itu, ayat-ayat harus menjadi model bagi semua yang menulis "Bahasa buku Slovenia."
Simeon dari Polotsk bertindak sebagai penyair istana pertama, pencipta puisi khidmat panegyric, yang merupakan prototaip pujian pujian.
Di tengah-tengah ayat-ayat panegirik adalah imej seorang autokrat tercerahkan yang ideal. Dia adalah personifikasi dan simbol negara Rusia, perwujudan hidup kuasa dan kemuliaan politiknya. Dia mesti menumpukan hidupnya untuk kebaikan negara, kebaikan rakyatnya, untuk menjaga mereka "keperluan awam" dan pencerahan mereka, dia adalah tegas dan penuh belas kasihan dan pada masa yang sama pelaksana undang-undang yang sedia ada.
Ayat-ayat panegirik S. Polotsky mempunyai "ciri struktur lisan dan seni bina yang kompleks - tontonan lisan." Seperti itu, sebagai contoh, adalah ayat-ayat panegyric "Helang Rusia". Dengan latar belakang langit berbintang, matahari, bergerak melalui zodiak, bersinar terang dengan empat puluh lapan sinarnya; Kebaikan Tsar Alexei tertulis dalam setiap sinarnya. Dengan latar belakang matahari adalah helang berkepala dua bermahkota dengan tongkat dan bola di kukunya. Teks panegirik itu sendiri ditulis dalam bentuk tiang - lajur yang terletak pada dasar teks prosa.
Seperti yang dicatat oleh I. P. Eremin, penyair mengumpulkan kebanyakan perkara yang jarang berlaku, "rasa ingin tahu" untuk ayat-ayatnya, tetapi melihat di dalamnya hanya "tanda" "hieroglif" kebenaran. Dia sentiasa menterjemah imej konkrit ke dalam bahasa konsep abstrak dan abstraksi logik. Metafora S. Polotsky, alegori khayalan, dan simile chimeric dibina di atas pemikiran semula seperti itu.
Dalam ayat-ayat panegiriknya S. Polotsky memperkenalkan nama-nama tuhan dan pahlawan purba: "Foyer(Phoebus) emas", "Kinfey berambut emas", "dada Dievo"(Zeus), "Burung Dieva"(helang). Mereka secara langsung bersebelahan dengan imej mitologi Kristian dan memainkan peranan konvensyen puitis tulen, menjadi cara untuk mencipta hiperbola. S. Polotsky memupuk puisi bergambar dalam bentuk hati, bintang, labirin.
Ciri-ciri gaya S. Polotsky adalah manifestasi tipikal barok sastera 2. Semua ayat panegyric (800 puisi), puisi pada pelbagai kesempatan kehidupan mahkamah telah digabungkan oleh S. Polotsky ke dalam koleksi, yang dipanggilnya "Rhythmologion" (1679-1680).
Bersama-sama dengan puisi panegirik, S. Polotsky menulis ayat-ayat mengenai pelbagai topik. Dia menggabungkan 2957 ayat pelbagai genre (“persamaan”, “imej”, “peribahasa”, “tafsiran”, “epitaph”, “imej tandatangan”, “cerita”, “seruan”, “kecaman”) dalam koleksi “ Vertograd (taman) ) pelbagai warna" (1677-1678). Penyair memberikan koleksi ini watak buku rujukan puisi ensiklopedia: ayat-ayat disusun mengikut topik dalam susunan abjad tajuk. Semua karya, baik sekular mahupun keagamaan, adalah bersifat moral. Penyair menganggap dirinya sebagai pembawa dan penjaga nilai agama dan moral tertinggi dan berusaha untuk menanamkannya dalam diri pembaca.
Dalam ayat-ayat S. Polotsky menimbulkan persoalan moral, cuba memberikan gambaran umum "anak dara"("Virgo"), "janda"(“Janda”), mempertimbangkan isu perkahwinan, maruah, kehormatan dan lain-lain. Oleh itu, dalam puisi "Kewarganegaraan" S. Polotsky bercakap tentang keperluan bagi setiap orang, termasuk pemerintah, untuk mematuhi undang-undang yang ditetapkan dengan ketat. Penyair menganggap buruh sebagai asas masyarakat, dan tugas pertama seseorang adalah bekerja untuk kebaikan masyarakat. Buat pertama kalinya, penyair menggariskan tema yang akan menduduki tempat yang menonjol dalam kesusasteraan klasik Rusia - tema yang membezakan penguasa yang ideal, raja yang tercerahkan dengan seorang yang zalim, kejam, berkehendak sendiri, tidak berbelas kasihan dan tidak adil.
Persoalan falsafah tentang makna kehidupan dibangkitkan oleh S. Polotsky dalam puisi "Maruah". Penyair melihat kebahagiaan sejati bukan dalam mengejar kehormatan, pangkat, bangsawan, tetapi dalam keupayaan seseorang untuk melakukan apa yang dia suka.
Bahagian penting puisi S. Polotsky ialah satira—“wahyu”. Kebanyakan karya satiranya adalah bersifat moralistik umum, abstrak. Seperti itu, sebagai contoh, adalah kecaman "Jahil", ditujukan terhadap orang jahil secara umum; "Sihir", mendedahkan "wanita", "pembisik".
Karya satira terbaik S. Polotsky adalah puisinya "Saudagar" dan "Sami".
Dalam satira "Saudagar" penyair menyenaraikan lapan manusia "dosa golongan pedagang.""Dosa" ini - penipuan, pembohongan, sumpah palsu, pencurian, peras ugut - mencerminkan amalan sosial sebenar para pedagang. Walau bagaimanapun, puisi itu tidak mempunyai imej satira tertentu. Penyair menghadkan dirinya kepada pernyataan dosa yang mudah untuk diakhiri dengan peringatan moral “Anak-anak kegelapan, orang-orang yang ganas, mengesampingkan perbuatan-perbuatan kegelapan,” untuk mengelakkan siksaan neraka yang akan datang.
Satira "The Monk" didasarkan pada penentangan ideal dan realiti: pada mulanya, penyair bercakap tentang apa yang sepatutnya menjadi rahib sebenar, dan kemudian beralih kepada pengecaman.
Tetapi malangnya, kemarahan! Nasib baik pangkat tu rosak.
Monastikisme telah berubah menjadi kekacauan dalam banyak orang.
Lakaran satira tentang kemabukan, kerakusan, dan kebejatan moral para bhikkhu diberikan dengan jelas:
Bukan hanya orang awam yang bekerja dalam rahim mereka,
Semua bhikkhu memberi mereka air dan makanan.
Setelah memilih kehidupan Prapaskah, pimpin.
Saya berusaha untuk ini, makan, minum...
Banyak pembeli wain bersumpah sekeras-kerasnya,
Mereka menyalak, memfitnah, memalukan, dan yang jujur dengan berani...
Dalam pakaian kambing biri-biri ada rampasan,
Perut bekerja, roh binasa.
S. Polotsky tergesa-gesa untuk menekankan bahawa dalam sindirannya kita tidak bercakap tentang semua bhikkhu, tetapi hanya tentang "tidak teratur" siapa yang dia kecam "dengan air mata." Tujuan satiranya adalah moral dan didaktik - untuk mempromosikan pembetulan moral, dan sebagai kesimpulan penyair beralih kepada "tidak teratur" sami dengan panggilan untuk berhenti "buat kejahatan ini."
Didaktisisme moralistik ini, keinginan untuk membetulkan maksiat masyarakat dan dengan itu mengukuhkan asasnya membezakan satira pendidikan mulia S. Polotsky dari cerita satira demokratik, di mana pendedahannya adalah akut dari segi sosial, lebih spesifik.
Dari karya puitis S. Polotsk, perlu diperhatikan susunan berima Mazmur pada tahun 1678, diterbitkan pada tahun 1680. Disetkan ke muzik oleh kerani nyanyian Vasily Titov (dia meletakkan asas muzik vokal bilik), Psalter yang berirama adalah sangat popular. Dari buku ini, M.V. Lomonosov berkenalan dengan puisi suku kata Rusia.
Oleh itu, karya S. Polotsky berkembang sejajar dengan puisi panegirik dan didaktik Baroque dengan keumuman dan polisemi simbolisme, alegori, kontras dan hiperbolisme, dan moralisasi didaktik. Bahasa puisi S. Polotsky adalah buku semata-mata, menekankan perbezaan antara puisi dan prosa.
S. Polotsky menggunakan soalan retorik, seruan, dan frasa songsang. Berkait rapat dengan tradisi bahasa buku kuno, Semeon of Polotsk membuka jalan untuk perkembangan puisi klasik masa depan.
Sylvester Medvedev(1641 –1691). Pelajar dan pengikut Simeon dari Polotsk adalah penyair Sylvester Medvedev dan Karion Istomin. "Seorang lelaki yang sangat pintar dan ketajaman saintifik," seperti yang dicirikan oleh orang sezamannya, "penyelidik" (editor) Rumah Percetakan, Sylvester Medvedev, muncul sebagai penyair hanya selepas kematian gurunya. Dia menulis "Epitafion" kepada Simeon dari Polotsk dan puisi panegirik yang didedikasikan untuk Tsar Fyodor Alekseevich ("Ucapan Perkahwinan" dan "Ratapan dan Penghiburan" sempena kematian Fyodor) dan Puteri Sophia ("Tandatangan pada potret Puteri Sophia" ), yang disokong secara aktif oleh penyair, yang mana dia telah dihukum mati atas perintah Peter.
Dalam Epitaphion, Sylvester Medvedev memuliakan merit " cikgu baik» , menjaga kepentingan jirannya. Medvedev menyenaraikan karya Simeon dari Polotsk.
Dalam mempertahankan gereja, Rod mencipta sebuah buku,
Memihak kepadanya, Mahkota dan Makan Tengahari telah diterbitkan.
Makan malam, Mazmur, puisi dengan pantun,
Vertograd berbilang warna dengan Perbualan.
Semua buku ini bijak, dia seorang yang kreatif,
Dalam mengajar bangsa Rusia secara nyata.
Sebagai penyair, Medvedev mempunyai sedikit keaslian. Dia banyak meminjam daripada puisi panegirik gurunya, tetapi, tidak seperti Simeon dari Polotsk, dia mengelak daripada menggunakan imej alegoris dan mitologi dalam ayat-ayatnya.
Karion Istomin (?– 1717). Seorang pelajar Simeon dari Polotsk yang lebih berbakat dan prolifik ialah Karion Istomin. Dia memulakan karya puitisnya pada tahun 1681 dengan menyapa puisi panegirik kepada Puteri Sophia. Memuliakan " gadis yang paling mulia, penyair bercakap tentang kepentingan Kebijaksanaan (Sophia bermaksud "kebijaksanaan" dalam bahasa Yunani) dalam kerajaan dan dalam kehidupan rakyat.
Sama seperti S. Polotsky, K. Istomin menggunakan puisi sebagai cara memperjuangkan pencerahan. Pada tahun 1682, dia bercakap dengan Puteri Sophia dengan koleksi puisi (16 puisi), di mana dia memintanya untuk mengasaskan institusi pendidikan di Moscow untuk mengajar sains liberal: pedagogi, sejarah dan didaktik.
Penyair memberikan satu siri arahan kepada Peter yang berusia 11 tahun dalam buku "Nasihat" (1683). Benar, arahan ini datang dalam nama Tuhan:
Belajar sekarang, belajar dengan tekun,
Pada masa mudamu, raja yang bijaksana telah dicerahkan,
Bernyanyilah di hadapanku, Tuhanmu, dengan berani
Kemukakan keadilan dan kebenaran, kes sivil.
Buku "Polis" ditulis dalam ayat, menerangkan dua belas sains. K. Istomin sering mencipta akrostik (puisi di mana keseluruhan perkataan atau frasa dibentuk daripada huruf awal baris), dan juga menggunakan ayat untuk tujuan pedagogi: untuk mengajar Tsarevich Alexei Petrovich, dia menyusun "Primer Kecil" pada tahun 1694, dan dalam 1696 "Buku ABC Besar", di mana setiap huruf disertakan dengan puisi didaktik kecil.
Terima kasih kepada aktiviti S. Polotsky dan pelajar terdekatnya, ayat suku kata mula digunakan secara meluas dalam kesusasteraan. Genre puisi baru muncul - puisi lirik, yang penampilannya adalah bukti jelas tentang permulaan pembezaan personaliti. Prinsip versifikasi suku kata, yang dibangunkan pada separuh kedua abad ke-17, dikembangkan lagi dalam karya penyair suku kata sepertiga pertama abad ke-18: Pyotr Buslaev, Feofan Prokopovich.
Walau bagaimanapun, ayat suku kata tidak sepenuhnya menggantikan ayat pra-suku kata, yang bahkan lebih lama daripadanya dan menjadi berakar pada ayat raesh kemudian, manakala ayat suku kata digantikan oleh sistem silabik-tonik versifikasi Rusia, yang dibangunkan oleh V.K. Trediakovsky dan M.V. Lomonosov.
Proses pendemokrasian sastera mendapat sambutan daripada golongan pemerintah. Di kalangan kerajaan mahkamah, gaya upacara normatif tiruan dan unsur-unsur Baroque Ukraine sedang ditanam.
Masalah Baroque dalam kesusasteraan Rusia. Istilah "Barok" diperkenalkan oleh penyokong klasikisme pada abad ke-18. untuk menandakan seni yang kasar, tawar, "biadab" dan pada mulanya hanya dikaitkan dengan seni bina dan seni halus.
Istilah ini diperkenalkan ke dalam kritikan sastera pada tahun 1888 oleh G. Wölfflin dalam karyanya "Renaissance and Baroque." Dia membuat percubaan pertama untuk menentukan ciri-ciri Baroque, mengurangkannya kepada keindahan, kedalaman, keterbukaan bentuk, iaitu ciri-ciri formal semata-mata.
Penyelidik Perancis moden Jean Rousset, dalam karyanya "Literature of the Baroque Century in France" (1954), mengurangkan Baroque kepada ekspresi dua motif ciri: ketidakkekalan dan hiasan. Berhubung dengan kesusasteraan Rusia, istilah "baroque" diperkenalkan oleh L. V. Pumpyansky.
Sarjana Hungary A. Andyal memberikan tafsiran luas tentang Baroque dalam bukunya "Slavic Baroque." Pandangannya dikembangkan oleh A. A. Morozov, yang cenderung untuk mengaitkan semua kesusasteraan pada separuh kedua 17 dan separuh pertama abad XVIII kepada Baroque, melihat ke arah ini ekspresi identiti kebangsaan kesusasteraan Rusia.
Sudut pandangan A. A. Morozov menyebabkan bantahan tajam dari P. N. Berkov, D. S. Likhachev, dan penyelidik Czech S. Mathauzerova.
P. N. Berkov keluar dengan penafian tegas tentang kewujudan barok Rusia dan menimbulkan persoalan tentang keperluan untuk mempertimbangkan puisi dan drama virsch Rusia pada akhir abad ke-17. sebagai kemunculan gerakan klasikis baru.
S. Mathauzerova membuat kesimpulan tentang kewujudan dalam kesusasteraan Rusia pada akhir abad ke-17. dua arah Baroque: kebangsaan Rusia dan pinjaman Poland-Ukraine.
D. S. Likhachev percaya bahawa kita harus bercakap tentang kewujudan hanya Baroque Rusia, yang pada mulanya dipinjam dari kesusasteraan Poland-Ukraine, tetapi kemudian memperoleh ciri khususnya sendiri.
Pada awal 60-an, I. P. Eremin menganalisis secara terperinci ciri-ciri Baroque Rusia dalam puisi Simeon of Polotsk. Kesimpulan dan pemerhatian saintis ini penting untuk memahami masalah ini.
Walaupun terdapat perbezaan yang ketara dalam pandangan tentang Baroque dalam kesusasteraan Rusia, penyelidik telah menetapkan ciri formal yang paling ketara dalam gaya ini.
Ia dicirikan oleh ekspresi estetik kesedihan yang dibesar-besarkan, kemegahan yang disengajakan, upacara, emosi luaran, pengumpulan berlebihan dalam satu karya komponen gaya yang kelihatan tidak serasi dalam bentuk bergerak, alegori, plot hiasan dan bahasa.
Perlu dibezakan antara dua aspek yang berbeza dalam kandungan istilah barok: a) barok sebagai kaedah dan gaya artistik yang timbul dan berkembang dalam era sejarah tertentu; b) barok sebagai sejenis kreativiti artistik yang menjelma dalam tempoh sejarah yang berbeza.
Baroque sebagai gaya muncul di Rusia pada separuh kedua abad ke-17, dan melayani absolutisme pencerahan yang muncul. Dalam intipati sosialnya, gaya Baroque adalah fenomena bangsawan yang bertentangan dengan kesusasteraan demokratik.
Oleh kerana peralihan kepada Baroque dalam kesusasteraan Rusia bukan berasal dari Renaissance, seperti di Barat, tetapi secara langsung dari Zaman Pertengahan, gaya ini tidak mempunyai sentimen mistik-pesimis dan mempunyai watak pendidikan; pembentukannya diteruskan melalui sekularisasi budaya, iaitu, pembebasannya daripada bimbingan gereja.
Penulis Baroque Rusia, bagaimanapun, tidak sepenuhnya menolak pandangan agama, tetapi membentangkan dunia dengan cara yang rumit, menganggapnya misteri dan tidak dapat diketahui, walaupun mereka mewujudkan hubungan sebab-akibat fenomena luaran.
Beralih dari simbolisme agama zaman pertengahan lama, mereka melihat dengan teliti urusan duniawi, kehidupan manusia duniawi dan mengemukakan tuntutan untuk pendekatan "munasabah" terhadap realiti, walaupun pengiktirafan idea tentang nasib dan kehendak Tuhan. dalam kombinasi dengan didaktisisme.
Fiksyen, sistem alegori dan simbol, serta struktur karya yang kompleks, kadangkala canggih dibina di atas sistem pandangan ini.
Gaya Baroque dalam kesusasteraan Rusia pada akhir abad ke-17 dan awal abad ke-18 menyediakan jalan untuk kemunculan klasikisme Rusia. Ia menerima penjelmaan paling jelas dalam gaya puisi Virsch, mahkamah dan drama sekolah.
Pembentukan dan pembangunan puisi buku Rusia. Salah satu faktor penting dalam sejarah kesusasteraan Rusia abad ke-17. ialah kemunculan dan perkembangan puisi buku.
Persoalan tentang asal-usul dan sebab-sebab kejadiannya telah menduduki dan menduduki ramai penyelidik. Malah pada abad yang lalu, dua sudut pandangan yang bertentangan muncul. A. Sobolevsky percaya bahawa puisi suku kata - ayat (dari bahasa Latin berbanding - ayat) timbul di bawah pengaruh puisi Ukraine dan Poland.
L.N. Maikop berhujah bahawa "eksperimen pertama dalam ayat berirama muncul, boleh dikatakan, dengan sendirinya dan, dalam apa jua keadaan, bukan sebagai tiruan ayat suku kata Eropah Barat dengan rima."
Sumbangan penting kepada kajian peringkat awal perkembangan puisi Rusia dibuat oleh penyelidik Soviet A. V. Pozdneev, L. I. Timofeev dan A. M. Panchenko.
Kemunculan puisi buku bermula sejak sepertiga pertama abad ke-17. dan dikaitkan dengan pengukuhan peranan bandar dalam kehidupan budaya negara dan keinginan lapisan masyarakat Rusia yang maju untuk menguasai pencapaian budaya Eropah, serta, menurut A. M. Panchenko, melemahkan peranan cerita rakyat.
Ayat pertuturan Rusia berdasarkan, di satu pihak, pada ayat deklamasi buffoons, dan di pihak yang lain, ia menggunakan pengalaman puisi suku kata Ukraine-Poland.
Dalam tempoh perjuangan rakyat Rusia dengan campur tangan Poland, sehubungan dengan pengukuhan unsur emosi dan kewartawanan dalam sastera, percubaan pertama untuk memberikan contoh ucapan puitis muncul.
Dalam "Legenda" Abraham Palitsyn kita sering menemui organisasi ucapan naratif yang berirama. Buku Chronicle, yang dikaitkan dengan Katyrev-Rostovsky, berakhir dengan ayat-ayat berima.
Seperti yang dinyatakan oleh L.I. Timofeev, ayat dalam karya ini sepenuhnya berdasarkan cara ekspresi lisan dan tidak merujuk kepada sebarang unsur muzik.
Walau bagaimanapun, struktur pertuturan ayat tersebut memberikan sedikit peluang untuk menyampaikan keadaan dalaman seseorang, pengalaman individunya.
Pantun itu belum disusun secara berirama: bilangan suku kata dalam satu baris berubah-ubah secara bebas, tiada perhatian diberikan kepada selang-selang tekanan, sajak digunakan terutamanya secara lisan, maskulin, feminin, dactylic dan hyperdactylic.
Ayat-ayat pra-suku kata ini mula mendapat sambutan yang semakin meningkat.
Walau bagaimanapun, bersama-sama dengan ayat pra-suku kata, sudah dalam sepertiga pertama abad ke-17. ayat suku kata muncul. Mereka ditubuhkan terutamanya dalam genre mesej. Jadi, pada tahun 1622, Putera S.I. Shakhovskoy "Mesej kepada rakan tertentu sangat berguna tentang kitab suci ilahi" berakhir dengan 36 baris yang tidak sama suku kata berima.
Paderi Ivan Nasedka mengakhiri risalah polemiknya "Exposition on the Luthors" dengan ayat-ayat suku kata. "Banyak celaan," tulis Putera I. A. Khvorostinin dalam ayat. Pada akhir hayatnya, dia mencipta risalah puitis polemik yang ditujukan terhadap bidaah - "Kata pengantar ditetapkan dalam perjanjian dua baris, tepinya dieja" dalam 1000 baris puisi.
Pada separuh pertama abad ke-17. koleksi mesej yang ditulis dalam ayat suku kata muncul. Salah satu koleksi ini termasuk puisi oleh "pegawai rujukan" Rumah Percetakan dengan topik yang agak pelbagai. Lagu-lagu buku suku kata dicipta pada awal 50-an abad ke-17. penyair sekolah Nikon.
Di kalangan penyair ini, Herman menonjol, menunjukkan kehebatan tertentu dalam mengembangkan puisi akrostik yang boleh dibaca dari kanan ke kiri dan sebaliknya, dari bawah ke atas dan atas ke bawah. Ayat-ayat suku kata mula digunakan dalam perihalan jata, dalam "Buku Judul Tsar" tahun 1672, dalam inskripsi pada ikon, dan cetakan popular.
Karya Simeon dari Polotsk dan pelajarnya Sylvester Medvedev dan Karion Istomin memainkan peranan utama dalam pembangunan puisi suku kata.
Simeon dari Polotsk (1629-1680). Belarusia mengikut kewarganegaraan, Simeon dari Polotsk menerima pendidikan yang luas di Akademi Kiev-Mohyla. Setelah menerima monastikisme pada tahun 1656, dia menjadi guru "sekolah persaudaraan" di Polotsk asalnya.
Pada tahun 1661 bandar itu diduduki buat sementara waktu tentera Poland. Polotsk berpindah ke Moscow pada tahun 1664. Di sini dia mengajar kerani urusan rahsia memerintahkan bahasa Latin, yang mana sebuah sekolah khas dicipta di Biara Spassky.
Pada tahun 1667, Tsar Alexei Mikhailovich mempercayakan Simeon dari Polotsk untuk membesarkan anak-anaknya - pertama Alexei, dan kemudian Fedor.
Polotsk mengambil bahagian aktif dalam perjuangan menentang Penganut Lama. Pada majlis gereja tahun 1666, dia bercakap dengan risalah teologi "The Rod of Government," di mana dia berpolemik terhadap "petisyen" paderi Nikita dan paderi Lazarus. Atas permintaan peribadi raja, dia mengembara tiga kali untuk menasihati Habakuk.
Simeon dari Polotsk menumpukan aktivitinya untuk perjuangan untuk penyebaran pendidikan. Dia secara aktif mengambil bahagian dalam perdebatan antara penyokong pendidikan Yunani dan Latin, memihak kepada yang terakhir, kerana pembela sistem pendidikan Yunani berusaha untuk menundukkan perkembangan pencerahan kepada kawalan gereja.
Polotsk percaya bahawa peranan utama dalam pembangunan pendidikan adalah milik sekolah, dan, beralih kepada tsar, dia mendesaknya untuk membina sekolah dan "memperoleh" guru. Dia sedang membangunkan projek untuk mewujudkan institusi pendidikan tinggi pertama di Rusia - sebuah akademi.
Tidak lama sebelum kematiannya, dia menulis draf piagam untuk akademi masa depan. Di dalamnya, Simeon dari Polotsk membayangkan kajian sains yang sangat luas - kedua-dua sivil dan rohani.
Polotsky sangat mementingkan perkembangan akhbar: "Tidak ada yang mengembangkan kemasyhuran seperti akhbar," tulisnya. Atas inisiatif dan petisyen peribadinya kepada Tsar Fyodor Alekseevich, rumah percetakan "Atas" dibuka di Kremlin pada tahun 1678.
Salah satu aktiviti kegemaran Simeon Polotsk ialah "membuat sajak," iaitu, aktiviti sastera puitis, yang menarik perhatian ramai ahli sejarah sastera.
Permulaan aktiviti sastera Simeon dari Polotsk bermula sejak dia tinggal di Akademi Kiev-Mohyla.
Di Polotsk, dia menulis puisi dalam bahasa Poland, Belarusia, Ukraine, mendedahkan bakat puisi yang luar biasa: dia mencipta elegi, puisi satira, diarahkan terhadap raja Sweden Gustav Adolf, epigrams (dalam makna kuno mereka).
Tiba di Moscow, Polotsky menulis puisi hanya dalam bahasa Rusia. Di sini kreativiti puitisnya mencapai kemuncak tertinggi.
Seperti yang dicatat oleh pelajarnya Sylvester Medvedev, Polotsky "mempunyai deposit setengah dozen setengah buku nota untuk ditulis setiap hari, tetapi tulisannya benar-benar kecil dan padat."
Ayat suku kata Polotsky terbentuk di bawah pengaruh langsung ayat Ukraine dan Poland.
Walau bagaimanapun, kemungkinan menggunakan ayat suku kata sebelas dan tiga belas suku kata dengan sajak wanita berpasangan wajib dalam versifikasi Rusia telah disediakan oleh perkembangan sejarah panjang cara ekspresif yang wujud secara organik dalam bahasa buku Rusia.
Ayat suku kata Simeon dari Polotsk berkait rapat dengan "bahasa Slovenia" yang halus itu, yang sengaja dia bezakan dengan bahasa lisan itu.
Polotsky melampirkan kepentingan pendidikan dan pendidikan yang besar kepada karya puitisnya. Polotsky melihat panggilan tinggi seorang penyair dalam keupayaan untuk menarik "khabar angin dan hati" orang.
Senjata puisi yang ampuh, dia percaya, harus digunakan untuk menyebarkan pendidikan, budaya sekular, dan konsep moral yang betul. Di samping itu, ayat-ayat harus menjadi model bagi semua orang yang menulis dalam "bahasa buku Slovenia."
Simeon dari Polotsk bertindak sebagai penyair istana pertama, pencipta puisi khidmat panegyric, yang merupakan prototaip pujian pujian.
Di tengah-tengah ayat-ayat panegirik adalah imej seorang autokrat tercerahkan yang ideal. Dia adalah personifikasi dan simbol negara Rusia, perwujudan hidup kuasa dan kemuliaan politiknya.
Dia mesti menumpukan hidupnya untuk kebaikan negara, kebaikan rakyatnya, menjaga "keperluan sivik" mereka dan pendidikan mereka, dia tegas dan penyayang dan pada masa yang sama pelaksana undang-undang yang sedia ada.
Kuskov V.V. cerita kesusasteraan Rusia kuno. - M., 1998