ธีมนิรันดร์ในงานศิลปะคืออะไร? สรุปบทเรียนดนตรี "ธีมนิรันดร์ของศิลปะและชีวิต"

จำนวนสไตล์และเทรนด์มีมากมายมหาศาลไม่สิ้นสุด ลักษณะสำคัญที่สามารถจัดกลุ่มผลงานออกเป็นสไตล์ต่างๆ ได้คือหลักการทั่วไปของการคิดทางศิลปะ การแทนที่วิธีคิดทางศิลปะแบบหนึ่งด้วยวิธีอื่น (การสลับประเภทขององค์ประกอบวิธีการก่อสร้างเชิงพื้นที่คุณสมบัติสี) ไม่ใช่เรื่องบังเอิญ การรับรู้ศิลปะของเราก็เปลี่ยนไปในอดีตเช่นกัน
ด้วยการสร้างระบบสไตล์ตามลำดับชั้น เราจะยึดมั่นในประเพณี Eurocentric แนวคิดที่สำคัญที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะคือแนวคิดเรื่องยุคสมัย แต่ละยุคสมัยมีลักษณะเป็น "ภาพของโลก" ซึ่งประกอบด้วยแนวคิดทางปรัชญา ศาสนา การเมือง แนวคิดทางวิทยาศาสตร์ ลักษณะทางจิตวิทยาของโลกทัศน์ มาตรฐานทางจริยธรรมและศีลธรรม เกณฑ์สุนทรียะของชีวิต ซึ่งยุคหนึ่งแตกต่างจากอีกยุคหนึ่ง . ได้แก่ ยุคดึกดำบรรพ์ ยุคโลกโบราณ ยุคโบราณ ยุคกลาง ยุคเรอเนซองส์ และยุคสมัยใหม่
สไตล์ในงานศิลปะไม่มีขอบเขตที่ชัดเจน พวกมันเปลี่ยนผ่านกันได้อย่างราบรื่น และอยู่ในการพัฒนา การผสม และการต่อต้านอย่างต่อเนื่อง ภายในกรอบของรูปแบบศิลปะประวัติศาสตร์รูปแบบหนึ่ง รูปแบบใหม่จะถือกำเนิดขึ้นเสมอ และในทางกลับกัน ก็จะผ่านไปยังรูปแบบถัดไป หลายสไตล์อยู่ร่วมกันในเวลาเดียวกัน ดังนั้นจึงไม่มี "สไตล์ที่บริสุทธิ์" เลย
หลายรูปแบบสามารถอยู่ร่วมกันได้ในยุคประวัติศาสตร์เดียวกัน ตัวอย่างเช่น ลัทธิคลาสสิก วิชาการและบาโรกในศตวรรษที่ 17 โรโกโกและนีโอคลาสซิซิสซึมในศตวรรษที่ 18 ลัทธิจินตนิยมและวิชาการในศตวรรษที่ 19 สไตล์ต่างๆ เช่น คลาสสิคและบาโรกเรียกว่าสไตล์ที่ยอดเยี่ยมเนื่องจากใช้ได้กับงานศิลปะทุกประเภท: สถาปัตยกรรม จิตรกรรม ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ วรรณกรรม ดนตรี
จำเป็นต้องแยกแยะระหว่าง: สไตล์ศิลปะ ทิศทาง แนวโน้ม โรงเรียน และลักษณะเฉพาะของสไตล์แต่ละบุคคลของปรมาจารย์แต่ละคน ภายในรูปแบบเดียวสามารถมีการเคลื่อนไหวทางศิลปะได้หลายแบบ ทิศทางทางศิลปะประกอบด้วยทั้งลักษณะทั่วไปของยุคที่กำหนดและวิธีการคิดทางศิลปะที่เป็นเอกลักษณ์ ตัวอย่างเช่น สไตล์อาร์ตนูโว มีแนวโน้มหลายประการจากช่วงเปลี่ยนศตวรรษ: ภาพหลังอิมเพรสชันนิสม์ สัญลักษณ์นิยม ลัทธิโฟวิสม์ ฯลฯ ในทางกลับกัน แนวคิดเรื่องสัญลักษณ์ในฐานะการเคลื่อนไหวทางศิลปะได้รับการพัฒนาอย่างดีในวรรณคดี ในขณะที่การวาดภาพมีความคลุมเครือมากและรวมศิลปินที่มีสไตล์แตกต่างกันมากจนมักตีความว่าเป็นโลกทัศน์ที่รวมพวกเขาเข้าด้วยกันเท่านั้น

ด้านล่างนี้จะเป็นคำจำกัดความของยุคสมัย รูปแบบ และแนวโน้มที่สะท้อนให้เห็นในศิลปะวิจิตรศิลป์และมัณฑนศิลป์สมัยใหม่ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง

	- รูปแบบศิลปะที่พัฒนาขึ้นในประเทศแถบตะวันตกและยุโรปกลางในศตวรรษที่ 12-15 มันเป็นผลมาจากวิวัฒนาการของศิลปะยุคกลางที่มีมายาวนานหลายศตวรรษ บนเวทีที่สูงที่สุด และในขณะเดียวกันก็ถือเป็นรูปแบบศิลปะระดับนานาชาติทั่วยุโรปครั้งแรกในประวัติศาสตร์ เขาครอบคลุมงานศิลปะทุกประเภท - สถาปัตยกรรม ประติมากรรม จิตรกรรม กระจกสี การออกแบบหนังสือ ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ พื้นฐานของสไตล์กอทิกคือสถาปัตยกรรม ซึ่งโดดเด่นด้วยส่วนโค้งแหลมที่ชี้ขึ้นไปด้านบน หน้าต่างกระจกสีหลากสี และการลดทอนรูปแบบการมองเห็น องค์ประกอบของศิลปะกอทิกมักพบได้ในการออกแบบตกแต่งภายในสมัยใหม่ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาพวาดฝาผนัง และพบไม่บ่อยในภาพวาดขาตั้ง นับตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ผ่านมา มีวัฒนธรรมย่อยแบบโกธิกปรากฏให้เห็นอย่างชัดเจนในดนตรี บทกวี และการออกแบบเสื้อผ้า
	(เรเนซองส์) - (เรเนซองส์ของฝรั่งเศส, รินาสซิเมนโตของอิตาลี) ยุคของการพัฒนาทางวัฒนธรรมและอุดมการณ์ของหลายประเทศในยุโรปตะวันตกและยุโรปกลาง รวมถึงบางประเทศในยุโรปตะวันออก คุณสมบัติหลักที่โดดเด่นของวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา: ลักษณะทางโลก, โลกทัศน์แบบเห็นอกเห็นใจ, ดึงดูดมรดกทางวัฒนธรรมโบราณ, "การฟื้นฟู" ของมัน (จึงเป็นที่มาของชื่อ) วัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยามีลักษณะเฉพาะของยุคเปลี่ยนผ่านตั้งแต่ยุคกลางจนถึงยุคปัจจุบัน ซึ่งทั้งเก่าและใหม่ผสมผสานกันก่อให้เกิดโลหะผสมใหม่ที่มีเอกลักษณ์และมีคุณภาพ คำถามที่ยากคือขอบเขตตามลำดับเวลาของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา (ในอิตาลี - ศตวรรษที่ 14-16 ในประเทศอื่น ๆ - ศตวรรษที่ 15-16) การกระจายอาณาเขตและลักษณะประจำชาติ องค์ประกอบของสไตล์นี้ในศิลปะสมัยใหม่มักใช้ในภาพวาดฝาผนัง แต่มักใช้ในการวาดภาพขาตั้งน้อยกว่า
	- (จากภาษาอิตาลี - เทคนิค, ลักษณะ) การเคลื่อนไหวในศิลปะยุโรปของศตวรรษที่ 16 ตัวแทนของกิริยานิยมย้ายออกไปจากการรับรู้โลกที่กลมกลืนกันในยุคเรอเนซองส์ซึ่งเป็นแนวคิดเห็นอกเห็นใจของมนุษย์ในฐานะการสร้างสรรค์ธรรมชาติที่สมบูรณ์แบบ การรับรู้ชีวิตอย่างกระตือรือร้นผสมผสานกับความปรารถนาเชิงโปรแกรมที่จะไม่ปฏิบัติตามธรรมชาติ แต่เพื่อแสดง "ความคิดภายใน" ที่เป็นอัตนัยของภาพศิลปะที่เกิดในจิตวิญญาณของศิลปิน มันแสดงออกมาอย่างชัดเจนที่สุดในอิตาลี สำหรับกิริยาท่าทางของชาวอิตาลีในช่วงทศวรรษที่ 1520 (Pontormo, Parmigianino, Giulio Romano) โดดเด่นด้วยความคมชัดของภาพ, โลกทัศน์ที่น่าเศร้า, ความซับซ้อนและการแสดงออกที่เกินจริงของท่าทางและแรงจูงใจของการเคลื่อนไหว, สัดส่วนที่ยาวขึ้นของตัวเลข, สีสันและแสงและเงาที่ไม่สอดคล้องกัน เมื่อเร็ว ๆ นี้ นักประวัติศาสตร์ศิลป์เริ่มใช้คำนี้เพื่ออ้างถึงปรากฏการณ์ในศิลปะสมัยใหม่ที่เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงรูปแบบทางประวัติศาสตร์
	- รูปแบบศิลปะประวัติศาสตร์ที่เริ่มแพร่หลายในอิตาลีตอนกลาง ศตวรรษที่ XVI-XVII และจากนั้นในฝรั่งเศส สเปน แฟลนเดอร์ส และเยอรมนีในศตวรรษที่ XVII-XVIII โดยทั่วไปแล้ว คำนี้ใช้เพื่อกำหนดแนวโน้มที่เกิดขึ้นใหม่ของทัศนคติที่กระสับกระส่าย โรแมนติก การคิดในรูปแบบที่แสดงออกและมีชีวิตชีวา ในที่สุด ในทุก ๆ ครั้ง ในรูปแบบศิลปะประวัติศาสตร์เกือบทุกรูปแบบ เราจะได้พบกับ "ยุคบาโรก" ของตัวเองในฐานะเวทีแห่งการเพิ่มขึ้นอย่างสร้างสรรค์สูงสุด ความตึงเครียดของอารมณ์ และการระเบิดของรูปแบบ
	- รูปแบบศิลปะในศิลปะยุโรปตะวันตก คริสต์ศตวรรษที่ 17 - ต้นปี ศตวรรษที่ XIX และในรัสเซีย XVIII - ต้น XIX ซึ่งหันไปหามรดกโบราณอย่างเหมาะแก่การติดตาม ปรากฏในสถาปัตยกรรม ประติมากรรม จิตรกรรม มัณฑนศิลป์และศิลปะประยุกต์ ศิลปินคลาสสิกถือว่าโบราณวัตถุเป็นความสำเร็จสูงสุดและทำให้เป็นมาตรฐานทางศิลปะที่พวกเขาพยายามเลียนแบบ เมื่อเวลาผ่านไป มันก็เสื่อมถอยลงเป็นวิชาการ
	- ทิศทางในศิลปะยุโรปและรัสเซียในช่วงทศวรรษที่ 1820-1830 ซึ่งเข้ามาแทนที่ลัทธิคลาสสิก The Romantics เน้นความเป็นปัจเจกบุคคล โดยตัดกันความงามในอุดมคติของศิลปินคลาสสิกกับความเป็นจริงที่ "ไม่สมบูรณ์" ศิลปินต่างหลงใหลในปรากฏการณ์ที่สดใส หายาก และพิเศษ รวมถึงภาพของธรรมชาติอันน่าอัศจรรย์ ในศิลปะแห่งแนวโรแมนติก การรับรู้และประสบการณ์ของแต่ละบุคคลอย่างเฉียบแหลมมีบทบาทสำคัญ ลัทธิจินตนิยมปลดปล่อยศิลปะจากความเชื่อแบบนามธรรมคลาสสิกและหันไปสู่ประวัติศาสตร์ของชาติและภาพลักษณ์ของนิทานพื้นบ้าน
	- (จากความรู้สึกภาษาละติน - ความรู้สึก) - ทิศทางในศิลปะตะวันตกในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 แสดงความผิดหวังใน "อารยธรรม" บนพื้นฐานอุดมคติของ "เหตุผล" (อุดมการณ์การตรัสรู้) ส. กล่าวถึงความรู้สึก การสะท้อนอย่างโดดเดี่ยว และความเรียบง่ายของชีวิตในชนบทของ “ชายน้อย” J.J. Rousseau ถือเป็นนักอุดมการณ์ของ S.
	- ทิศทางในงานศิลปะที่มุ่งมั่นที่จะพรรณนาด้วยความจริงและความน่าเชื่อถือที่ยิ่งใหญ่ที่สุดทั้งรูปแบบภายนอกและแก่นแท้ของปรากฏการณ์และสิ่งต่าง ๆ วิธีการสร้างสรรค์ผสมผสานคุณสมบัติเฉพาะบุคคลและคุณสมบัติทั่วไปเข้าด้วยกันเมื่อสร้างภาพ ทิศทางที่ยาวที่สุดในการดำรงอยู่พัฒนาตั้งแต่ยุคดึกดำบรรพ์จนถึงปัจจุบัน
	- ทิศทางในวัฒนธรรมศิลปะยุโรปในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 เกิดขึ้นจากการตอบสนองต่อการครอบงำของบรรทัดฐานของ "สามัญสำนึก" ของชนชั้นกลางในขอบเขตด้านมนุษยธรรม (ในปรัชญา, สุนทรียศาสตร์ - ทัศนคติเชิงบวก, ในศิลปะ - ลัทธิธรรมชาตินิยม) สัญลักษณ์ส่วนใหญ่ก่อตัวขึ้นในวรรณคดีฝรั่งเศสในช่วงปลายทศวรรษ 1860-70 และต่อมา แพร่หลายในประเทศเบลเยียม และเยอรมนี ออสเตรีย นอร์เวย์ และรัสเซีย หลักการทางสุนทรียะของสัญลักษณ์นิยมส่วนใหญ่กลับไปสู่แนวคิดเรื่องแนวโรแมนติก เช่นเดียวกับหลักคำสอนบางประการของปรัชญาอุดมคติของ A. Schopenhauer, E. Hartmann ส่วนหนึ่ง F. Nietzsche ไปสู่ความคิดสร้างสรรค์และการสร้างทฤษฎีของนักแต่งเพลงชาวเยอรมัน R. Wagner . สัญลักษณ์นิยมเปรียบเทียบความเป็นจริงที่มีชีวิตกับโลกแห่งนิมิตและความฝัน สัญลักษณ์ที่สร้างขึ้นจากความเข้าใจเชิงกวีและการแสดงความหมายทางโลกของปรากฏการณ์ที่ซ่อนอยู่จากจิตสำนึกในชีวิตประจำวันถือเป็นเครื่องมือสากลในการทำความเข้าใจความลับของการดำรงอยู่และจิตสำนึกส่วนบุคคล ศิลปินที่มีความคิดสร้างสรรค์ถูกมองว่าเป็นสื่อกลางระหว่างความเป็นจริงและความรู้สึกเหนือธรรมชาติ ทุกที่ค้นพบ "สัญญาณ" ของความสามัคคีของโลก คาดเดาสัญญาณของอนาคตเชิงทำนายทั้งในปรากฏการณ์สมัยใหม่และในเหตุการณ์ในอดีต
	- (จากความประทับใจแบบฝรั่งเศส - ความประทับใจ) ทิศทางในงานศิลปะในช่วงสามช่วงสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 ซึ่งเกิดขึ้นในฝรั่งเศส ชื่อนี้ได้รับการแนะนำโดยนักวิจารณ์ศิลปะ L. Leroy ผู้ซึ่งดูหมิ่นนิทรรศการของศิลปินในปี พ.ศ. 2417 ซึ่งมีการนำเสนอภาพวาด "พระอาทิตย์ขึ้น" โดย C. Monet ความประทับใจ". อิมเพรสชันนิสม์ยืนยันความงามของโลกแห่งความจริง เน้นความสดใหม่ของความประทับใจแรก และความแปรปรวนของสภาพแวดล้อม ความสนใจที่โดดเด่นในการแก้ปัญหาเกี่ยวกับภาพล้วนๆ ทำให้แนวคิดดั้งเดิมในการวาดภาพเป็นองค์ประกอบหลักของงานศิลปะลดลง อิมเพรสชันนิสม์มีผลกระทบอย่างมากต่อศิลปะของประเทศในยุโรปและสหรัฐอเมริกา และกระตุ้นความสนใจในวิชาต่างๆ จากชีวิตจริง (อี. มาเน็ต, อี. เดกาส์, โอ. เรอนัวร์, ซี. โมเนต์, เอ. ซิสลีย์ ฯลฯ )
	- การเคลื่อนไหวในการวาดภาพ (ตรงกันกับการแบ่งแยก) ซึ่งพัฒนาภายใต้กรอบของนีโออิมเพรสชั่นนิสม์ นีโออิมเพรสชั่นนิสม์มีต้นกำเนิดในฝรั่งเศสเมื่อปี พ.ศ. 2428 และยังแพร่กระจายไปยังเบลเยียมและอิตาลีด้วย นีโออิมเพรสชั่นนิสต์พยายามประยุกต์ใช้ความสำเร็จล่าสุดในสาขาทัศนศาสตร์ในงานศิลปะ โดยที่การวาดภาพด้วยจุดสีหลักที่แยกจากกันในการรับรู้ทางสายตาทำให้เกิดการผสมผสานของสีและขอบเขตของการวาดภาพทั้งหมด (เจ. ซูรัต, พี. ซินญัก, ซี. ปิสซาร์โร)
	โพสต์อิมเพรสชั่นนิสม์- ชื่อรวมแบบมีเงื่อนไขสำหรับทิศทางหลักของการวาดภาพฝรั่งเศสในช่วง XIX - ไตรมาสที่ 1 ศตวรรษที่ XX ศิลปะแห่งโพสต์อิมเพรสชันนิสม์เกิดขึ้นจากปฏิกิริยาต่ออิมเพรสชันนิสม์ ซึ่งมุ่งเน้นไปที่การถ่ายทอดช่วงเวลา ความรู้สึกที่งดงาม และหมดความสนใจในรูปทรงของวัตถุ ในบรรดานักโพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ ได้แก่ P. Cezanne, P. Gauguin, V. Gogh และคนอื่น ๆ
	- สไตล์ในศิลปะยุโรปและอเมริกาในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 ลัทธิสมัยใหม่ตีความใหม่และทำให้ลักษณะเฉพาะของศิลปะจากยุคต่างๆ มีสไตล์ขึ้นใหม่ และพัฒนาเทคนิคทางศิลปะของตัวเองโดยยึดหลักความไม่สมมาตร การตกแต่ง และการตกแต่ง รูปแบบธรรมชาติยังกลายเป็นเป้าหมายของความทันสมัยอย่างมีสไตล์ สิ่งนี้อธิบายไม่เพียงแต่ความสนใจในเครื่องประดับดอกไม้ในงานอาร์ตนูโวเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโครงสร้างที่เป็นองค์ประกอบและพลาสติกด้วย - โครงร่างโค้งมากมาย ลอยตัว รูปทรง x ที่ไม่สม่ำเสมอซึ่งคล้ายกับรูปทรงของพืช การเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับความทันสมัยคือสัญลักษณ์ ซึ่งทำหน้าที่เป็นพื้นฐานด้านสุนทรียะและปรัชญาสำหรับความทันสมัย ​​โดยอาศัยความทันสมัยในฐานะการตระหนักถึงแนวคิดพลาสติก Art Nouveau มีชื่อที่แตกต่างกันในประเทศต่างๆ ซึ่งมีความหมายเหมือนกัน: Art Nouveau - ในฝรั่งเศส, Secession - ในออสเตรีย, Art Nouveau - ในเยอรมนี, Liberty - ในอิตาลี
	- (จากภาษาฝรั่งเศสสมัยใหม่ - สมัยใหม่) ชื่อทั่วไปของขบวนการทางศิลปะจำนวนหนึ่งในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 ซึ่งโดดเด่นด้วยการปฏิเสธรูปแบบดั้งเดิมและสุนทรียภาพในอดีต ลัทธิสมัยใหม่มีความใกล้เคียงกับลัทธิเปรี้ยวจี๊ดและตรงกันข้ามกับลัทธิวิชาการ
	- ชื่อที่รวบรวมการเคลื่อนไหวทางศิลปะที่หลากหลายซึ่งพบเห็นได้ทั่วไปในช่วงปี 1905-1930 (ลัทธิโฟวิสม์, ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม, ลัทธิอนาคตนิยม, ลัทธิแสดงออก, ลัทธิดาดานิยม, ลัทธิเหนือจริง) ทิศทางทั้งหมดเหล่านี้รวมกันเป็นหนึ่งด้วยความปรารถนาที่จะต่ออายุภาษาของศิลปะ คิดใหม่เกี่ยวกับงานของมัน และได้รับอิสรภาพในการแสดงออกทางศิลปะ
	- ทิศทางในงานศิลปะจาก XIX - AD ศตวรรษที่ XX อิงจากบทเรียนเชิงสร้างสรรค์ของศิลปินชาวฝรั่งเศส Paul Cezanne ผู้ซึ่งลดรูปแบบทุกรูปแบบในภาพให้เป็นรูปทรงเรขาคณิตที่ง่ายที่สุด และใช้สีเป็นโครงสร้างที่ตัดกันของโทนสีอบอุ่นและเย็น Cezanne ทำหน้าที่เป็นหนึ่งในจุดเริ่มต้นของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม ในส่วนใหญ่ Cézanneism ยังมีอิทธิพลต่อโรงเรียนการวาดภาพที่เหมือนจริงในประเทศอีกด้วย
	- (จาก Fauve - Wild) การเคลื่อนไหวแนวหน้าในศิลปะฝรั่งเศส AD ศตวรรษที่ XX นักวิจารณ์สมัยใหม่ตั้งชื่อ "wild" ให้กับกลุ่มศิลปินที่แสดงในปี 1905 ที่ Paris Salon of Independents และถือเป็นเรื่องที่น่าขัน กลุ่มนี้ประกอบด้วย A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, M. de Vlaminck, A. Derain, R. Dufy, J. Braque, C. van Dongen และคนอื่น ๆ Fauvists ถูกนำมารวมกันโดยดึงดูดการแสดงออกที่พูดน้อย ของรูปแบบและการแก้ปัญหาด้วยสีสันที่เข้มข้น การค้นหาแรงกระตุ้นในความคิดสร้างสรรค์ดั้งเดิม ศิลปะของยุคกลางและตะวันออก
	- การทำให้วิธีการมองเห็นง่ายขึ้นโดยเจตนาการเลียนแบบขั้นตอนการพัฒนาศิลปะดั้งเดิม คำนี้หมายถึงสิ่งที่เรียกว่า ศิลปะไร้เดียงสาของศิลปินที่ไม่ได้รับการศึกษาพิเศษ แต่มีส่วนร่วมในกระบวนการศิลปะทั่วไปในช่วงปลาย XIX - ต้น ศตวรรษที่ XX ผลงานของศิลปินเหล่านี้ - N. Pirosmani, A. Russo, V. Selivanov และคนอื่น ๆ - มีลักษณะความเป็นเด็กที่แปลกประหลาดในการตีความธรรมชาติซึ่งเป็นการผสมผสานระหว่างรูปแบบทั่วไปและรายละเอียดตามตัวอักษรเล็กน้อย ลัทธิดั้งเดิมของรูปแบบไม่ได้กำหนดความดั้งเดิมของเนื้อหาไว้ล่วงหน้าเลย มักทำหน้าที่เป็นแหล่งข้อมูลสำหรับมืออาชีพที่ยืมรูปแบบ รูปภาพ และวิธีการจากศิลปะพื้นบ้านหรือศิลปะดึกดำบรรพ์ N. Goncharova, M. Larionov, P. Picasso, A. Matisse ได้รับแรงบันดาลใจจากลัทธิดั้งเดิม
	- ทิศทางในงานศิลปะที่พัฒนาบนพื้นฐานของการปฏิบัติตามหลักการของสมัยโบราณและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา เป็นเรื่องปกติในโรงเรียนศิลปะหลายแห่งในยุโรปตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 ถึงศตวรรษที่ 19 นักวิชาการได้เปลี่ยนประเพณีคลาสสิกให้กลายเป็นระบบกฎและข้อบังคับ "นิรันดร์" ที่กักขังการค้นหาเชิงสร้างสรรค์ และพยายามเปรียบเทียบธรรมชาติการดำรงชีวิตที่ไม่สมบูรณ์กับรูปแบบความงาม "สูง" ที่ได้รับการปรับปรุง ไม่เป็นระดับชาติ และเหนือกาลเวลาที่นำมาสู่ความสมบูรณ์แบบ วิชาการมีลักษณะเฉพาะคือชอบวิชาจากเทพนิยายโบราณ ธีมจากพระคัมภีร์หรือประวัติศาสตร์ มากกว่าวิชาจากชีวิตร่วมสมัยของศิลปิน
	- (คิวบิสม์ฝรั่งเศส จากคิวบ์ - คิวบ์) ทิศทางในงานศิลปะของไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 ภาษาพลาสติกของคิวบิสม์มีพื้นฐานมาจากการเปลี่ยนรูปและการสลายตัวของวัตถุให้กลายเป็นระนาบเรขาคณิต ซึ่งเป็นการเปลี่ยนรูปร่างแบบพลาสติก การกำเนิดของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2450-2451 ซึ่งเป็นช่วงก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ผู้นำที่ไม่มีปัญหาของเทรนด์นี้คือกวีและนักประชาสัมพันธ์ G. Apollinaire การเคลื่อนไหวนี้เป็นหนึ่งในการเคลื่อนไหวกลุ่มแรก ๆ ที่รวบรวมกระแสชั้นนำในการพัฒนาศิลปะแห่งศตวรรษที่ยี่สิบต่อไป หนึ่งในแนวโน้มเหล่านี้คือการครอบงำแนวคิดเหนือคุณค่าทางศิลปะของภาพวาด J. Braque และ P. Picasso ถือเป็นบิดาแห่งลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris และคนอื่นๆ เข้าร่วมขบวนการที่กำลังเกิดขึ้น
	- ความเคลื่อนไหวทางวรรณคดี จิตรกรรม และภาพยนตร์ที่เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2467 ในประเทศฝรั่งเศส มันมีส่วนสำคัญต่อการก่อตัวของจิตสำนึกของมนุษย์ยุคใหม่ บุคคลสำคัญของการเคลื่อนไหว ได้แก่ Andre Breton, Louis Aragon, Salvador Dali, Luis Buñuel, Joan Miro และศิลปินอื่นๆ อีกมากมายจากทั่วทุกมุมโลก สถิตยศาสตร์แสดงแนวคิดของการดำรงอยู่นอกเหนือจากความเป็นจริง ความไร้สาระ จิตไร้สำนึก ความฝัน และฝันกลางวันมีบทบาทสำคัญอย่างยิ่งที่นี่ หนึ่งในวิธีการที่เป็นลักษณะเฉพาะของศิลปินเซอร์เรียลลิสต์คือการถอนตัวจากความคิดสร้างสรรค์ที่มีสติซึ่งทำให้เป็นเครื่องมือที่ดึงภาพจิตใต้สำนึกที่แปลกประหลาดออกมาด้วยวิธีต่างๆ คล้ายกับภาพหลอน สถิตยศาสตร์รอดพ้นจากวิกฤตการณ์หลายครั้ง รอดพ้นจากสงครามโลกครั้งที่สอง และค่อยๆ ผสานเข้ากับวัฒนธรรมมวลชน ตัดกับลัทธิทรานส์-เปรี้ยวจี๊ด และเข้าสู่ลัทธิหลังสมัยใหม่ในฐานะส่วนสำคัญ
	- (จาก Lat. futurum - อนาคต) การเคลื่อนไหวทางวรรณกรรมและศิลปะในศิลปะแห่งทศวรรษ 1910 การมอบหมายบทบาทของต้นแบบของศิลปะแห่งอนาคตลัทธิอนาคตนิยมเป็นโปรแกรมหลักได้หยิบยกแนวคิดในการทำลายแบบแผนทางวัฒนธรรมและเสนอคำขอโทษต่อเทคโนโลยีและการขยายตัวของเมืองแทนเป็นสัญญาณหลักของปัจจุบันและอนาคต . แนวคิดทางศิลปะที่สำคัญของลัทธิแห่งอนาคตคือการค้นหาการแสดงออกทางพลาสติกของความเร็วของการเคลื่อนไหวซึ่งเป็นสัญญาณหลักของก้าวของชีวิตสมัยใหม่ ลัทธิแห่งอนาคตนิยมเวอร์ชันรัสเซียเรียกว่าไซโบฟิวเจอร์ริซึมและมีพื้นฐานมาจากการผสมผสานระหว่างหลักการพลาสติกของลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมแบบฝรั่งเศสและหลักสุนทรียภาพทั่วไปของลัทธิอนาคตนิยมแบบยุโรป

ขบวนการทางศิลปะเป็นระบบของเทคนิคทางศิลปะ วิธีการแสดงออก ซึ่งออกแบบมาเพื่อแสดงความคิดบางอย่าง โลกทัศน์ ซึ่งครอบงำในบางชุมชนในช่วงเวลาหนึ่งๆ สไตล์ได้รับการพัฒนาในช่วงสหัสวรรษที่ผ่านมา โดยเข้ามาแทนที่กันอย่างต่อเนื่อง บางครั้งรูปแบบใหม่เกิดขึ้นจากความต่อเนื่องและการพัฒนาของรูปแบบก่อนหน้าบางครั้งก็เป็นผลมาจากการต่อสู้กับแนวคิดของรุ่นก่อน

ในบางกรณี เป็นการยากมากที่จะแยกแยะสไตล์ที่จัดว่าเป็นทิศทาง ดังนั้นสัญลักษณ์และลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมจึงสามารถจำแนกได้เป็นสไตล์ที่มีรูปแบบอิสระหรืออาจถือเป็นทิศทางของสมัยใหม่ที่ครอบคลุม

แต่ละยุคได้ก่อให้เกิดรูปแบบทางศิลปะมากกว่าหนึ่งรูปแบบ ด้วยการศึกษาผลงานศิลปะ คุณจะได้รู้มากขึ้นถึงเวลาที่รูปแบบศิลปะเฉพาะเจาะจงได้ก่อตัวและครอบงำ

ทิศทางหลักในงานศิลปะของศตวรรษที่ X - XIX

สไตล์โรมาเนสก์ (X - XIII ศตวรรษ)

สไตล์โกธิค (ศตวรรษที่ 13 - 16)

พิสดาร (XVI - XVIII ศตวรรษ)

ลัทธิคลาสสิก (XVII - XIX ศตวรรษ)

ความรู้สึกอ่อนไหว (ศตวรรษที่ 18)

ยวนใจ (XVIII - XIX ศตวรรษ)

ความสมจริง (ศตวรรษที่ 19)

กระแสหลักในงานศิลปะศตวรรษที่ 20

สมัยใหม่

สัญลักษณ์นิยม

อิมเพรสชันนิสม์

สถิตยศาสตร์

พัฒนาขึ้นในช่วงทศวรรษปี ค.ศ. 1920 ของศตวรรษที่ผ่านมา และเป็นรูปแบบของรูปแบบที่ขัดแย้งกันและการพาดพิงถึง ซึ่งสะท้อนถึงการผสมผสานระหว่างความฝันและความเป็นจริง ในการวาดภาพ สถิตยศาสตร์สะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนในภาพวาดของ Magritte, Ernst, Dali, Matta...

กลับไปข้างหน้า

ความสนใจ! การแสดงตัวอย่างสไลด์มีวัตถุประสงค์เพื่อให้ข้อมูลเท่านั้น และอาจไม่ได้แสดงถึงคุณลักษณะทั้งหมดของการนำเสนอ หากสนใจงานนี้กรุณาดาวน์โหลดฉบับเต็ม

เป้าหมาย:เพื่อพิสูจน์ว่าความรัก ความงามของความรู้สึกและความสัมพันธ์ของมนุษย์เป็นหนึ่งในประเด็นหลักในงานศิลปะประเภทต่างๆ ในทุกยุคทุกสมัย

งาน:

• เล่าถึงผลงานดนตรีชิ้นเอกในประเภทต่าง ๆ ที่สร้างขึ้นจากงานวรรณกรรมชิ้นหนึ่งของ W. Shakespeare "Romeo and Juliet"
• เพื่อรวบรวมความรู้ทางทฤษฎีเกี่ยวกับการทาบทามและบัลเล่ต์โดยใช้ตัวอย่างดนตรีของ P.I. ไชคอฟสกี และ S.S. โปรโคเฟียฟ.

ในระหว่างเรียน

สไลด์หมายเลข 1 (ชื่อ)

ครู:

ธีมแห่งความรักดึงดูดศิลปินมาโดยตลอด โลกรู้เรื่องราววรรณกรรมและบทกวีมากมายเกี่ยวกับความรัก ผลงานทางดนตรีชิ้นเอก และภาพวาดของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ วันนี้ในชั้นเรียนของเราเราจะแสดงผลงานดนตรีประเภทและยุคต่าง ๆ แต่ทั้งหมดถูกสร้างขึ้นบนพื้นฐานของการสร้างสรรค์วรรณกรรมชิ้นเดียวโดย W. Shakespeare - "โรมิโอและจูเลียต"

สไลด์หมายเลข 2

เช็คสเปียร์ (1564-1616) ร้องเพลงในบทกวีเรื่องราวของชายหนุ่มและหญิงสาวจากเวโรนา ผลงานของเขาถือเป็นผลงานชิ้นเอกที่ได้รับการยอมรับในระดับสากล ต้องขอบคุณเช็คสเปียร์ที่ทำให้ทุกคนรู้จักชื่อของโรมิโอและจูเลียตจนกลายเป็นสัญลักษณ์ของความรักที่แท้จริงและจริงใจ

สไลด์หมายเลข 3

ไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับหัวใจที่รักเสมอที่จะปกป้องทางเลือกของพวกเขาจากความเฉื่อยชาของมนุษย์ การสู้รบ และความไม่เท่าเทียมกันทุกรูปแบบ แต่ความรักนั้นไม่มีขอบเขตหรือข้อจำกัดใดๆ โครงเรื่อง "โรมิโอและจูเลียต" เป็นหนึ่งในตัวอย่างความรักที่เสียชีวิตภายใต้เงื่อนไขของเวลานั้น

สไลด์หมายเลข 4 (ข้อความในคำสั่งจะขยายโดยอัตโนมัติ)

โศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์ทำให้เวโรนาได้รับเกียรติจากเมืองโรมิโอและจูเลียต ชาวเมืองที่มีชื่อเสียงนี้พูดว่า:

“ที่นี่กับเรา ความรักอยู่ในอากาศ และถ้าคุณมีเลือดร้อน จิตใจอ่อนโยน และแม้แต่จินตนาการเล็กๆ น้อยๆ ลองเดินไปตามตรอกที่มืดที่สุดและแคบที่สุด แล้วคุณจะได้พบกับผีที่มีเสน่ห์สองคนที่นั่นอย่างแน่นอน เดินไปรอบ ๆ เวโรนามานานหลายศตวรรษ : โรมิโอและจูเลียต!

สไลด์หมายเลข 5

ดังนั้นเวโรนาจึงเต็มไปด้วยความโรแมนติกและคู่รักจากทั่วทุกมุมโลกที่กำลังมองหาและค้นหาสถานที่ที่เกี่ยวข้องกับตำนานแห่งความรักที่ไม่เสื่อมคลายที่นี่

ไม่น่าแปลกใจที่เรื่องราวที่สวยงามและน่าเศร้าเช่นนี้ยังคงดำเนินต่อไปในงานศิลปะประเภทอื่น: ดนตรีไพเราะและบัลเล่ต์, โอเปร่า, ละคร, ภาพยนตร์, ละครเพลง

สไลด์หมายเลข 6

การทาบทามแฟนตาซีอันโด่งดังเรื่อง "Romeo and Juliet" โดย P.I. ไชคอฟสกีเป็นผลงานชิ้นแรกของนักประพันธ์ที่ดึงดูดมรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของนักเขียนบทละครชาวอังกฤษผู้ยิ่งใหญ่

จำสิ่งที่เรียกว่าการทาบทามในดนตรี?

เด็ก:

บทนำของวงออร์เคสตราเกี่ยวกับโอเปร่า บัลเล่ต์ ภาพยนตร์ บางครั้งก็เป็นงานอิสระและมีชื่อรายการด้วย

สไลด์หมายเลข 7

แนวคิดในการสร้างงานไพเราะได้รับการเสนอโดยนักแต่งเพลง Balakirev โครงเรื่องกลายเป็นโครงเรื่องของไชคอฟสกีไปตลอดชีวิต วงออเคสตราที่ดีที่สุดในโลกรวมงานนี้ไว้ในรายการคอนเสิร์ตของพวกเขาด้วย ไชคอฟสกีแก้ไขการทาบทามสามครั้ง ก็อยู่ในฉบับล่าสุดที่เป็นที่รู้จักกันดีในปัจจุบัน

ดนตรีของการทาบทามมีพื้นฐานมาจากธีมที่แสดงถึงภาพหลักและการปะทะกันของโศกนาฏกรรมของเช็คสเปียร์

สไลด์หมายเลข 8 (ส่วนของวิดีโอเริ่มโดยอัตโนมัติ)

ธีมความบาดหมาง:ความโกรธและความเกลียดชังเกิดขึ้นอย่างบ้าคลั่ง การฟาดดาบสั้น ๆ จะดังขึ้น เสียงที่น่าตกใจและมีพลังของการต่อสู้บนท้องถนนระหว่าง Montagues และ Capulets ผู้ไม่ย่อท้อ ความไม่ลงรอยกันและการแก้แค้นซึ่งกันและกันทำให้ถนนอันเงียบสงบของ Verona กลายเป็นสนามรบนองเลือด

สไลด์หมายเลข 9 (ส่วนของวิดีโอเริ่มโดยอัตโนมัติ)

ธีมความรัก:จากความเงียบที่ละเอียดอ่อน ธีมของความรักจึงถือกำเนิดขึ้น เต็มไปด้วยความอ่อนโยน ความอ่อนล้า และความสุขเช่นนั้น... บทเพลงที่ไพเราะแผ่กว้างออกไป การเคลื่อนไหวที่นุ่มนวลเกือบกล่อม เสียงแตรถอนหายใจ และทำนองก็ดังขึ้น มีชีวิตชีวาและไพเราะมากขึ้น

และหลังจากการสิ้นพระชนม์ของวีรบุรุษ หลังจากเสียงร้องแห่งความสิ้นหวัง บทเพลงแห่งความรักของโรมิโอและจูเลียตก็ดังขึ้นด้วยเสียงไวโอลินที่แจ่มใส

สไลด์หมายเลข 10 (ข้อความในคำสั่งจะขยายโดยอัตโนมัติ)

หัวข้อความรักได้รับการชื่นชมเป็นพิเศษจาก N.A. Rimsky-Korsakov เขาเขียนว่า: “เป็นแรงบันดาลใจ ช่างงดงามเกินอธิบาย ช่างเร่าร้อนจริงๆ นี่เป็นหนึ่งในธีมที่ดีที่สุดของดนตรีรัสเซีย!”

ในช่วงชีวิตของนักแต่งเพลง การทาบทามของโรมิโอและจูเลียตประสบความสำเร็จอย่างมากทั้งกับสาธารณชนและนักวิจารณ์ ในฐานะหนึ่งในผลงานประพันธ์เพลงที่โด่งดังและเป็นที่รักที่สุดของไชคอฟสกี การทาบทามนี้แสดงในคอนเสิร์ตรำลึกถึงไชคอฟสกีภายหลังการเสียชีวิตก่อนวัยอันควร

สไลด์หมายเลข 11 (ส่วนของวิดีโอเริ่มโดยอัตโนมัติ)

ในเดือนกันยายน พ.ศ. 2478 Sergei Prokofiev (พ.ศ. 2434-2496) ทำงานด้านดนตรีสำหรับบัลเล่ต์โรมิโอและจูเลียตเสร็จ ผลงานชิ้นนี้ได้รับการยอมรับว่ายอดเยี่ยมและโด่งดังไปทั่วโลก

บัลเล่ต์ในสามองก์ สิบสามฉาก พร้อมบทนำและบทส่งท้าย ในบทบาทของจูเลียต - Galina Ulanova; โรมิโอ - คอนสแตนติน เซอร์กีฟ

เรามาจำลักษณะเฉพาะของประเภทบัลเล่ต์ในดนตรีกันดีกว่า

เด็ก:

บัลเล่ต์เป็นการแสดงละครที่ตัวละครแสดงออกทุกอย่างผ่านการร้องเพลง สำหรับบัลเล่ต์ จะมีการสร้างฉากและเย็บเครื่องแต่งกาย บัลเล่ต์ดำเนินการโดยวงซิมโฟนีออร์เคสตราภายใต้การดูแลของผู้ควบคุมวง

สไลด์หมายเลข 12 (ข้อความในหน่วยความจำขยายอัตโนมัติ)

จูเลียตมีบทบาทพิเศษในชีวิตของกาลินาอูลาโนวา เธอจำได้ว่า: “เป็นเวลานานแล้วที่ฉันไม่สามารถเริ่มเตรียมบทของจูเลียตกับนักเรียนคนใดเลยได้ การบอกลาเธอก็เหมือนกับการบอกลาคนที่ยังมีชีวิตอยู่ เมื่อข้าพเจ้าอยู่ในอิตาลี เราก็ถูกพาไปที่เวโรนา ในเมืองเวโรนา ฉันยืนอยู่หน้าระเบียงของจูเลียต ที่อนุสาวรีย์เหนือห้องใต้ดิน และที่นี่ ที่ห้องใต้ดินของจูเลียต ฉันรู้สึกว่าฉันจะไม่เต้นรำอีกต่อไป มันเศร้ามาก ราวกับว่าฉันได้ผ่านอะไรบางอย่างมา... ตอนเย็นเมื่อฉันโทรหา Katya Maximova พรุ่งนี้เราจะเริ่มซ้อมจูเลียต”

สไลด์หมายเลข 13 (ส่วนของวิดีโอเริ่มโดยอัตโนมัติ)

ภาพของนางเอกของเช็คสเปียร์อาจเป็นสีที่สว่างที่สุดและเจาะลึกที่สุดในจานสีที่สร้างสรรค์ของนักบัลเล่ต์ Ulanova ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กบน Alley of Heroes of Victory Park มีการติดตั้งรูปปั้นครึ่งตัวสีบรอนซ์ซึ่งแสดงถึงศิลปินในบทบาทที่มีชื่อเสียง

สไลด์หมายเลข 14

ต่อมานักเต้นบัลเล่ต์ชื่อดังหลายคนได้แสดงในการผลิตนี้: Raisa Struchkova, Marina Kondratyeva, Maya Plisetskaya, Natalia Bessmertnova, Ekaterina Maksimova, Valentina Kozlova บัลเล่ต์ของ Prokofiev มีสองเวอร์ชันภาพยนตร์ที่มีชื่อเสียง ดนตรีในบัลเล่ต์ของ Prokofiev สื่อถึงการเคลื่อนไหวทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนที่สุดของจิตวิญญาณมนุษย์ ความมีชีวิตชีวาของความคิด ความหลงใหล และบทละครของเช็คสเปียร์ Prokofiev สามารถสร้างตัวละครของเช็คสเปียร์ในบัลเล่ต์ขึ้นมาใหม่ได้ด้วยความหลากหลายและความครบถ้วน บทกวีที่ลึกซึ้ง และความมีชีวิตชีวา

สไลด์หมายเลข 15 (ส่วนของวิดีโอเริ่มโดยอัตโนมัติ)

อารมณ์ขันและความซุกซนของจูเลียตคือเด็กผู้หญิงและความเรียบง่ายของพยาบาล

สไลด์หมายเลข 16 (ส่วนของวิดีโอเริ่มโดยอัตโนมัติ)

ภูมิปัญญาของ Pater Lorenzo

สไลด์หมายเลข 17 (ส่วนของวิดีโอเริ่มโดยอัตโนมัติ)

สีสันอันรื่นเริงและมีชีวิตชีวาของถนนในอิตาลี

สไลด์หมายเลข 18 (ส่วนของวิดีโอเริ่มโดยอัตโนมัติ)

บทกวีแห่งความรักของโรมิโอและจูเลียต

สไลด์หมายเลข 19 (ส่วนของวิดีโอเริ่มโดยอัตโนมัติ)

และดราม่าแห่งฉากความตาย - ทั้งหมดนี้ Prokofiev เป็นตัวเป็นตนด้วยทักษะและพลังการแสดงออกอันมหาศาล การหันไปหาเชกสเปียร์เป็นก้าวที่กล้าหาญสำหรับการออกแบบท่าเต้นของโซเวียตเนื่องจากจากทุกเรื่องราวเชื่อกันว่าศูนย์รวมของธีมเชิงปรัชญาและละครที่ซับซ้อนเช่นนี้เป็นไปไม่ได้ผ่านบัลเล่ต์ Prokofiev ซึ่งแสดงนวัตกรรมได้รับการพิสูจน์แล้วว่าตรงกันข้าม

สไลด์หมายเลข 20

คงจะแปลกถ้าเรื่องราวของเช็คสเปียร์อันโด่งดังไม่ได้สะท้อนให้เห็นในรูปแบบศิลปะที่ได้รับความนิยมมากที่สุด - ภาพยนตร์ โรมิโอและจูเลียตมีภาพยนตร์หลายเวอร์ชัน แต่บางทีภาพยนตร์ที่ได้รับความนิยมมากที่สุด “Romeo and Juliet” อาจเป็นภาพยนตร์ของผู้กำกับชาวอิตาลี Franco Zeffirelli ซึ่งออกฉายในปี 1968 บทบาทหลักเล่นโดยนักแสดงที่อายุน้อยมาก - Olivia Hussey และ Leonard Whiting ภาพยนตร์โดย Franco Zeffirelli นำเสนอดนตรีอันไพเราะโดยนักแต่งเพลง Nino Rota ซึ่งมีชื่อเสียงมากที่สุดในสาขาดนตรีภาพยนตร์จากความคิดสร้างสรรค์ที่ไม่มีใครเลียนแบบได้ เรือนกระจกแห่งหนึ่งในอิตาลีตั้งชื่อเพื่อเป็นเกียรติแก่เขา เขาร่วมมือกับผู้กำกับหลายคน ในปี 1974 โรตาได้รับรางวัลออสการ์สาขาเพลงยอดเยี่ยมจากภาพยนตร์เรื่อง "The Godfather" และแต่งเพลงให้กับภาพยนตร์ทั้งหมดของเฟเดริโก เฟลลินี

สไลด์หมายเลข 21 (ส่วนวิดีโอของภาพยนตร์เริ่มโดยอัตโนมัติ)

แนวคิดที่โด่งดังที่สุดในภาพยนตร์เรื่อง "โรมิโอและจูเลียต" คือธีมของความรัก - มันแตกต่างกันไปตลอดทั้งเรื่องและมาพร้อมกับฉากหลักทั้งหมดของโรมิโอและจูเลียต ดนตรีประกอบเข้ากับการเล่าเรื่องของภาพยนตร์อย่างกลมกลืน เพลงนี้ได้รับการยอมรับว่าเป็นเพลงคลาสสิกและยังกลายเป็นจุดเด่นทางดนตรีของโรมิโอและจูเลียตอีกด้วย ในปีที่ภาพยนตร์ออกฉาย เพลง "What is a Youth" ได้รับความนิยมอันดับหนึ่ง แทนที่แม้แต่เพลงฮิตของเดอะบีเทิลส์ การเรียบเรียงเพลงนี้ได้เข้าสู่เพลงของนักร้องและวงออเคสตราหลายคน ฉบับล่าสุดประกอบด้วยเพลงของ Nino Rota ที่แสดงโดย Prague Philharmonic Orchestra

ฉันอยากจะจบเรื่องราวของฉันด้วยคำพูดจากเพลง:

ชนเผ่าไร้กังวลแห่งรักแรกพบ!
ในละครเก่าที่มีพิษและกริช
กำลังดำเนินการแก้ไขไม่ได้
พระเจ้า โปรดช่วยฉันและปกป้องฉันจากภัยพิบัติ
ทาสแห่งความรักที่ซื่อสัตย์

บทเรียนดนตรี “ธีมนิรันดร์ในงานศิลปะ”

ชั้นประถมศึกษาปีที่ 7 26/01/2558

หัวข้อครึ่งปีหลัง: “ผู้แต่งกับเวลา” โมดูล: “ละครเพลง”

วัตถุประสงค์ของบทเรียน : ถ่ายทอดผ่านบทเพลง ถ่ายทอดความคิดอันลึกซึ้ง ความเจ็บปวดอันแสนสาหัสของผู้คน เผยการต่อสู้ระหว่างสองหลักการ ความดีและความชั่ว

งาน:

เกี่ยวกับการศึกษา: ทำความคุ้นเคยกับประวัติศาสตร์ของมหาสงครามแห่งความรักชาติเรียนรู้เกี่ยวกับการล้อมเลนินกราดและผลที่ตามมา สร้างภาพลักษณ์ของสงครามขึ้นมาใหม่ในผลงานของโชสตาโควิช

เกี่ยวกับการศึกษา: เพื่อปลูกฝังความรู้สึกรักชาติและความรักต่อมาตุภูมิให้เด็ก ๆ เพื่อสร้างการตอบสนองทางอารมณ์ต่อผลงานดนตรี

พัฒนาการ : พัฒนาความสามารถในการนำทางบนแผนที่ทำงานกับแหล่งที่มา การพัฒนาวัฒนธรรมการฟัง การพัฒนารสนิยมทางดนตรีและสุนทรียศาสตร์.

ประเภทบทเรียน : การเรียนรู้เนื้อหาใหม่

รูปแบบบทเรียน: บทเรียนบูรณาการดนตรีและประวัติศาสตร์โดยใช้ ICT

บทเรียนที่พัฒนาโดยใช้เทคโนโลยีแนวทางบูรณาการเพื่อการฝึกอบรมและการพัฒนา

วิธีการ:

วิธีการจัดกิจกรรมการศึกษา

การวิเคราะห์สถานการณ์เฉพาะ

วิธีทำความเข้าใจแบบน้ำเสียง

วิธีการควบคุมและควบคุมตนเอง

วิธีการแช่

ปฏิสัมพันธ์แบบโต้ตอบ :

การประยุกต์ใช้เทคโนโลยีคอมพิวเตอร์ (ลำดับวิดีโอ สไลด์)

นักเรียนทำงานเป็นกลุ่มย่อย

วัสดุดนตรี :

ดี.ดี. โชสตาโควิช ซิมโฟนีที่ 7 “ Leningradskaya” 1 ส่วน “ตอนการบุกรุก”

อุปกรณ์ :

คอมพิวเตอร์;

โปรเจ็กเตอร์ (ทีวี)

การนำเสนอ;

บทกวี;

เอกสารประกอบคำบรรยาย;

พจนานุกรมอารมณ์

ในระหว่างเรียน

I. ช่วงเวลาขององค์กร

ครั้งที่สอง การเรียนรู้หัวข้อใหม่

บทประพันธ์: "ให้มีแสงสว่าง"

ในหน้าต่างของคุณ!

(ครบรอบ ๗๐ ปี แห่งชัยชนะอันยิ่งใหญ่

อุทิศ)

ครู: - ชีวิต ความตาย ความเป็นอมตะเป็นหัวข้อนิรันดร์ของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของมนุษยชาติในทุกแผนก ศาสดาพยากรณ์และผู้ก่อตั้งศาสนา นักปรัชญาและนักศีลธรรม บุคคลสำคัญทางศิลปะและวรรณกรรม ครูและแพทย์ต่างนึกถึงสิ่งเหล่านี้ ชีวิตและความตาย แสงสว่างและความมืด การต่อสู้ของพลังแห่งแสงสว่างและความมืด สงครามและสันติภาพเป็นสองสิ่งที่ตรงกันข้าม สองแนวคิดที่เข้ากันไม่ได้โดยสิ้นเชิง ชะตากรรม การกระทำ การตั้งค่า อารมณ์ของผู้คน - ทุกสิ่งในนั้นตรงกันข้ามอย่างสิ้นเชิง ทั้งหมดนี้ประกอบขึ้นเป็นวงกลมของธีมทางศิลปะอันเป็นนิรันดร์ ในดนตรีก็เหมือนกับในชีวิตก็มีธีมนิรันดร์เช่นกัน

พวกคุณลองนึกถึงฝ่ายค้านที่คุณสามารถตั้งชื่อที่เกี่ยวข้องกับภาพลักษณ์ของโลกที่แตกต่างเหล่านี้:

ตัวอย่างเช่น โลกแห่งการสร้างสรรค์ โลกแห่งการสร้างสรรค์ - โลกแห่งการล่มสลาย โลกแห่งการทำลายล้าง ความดี-ความชั่ว

คำตอบของเด็ก:

ความอิ่ม-หิว;
ชัยชนะ-ความพ่ายแพ้;
รัก-เกลียด;
ความกล้าหาญ - ความกลัวและความสำเร็จในนามของมนุษยชาติ

ผลงานที่สะท้อนถึง “แก่นนิรันดร์” ถูกกำหนดให้มีอายุยืนยาว พวกเขายังคงปลุกเร้าจิตใจ โดยค้นหาสิ่งใหม่ๆ มากขึ้นเรื่อยๆ ในละคร วิจิตรศิลป์ และดนตรี

หัวข้อ "สงครามและสันติภาพ" เป็นหนึ่งในธีมทางศิลปะที่ไม่มีวันสิ้นสุด ผู้คนเริ่มต่อสู้กันในยุคหินและยังคงหยุดไม่ได้ มีการบันทึกและอธิบายสงครามมากกว่า 15,000 ครั้งในประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติ!

ครู: อะไรจะเลวร้ายไปกว่าสงคราม! เธอนำมาซึ่งเพียงน้ำตาและความทรมาน...

เรารู้มากเกี่ยวกับสงคราม เราได้ยินเรื่องนี้มามาก เพราะมหาสงครามแห่งความรักชาติได้มาเยือนทุกบ้าน หมู่บ้านที่น่ากลัวและน่าเศร้าที่สุดแห่งหนึ่งในประวัติศาสตร์คือการป้องกันเลนินกราด

สาม. การเรียนรู้เนื้อหาใหม่

ครู: - พวกคุณคิดว่าอะไรเป็นตัวกำหนดการเลือกเนื้อหาสำหรับบทเรียนวันนี้ พรุ่งนี้จะรอเราอยู่วันไหนอย่างแท้จริง?

บทเรียนของเราจะมีจุดประสงค์อะไร?เพื่อเผยให้เห็นการต่อสู้ระหว่างสองหลักการ: ความดีและความชั่ว สงครามและสันติภาพ เพื่อถ่ายทอดการไตร่ตรองและความเจ็บปวดอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับความทุกข์ทรมานอันประเมินค่าไม่ได้ของผู้คนผ่านดนตรี

ครู: และเราจะทำสิ่งนี้โดยใช้ตัวอย่างของ Leningrad Symphony ของ D. D. Shostakovich

ก่อนจะเริ่มพูดถึงงานนี้ เรามาจำกันก่อนว่า Symphony คืออะไร?

ซิมโฟนีถูกสร้างขึ้นอย่างไร?

พื้นฐานของการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีคลาสสิกคืออะไร? (รูปแบบโซนาตา)

(บนกระดาน - วาดไดอะแกรมโครงสร้างของแบบฟอร์มโซนาต้า 1 ส่วน)

ภาพลักษณ์ทางดนตรีในงานคืออะไร?

ละครเพลงคืออะไร?

ออกกำลังกาย : ขณะฟังซิมโฟนีให้แสดงลักษณะของดนตรีโดยใช้พจนานุกรมอารมณ์ของคุณ (ทำงานเป็นกลุ่มย่อย) เราทำงานในขณะที่บทเรียนดำเนินไป

ครู: เพื่อแนะนำหัวข้อนี้แก่เรา ฉันขอเชิญนักประวัติศาสตร์และนักวิจารณ์ศิลปะ

นักประวัติศาสตร์ 1:

ในเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2484 นาซีเยอรมนีบุกสหภาพโซเวียต และในไม่ช้า เลนินกราดก็พบว่าตัวเองอยู่ภายใต้การล้อมที่กินเวลานาน 18 เดือน และส่งผลให้เกิดความยากลำบากและการเสียชีวิตนับไม่ถ้วน นอกจากผู้เสียชีวิตจากเหตุระเบิดแล้ว พลเมืองโซเวียตมากกว่า 600,000 คนเสียชีวิตจากความอดอยาก หลายคนแข็งตัวหรือเสียชีวิตเนื่องจากขาดการดูแลทางการแพทย์ จำนวนเหยื่อของการล้อมครั้งนี้ประเมินว่าเกือบหนึ่งล้านคน

นักวิจารณ์ศิลปะ 1 :

แต่ถึงแม้เวลานี้จะต้องเผชิญความรุนแรง ความตาย ความหิวโหย ความกลัว ผู้คนก็ไม่สูญเสียความสามารถในการคิด ฝัน เชื่อ หวัง สร้างสรรค์ และเรียบเรียง และตัวอย่างที่ชัดเจนของเรื่องนี้ก็คือบุคลิกของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ D.D. โชสตาโควิช. ซิมโฟนีที่เจ็ดของเขาเรียกว่า "เลนินกราด" เป็นหนึ่งในผลงานดนตรีที่โดดเด่นของมหาสงครามแห่งความรักชาติ ส่วนสำคัญของซิมโฟนีถูกสร้างขึ้นโดยนักแต่งเพลงในฤดูใบไม้ร่วงปี 2484 ในเลนินกราดในช่วงเวลาแห่งการต่อสู้เพื่อมนุษย์กับศัตรู เขาเขียนมันในบ้านที่สั่นสะเทือนเกือบทุกนาทีจากการระเบิด โชสตาโควิชกล่าวในภายหลังว่า:“ ฉันมองเมืองอันเป็นที่รักด้วยความเจ็บปวดและความภาคภูมิใจ เขาได้ยืนขึ้นด้วยไฟที่แผดเผา แข็งกระด้างในการต่อสู้ ประสบความทุกข์ยากอันแสนสาหัสของนักสู้ และงดงามยิ่งขึ้นไปอีกในความโอ่อ่าอันหนักหน่วงของเขา ฉันจะไม่รักเมืองนี้ที่สร้างโดยปีเตอร์ และไม่บอกทั้งโลกเกี่ยวกับความรุ่งโรจน์ของเมืองนี้ เกี่ยวกับความกล้าหาญของผู้ปกป้องเมืองนี้ได้อย่างไร… อาวุธของฉันคือดนตรี”

ครู : วันนี้เรามีโอกาสพิเศษที่จะฟัง D.D. Shostakovich ด้วยตัวเอง มาฟังสิ่งที่เขาพูดถึงเกี่ยวกับงานของเขากันดีกว่า

วิดีโอหมายเลข 1 ภาพยนตร์เกี่ยวกับโชสตาโควิช

ครู:ซิมโฟนีที่เจ็ดประกอบด้วย 4 การเคลื่อนไหว แต่อันแรกสำคัญที่สุด D. D. Shostakovich เขียนเองว่า: "ส่วนแรกบอกว่าพลังที่น่าเกรงขามเข้ามาในชีวิตที่สงบสุขที่สวยงามของเรา - สงคราม"

ส่วนที่หนึ่งเริ่มต้นด้วยทำนองเพลงอันกว้างใหญ่ไพเราะ มันรวบรวมภาพลักษณ์ของมาตุภูมิ มันพัฒนา เติบโต และเต็มไปด้วยพลังมากขึ้นเรื่อยๆ ชุดด้านข้างเหมือนเพลงด้วย มันเหมือนกับเพลงกล่อมเด็กอันเงียบสงบ ท่วงทำนองของมันดูเหมือนจะสลายไปในความเงียบ ทุกสิ่งสูดลมหายใจแห่งความสงบของชีวิตอันเงียบสงบ

แต่แล้วจากที่ไหนสักแห่งที่ห่างไกลจะได้ยินเสียงกลองจากนั้นก็มีทำนองปรากฏขึ้น: ดั้งเดิมคล้ายกับโคลงสั้น ๆ - การแสดงออกของชีวิตประจำวันและความหยาบคาย เหมือนหุ่นเชิดเคลื่อนไหวเลย .

ในตอนแรกเสียงดูเหมือนไม่เป็นอันตราย แต่ธีมซ้ำแล้วซ้ำอีก 11 ครั้งเข้มข้นขึ้นเรื่อยๆ ท่วงทำนองของมันไม่เปลี่ยนแปลง แต่จะค่อยๆ ได้รับเสียงของเครื่องดนตรีใหม่มากขึ้นเรื่อยๆ และกลายเป็นคอร์ดคอมเพล็กซ์ที่ทรงพลัง ดังนั้นหัวข้อนี้ซึ่งในตอนแรกดูเหมือนจะไม่คุกคาม แต่โง่เขลาและหยาบคายจึงกลายเป็นสัตว์ประหลาดขนาดมหึมา - เครื่องบดแห่งการทำลายล้าง ดูเหมือนว่าเธอจะบดขยี้สิ่งมีชีวิตทั้งหมดที่ขวางทางเธอ

นักเขียน A. Tolstoy เรียกเพลงนี้ว่า "การเต้นรำของหนูที่เรียนรู้กับทำนองของไพเพอร์ลายพร้อย" ดูเหมือนว่าหนูที่เรียนรู้ซึ่งเชื่อฟังเจตจำนงของผู้จับหนูจะเข้าสู่การต่อสู้ นี่คือตอนที่มีชื่อเสียงของการรุกรานของฟาสซิสต์ - "ตอนของการรุกราน" ซึ่งเป็นภาพที่น่าทึ่งของการรุกรานของพลังทำลายล้าง

ตอนนี้เราจะฟังส่วนหนึ่งของซิมโฟนีสารคดี มันจะช่วยให้เราจินตนาการถึงภาพในเวลานั้น สภาพของซิมโฟนีที่ถูกสร้างขึ้น ทัศนคติที่เกาะกุมผู้คนในเลนินกราดที่ถูกปิดล้อม

เสียงส่วนหนึ่งของส่วนที่ 1 วีดีโอ ลำดับที่ 2

ครูสอนดนตรี: คำพูดจากนักประวัติศาสตร์

นักประวัติศาสตร์#2

- ซิมโฟนีของผู้แต่งเป็นอนุสรณ์สถานอันเป็นเอกลักษณ์ในประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติ วันที่ 27 ธันวาคม พ.ศ. 2484 การแสดงซิมโฟนีเสร็จสิ้น รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นใน Kuibyshev ดำเนินการโดย Bolshoi Theatre Orchestra ภายใต้การดูแลของ S. Samosud หลังจากนั้นมีการแสดงซิมโฟนีในมอสโกและโนโวซีบีสค์ แต่เฉพาะในวันที่ 9 สิงหาคม พ.ศ. 2485 ในเลนินกราดที่ถูกปิดล้อมการแสดงอันโด่งดังของซิมโฟนีที่เจ็ด (“ เลนินกราด”) ของ Dmitry Shostakovich ก็เกิดขึ้น ผู้จัดงานและผู้ควบคุมวงคือ Karl Ilyich Eliasberg หัวหน้าวาทยากรของ Leningrad Radio Orchestra เจ้าหน้าที่ยืนกรานให้มีการเปิดตัวรอบปฐมทัศน์เร่งด่วน ท้ายที่สุดแล้วผู้เขียนได้อุทิศซิมโฟนีให้กับความสำเร็จของเมืองบ้านเกิดของเขา มันได้รับความสำคัญทางการเมือง นักดนตรีรวมตัวกันจากทุกที่เพื่อแสดง หลายคนหมดแรง ก่อนเริ่มการซ้อม เราต้องพาพวกเขาเข้าโรงพยาบาล - ให้อาหารและรักษาพวกเขา ในวันที่แสดงซิมโฟนีไม่มีกระสุนศัตรูสักนัดที่ตกลงมาในเมือง: ตามคำสั่งของผู้บัญชาการแนวรบเลนินกราดจอมพลโกโวรอฟคะแนนศัตรูทั้งหมดถูกระงับล่วงหน้า เสียงปืนเงียบลงขณะที่เสียงเพลงของโชสตาโควิชดังขึ้น ไม่เพียงได้ยินจากชาวเมืองเท่านั้น แต่ยังได้ยินจากกองทหารเยอรมันที่ปิดล้อมเลนินกราดด้วย พวกเขาบอกว่าชาวเยอรมันเมื่อได้ยินเสียงซิมโฟนีเลนินกราดผ่านลำโพงก็ผงะ - พวกเขามั่นใจอย่างยิ่งว่าเมืองนี้ตายแล้ว หลายปีหลังสงคราม ชาวเยอรมันกล่าวว่า “แล้วในวันที่ 9 สิงหาคม พ.ศ. 2485 เราก็ตระหนักว่าเราจะแพ้สงคราม เรารู้สึกถึงความแข็งแกร่งของคุณ สามารถเอาชนะความหิวโหย ความกลัว และแม้กระทั่งความตายได้..."

เริ่มต้นจากการแสดงในเลนินกราดที่ถูกปิดล้อม ซิมโฟนีมีการโฆษณาชวนเชื่อมหาศาลและมีความสำคัญทางการเมืองสำหรับทางการโซเวียตและรัสเซีย

IV. การรวมบัญชี

เมื่อวันที่ 27 มกราคม พ.ศ. 2487 เลนินกราดทำความเคารพด้วยการยิง 24 ครั้งจากปืน 324 กระบอกเพื่อเป็นเกียรติแก่การกำจัดการปิดล้อมของศัตรูอย่างสมบูรณ์ - ความพ่ายแพ้ของชาวเยอรมันใกล้เลนินกราด

- คุณแพ้สงครามเพชฌฆาต
ฉันแทบจะไม่ได้วางมือบนเมือง!
ความจริงตอนนี้คืออะไร?
พายุฝนฟ้าคะนองเกิดขึ้น
เหมือนฝันอันบ้าคลั่ง
ช่างเป็นความภาคภูมิใจที่ลวงตาจริงๆ!
ดังนั้นให้โลกได้ยินในวันนี้
พลุดอกไม้ไฟของรัสเซีย
ใช่แล้ว มันต้องแก้แค้น ชื่นชมยินดี และหายใจเข้า!
ชัยชนะของเลนินกราด!
27 มกราคม พ.ศ. 2487 โอลกา เบิร์กโกลต์ส

08.08.08. ในตอนต้นของบทเรียน เราได้พูดคุยเกี่ยวกับสงครามและสันติภาพ ว่ามนุษยชาติไม่สามารถหยุดต่อสู้กันได้อย่างไร เมื่อวันที่ 21 สิงหาคม 2551 ส่วนหนึ่งของส่วนแรกของซิมโฟนีได้แสดงในเมือง Tskhinvali ทางตอนใต้ของ Ossetian ซึ่งถูกทำลายโดยกองทหารจอร์เจียโดยวงออเคสตราโรงละคร Mariinsky ซึ่งดำเนินการโดย Valery Gergiev

วิดีโอหมายเลข 3 Valery Gergiev

- เหตุใด Gergiev จึงเลือก Leningrad Symphony สำหรับเมืองที่ได้รับบาดเจ็บ

- “ซิมโฟนีนี้เป็นเครื่องเตือนใจให้โลกรู้ว่าความน่ากลัวของการถูกล้อมและการทิ้งระเบิดที่เลนินกราดจะต้องไม่เกิดขึ้นซ้ำ…” (V. A. Gergiev)

การบ้าน: เขียนเรียงความ “คุณอธิบายดนตรีด้วยคำพูด”

ครูอ่านบรรทัดที่น่าสนใจที่สุดจากเรียงความของนักเรียนเก่าเป็นตัวอย่าง

ครู: ผู้ที่เกิดหลังสงครามไม่สามารถเข้าใจได้มากนักและไม่สามารถอยู่รอดได้ในสิ่งที่คนรุ่นสงครามต้องเผชิญ คุณสามารถฟังเรื่องราวของผู้ที่รอดชีวิตเท่านั้น และพยายามสัมผัสถึงสิ่งที่พวกเขาประสบและเก็บไว้ในความทรงจำ... และแสดงความเคารพต่อความกตัญญูชั่วนิรันดร์

เพลง "ขอให้มีแสงสว่างที่หน้าต่างของคุณ"

ภาพถ่ายของทหารผ่านศึก การนำเสนอ

การให้เกรด สรุป.

ทำงานในกลุ่มย่อยโดยใช้การ์ด:

ฝ่ายค้าน:

มนุษย์เป็นคนป่าเถื่อน

ยินดีต้อนรับ -

โลก -

การสร้าง -

การฟื้นฟู -

ชัยชนะ -

ขัดแย้ง -

การชน -

การต่อสู้ -

โลกแห่งความคิดสร้างสรรค์ของจิตใจ - โลกแห่งการทำลายล้างและความโหดร้าย

คำถาม:

ดนตรีสร้างภาพลักษณ์อะไร?______________________________________________________________

คุณจินตนาการถึงอะไรขณะฟังเธอ?________________________________________________

เธอดูเหมือนอะไรในตอนต้นของตอน?_______________________________________

มีภาพดนตรีกี่ภาพ? ________________________________________________________________

จังหวะมีความสำคัญอย่างไร?______________________________________________________________

การแสดงออกใดที่ใช้ในการพัฒนาการบุกรุก?____________________________________________________________________________________

_____________________________________________________________________________

งานศิลปะมักจะยึดถือ (โดยความประสงค์ของผู้เขียนหรือโดยอิสระจากมัน) ความเป็นอยู่คงที่ซึ่งเป็นคุณสมบัติพื้นฐานของมัน ประการแรก สิ่งเหล่านี้คือหลักการที่เป็นสากลและเป็นธรรมชาติ (สากล) เช่น ความโกลาหลและพื้นที่ การเคลื่อนไหวและความนิ่ง ชีวิตและความตาย แสงสว่างและความมืด ไฟและน้ำ ฯลฯ ทั้งหมดนี้ประกอบขึ้นเป็นธีมที่ซับซ้อนของศิลปะเกี่ยวกับภววิทยา

นอกจากนี้ แง่มุมทางมานุษยวิทยาของธีมทางศิลปะยังมีความสำคัญอยู่เสมอและอุดมสมบูรณ์อย่างผิดปกติ ประการแรกประกอบด้วยหลักการทางจิตวิญญาณที่แท้จริงของการดำรงอยู่ของมนุษย์พร้อมกับสิ่งที่ตรงกันข้าม (ความแปลกแยกและการมีส่วนร่วม ความหยิ่งยโสและความอ่อนน้อมถ่อมตน ความพร้อมที่จะสร้างหรือทำลาย ความบาปและความชอบธรรม ฯลฯ)

ประการที่สองขอบเขตของสัญชาตญาณที่เกี่ยวข้องกับแรงบันดาลใจทางจิตใจและร่างกายของบุคคลเช่นความใคร่ (ขอบเขตทางเพศ) ความกระหายอำนาจการดึงดูดความมั่งคั่งทางวัตถุสิ่งอันทรงเกียรติความสะดวกสบาย ฯลฯ ประการที่สามในผู้คนสิ่งที่ถูกกำหนดโดย เพศ (ความเป็นชาย ความเป็นผู้หญิง) และอายุ (วัยเด็ก เยาวชน วุฒิภาวะ วัยชรา)

และสุดท้าย ประการที่สี่ สิ่งเหล่านี้คือสถานการณ์เหนือยุคของชีวิตมนุษย์ รูปแบบการดำรงอยู่ของมนุษย์ที่มั่นคงทางประวัติศาสตร์ (การทำงานและการพักผ่อน ชีวิตประจำวันและวันหยุด ความขัดแย้งและหลักการแห่งความเป็นจริงที่กลมกลืนกัน ชีวิตที่สงบสุขและสงครามหรือการปฏิวัติ ชีวิตในบ้านและ อยู่ในดินแดนต่างประเทศหรือท่องเที่ยว กิจกรรมทางแพ่ง และชีวิตส่วนตัว ฯลฯ ) สถานการณ์ดังกล่าวประกอบขึ้นเป็นขอบเขตของการกระทำและความพยายาม ซึ่งมักเป็นการค้นหาและการผจญภัย ซึ่งเป็นแรงบันดาลใจของบุคคลในการบรรลุเป้าหมายบางอย่าง

หลักการอัตถิภาวนิยมที่มีชื่อ (และยังไม่มีชื่อ) ซึ่งเข้ามาในงานศิลปะ ก่อให้เกิดความซับซ้อนและหลากหลายแง่มุมของธีมนิรันดร์ ซึ่งหลายประเด็นเป็นแบบ "ตามแบบฉบับ" ย้อนหลังไปถึงพิธีกรรมและโบราณวัตถุตามตำนาน (โบราณ) ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะด้านนี้เป็นมรดกของทุกประเทศและทุกยุคสมัย มันปรากฏว่าเป็นศูนย์กลางที่ชัดเจนของผลงาน หรือปรากฏอยู่ในนั้นอย่างแฝงเร้น หรือแม้กระทั่งยังคงหมดสติโดยผู้เขียน (คำบรรยายในตำนาน)

ในการดึงดูดใจประเด็นสำคัญนิรันดร์ ศิลปะกลับกลายเป็นความคล้ายคลึงและใกล้เคียงกับปรัชญาและคำสอนที่มุ่งเน้นเกี่ยวกับภววิทยาเกี่ยวกับธรรมชาติของมนุษย์ (มานุษยวิทยา) การหักเหของค่าคงที่ที่มีอยู่ในงานศิลปะกลายเป็นประเด็นที่นักปรัชญาแห่งยุคโรแมนติกพิจารณาอย่างใกล้ชิด เช่นเดียวกับนักวิทยาศาสตร์ของโรงเรียนกริมม์ในตำนานในเยอรมนี F.I. Buslaev ในรัสเซีย) และตำนานนีโอ (N. Fry) การวิจารณ์ศิลปะจิตวิเคราะห์โดยเน้นที่ผลงานของ Z. Freud และ C. G. Jung

เมื่อเร็ว ๆ นี้ มีผลงานจริงจังจำนวนหนึ่งปรากฏขึ้นที่สำรวจการมีส่วนร่วมของโบราณคดีในตำนานในความคิดสร้างสรรค์ทางวรรณกรรมในยุคที่อยู่ใกล้เรา (ผลงานของ G.D. Gachev, E.M. Meletinsky, Smirnov, V.I. Tyupa, V.N. Toporov) ลักษณะทั่วไปทางทฤษฎีของ D.E. สมควรได้รับความสนใจเป็นพิเศษ มักซิโมวา.

นักวิทยาศาสตร์กล่าวถึงความสำคัญอย่างมากของจักรวาลที่ย้อนกลับไปถึงยุคโบราณในวรรณคดีทุกยุคสมัยในเวลาเดียวกันนักวิทยาศาสตร์ได้พูดถึง "ประเพณีเทพนิยาย" ในวรรณคดีของศตวรรษที่ 19-20 เป็นปรากฏการณ์ท้องถิ่นที่ไม่ครอบคลุม ประเพณีนี้ D.E. Maksimov มีตั้งแต่ Divine Comedy ของ Dante และบทกวีของ Milton ไปจนถึงเรื่องลึกลับของ Faust ของ Goethe และ Byron; มันจะมีความกระตือรือร้นมากขึ้นหลังจากวากเนอร์โดยเฉพาะในด้านสัญลักษณ์

นักวิทยาศาสตร์ไม่เห็นด้วยกับแนวคิดที่ได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางเกี่ยวกับเทพนิยายวิทยาโดยรวมของศิลปะและวรรณกรรม: “ เราไม่สามารถยอมรับวรรณกรรมแฟนตาซีที่ไร้การควบคุมในการตีความตามตำนานของงานศิลปะสมัยใหม่ซึ่งนักวิทยาศาสตร์ที่จริงจังและขยันหมั่นเพียรมักถูกพาไป ” การตัดสินนี้ตามความเห็นของเราถือว่ายุติธรรมอย่างยิ่ง ที่จริงแล้ว จุดเริ่มต้นทางตำนานและเทพนิยายและ (ในวงกว้างมากขึ้น) ขอบเขตของจักรวาลที่มีอยู่ (สำหรับความสำคัญทั้งหมด) ยังห่างไกลจากการทำให้สิ่งที่รับรู้และเชี่ยวชาญทางศิลปะหมดไป นี่เป็นเพียงแง่มุมหนึ่งของวิชาศิลปะ

วี.อี. ทฤษฎีวรรณกรรมคาลิเซฟ 1999