Vokal (şarkı söyleme) becerileri. Müzik pedagojisi ve psikolojisinin bir sorunu olarak “vokal becerileri” kavramı

İlkokul çocuklarında öğrenme çalışmaları sırasında ses ve performans becerilerinin uygulanması

Altay Devlet Üniversitesi gençlik korosunda vokal-koro ve performans becerilerinin oluşumu. Eserleri icra etmeye başlamadan önce her şarkıcının şarkı söylemesi gerekiyor. Şarkı söyleme egzersizleri iki sorunu çözer: Sesi en iyi çalışma durumuna getirmek ve şarkıcıya iyi performans becerilerini aşılamak. Vokal aparatının ısıtılması, vokal teknik eğitiminden önce gelir.

Metodolojik olarak bu kavramın karıştırılmaması gerekir, ancak pratikte her iki görev aynı anda gerçekleştirilebilir. Henüz doğru sese yeterli hakimiyeti olmayan yeni başlayan bir şarkıcı için her türlü şarkı söylemek eğitimin teknik bir parçasıdır. Ses egzersizlerini müzik notalarını öğretme hedefiyle bilinçli bir şekilde birleştirmek değerlidir. Müzik notaları bunu başarmaya yardımcı olur ve işitsel fikirlerinizi görsel olanlarla birleştirmenizi mümkün kılar. Amatör bir icracı belli bir ses dizisini söyler ve bu diziyi kadroda görür.

Tonlama eksiklikleri durumunda lider, ilgili sese veya melodik aralığa işaret eder. Müzik eğitimi almamış şarkıcıların müzik okuryazarlığıyla sessizce tanışması bu şekildedir. Bir dersten veya performanstan önce şarkı söyleme ihtiyacı, ses organlarının kademeli olarak aktif çalışma durumuna getirilmesi yasası tarafından belirlenir. Şarkı söylemek, dinlenme ve şarkı söyleme aktivitesi arasında bir bağlantıdır, bir fizyolojik durumdan diğerine bir köprüdür.

Amatör bir koroda şarkı söyleme sürecinin tamamının fizyolojik yeteneklere ve zihinsel özelliklere göre ayarlanması gerekir. Şapele gelen adamların bazı tipik eksikliklerine bakalım. 1. Vokal olarak hazırlıksız adamlar şarkı söylerken düzensiz nefes alırlar, sanki nefeslerinde boğuluyorlar, omuzlarını kaldırıyorlar. Bu kadar sığ, klaviküler nefes almanın hem ses hem de vücut üzerinde olumsuz etkisi vardır. Bu dezavantajı ortadan kaldırmak için ağzımız kapalıyken nefesi eşit şekilde dağıtarak ve yarı esneme pozisyonu yaparak egzersizler söyledik. 2. Zorlamalı, yoğun ses.

Aşırı artan dinamikleri, keskinliği ve uygulama pürüzlülüğü ile dikkat çekiyor. Bu durumda sesin gücü, şarkı söylemenin sanatsal değerlendirmesi için yanlış bir kriterdir ve ses yüksekliği, rezonatörler kullanılarak değil, sesin yoğun bir şekilde dışarı itilmesiyle elde edilir. Bunun sonucunda bağlar üzerinde baskı oluşur. Her şeyden önce koro şarkıcılarını psikolojik olarak yeniden yapılandırmak, onlara sesin güzelliğinin ve tam teşekküllü sesin solunum organlarının fiziksel gerginliği ve gırtlağın çalışmasıyla değil, yeteneğiyle elde edildiğini açıklamak gerekiyor. sesin gerekli gücü ve tınıyı kazandığı rezonatörleri kullanın.

Ağzı yüksek bir konumda kapalı olarak şarkı söyleme egzersizleri, piyanoya zincirleme nefes vererek şarkı söyleme, mezzo-piyano hoparlörleri, kantilena egzersizleri, sesin düzgünlüğü ve nefesin sakin tutulması buna yardımcı olacaktır. 3. Düz, sığ beyaz ses. Amatör korolardaki bu ses çoğu zaman halk tarzı performansla özdeşleştirilir.

Böyle bir sesle şarkı söyleyen amatör koro gruplarının, kural olarak, ne folk ne de akademik şarkı söyleme tarzları hakkında hiçbir fikirleri yoktur, vokal ve koro teknikleri çaresizdir. Öncelikle şarkı söylemeyi boğazdan çıkarmak, diyaframa aktarmak ve şarkıcılarda esneme becerisini mutlaka geliştirerek baş rezonatörünün 32 noktasına yuvarlak bir ses göndermek gerekir, s.56. . Bütün bunlar birleşik bir ses oluşumu tarzında yapılmalıdır; bu durumda, örtülü sesli harfler e, yu, u üzerinde alıştırmalar yapmak ve ayrıca mi, me, ma heceleri üzerinde tüm harfleri yuvarlayarak sürekli bir ses söylemek faydalıdır. sesli harfler. 4. Çeşitli ses.

Ünlülerin birleşik bir oluşum tarzının olmaması, yani açık sesli harflerin açık, açık ve kapalı ünlülerin sesinin daha toplu, koyu olmasıyla karakterize edilir. Bunun nedeni şarkıcıların şarkı söylerken ağız kanalının arka kısmında esnemeyi sabit bir pozisyonda nasıl sürdüreceklerini bilmemeleridir. Bunu ortadan kaldırmak için şarkıcıların tek tip bir şekilde şarkı söylemeyi, yani tüm sesli harfleri yuvarlama yöntemini kullanarak oluşturmayı öğrenmeleri gerekir. 5. Derin, bastırılmış ses.

Esneme gırtlağa yakın, çok derin yapıldığında sesin aşırı engellenmesine bağlı olarak ortaya çıkabilir. Bu tür şarkılar her zaman biraz donuk, mesafeli ve çoğu zaman gırtlaktan gelen bir sesle kalır. Öncelikle zi, mi, ni, bi, di, li, la, le vb. yakın sesli harflerle heceleri söyleyerek pratik yaparak esnemeyi hafifletmeli, sesi yaklaştırmalısınız. Eser repertuarına hafif, şeffaf bir ses eklemek hafif bir stoccato kullanarak ses.

Şarkı söyleme egzersizleri öncelikle koronun ses algısını, sesin doğru oluşumunu, tını rengini ve tonun saflığını amaçlamaktadır. Asıl mesele birlik olmaktır. İyi oluşturulmuş bir uyum, topluluk uyumu ve ses netliği sağlar. Ancak bu tür egzersizler daha da fazlasını verebilir. Müzikal işitme keskinliğini geliştirmede iyi bir yardımcı olacak ve şarkıcıları bazı besteler üzerinde çalışırken karşılaşacakları tonlama zorluklarının üstesinden gelmeye hazırlayacaklar.

Şarkı söyleme egzersizlerinin temeli, şu ya da bu şekilde yarı tonların veya tam tonların mevcut olduğu kombinasyonlardır. Bir tonun veya yarım tonun doğru şekilde nasıl çalınacağını öğretmek, şarkı söylemenin saflığını garanti etmek anlamına gelir. Şarkı söyleyemeyen bir koro eğitimsiz bir korodur. Pek çok nedenden dolayı şarkıcıların çoğunluğu yaklaşık tonlamayı kolayca algılar. Maalesef bu sadece amatör şarkıcılar için değil, birçok profesyonel şarkıcı için de geçerli.

Özensiz tonlama, yetersiz dinleme kültürünün bir sonucudur. Ve öğrenme sürecinde işitme kültürü yetiştirilir ve geliştirilir. Görünüşe göre bu süreçte bazı kusurlar var. Ses ve tonlamanın saflığı ayrılmaz bir şekilde bağlantılı ve birbirine bağlıdır; ses açısından doğru bir ton oluşturulan her zaman net ses çıkarır ve bunun tersi de geçerlidir; eğer ses yanlış oluşturulmuşsa ton asla net değildir. Dolayısıyla doğru şarkı sesi için mücadele. Eksiklikleri gidermek ve özel egzersizlerle doğru şarkı söyleme becerisini aşılamak en iyisidir.

Şarkıcıların performans becerilerini geliştirmek için bu tür egzersizleri kullanıyoruz: 1. Şarkı söyleme nefesinin ve ses atağının geliştirilmesi. Başlangıç ​​becerisi doğru nefes alabilme yeteneğidir. Nefes burundan sessizce alınır. İlk jimnastik egzersizlerinde nefes dolu, daha sonra ses üzerinde yapılan egzersizlerde nefes, müzikal cümlenin süresine ve dinamiğine bağlı olarak idareli ve değişen dolgunlukta alınır. İlk egzersizlerde nefes verme, dişlerin sıkıca kenetlenmesiyle yapılır, ses s dir. Bu durumda, nefes alma anısına göğüs nefes alma pozisyonunda tutulur ve karın kaslarının kademeli olarak gevşemesi nedeniyle diyafram sorunsuz bir şekilde ana konumuna geri döner.

Solunum kaslarının aktif durumu ve gerginliği gırtlak, boyun ve yüz kaslarına refleks olarak aktarılmamalıdır. Sessiz egzersizler ilk nefes desteği hissini oluşturur. 2. Tek ses üzerinde alıştırmalar. Sonraki egzersizlerde nefes alma sesle birleştirildiğinde bu hislerin geliştirilmesi ve güçlendirilmesi gerekir.

Başlangıç ​​olarak, birincilden tek bir sürekli ses alın, yani. en rahat ton, nüans mf'de, ağzınız kapalıyken. Önceki egzersizlerden tanıdık olan kas hislerini takip eden koro üyeleri, seslerini dinleyerek saflığa, eşitliğe ve stabiliteye ulaşırlar. Nefes almanın düzgünlüğü, sesin düzgünlüğü ile birleştiğinde bunu sağlar ve onun tarafından kontrol edilir. Bu alıştırmada ses saldırısı geliştirildi. Koro nefes alma konusunda ustalaştıkça, her türlü saldırının kalitesi ve hepsinden önemlisi yumuşaklık konusunda giderek daha katı talepler ortaya çıkıyor. 3. Gama egzersizleri.

Nefes almayı ve ses saldırısını geliştirmeye yönelik bir sonraki egzersiz döngüsü, kademeli olarak iki sesten başlayıp ondalık oktav içindeki bir diziyle biten dizi benzeri dizilere dayanmaktadır. Bu egzersizlerde nefes alma tekniği ve destek hissi daha karmaşık hale gelir. Elastik nefes alma ile sorunsuz bir şekilde bağlanan ses değişimine bir adaptasyon vardır. Sürekli bir ses ve gam dizisi söylerken nefes alma hissindeki fark, hareketsiz dururken ve yürürken bacaklardaki kas esnekliği hissindeki farka benzer.

İkinci durumda, destek bir bacaktan diğerine hareket eder ve vücut, şok hissetmeden yumuşak bir şekilde hareket eder. 4. Legato olmayan alıştırmalar. En kolay dokunuş olarak sesleri Legato olmayanlarla doğru şekilde birleştirme becerisine başlanması tavsiye edilir. Legato olmayan vuruşta sesler arasında algılanamayan bir duraklama, gırtlak ve bağların farklı bir perdeye uyum sağlaması için zaman kazanması için yeterlidir. Legato olmayan sesleri birleştirirken, sonraki her sesin şok olmadan çıkmasını sağlamalısınız. 5. Legato'da Egzersizler.

Legato vuruşu şarkı söylemede en yaygın olanıdır ve ustalığına özel dikkat gösterilmelidir. Egzersizler her üç Legato kuru, basit ve legattissimo türünde de çalışır. Seslerin arka arkaya düzgün bir şekilde bağlanmasıyla karakterize edilen, en ufak bir kesinti olmadan, aynı zamanda kayma olmadan kuru bir Legato ile başlamanız gerekir. Legato egzersizlerinde yalnızca yumuşak veya karışık ses atağı kullanılır.

Sağlam bir saldırı, 10,c 64 no'lu bir duraklamanın yokluğunda bile sesi ifade eder. Basit bir Legato'da sesten sese geçiş, algılanamayan bir kayma ile gerçekleştirilir. Bu tekniği en iyi şekilde gerçekleştirmek için, kuru Legato becerisini kullanarak, bir sonraki sesin ortaya çıkmasından hemen önce, bir önceki sesin verilenlere göre algılanamaz bir şekilde uzatılmasıyla kayan geçişin kısa bir süre yapılmasını sağlamak gerekir. tempo ritmi. Legattissimo'ya gelince, şarkı söylerken bu sadece basit Legato'nun en mükemmel icrasıdır.

Legato vuruşunu gerçekleştirirken sanatsal göreve uygun olarak iki nefes tekniği kullanılabilir. Birincisi, yaylı çalgılarda tek yay ile Legato çalmaya benzer şekilde sürekli ve eşit bir nefes vermedir. İkincisi, Legato vuruşunu yaparken tellerdeki yayın değişmesine benzer şekilde, bir sonraki sese geçmeden önce nefes vermeyi yavaşlatan bir azalmadır. 6. Stacatto'da Egzersizler. Staccato vuruşuyla şarkı söylerken nefes almayı ve sağlam bir atağı geliştirmek için çok faydalıdır.

Bir sesi tekrarlayarak başlamanız ve ardından yavaş yavaş gamlara, arpejlere, sıçramalara vb. geçmeniz gerekir. Tüm Staccato türlerini yumuşak, sert, staccatticimo kullanarak. Staccato'yu bir duraklamayla, sesler arasında bir duraklamayla söylerken, kaslar gevşemez, ancak nefes alma pozisyonunda kesinlikle sabitlenir. Sesin nefes verme anının ve duraklama duraklaması sırasında nefesin tutulmasının değişmesi çok ritmik olmalı ve her sese kreşendo ve azalma eşlik etmemelidir. Bu teknik, yayı 10 numaralı telden çıkarmadan keman üzerinde Staccato çalmaya benzer, c. 67. Deneyimsiz şarkıcılar Staccato'yu icra ederken her sesten önce duraklayarak nefes almaya çalışırlar, bu da Staccato'yu hatalı ve egzersizi işe yaramaz hale getirir. Staccato şarkısını söylemek için hazırlık jimnastiği egzersizi, nefes alma mikro dozlarda yavaş yavaş kazanılır, her mikro nefesten sonra nefes tutulur ve sabitlenir, nefes alma ve duraklamaların değişimi kesinlikle ritmik olmalıdır; nefes verme de mikro dozlarda, dönüşümlü olarak gerçekleştirilir. duraklar-duraklar. 7. Arpejli egzersizler ve sıçramalar.

Arpejli egzersizleri söylemek, nefes alma konusunda yeni talepler doğurur. Sesler arasındaki aralıklar ne kadar geniş olursa, Legato vuruşuyla şarkı söylerken bunları birbirine bağlamak o kadar zor olur.

Geniş aralıklarla yapılan hareketler, sesin kayıt koşullarını sesten sese keskin bir şekilde değiştirir ve nefes akışını artırır. Uzun bir süre yukarıya doğru hareket etmeden önce, nefes alma kasları harekete geçirilir, bir nefes alma taklidi kullanılır - diyaframın yavaşça, serbestçe ve anında aşağıya doğru bastırılmasıyla yapılan sahte bir nefes alma; bu, karın kaslarının ileri doğru yumuşak bir sarsıntı hareketi ile dışarıdan ifade edilir, göğsün üst ve orta kısımlarının tam hareketsizliği ve serbest stabilitesi ile.

Bu tekniğin zorluğu nefes alırken değil nefes verirken yapılmasıdır. 8. Solunum serbestleştirme tekniği. Bazen, nefes almayı değiştirirken, özellikle de ezilmiş bir ritimle hızlı tempoda ve oluşumların birleşim noktalarında duraklamaların olmaması durumunda, cümlelerin sonları bulanıklaşır. Bu durumlarda, dikkati cümlelerin sonuna çevirerek, nefesi cümlenin son sesinin sonuna bırakarak anında nefes değiştirmeyi sağlayacak bir teknik sunmak faydalı olacaktır. bir sonraki sesi almayı değil, bir öncekini kaldırmayı düşünün.

Bu durumda diyafram anında aşağı bastırılarak nefes alma pozisyonunda sabitlenir ve bu şekilde cümlenin bazen çok kısa olan son sesinin kaldırılması refleks olarak anlık nefes alımıyla birleştirilir. Bu egzersizi yaparken lider, duraklamanın anlık olmasını ve ondan önceki sesin tamamen tamamlanmasını sağlar.

Her vuruşta nefes alma değişir. 10c.65 nefesi bırakırken sesin sonunun vurgulanmasına izin verilmez. Rezonatör ve artikülasyon aparatlarını kullanma becerisi. Rezonatörler ve eklemleyici organlar işlevsel olarak birbirine bağlı olduğundan bu beceriler kombinasyon halinde geliştirilir. Doğal formlarında rezonatörler genellikle her biri kendi aralığının kendi bölümünde izolasyon halinde çalışır. Eğitim, doğal olarak göğüs rezonatörünü de içeren aralığın ana tonlarıyla başlar.

Doğru ses ayarı, tüm aralık boyunca yüksek bir konumda yakın bir sesle şarkı söylemeyi içerir. Bu koşullar dikkate alınarak, ilk alıştırmalar verilir: yakın ve tiz seslerde baş rezonatörünün açılmasına yardımcı olan si ve mi heceleri üzerinde tek, sürekli birincil seslerin söylenmesi ve aynı zamanda çeşitli seslerin azalan ve artan artan dizilerinin gerçekleştirilmesi. si-ya ve mi-ya hecelerinin kombinasyonları üzerine. Bir erkek koroda, birinci oktavın D'sinden başlayarak saf falsettoda azalan diziler gerçekleştirilerek, falsetto sesi vokal aralığının alt seslerine aktarılarak yüksek pozisyon hissi elde edilebilir.

Belirli ünlü ve ünsüz seslerin birleşimi, yakın ve tiz bir ses elde edilmesine katkıda bulunur. B, d, z, l, m, p, s, t, c kombinasyonu sesi n, p, g, k'ye yaklaştırır - kaldırır. i, e, yu sesli harfleri yüksek sese katkıda bulunur. Lu, li, du, di, mu, mi, zu, zi hecelerinde karışık ses oluşumu elde ederek baş ve göğsü birbirine bağlamak uygundur. Şarkı söyleme egzersizlerinin çoğunu, tüm şarkıcılar için uygun olan nötr kayıt bölgesinde yaptığımızı söylemeliyim.

Sessiz nüanslarla, ancak genel olarak harika bir aktiviteyle gerçekleştirilirler. Ve yalnızca 1-2 final egzersizi tüm seslerin tüm aralığını kapsar ve tamamen serbest bir tonda söylenir. Her provaya vokal egzersizleriyle başlıyoruz, oradaki ses aparatını repertuar üzerinde çalışmaya hazırlıyoruz. Bir veya başka bir koro grubu tarafından gerçekleştirilen bir dizi eser olarak repertuar, tüm faaliyetlerinin temelini oluşturur, katılımcıların yaratıcı faaliyetlerinin gelişimine katkıda bulunur ve koronun çalışmalarının çeşitli biçimleri ve aşamalarıyla doğrudan bağlantılıdır. İster bir prova ister yaratıcı bir konser olsun, kolektifin yaratıcı yolunun başlangıcı veya zirvesi.

Repertuar tüm eğitim sürecini etkiler, müzikal ve teorik bilgiler temelinde biriktirilir, vokal ve koro becerileri geliştirilir, koronun sanatsal ve performans yönetimi oluşturulur. Ustalıkla seçilmiş repertuar, kolektifin becerisinin büyümesini, gelişim beklentilerini ve görevlerin yerine getirilmesiyle, yani nasıl şarkı söyleneceğiyle ilgili her şeyi belirler. Sanatçıların dünya görüşünün oluşması ve yaşam deneyimlerinin genişlemesi, repertuarın anlaşılmasıyla gerçekleşir, bu nedenle koro performansına yönelik belirli bir eserin yüksek ideolojik içeriği, repertuar seçiminde ilk ve temel prensiptir. Amatör grupların repertuvarı, türler, üslup, tema, sanatsal performans açısından oluşumunun kaynakları açısından çok çeşitlidir, çünkü amatör performans kavramının kendisi çok yönlü ve heterojendir. Hem yetişkin hem de çocuk akademik koroları, konser programının yetkin ve özenli performansıyla bile, hem sanatçıların hem de dinleyicilerin asıl amacı olması gereken o özel ruh halini her zaman hissetmezler.

Bu durum ruhun yaşamı olarak tanımlanabilir. Bu devlet bir sanatçıyı, yazarı, ressamı, müzisyeni ele geçirdiğinde bir mucize gerçekleşir! Bu haliyle insan, bir başkasının ruhunu kavrar, bir başkasının hayatını en gerçek duygularla yaşar, gizemli bir şekilde geçmişe nüfuz eder ve geleceği görür, cansızı canlandırır.

Ve eğer sahnede böyle bir ruh yaşamı belirirse, o zaman eğitim denilen şeyi sanat yoluyla ilahi bir kıvılcım taşır. Çünkü bu eğitim, insan ruhuna açılıp kendisi gibi olanlarla akrabalık kurabilmesi için yapılan bir çağrıdır34, s.147. Peki sahnedeki koro üyelerinde bu gerçek ruh yaşamını nasıl canlandırabiliriz? Sonuçta onlardan istenen, reenkarnasyon denilen şey, halüsinasyon noktasına varacak kadar yoğunlaşan farklı bir psikolojik duruma geçiş! hayal gücü ve hayal gücü işi! Ancak herkesin ruhu bu kadar şekillendirilebilir değildir ya da hayal gücü bu kadar parlak değildir. Amatör koro performanslarında gerçek sahne yaratıcılığının önünde birçok başka engel vardır: işten veya dersten sonraki fiziksel yorgunluk, sinirsel aşırı yüklenme, konserlerle hiçbir şekilde ilgisi olmayan diyet ve dinlenme, yeterince öğrenilmemiş çalışmalar vb. İnsan bu aşamada hayatında hiç karşılaşmadığı bir şeyi hayal etmeli ve hissetmelidir.

Ve yaratıcılığının sonucunu her zaman doğru bir şekilde değerlendiremez.

Yalnızca orkestra şefi onun yargıcı ve öğretmenidir; onu hedefe yönlendirir, değerlendirmesiyle sanatsal zevki, zekayı, sanata ve hayata karşı ahlaki tutumu geliştirir.

Bir orkestra şefinin, bir sanatçının, bir öğretmenin sahtekarlıkla yetinmeye hakkı yoktur! Ve tüm koro üyelerinin farklı zekası, mizaçları, yaşam deneyimleri, ruh halleri, durumları vb. olsun, onlara sahnede yaşamayı öğretmek çok zor olsa da sanatta maneviyat eksikliğinin bir açıklaması var ama olabilir gerekçe olamaz.

Söylenenlerden en az iki sonuç çıkarılmalıdır. Birincisi, bir şef-koro şefinin aynı zamanda orkestra şefi-sanatçı olabilmesi için özel bir eğitim potansiyeline, bilgi birikimine, sanat zevkine, pedagojik beceriye ve yaratıcı mizaca sahip olması gerekir.

Böyle bir lider, birçok farklı insanı ortak empatiye, yaratıcı ruh yükselişlerine uyum sağlayabilir ve yetişkinlerin veya çocukların hayal gücünü ve fantezilerini, kendileri için yeni olan düşünce ve duygularla zenginleştirebilir. Koro şarkı söylemenin ikinci maneviyatı, genellikle vokal-koro müziği icra etmenin genel ilkelerinin cehaleti veya cehaleti nedeniyle sekteye uğrar; bunlara uyulması sanat için teknik bir destek görevi görür ve ilhamın ortaya çıkmasına katkıda bulunur.

En sık karşılaşılan sorunlar 1. Müzik ölçüleri ile metinsel mantık arasındaki ilişki 2. Dinamik kontrastların kullanımı 3. Eserin ruhu olarak tempo 4. Psiko-duygusal durumun tonlama kalitesi üzerindeki etkisi 5. Tını düzenlemesi 6 Yaratıcı düşünmenin bir göstergesi olarak ses bilimi 7. Koro topluluğu 8. Formasyon 9. Uygulamada süper bir görev. Yukarıdakiler koro icrasının çeşitli görevlerini kapsamamaktadır. Müzikal ölçümler ve metin mantığı.

Şarkı söylemenin ifade edilebilirliğinin önündeki büyük bir engel, kelimelerin mantıksal vurguları ile müzikteki ölçülü vurgular arasındaki tutarsızlıktır. Bu farklılık özellikle ayet biçiminde görülmektedir. Sonuç, dilin yerli olduğu ve anlamın algılanmasının zor olduğu yönünde garip bir duygudur. Rus halk şarkısı And I in the Meadow'da, icra edildiğinde metnin bazı satırları mantıksal ve metrik vurgular arasındaki tutarsızlıkla gözle görülür şekilde vurgulanıyor, bazen modern doğru telaffuzun estetiğini aşırı derecede ihlal ediyor - bir sivrisinekle dans ettim - eklemleri ezdim - Anneme bağırdım vs. Türküler söylerken sıklıkla böyle oluyor.

Sadece halk şarkılarında değil, Rusçada da bu fenomenin nedeni açıktır 1. Bu şarkılar sahne için tasarlanmamıştı. 2. Yaratıcılarının ve icracılarının çevresi başlangıçta köy, köy, bölge sınırlarıyla sınırlıydı ve bu nedenle şarkıların sözleri çocukluktan beri tanıdıktı. Müzik ölçüsünün önceliğini önceden belirleyen birçok şarkı hareket halinde, işte, dansta icra edildi.

Bunlar ve diğer koşullar birlikte, prensipte elbette korunması gereken belirli bir performans tarzına yol açtı. Bununla birlikte, kelimelerde ve müzikte vurgunun çakışması, kural olarak, kelimenin ve görüntünün ifade gücünü arttırır ve tutarsızlık, izlenimleri zayıflatır ve siler. Bu nedenle, bu mümkün olduğunda, kelimelerle müzik arasındaki ölçü farklılığının, icra araçlarıyla, vurguyu az çok vurgulu bir şekilde kelimedeki vurguya kaydırarak üstesinden gelmek gerekir. Diğer bir sorun ise ekstra aksanlarla ilgilidir. Kurallar şu şekildedir: 1. Bir kelimede birden fazla vurgu olmamalıdır. 2. Basit bir cümlede birden fazla vurgulu kelime bulunmamalıdır. 3. Soru cümlelerinde asıl vurgu soru kelimesine yapılır.

Bir sonraki sorun, stresi sürekli sese taşımaktır. Eğer sözcüğe ve bu sözcüğün ifade ettiği imgeye karşı duyarsız bir tutum varsa bu tür yer değiştirmeler oldukça sık yaşanır. Bir kelimede iki vurgu olduğu ortaya çıktı. Buna izin verilemez.

Dinamik kontrastlar. G.P. Stulova'ya göre, performans görevlerini anlamak için işitmenin önemli bir özelliği, güç ve yükseklik açısından aynı ses duyumlarını alırken işitsel organın sinir enerjisinin nispeten hızlı tükenmesidir. Buna göre, enstrümantal veya vokal bir performansın sanatsallığını değerlendirmenin estetik kriteri, dinamik kontrast ilkesi olan nüansın çeşitliliği ve inceliğidir.En canlı işitsel izlenim, dinamik karşılaştırmalar açısından zengin bir performans tarafından bırakılır. Vokal ve koro performansındaki dinamiklerin yoksulluğu genellikle kusurlu ses yönlendirmesiyle ilişkilendirilir.

Herkes sessizce iyi şarkı söylemenin yüksek sesle şarkı söylemekten daha zor olduğunu bilir ve vokal kreşendonun ve özellikle diminuendo'nun sesini inceltmek profesyoneller için bile zor bir iştir. Bu, tüm çalışmayı ve bazen de tüm programı yaklaşık olarak aynı ses tonunda gerçekleştirmenin ana nedenlerinden biridir ve bu, koro üyelerinin çoğunluğu için en uygun olanıdır. Farklı ve daha derin! Bunun nedeni, eserin ifadesiz figüratif yorumunda, sanatçıların ve her şeyden önce orkestra şefinin yaratıcı hayal gücünün yoksulluğunda yatmaktadır.

Dinamik, müzikteki ışık ve gölgelerdir. Farklı görüntüler farklı aydınlatma gerektirir. Kusurlu ses oluşumunda bile, sanatçılar her kelimenin ve eserin tamamının görüntüsüne girerse ve bunu şarkı söyleyerek ifade etmeye çalışırsa dinamik palet etkileyici olacaktır. Bu nedenle şefin asıl görevi koroda p veya pp, mf veya ff nüansını gerektiren duyguyu uyandırmaktır! Aynı zamanda orkestra şefi, şarkıcıların dinamik duyumlar yoluyla istenen psikolojik duruma girmelerine yardımcı olmak için bakışlarının ve jestlerinin yoğunluğuyla korodan gerekli sesi talep etmelidir. Performansın canlı, dinamik bir resmini oluşturma hedefi konusunda bir anlayış varsa, sonuç kesinlikle şarkı söylemeye yansıyacaktır.

İşte D. Bortnyansky'nin metnindeki görsellerden, şarkı sözlerinden gelen nüansın bir örneği. M. Kheraskova Kohl muhteşem. Bu çalışma, dinamiklere hakim olma becerilerini mükemmel bir şekilde geliştirir mp Zion'daki Rabbimiz ne kadar muhteşemdir sevgiyle - Dili ifade edemez O cennette tahtta görkemli bir şekilde büyüktür - p Yeryüzündeki çimlerin bıçaklarında büyük bir kontrast vardır. küçük mf - Her yerde, Tanrım, her yerde sen yüce bir tesbihsin - Gündüzleri sp - Geceleri - gündüz ve gece arasındaki zıtlık - Işıltı mf'ye eşittir Ölümlüleri güneşle hafif ve özgürce aydınlatıyorsun - p - Seviyorsun biz, ey Tanrım, sessiz sevgi dolu çocuklar gibi - mf - Sen bizi özgürce yemeklerle besledin Crescendo Ve bizi Zion şehrinde inşa ettin. şükran - sp - Sen, ey Tanrım, günahkarları selametle ziyaret et - Ve onları etinle beslersin pp - Sen, ey Tanrım, günahkarları duayla ziyaret edersin - Ve onları bedeninle beslersin.

Müziğin tekrarı nedeniyle dinamik bir palet geliştirmek özellikle nazım formunda zordur.

Metne yaratıcı bir yaklaşıma ihtiyaç vardır. Tempo işin ruhudur. Doğru tempo, sanatsal görüntünün psikolojik özüne doğru şekilde ulaşmanın sonucudur. Tek doğru tempodan en ufak bir sapma bile müziğin karakterini değiştirir. Yanlış tempo müzikal karikatüre yol açabilir.

Yanlış tempo algısının nedenleri arasında sahne performansı ve zayıf öz kontrol, hissedilmeyen veya yanlış anlaşılan sanatsal imaj, orkestra şefinin veya koro şeflerinin sahnede zayıf fiziksel sağlık durumu vb. sayılabilir. Çoğu durumda, çok hassas bir şekilde seçilmiş tempo, çok hızlı ve çok yavaş, tüm çalışma boyunca değişiklik yapılmadan korunmalıdır. Zor ama mükemmel hareket eşitliği ile inanılmaz bir uyum ve güzellik hissi ortaya çıkıyor.

Örneğin, M. Glinka veya Melnik F. Schubert'in Geçiş Şarkısını icra ederken tempo pürüzlüyse, o zaman müzikal sanatsal görüntüdeki ana şey, hareketin sürekliliği kaybolacaktır! Doğruluk ve düzgünlük müzikteki hareket sorununun iki yüzüdür. Üçüncü taraf temponun değişkenliğidir. Müzik bir metronom değildir; çoğunlukla tempo nefes alır. Konser uygulamalarında, koro ile eşlikçi arasında sıklıkla az çok fark edilir tempo farklılıkları ortaya çıkar. Bu, orkestra şefinin tempo ve agojik değişikliklerle görüntülerin karakterini vurgulamaya çalıştığı ancak eşlikçinin bunu fark etmediği veya hissetmediği durumlarda meydana gelir.

Tempo işin ruhudur. L. Beethoven'ın bu tanımına uygun olarak tempoyu hissetmek, müzikal imgenin ruhunu anlamak demektir! Bir orkestra şefinin performansın başlangıcında konsantre olması gereken en önemli şey tempo hissidir. Psiko-duygusal durumun tonlamanın kalitesi üzerindeki etkisi. Koroda temiz tonlama, bir koro şefinin temel sorunlarından biridir. Ancak çoğunluk yalnızca perdenin tonlaması ile ilgilenirken, sanatsal açıdan daha az önemli ve zor olmayan başka bir duygunun tonlama sorunu, sanatsal bir imaj var! Bir duygunun entonasyonu tınıyla, dinamiklerle bağlantılıdır ve perdeyi doğrudan etkiler. A capella eserlerinin tonlaması sıklıkla böyle bir sorunla karşılaşır: koro şefinin, belirli bir akor için gereken sesi şu veya bu portta gösterebileceği bir enstrümanı yoktur.

Bir piyanonun dengeli akordu, enstrümanın ideal akorduyla bile bazen psikolojik olarak ince tonlamanın sanatsal görevlerine karşılık gelmez.

Ses, mizacı olmayan, yaşayan bir enstrümandır. Vokal tonlama yalnızca işitmeyle değil, aynı zamanda işitsel algıları büyük ölçüde artırabilen hissederek de düzenlenir. Temperlenmemiş enstrümanları (keman ve çello) şarkı söyleme ve çalma konusundaki gerçek sanatsal deneyimin, hem aralığı azaltma yönünde hem de artırma yönünde ana perdeden az çok fark edilir sapmalara yol açması tesadüf değildir. Bu yaklaşımla, herhangi bir temperli enstrüman için tonlama oluşturmak, tonlama sırasında duygunun serbest hareketine müdahale ettiğinden çok sanatsal bir sonuç vermez.

Farklı duygusal tonlarda majör ve minör üçlüleri söylemenin psikolojik durumuyla ilişkili, özgür bir sistemin özgür sanatsal tonlamasının en basit deneyimi. Cenaze minörünün hafif hüzünlü, kararlı vb. hassas bir icrası ile tını ile birlikte 1. ve 5. adımların yüksekliği az çok değişecektir.

Büyük bir üçlüde 3. derecenin perdesi değişir. Koronun piyanoyla tutarsızlık korkusu olmadan özgürce ses çıkarması, aksine bilinçli olarak ses psikolojisi alanına doğru ilerlemesi iyidir. Bu, uygun performans yaklaşımı ve eğitimine sahip hem profesyoneller hem de amatör şarkıcılar için tamamen erişilebilir bir sonuçtur, çünkü müzik pratiğinde mutlak bir noktayla - müzikal seslerin yüksekliği değil, bir ses bölgesi - birbirine yakın bir ses şeridi ile karşılaşırız. birbirleri, belirli bir genişliğe sahipler ve aralıklar birçok tonlama tonu ve varyasyonunda farklılık gösteriyor. 17.s.54. Bunun ilginç bir örneği, G. Enescu'nun Oedipus Rex operasıdır; burada besteci, belirtilen sesten çeyrek ton daha yüksek veya daha düşük tonlama gerekliliğini belirtmek için notaların üzerinde özel simgeler kullanmıştır.

Eserlerin eşlikli tonlaması. Bu durumda tonlamaya aynı sanatsal ve psikolojik yaklaşım sadece mümkün değil aynı zamanda gereklidir.

Böyle bir tonlama olasılığı, tonlamanın ses bölgesi ve bazen ana perdeden önemli sapmalara sahip olan vibrato şarkı söyleme özelliği tarafından izin verilir. Görünüşe göre bu, vibratoyla şarkı söylemenin vibratosuz şarkı söylemeye göre daha anlamlı olmasının bir başka nedenidir. Titreşimsiz şarkı söylerken, şehvetli-figüratif tonlama olasılığı daralır, çünkü enstrümantal eşliğin arka planına karşı sesteki artan tonlama yanlış görünecektir.

Modal duyum majör majör veya minör minör renklerini alabilir. Tonlama, akorun işlevsel renklendirmesini şaşırtıcı derecede hassas bir şekilde takip eder. Eşlikteki uyumdaki işlevsel ve modal değişiklikle birlikte, sürekli olsa bile aynı ses, tını ve perdedeki değişikliklere incelikli bir şekilde tepki verir. Bu psikolojik tonlamadır, çünkü müzikteki modal ve armonik değişiklikler duyguyla, sanatsal imajın psikolojisiyle ilişkilidir.

Hem melodik hem de armonik tonlama yöntemlerine damgasını vuruyor. Tını düzenlemesi. Sesin tınısı, sesin perdesi, dinamiği ve gücüyle birlikte duyusal içeriğin ana taşıyıcısıdır. Şarkı söylerken tını güzelliği arzusu, ifadeye giden ana yollardan biridir. Vibrato, tını kalitesini belirler. Titreşimli ses duyusal olarak anlamlıdır. Vibrato'nun ortaya çıkışı, müzikal olarak ifade edici performans, ruhsal heyecanın elde edilmesi, ruhun tellerinin titreşimleri ile kolaylaştırılır. Akademik koro ve solo şarkı söylemede, görüntü için değil, ses için şarkı söyleme ve ses çıkardığı sürece ses verme konusunda güçlü bir eğilim vardır! Bu eğilim icrayı tını açısından monoton hale getirir.

Bu arada ses eğitimi başlı başına bir amaç değildir. Vokal sanatı her türlü sese izin verir: fısıltı, çığlık, sert ve aspire edilmiş saldırı, titreşimsiz şarkı söyleme, düz ses vb. eğer sanatsal bir imaj yaratmak için gerekiyorsa! Akademik vokal ses kriterlerinin tüm katılığına rağmen tını renklerini belirleyen kelimedir.

Ne yazık ki amatör korolar sıklıkla tını sesinin monotonluğundan muzdariptir. Sebepleri şunlardır: 1. Sanatsal ve figüratif çalışmadaki eksiklikler 2. Koro sanatçılarının entelektüel ve sanatsal gelişimlerine uygun olmayan bir repertuvar icra edilmesi 3. Seslerin yetersiz işlenmesi 4. Titreşimsiz şarkı söyleme 5. Yaşa bağlı olma Bunları çözme Amatör bir korodaki sorunlar sonsuz olasılıkların önünü açar. Ses bilimi yaratıcı düşünmenin bir göstergesidir.

Şarkı söylemede bir başka ifade gücü rezervi, çeşitli ses mühendisliği türlerinin kullanılmasıdır. Sanatsal imgelerle düşünen bir orkestra şefinin bu alandaki performansını çeşitlendirmesi ve ruhsallaştırması zor olmayacaktır. Eser, ses tasarımı açısından ne kadar bütünsel olursa, farklı bir dokunuşun görünümü de o kadar ferahlatıcı ve dekoratif olacaktır. Görüntülerin yorumlanması ve uygun ses tekniklerinin kullanılması her sanatçının zevkine ve hayal gücüne bağlıdır. Sorun, kelimenin şiirsel, sanatsal açıdan yaratıcı algısına ve ifadesine uyum sağlamaktır.

Bu tamamen basit bir iş değil, çünkü eğer kelimelerle çalışan dramatik oyunculara yetkin bir şekilde şarkı söylemeleri öğretilirse, aynı zamanda kelimelerle çalışan koro şeflerine sanatsal şarkı söyleme öğretilmez. Ve şef sadece şiiri anlamlı bir şekilde okuyabilmeli, aynı zamanda bunu amatör şarkıcılara da öğretebilmelidir, çünkü şarkı söylemek sanatsal okumayla aynıdır, ancak müzik sayesinde daha da anlamlıdır! Ses bilimi alanında koro şefinin cephaneliği çok zengindir.

Çeşitli vurgu türleri: dinamik, ritmik, tını, farklı ses atak türleri, yumuşak, sert, aspire edilmiş Legato ve Legato olmayan Staccato, Marcato, tüm bu dokunuşlar farklı kombinasyonlarda, yumuşaklık ve sertliğin, sesin ve hızın farklı tonlarıyla yapılmış, vb. - canlandırmak, boya uygulaması. Kelimelerle müzik arasındaki bağlantının sanatsal açıdan daha derin ve daha canlı olduğu aşk romanları ve koro minyatürlerinin yanı sıra şiir biçimindeki birçok şarkıda da kullanımları bulunabilir.

Örnekler sayısızdır. Sahadaki Rus halk şarkısında Legato ses tasarımıyla üç mısradan sonra bir huş ağacı dikilirken, sözlerle 4. mısrada ve dördüncü balalaykada sanki vurmalı doğasını taklit ediyormuş gibi Legato olmayan şarkı söylemeye geçmek çok doğaldır. bu enstrümanı çalıyorum. B. Dvarionas'ın Salome Neris, Blue Sister Vilia'nın mısralarından yola çıkarak yazdığı şarkıda, ilk iki mısranın dalgın epik doğasının yerini 3. mısrada bir savaş resmi alıyor. Notlar olmasa bile, burada sağlam bilimin doğasının Legato p Flow, Vilnyale'den Viliya'ya değişmesi gerektiği, Onunla Neman'a doğru koşması gerektiği, Anavatanı sevdiğimizi söyle Herkes için hayattan daha değerli, o Legato mp - Biz Zaferle döneceğiz Dikenli yoldan gidelim, mf - Yaraları otlarla saracağız, mp - Temiz çiğle yıka.

Staccato - Legato f - Yol kenarındaki taşlar Dünya'ya bizi anlatsın Marcato - Düşmanlarımızı nasıl kestik Onları Diminuendo'yu kovalayarak nasıl uzaklaştırdık - Legato mp - Acele et, kardeş Viliya Neman'a giden masmavi yol boyunca, s - Söyle, insanlara özgürlük Biz herkes için hayattan daha değerliyiz, bu Diminuendo - s. Besteci bazen koro notasında ses tasarımının ana karakterini veya temel değişimini belirtir.

Ancak temel olarak ses iletiminin figüratif yorumu orkestra şefinin yaratıcılığının sonucudur. Koro topluluğu. Koro topluluğu türleri çeşitlidir: ölçülü, tonlama, armonik, tını, dinamik, agojik, diksiyon, ortoepik. Herhangi bir koronun sanatsal performansı üzerindeki en yıkıcı etki, tempo-ritim tutarsızlığı, özellikle de giriş ve çıkışların eşzamanlı olmamasıdır.

Bu tür bir topluluk prova çalışmalarında ilk yerlerden biri olmalıdır. Tempo-ritmik tutarlılık, giriş ve çıkışların mutlak eşzamanlılığı, agoji esnekliği, birleşik tempo duygusu ve aynı zamanda ritim deneyimi ile öne çıkan bir koronun, birçok eksikliğine rağmen olumlu bir izlenim bıraktığı bilinmektedir. Açıkçası bunun nedeni, müzik duygusunun öncelikle metro ritmik bir duygu olmasıdır. Kesinliği bir uyum hissi verirken, uyumsuzluk uyumsuz ve nahoştur.

Ritmin sanatsal yorumu, koro üyelerinin ritmik topluluk hakkında özellikle incelikli bir anlayışa sahip olmalarını gerektirir. Bir şapelde çoksesliliğin icrası çoğu zaman tek tek parçaların bütüne göre dengesiz sesinden zarar görür. Sebepler 1. Koro partilerinde seslerin niceliği ve niteliği açısından eşit olmayan personel sayısı. 2. Harmonik sesin belirsiz performansı. Koronun ilk kez 2 sesle ve daha sonra 3-4 sesle şarkı söylediği andan itibaren, koro sesinde armonik renklerin tam olarak somutlaştırılması sorunu ortaya çıkıyor.

Uyum, müzikal imajın psikolojisinin ayrılmaz bir parçasıdır. Harmonik renklerin akışı ve değişimi icracının zihninde sözle, duyguyla ilişkilendirilmelidir. Çoğu zaman, ana melodiye sahip soprano her şeye hakim olur, çünkü korolar dinamik topluluk seslerini söylemeye alışkın değildir; Bütün koroyu dinlemeyin! Koro parçalarının eşit olmayan bileşimiyle, orkestra şefinin armonik topluluğu yönetme rolü özellikle artar.

Performans ilerledikçe orkestra şefi akorlardaki boşlukları duymalı ve bir bakış veya hareketle bunların hizalanmasına yardımcı olmalı, daha önemli sesi vurgulamalı, zayıf olanı güçlendirmeli ve yapay bir topluluk yaratmalıdır. Tüm teknik sorunlara rağmen, icracıların sadece akorları söylemediği ve armoninin canlılığını hissettiği armonik bir topluluk çok daha iyidir. Şekillendirme. Tanıdık ve tuhaf bir duygu, koro iyi şarkı söylüyor, performansın tınılarına, dinamiklerine ve bireysel ifade anlarına hayran kalabilirsiniz, ancak genel olarak monoton ve sıkıcıdır Şekillendirmenin temel ilkelerinden biri, sese olan ilgiyi tüm bölüm boyunca sürdürmektir. işin performansı.

Sanatçıların görevi metin ve müziğin doruk noktasını birleştirmektir. Bu hedef, müzikal ifadenin tüm araçlarını birleştirecektir: tempo, agoji, dinamik iniş ve çıkışlar, ses mühendisliği, tını renkleri vb. Ayet biçiminde, kural olarak, her ayetin kendi doruk noktası vardır. Orkestra şefinin görevi en önemli şeyi bulmak ve onu müzikal araçlarla vurgulamaktır. Teknikler çeşitlidir: artan ses tonunun zirvesinde fermata, dinamik sf ve sp vurguları, koro parçalarını yavaşlatma veya kapatma, solodan sonra tutti, genel duraklama vb. Önemli olan bir biçim duygusuna sahip olmak, görevi anlamak ve onu uygulamaya çalışmaktır.

Mimarinin şiir biçiminde hizalanmasının klasik bir örneği, M. Blanter'ın şarkısının icrasıdır: Güneş dağın arkasında kayboldu. Görüntünün ana karakteri, dinamikleri şekillendirmenin ana aracı olan tempo tarafından yaratılır. Performans, orkestrada ppp nüansında bir davul sesiyle başlar. İlk ayetteki koro s. İkinci dizede koronun ses tonu p'den mf'ye doğru artıyor. mf'den f'ye üçüncü ayet. Dördüncü - ff. Bu ayetin son iki satırı tekrarlandığında ses tonu azalmaya başlar, orkestranın sesinin alt tonu ve yoğunluğu kaybolur.

Şarkının süresi yavaş yavaş sönmeye yetmiyor ama beşinci dizede bir çıkış yolu bulunup ikincinin metni oluyor. Mf'den p'ye ters sırada nüans. Altıncı ayet, birincinin pp'den ppp'ye geçişle tekrarıdır. Performans formunun yaratıcı çözümü, uzaktan şarkı söyleyen, sanki yakınlardan geçiyormuş gibi yaklaşan ve sonra tekrar uzaklara giden bir dizi askerin neredeyse görünür bir resmini yaratıyor.

Süper görev. Bir eserin içeriğini anlatabilmek için öncelikle onun ana düşüncelerini anlamak ve bu eseri hayata geçiren duygularla iç içe olmak gerekir. Bu ana şey işin süper görevidir! İfadesi yürütmenin süper görevidir.

Basit çalışmalarda ana duygusal içerik genellikle sevgi, üzüntü, şefkatle açıkça ifade edilir, ancak bu durumlarda bile nihai görevi tanımlamak gerekir. Karmaşık çalışmalarda nihai görev, bazen iyi ve kötü, yaşam ve ölüm vb. gibi felsefi kavramlarla daha ayrıntılı olarak ifade edilmelidir. Bu tür çalışmalarda müziğin ana ruh hali sorunu her zaman açık değildir, çünkü genellikle M. Partskhaladze'nin korosunda olduğu gibi trajik bir dokunuşla hafif bir üzüntü yaratan zıt görüntülerden oluşur. Mumlar ağlıyor veya hassasiyet, sevgi ve ebedi ayrılığın önsezisi V. Gavrilin, Anne veya dua-itiraf , alçakgönüllülük ve tövbe, ruhun acı çekmesi ve iyileşmesi G. Caccini, Ave Maria, vb. Süper görev, Stanislavsky'nin görevlerini istisnasız kendine çeken ana, ana, kapsamlı hedef olarak açıkça kabul edilmelidir. Konser performansına yönelik notalar, koro şefi tarafından en ince ayrıntısına kadar evde çalışılır. Teknik zorlukların belirlenmesi ve bunların üstesinden gelmenin yollarının seçilmesinin yanı sıra, eserin figüratif ve performans analizi de gereklidir.

Bu bağlamda, bir kez daha sahnedeki ruhun yaratıcı bir sahne anlayışının ortaya çıkmasına katkıda bulunan performansın en önemli unsurlarına değinir miyiz? Kompozisyon ve performans görevinin ötesini anlamak mı istiyorsunuz? Yürütmenin mimari yapısının etkileyici biçimi? Ses oluşumunun kolaylığı ve doğallığı? Tonlamanın saflığı ve psikolojik imgeleri? Çeşitli sanatsal görüntülerin tasvirinde tını renklerinin zenginliği? Zengin dinamik tonlar mı? Temponun kesinliği ve esnekliği? Kelimelerin müzikal metrik düzenlemesinde mantık, metnin önceliği? Ses tasarımının çeşitli vuruşları ve görüntüleri? Orkestra şefinin ve koronun yaratıcı refahı ve ruh hali? Şefin yüz ifadeleri ve hareketleri eserin sanatsal imajıyla örtüşüyor mu? Güçlü şarkı sesleri ve eşlik eden enstrümanlar arasındaki denge koronun lehinedir.

Koro performansının özgüllüğü, öncelikle koro şefinin her zaman koro üyelerinin bireysel sanatsal isteklerini koordine etme ve yaratıcı çabalarını tek bir yönde birleştirme gibi zor bir görevle karşı karşıya kalması gerçeğinde yatmaktadır.

Prova süresi boyunca liderin ekibi bu eserin yorumunun uygunluğu ve doğruluğu konusunda ikna etmesi gerekir.

Her koro üyesinde yaratıcı sürece aktif olarak katılma eğilimini teşvik etmek gibi önemli bir görevle karşı karşıyadır. Amatör bir koro grubunun asıl amacı seyirci için çalışmak, yoğun konser ve performans faaliyetlerine girişmek, ne pahasına olursa olsun profesyonel korolara yaklaşmak, hatta onları aşmak için çabalamak değil, kültürel ihtiyaçları karşılamaktır. katılımcılarından.

Bu nedenle amatör performanslarda, öncelikle grup üyelerinin kendi eğitimleriyle ilişkilendirilen öğretme ve eğitme yönü büyük önem taşır ve bu sürecin doğal bir sonucu olarak konser etkinliği de sınırlı bir bileşendir. Konser ve performans faaliyetleri bir koronun yaratıcı çalışmasının en önemli parçasıdır.

Tüm prova ve pedagojik süreçlerin mantıksal sonucudur. Bir koronun konser sahnesinde halka açık bir performansı, sanatçılarda duygusal coşku ve heyecanla tanımlanan özel bir psikolojik durum uyandırır. Amatör sanatçılar, tercüman oldukları sanatsal imgeler dünyasıyla temastan gerçek bir mutluluk duyarlar.

Her konser performansı dikkatlice düşünülmelidir. Başarısız bir koro performansı, katılımcılarında derin duygular uyandırır. En zor konser performansı türü, bir veya iki bölümden oluşan bağımsız bir koro konseridir. Şapeldeki bu tür konserlere raporlama konserleri denir. Konser programı çeşitlendirilmeli. Bu, sanatsal görüntüler, müzik malzemesinin doğası, sunum tarzı vb. açısından kontrast oluşturan çeşitli eserlerin seçilmesiyle elde edilir. Orkestra şefinin sahnedeki davranışı, sanatı ve çekiciliği, konserin başarısını büyük ölçüde etkiler.

Konser ve performans etkinlikleri planlanmalıdır. Grubun konser performanslarının sayısı, grubun sanatsal ve yaratıcı yeteneklerine, icra becerilerinin düzeyine, hazırlanan repertuvarın niteliğine ve niceliğine göre belirlenmektedir. Çok az konser performansı, çok fazla konser performansı kadar kötüdür. Koronun her konser performansı koro grubuyla birlikte analiz edilmeli ve tartışılmalıdır.

Bundan sonraki konser ve performans faaliyetlerinde bunların giderilmesi için olumlu yönlerin fark edilmesi ve eksikliklere dikkat edilmesi gerekmektedir.

İş bitimi -

Bu konu şu bölüme aittir:

Amatör koroda profesyonel performans becerisi kazanmak

İnsanların duygu, düşünce ve iradelerini birleştirme özelliğine sahiptir ve bu nedenle insanların kültürel eğitim aracı olarak büyük önem taşımaktadır. Koro şarkılarına katılım insanlarda dostluk ve dostluk ruhunu uyandırıyor.Şu anda nüfusun önemli bir kısmının yüksek sanatsal değerlere, klasiklere ilgisi yok...

Bu konuyla ilgili ek materyale ihtiyacınız varsa veya aradığınızı bulamadıysanız, çalışma veritabanımızdaki aramayı kullanmanızı öneririz:

Alınan materyalle ne yapacağız:

Bu materyal sizin için yararlı olduysa, onu sosyal ağlardaki sayfanıza kaydedebilirsiniz:

yazılım gereksinimleri

Hedefler Programın temel gereksinimi çocuğa öğretmektir.

Anlamlı bir şekilde şarkı söylemeyi öğrenmek, basit, anlaşılır, ilginç şarkıları içtenlikle icra etmek.

Şarkı söylemenin sanatsal ve pedagojik önemi, çocukların müzikal görüntülerin içeriğini doğru bir şekilde anlamalarına, gerekli becerilere hakim olmalarına ve duygularını rahat, doğal şarkı söyleyerek ifade etmelerine yardımcı olmaktır. Örneğin, bir ninni çalarken şefkati, şefkati, hassasiyeti, gösteriyi vurgulayın.

şarkı sizi sakinleştirir ve uyumanıza yardımcı olur, bu nedenle sakin, melodik, yavaş tempoda, tek tip bir ritimle, yavaş yavaş kaybolarak çalınmalıdır. Yürüyüş neşe, kararlılık ve güç gerektirir. Yüksek sesle, kelimeleri net bir şekilde telaffuz ederek, orta derecede hızlı bir tempoda ritmi vurgulayarak söylenmelidir. Çocuk bu gereksinimlerin anlamını ve amaçlarını anlar.

Dersler sırasındaki ana görevler şunlardır:

çocukların şarkı söyleme becerilerini, ifade performansına katkıda bulunan becerileri geliştirmek;

çocuklara sınıf içinde ve dışında bir öğretmenin yardımıyla bağımsız olarak, bir enstrüman eşliğinde ve tek başına şarkı söylemeyi öğretmek;

müzik için bir kulak geliştirmek, doğru ve yanlış şarkı söylemeyi, seslerin perdesini, sürelerini, melodinin hareket yönünü ayırt etmeyi, şarkı söylerken kendinizi duymayı, hataları fark etmeyi ve düzeltmeyi (işitsel öz kontrol) öğretir;

yaratıcı yeteneklerin tezahürüne, oyunlarda tanıdık şarkıların bağımsız kullanımına, yuvarlak danslara ve çocukların müzik enstrümanlarının çalınmasına yardımcı olun.

Çocuğun sonraki tüm şarkı söyleme etkinlikleri - günlük yaşamda, tatillerde, kendi inisiyatifiyle veya anaokulu ve ailedeki yetişkinlerin önerisiyle ortaya çıkan eğlencede - büyük ölçüde sınıfta şarkı söyleme öğretiminin doğru organizasyonuna bağlıdır.

Sorunları başarılı bir şekilde çözmek için eğitim son derece önemlidir.

Çocukların beceri ve yetenekleri şunları içerir:

şarkı söyleme tutumu, vokal ve koro becerileri.

Şarkı söyleme tutumu doğru duruştur. Şarkı söylerken çocuklar omuzlarını kaldırmadan, kamburlaşmadan, sandalyenin arkasına çocuğun boyuna uygun olacak şekilde hafifçe yaslanarak dik oturmalıdır. Ellerinizi dizlerinizin üzerine koyun.

Vokal beceriler ses üretimi, nefes alma ve diksiyonun etkileşimidir. Nefes alma hızlı, derin ve sessiz olmalı, nefes verme ise yavaş olmalıdır. Kelimeler açık ve net bir şekilde telaffuz ediliyor. Dilin, dudakların doğru pozisyonunu ve alt çenenin serbest hareketlerini izlemek önemlidir.

Koro becerileri, topluluk ve oluşumun etkileşimidir. Fransızcadan çevrilen topluluk “birlik” anlamına gelir, yani. koro sesinin güç ve yüksekliğinin doğru oranı, uyum ve tını gelişimi. Akort hassas, saf şarkı tonlamasıdır.

Okul öncesi çocuklarına ses ve koro becerilerini öğretmenin birçok özelliği vardır.

Doğru ses üretimi ile ses üretimi çınlamalı ve hafif olmalıdır. Bu durumda çocuğun sesindeki kusuru ve çabuk yorulmasını hesaba katmak gerekir. Çocuklar uzun süre ve yüksek sesle şarkı söyleyemezler. Çocuklar dilleriyle şarkı söylerler, melodiklikten yoksundurlar. Daha büyük çocuklar melodik bir şekilde şarkı söyleyebilirler ancak bazen yüksek sesle ve gergin olabilirler. Okul öncesi dönemdeki çocukların nefes alıp vermeleri yüzeysel ve kısadır, bu nedenle sıklıkla bir kelimenin veya müzik cümlesinin ortasında nefes alırlar, bu da şarkının melodisini bozar.

Diksiyon (kelimelerin net telaffuzu) yavaş yavaş oluşur. Pek çok çocuğun konuşma kusurları vardır: ortadan kaldırılması uzun zaman alan çapak, peltek konuşma. Açık ve belirgin bir diksiyonun olmayışı şarkı söylemeyi yavaş ve zayıf hale getirir.

Çocukların bir toplulukta şarkı söylemesi zordur. Çoğu zaman genel sesin ilerisinde veya gerisindedirler ve başkalarını geride bırakmaya çalışırlar. Örneğin yeni yürümeye başlayan çocuklar cümlelerin yalnızca son kelimelerini söylerler.

Çocukların uyumlu şarkı söyleme becerisinde - saf tonlamada - ustalaşması daha da zordur. Bireysel farklılıklar özellikle dikkat çekicidir. Sadece birkaçı kolayca ve doğru bir şekilde tonlama yapıyor, çoğunluk ise tonlamayı keyfi olarak seçerek belirsiz bir şekilde şarkı söylüyor. Bu beceriyi geliştirmek için çalışmanız gerekir.

Genç ve orta yaşlı öğrencilerde şarkı söyleme becerilerini geliştirmenin bir yolu olarak ses egzersizleri

Kozlova Maria Borisovna, ek eğitim öğretmeni

Makale şu bölüme aittir: Müzik öğretimi

Vokal pedagojisi alanında seçkin bir isim olan Sanat Tarihi Doktoru Profesör V.A. Bagadurov şunları yazdı: “Birkaç yüzyıl boyunca çocukların vokal pedagojisinin tarihi, çocukların sesini sahnelemeye yönelik özel teorilerin hiçbir zaman var olmadığını mutlak bir netlikle gösteriyor. . Çocuk sesleriyle çalışmanın yaşa ve çocuğun ruhuna göre belirlenen bazı özellikleri, çocukların algısının özellikleri elbette dikkate alınmalıdır, ancak bu ses eğitiminin ilkeleriyle değil pedagojik öğretim yöntemleriyle ilgilidir.

Ses eğitiminin temel ilkeleri hem profesyonel şarkı söyleme eğitiminde hem de okuldaki müzik eğitimi sisteminde aynıdır; hem yetişkin şarkıcılar hem de çocuklar için. Belirli bir yaştaki psikolojik özellikler ve fizyolojik yetenekler nedeniyle yalnızca çocuğun sesini yükseltmenin özelliklerinde bir fark vardır. Özellikle mutasyon döneminde çocuklarla çalışırken ses tasarrufu teknolojilerinin kullanılması zorunludur. Ayrıca çocukların ses eğitimi biraz farklı müzik materyalleri kullanılarak gerçekleştirilmektedir.

Şarkı söylemenin en önemli görevlerinden biri sadece ses aparatını işe hazırlamak değil, aynı zamanda öğrencilerde temel şarkı söyleme becerilerini geliştirmektir. Bunlar arasında şunları sayabiliriz:

şarkı söyleme kurulumu;

şarkı söyleme nefesi ve ses desteği;

yüksek vokal pozisyonu;

hassas tonlama;

tüm ses aralığı boyunca sesin düzgünlüğü;

çeşitli ses bilimi türlerinin kullanılması;

diksiyon: artikülasyon ve ortoepik beceriler.

Tüm ses becerileri birbiriyle yakından bağlantılıdır, bu nedenle üzerlerindeki çalışmalar paralel olarak yürütülür. Doğal olarak, her ses egzersizinin belirli bazı becerileri geliştirme hedefi vardır, ancak bunu yaparken diğerlerini göz ardı etmek imkansızdır. Küçük bir şarkıcı için asıl zorluk budur - sürdürülebilir bir sonuç elde etmek için derslerde edinilen tüm bilgi, beceri ve yetenekleri kesinlikle kullanmanın gerekli olduğunu öğrenmek.

İlk aşamada, şu veya bu tekniğin inceliklerine ulaşmadan, bu becerileri temel formlarında geliştirmek gerekir. Gelecekte, şarkı söyleme becerilerinin sürekli olarak pekiştirilmesi, geliştirilmesi ve iyileştirilmesi, sesin kültürü ve doğruluğu, tınıların güzelliği, daha karmaşık müzik materyalleri üzerinde ince ve çeşitli nüanslar üzerinde derinlemesine çalışmalar yapılacaktır.

Tekniklerin evrenselliğine bir örnek, M. I. Glinka'nın “eşmerkezli” yöntemidir. Rus vokal okulunun temeli olduğu gibi çocukların şarkı söyleme eğitiminin de temeli olabilir. M. I. Glinka tarafından formüle edilen gereksinimler, çocuklarla ve yetişkinlerle, yetersiz eğitimli şarkıcılarla ve profesyonel şarkıcılarla çalışırken etkilidir. Modern araştırmalardan elde edilen veriler, Glinka'nın tüm temel hükümlerinin doğruluğunu doğrulamaktadır. Tabii ki, belirlenen ses gelişimi kalıplarına göre yavaş yavaş desteklenirler.

“Eşmerkezli” yöntem, M. I. Glinka tarafından yıldan yıla sistematik kullanım için geliştirilen istikrarlı egzersizleri içerir. Vokal ve koro eserlerinde bulunan unsurları çeşitli versiyonlarda sunarlar. Yöntemin özü aşağıdaki gibidir:

Zayıf, zayıf gelişmiş şarkı sesleri (aynı zamanda hasta olanlar için) için temelde çalışabileceğiniz ses seviyesi, aralığı - sağlıklı şarkıcılar için sadece birkaç ton - bir oktav. Her iki durumda da gerilim olmamalıdır.

Acele etmeden, yavaş yavaş çalışmanız gerekiyor.

Hiçbir durumda zorla ses çıkarılmamalıdır.

Orta tonda şarkı söylemelisiniz (ne yüksek ne de alçak).

Şarkı söylerken ses kalitesine ve özgürlüğe en fazla dikkat edilmelidir.

Ses gücünün düzgünlüğü üzerinde çalışmak büyük önem taşımaktadır (birinde, farklı seslerde, tüm cümlede). Bu çalışmanın daha da sınırlı bir aralıkta yapılması tavsiye edilir.

Ses kalitesi açısından tüm seslerin eşitlenmesi gerekir.

Kesinlikle M.I.'nin tüm tavsiyelerinin olduğunu belirtmek isterim. Glinka modern sağlık gereksinimlerini karşılar. Sonuçta bana öyle geliyor ki bir ses öğretmeninin asıl görevi, sesin tüm nüans çeşitliliğiyle nasıl kullanılacağını öğretmek, tınının güzelliğini ortaya çıkarmak ve ses tellerinin dayanıklılığını geliştirmektir. Öğrencilerimiz her zaman profesyonel sanatçılar olmuyorlar, ancak ses aparatını doğru kullanma becerisi, onlara yalnızca büyük ses yüküyle ilgili mesleki faaliyetlerde değil, aynı zamanda insanlarla iletişim kurmada da yardımcı olacak, konuşmalarını tonlama açısından çeşitli yapmalarına yardımcı olacak ve Okuryazar.

Özel egzersizler kullanılarak ses tekniklerinin sistematik gelişimi, değerli bir beceriye - bunların kullanımının "otomatizmine" yol açar. Bu prensip, kendi kendini düzenleyen bir sistem olarak ses aparatının otomatik olarak optimumu bulduğu ve aynı zamanda karşılık gelen kas sistemlerini çalıştırdığı en basit operasyonların tekrar tekrar gerçekleştirilmesinden oluşur. Farklılaştırılmış bir yaş aralığının ustaca kullanılması, uygun bir tessiturada repertuar seçimi ve zorlanmış sesin hariç tutulması, doğal sesin, ses oluşturan organların uyumlu gelişiminin ve öğrencilerin bireysel tınılarının tanımlanmasının sağlanmasını sağlar.

Şarkı söyleme yükünün çocuk sağlığı üzerindeki etkisi.

Şarkı söyleme yükünün öğrencilerin sağlığına etkisinin bilinmesi son derece önemlidir. Öğretmenin, bir çocuğun sesinin gelişiminin yaşa bağlı özellikleri hakkındaki bilgisi (özellikle mutasyon döneminde), ses becerilerinin doğru oluşumuna katkıda bulunur, ancak bunlara uyulmaması, ses aparatının bozulmasına ve hatta hastalıklarına yol açar. Şarkı söylemek, vücudun tüm hayati sistemlerinin dahil olduğu karmaşık bir psikofiziksel süreçtir. Şarkı söyleyen organlara ek olarak, kardiyovasküler ve nöroendokrin sistemler de şarkı söyleme yüküne yanıt verir; şarkı söylemeye nabız, kan basıncı ve vücut ısısını değiştirerek yanıt verir. Doğru şarkı söyleme yüküyle bu değişiklikler önemsizdir ve vücut için tehlikeli değildir. Dahası: Bir öğretmenin sürekli gözetimi altında sistematik şarkı söyleme dersleri iyileştirici bir rol oynayabilir, özellikle nefes alma ve kan dolaşımı iyileşir, kafa içi basınç azalır, logonevrozun sonuçları hafifletilir vb. Ayrıca kulak burun boğaz uzmanları tarafından yapılan araştırmalar, Avrupa akademik karma-örtülü tarzda şarkı söyleyen çocuklarda bademcik iltihabının, nazofarenks ve üst solunum yolu nezlesinin alevlenmelerinin tedavisinin kolaylaştırıldığını göstermektedir. Bronşiyal astımdan muzdarip çocukların tedavisi için önemli olan bronkospazmı hafifletmek için bir destek üzerinde nefes alarak şarkı söyleme becerisinde ustalaşmanın önemini de göz ardı etmek imkansızdır.

Böylece, kesinlikle herkes için belirli bir düzeyde ses becerisi gelişiminin gerekli olduğu sonucuna varabiliriz - parlak ses yeteneklerine sahip olanlar, beşte bir oranında doğru tonlama yapabilenler, opera sahnesini hayal edenler ve mühendis olmayı hayal edenler. . Doğru şarkı söyleme gelişimi yalnızca kişisel niteliklerin oluşmasına değil, aynı zamanda çocuğun daha uyumlu fiziksel gelişimine de katkıda bulunur. Söylenenlerin hepsine dayanarak, ses korumanın ana biçiminin doğru şarkı söyleme eğitimi olduğu sonucuna vardık.

Ses aparatlarını işe hazırlamak ve temel şarkı söyleme becerilerini geliştirmek için her derste kullandığım ses egzersizlerine geçelim. En önemli özelliklerden biri, egzersizleri yaparken “otomatizm” becerisinin oluşmasıdır, bu nedenle hepsi her zaman belirli bir sırayla, çocuğun birincil bölgesine göre belirli bir aralıkta söylenir. Bir süre sonra, capella söylerken bile çocuklar her zamanki notalarından şarkı söylemeye başlarlar, bu da elbette işitsel duyularının iyi oluştuğunu gösterir.

7-9 yaş arası çocuklarla çalışırken, çocuklarda ilgi uyandırmaya ve ulusal melodilere sevgi aşılamaya yardımcı olan Rus halk şarkılarını yaygın olarak kullanıyorum. Buna ek olarak, müzikal fikirleri genellikle kısa ve özdür ve genellikle küçük çocukların tonlamanın karmaşıklığına odaklanmamasına yardımcı olacak kademeli bir yapıya sahiptirler.

1. İlk ilahimiz bir tanıtım şarkısıdır. Tonlamanın verilen notadan kaymasını önleyen aktif artikülasyon ve destekleyici nefes oluşturulur.

2. Majör saniyenin geniş tonlamasına ve toniğin kararlı, kendinden emin şarkı söylemesine hakim olmanıza yardımcı olacak bir egzersiz. Büyük, orta boy çanlar ile çok küçük çanların sesinde bir paralellik kurabilirsiniz. İkinci oktava geçerken çocuklar elleriyle küçük bir zili sallamayı taklit eden bir hareket gösterirler. Bu hafif kas hareketi bağlara iletilir ve seslerin sesi daha hafif ve tonlama açısından daha doğru hale gelir.

3. Çocuklarımın en sevdiği egzersizlerden biri. Bunu yapmadan önce, onlardan avuçlarında küçük bir tavşanın oturduğunu hayal etmelerini istiyorum (her insanın ne tür bir tavşana sahip olduğunu sormak ilginç olabilir - yeşil gözlü gri olanlar ve mavi gözlü kırmızı olanlar var!) . “Po” ​​hecesinin çeyrek notasını çalarken onu nasıl vurduğumuzu gösteriyoruz ve sonraki sekizlik notalarda ellerimizle hafif hareketler yaparak tavşanın nasıl kaçtığını gösteriyoruz. Bu çok kolaydır, oyunda çocuklar legato ve staccato vuruşlarına aşina olurlar.

4. Aşağıdaki alıştırma majör tetrakordun artikülasyon becerilerini ve şarkı söyleme becerilerini geliştirmek için son derece faydalıdır. En üst sesin icrasında uyuşukluk varsa, çocuklardan merdivenden yukarı ve aşağı hareketi elleriyle taklit etmelerini istiyorum, ancak onlardan en üst basamağa yukarıdan adım atmalarını ve üzerine "sürünmemelerini" istiyorum. Genellikle böyle bir teklif gülümsemelere ve kahkahalara ve ardından görevin doğru şekilde yerine getirilmesine neden olur.

5. Bir sonraki alıştırma 5 sesten oluşuyor. Böylece her alıştırmaya bir ses ekliyoruz. Bunu çocukların dikkatine ilk kez sunduğunuzda, genellikle bu modeli memnuniyetle kabul ederler. Daha sonra size belirli bir alıştırmada kaç sesin bulunduğunu söylemekten hoşlanırlar.

6. Standart ilahiyi, vuruşların icrasında doğru tonlama ve netlik ihtiyacını birleştiren bir egzersizle tamamlıyoruz.

Bu ilahi seti her ders için zorunludur. Egzersizlerin her zaman bu sırayla takip edildiğini ve verilen tuşlarla başladığını tekrar ediyorum. Ancak diğer becerileri geliştirmek veya ilahi söyleme sürecini çeşitlendirmek için aşağıdaki alıştırmalar bundan sonra kullanılabilir.

10. Bu egzersizin bariz faydalarına, melodisine ve çocuk sevgisine rağmen, son yıllarda onu grup çalışmalarında giderek daha az kullanabildiğime dikkatinizi çekmek isterim. Maalesef giderek daha fazla çocuk annesiz büyüyor, bu yüzden öğrenmeye başlamadan önce öğrencilerin ailelerinde her şeyin yolunda olup olmadığını öğrenmeniz gerekiyor. Genellikle bu egzersiz son iki ölçüde “anne” kelimesinin söylenmesiyle gerçekleştirilir. Ancak pratiğimde bunu kullanmıyorum çünkü kural olarak genç yaşta ilahi söyleyerek aşağı doğru ilerleyen bir hareket patlamaya yol açar.

10 yaşında çocuklar diğer egzersizlere geçerler. Melodik dönüşlerdeki sürekliliği takip edebilirsiniz, ancak bunlar esas olarak vokal performansı için klasik hecelerle söylenir, bu da dersin bu aşamasının çocuğun gözündeki önemini ve önemini artırarak ona "yetişkinliğini" hissetmesine yardımcı olur.

1. Yukarı hareket ederken egzersiz yapın, her notayı aktif olarak vurgulayarak ve aşağı doğru hareket ederken legato vuruşunu kullanarak şarkı söyleriz.

2. Yüksek bir ses pozisyonu oluşumu, sesli harfin yuvarlaklığı, üçüncü tonun keskin tonlaması, nefes almayı desteklemek - yalnızca üç nota, ancak tüm ayrıntılara dikkat ederseniz bu egzersizin şarkı söylemesi ne kadar zengin hale getirilebilir! Doğal olarak, eğitimin ilk aşamasında belirli bir noktaya odaklanıyoruz, ancak daha sonra yavaş yavaş başka görevler ekliyoruz.

3. Önceki alıştırmanın varyasyonu.

4. Her notanın ve sesli harfin ayrı, kesin sesi; üst kayda geçerken, bu alıştırmayı "ilkbaharda orman" kelimeleri üzerine söylemeniz tavsiye edilir. Veya "elektrikli süpürge" kelimesini söylemeyi önerebilirsiniz (bir istisna olarak, çoğu zaman ilahi söyleme sürecinin üstesinden gelmek için) - ve "s" sesli harfinin oluşumu için faydalıdır ve çocukları gülümsetir ve neşelendirir ama genel olarak bunun için değil mi, onlara şarkı söylemeyi öğretiyoruz!

5. Bilinçli ifadeler, destekleyici nefes almada ustalık.

6. Bu alıştırmada, birinci ölçüde staccato ve ikinci ölçüde legatoyu dönüşümlü olarak kullanmanız gerekir.

7. Önceki alıştırmanın daha karmaşık bir versiyonu.

8. Staccato vuruşu, sesin yüksek konumu, hassas tonlama, sesli harf oluşumu, aralığın genişletilmesi.

9. Önceki egzersizin daha karmaşık bir versiyonu olup, tüm aralık boyunca daha geniş nefes alma ve ses eşitliği gerektirir.

10. Gırtlaktaki sıkılığın üstesinden gelmek, tüm aralık boyunca ses düzgünlüğü, kayıtları yumuşatmak, rezonatörler kullanmak.

Bu ilahi, zorunlu egzersiz setini sona erdirir. Aşağıdaki alıştırmalar öğrenme yeteneği yüksek olan çocuklar için kullanılır.

11. 5. ve 6. ölçülerdeki ilahilerde ikinci sesin icrasına odaklanmanız gerekir. Genellikle onlardan biraz yavaşlamalarını ve saniyelerin "düşmeden" ne kadar geniş ve özgür geldiğini hissetmelerini isterim.

12. Sesin hafifliğini ve hareketliliğini geliştirmeye yardımcı olan bir egzersiz.

13. Üst nota ve kesik kesik vurgu.

14. Yüksek ses konumu, artikülasyon etkinliği.

14. Hızlı bir tempoda gerçekleştirilen karmaşık bir diksiyon egzersizinde ustalaşmak için, tempoda kademeli bir artışla elle işaretlenen hecelerin boşluktaki görsel düzenlemesini kullanıyorum. Grafiksel olarak şöyle görünür:

Los Angeles-li → LE-li ← LE-li.

Sonuç olarak, yalnızca uygunluğu öğretmen için açık olan bu alıştırmaların çocuklar için yararlı olacağına dikkat edilmelidir. Pek çok ses egzersizi var, ancak iş için yalnızca öğrencilerimizin ihtiyaçlarını en iyi karşılayanları seçmeliyiz. Öğretmen sevdiği bir egzersizde başarılı olmazsa veya hangi becerileri geliştirdiğini anlamıyorsa, ne kadar severse sevsin, onu tamamen bırakmak daha iyidir. Size kişisel uygulamamdan bir örnek vereyim. Meslektaşlarımın çoğu aşağıdaki ses egzersizini kullanıyor:

Bunu özellikle hızlı bir tempoda icra ettiğimde, üst notanın gırtlakta bir "tıkanıklık" ile birlikte düzleştiğini hissettim. Ancak, bunu iki bitişik nota üzerinde söylediğim anda, sadece diksiyon becerilerimi geliştirmekle kalmayıp, aynı zamanda damağımı fazla çaba harcamadan kaldırmamı ve üst notayı yüksek bir konuma getirmemi sağlayan mükemmel bir egzersize dönüştü.

Bu metodolojik çalışma, çocuk korolarının yeni başlayan liderlerine, özellikle de gençlere yöneliktir. Bu metodolojik çalışmada tartışılan konular müzik öğretmenlerine, şan öğretmenlerine, şarkıcılara kendilerine ve çocuklara öğretmeleri için önerilebilir.

Bir çocuk korosunda koro ve vokal çalışmalarının sorunları henüz araştırılmamış ve çözülmemiştir. Sonuçta, bir vokal öğretmeninin veya koro şefinin karşı karşıya olduğu en zor görevlerden biri, istisnasız tüm çocuklara şarkı söylemeyi öğretmektir. Ve bu, yalnızca bir çocuğun sesinin özelliklerini bilen, doğal özünü ihlal etmeden, ses aparatının çalışmasını düşünceli ve yetkin bir şekilde izleyen bir uzman tarafından yapılabilir. Her çocuğun mükemmel işitme yeteneği ve doğal olarak güzel bir sesi yoktur. Okullardaki çocuk korolarının ve kültür saraylarındaki vokal ve koro stüdyolarının liderleri, çocukları koroya nasıl dahil edecekleri, onlarla çalışmaya nasıl başlanacakları, hangi repertuarın seçileceği, maksimum faydayı sağlamak için bir koro dersinin nasıl organize edileceği gibi sorunlarla karşı karşıyadır. ve eğitim süresinin etkili kullanımı.

Soru şu: Tüm çocukları koroya dahil etmek mümkün mü? Bunun için koro şefinin çalışmasında ikinci bir aşama vardır - çeşitli teknikler kullanılarak çocuğun işitme ve sesinin geliştirilmesi: A.V. Sveshnikova, K.K. Pigrova, G.A. Dmitrevsky, çocuk sesiyle çalışmanın fonopedik yöntemi V.V. Emelyanova. Belirli tekniklerin pratikte doğru şekilde uygulanamaması sadece yardımcı olmakla kalmaz, aynı zamanda müdahale eder, yani işe zarar verir. Sonuçta her şey öğretmene, yeteneğine ve eğitimine bağlıdır. Koro şefinin, koro çalışmasının içeriğini ortaya çıkaracak yeterli sese ve sanatsal yeteneğe sahip olması gerekir, böylece bu tür bir yaratıcılık, sonuçta dinleyicilerin malı haline gelir.

Koro şarkı söyleme, öğrencilerin en aktif müzikal ve pratik aktivite türlerinden biridir ve çocukların estetik eğitiminde her zaman olumlu bir başlangıca sahiptir. Bu, tüm zamanların ve ülkelerin önde gelen kültür ve felsefe figürleri tarafından not edildi.

Rusya'da öncelik fikri, yani. Koro şarkı söylemenin temel rolü, ağırlıklı olarak vokal olan Rus müzik kültürünün kendine özgü yapısında yatmaktadır. En iyi yerel vokal ve koro performansı geleneklerinin sürdürülmesi her zaman okul eğitimi tarafından belirlenir.

Müzik eğitimi ve yetiştirilmesi bağlamında koro şarkı söylemenin çeşitli işlevleri yerine getirir:

Öncelikle koro repertuarındaki eserleri öğrenerek ve seslendirerek öğrenciler çeşitli eserlerle tanışır, müzik türlerini, geliştirme tekniklerini, sesli eserlerde müzik ve söz ilişkisini anlar, folklorun bazı özelliklerine ve koro müzik diline hakim olur. profesyonel bestecilerin eserleri.

Koroda şarkı söylemek öğrencilerin ufkunu genişletir, müzik sanatına karşı olumlu bir tutum oluşturur, müzik çalışmalarına ilginin gelişmesini teşvik eder.

İkincisi, koro halinde şarkı söylemek, öğrencilerin işitme ve seslerini geliştirme sorunlarını çözer, belirli miktarda şarkı söyleme becerisini, ifade edici, duygusal ve anlamlı performans için gerekli becerileri oluşturur.

Üçüncüsü, çocuklar için en erişilebilir performans türlerinden biri olan koro şarkı söyleme, genel olarak başarılı öğrenme için gerekli olan genel eğitim becerilerini ve yeteneklerini geliştirir: hafıza, konuşma, işitme, yaşamın çeşitli olaylarına duygusal tepki, analitik beceriler, yetenekler ve beceriler. kolektif faaliyet vb.

Dördüncüsü, şarkı söyleme repertuarının içeriği, icra edilen müziğin kişisel bir değerlendirmesinin oluşturulması yoluyla, her müzik parçasının duygusal ve ahlaki anlamını kavrayarak çocuğun etrafındaki dünyaya karşı olumlu bir tutum geliştirmeyi amaçlamaktadır.

Öğrenciler öğrenimleri sırasında vokal ve koro becerilerinde ustalaşır, çeşitli tarz ve dönemlere ait koro repertuarında ustalaşır, şarkı sesinin kalitesine odaklanmayı öğrenir ve koro şarkı söyleme ve konser performanslarında deneyim kazanır.

Bir çocuk korosunda, bireysel ve kolektif çalışma biçimlerinin birleşimi, ortak ilahilerin kullanılması ve küçük şarkıcıların provalar için bireysel olarak hazırlanması ve küçük topluluklarda (koro grubu) çalışma pratiği önemlidir. Bu nedenle koroda ana form grup olmasına rağmen, korodaki her şarkıcının sesinin gelişimini, yaşa bağlı değişikliklerini takip etmeyi mümkün kılan “solo şarkı söyleme” derslerinin başlatılması olasılığı büyük önem taşımaktadır. grup dersleri sırasında baş edemediği şeyleri çocukla hızlı bir şekilde öğrenin.

Koro müziği yapımının kolektif doğası, şarkıcıların ses tekniğini düzeltir ve koro ses tonunun bireysel ses gelişimi üzerindeki yönlendirilmiş etkisi yöntemiyle belirli şarkı söyleme tekniklerinin ve ses eğitiminin kullanımını önceden belirler; bu, aşağıdaki vokal-teorik becerilerin temellerini atar. :

1. Doğru şarkı söyleme tutumu,

2. Yüksek şarkı söyleme pozisyonu.

3. Şarkı söyleme, nefes alma ve ses desteği.

4. Şarkı söylerken ses saldırılarının türleri.

5. Şarkı söylemenin artikülasyonu ve diksiyonu.

6. Ses üretme yöntemleri (legato, staccato).

Genç müzisyenler büyüyünce ne olacak? Bir şeyi garanti edebilirsiniz: İyi insanlar olacaklar. Pahalı olan da bu. P.I. da bundan bahsediyor. Çaykovski, yeğenine talimat verirken şunları söyledi: "Kim olmak istiyorsan, her şeyden önce iyi bir insan ol." Çocuğun ruhunun yakınlaştığı, büyüdüğü müzik, kötülüğe, kötülüğe, kabalığa izin vermez.

1. Otururken ve ayakta şarkı söyleme becerisinde ustalaşmak.

2. Şarkı söylerken nefes almada ustalaşmak.

3. Zorlamadan doğal, özgür bir ses üzerinde çalışın.

5. Acapella becerilerinin geliştirilmesi.

6. Ekibi konser performanslarına ve profesyonel gösterilere hazırlamak (açık dersler, metodolojik mesajlar vb.)

Vokal becerileri

1. Şarkı söyleme kurulumu.

Oturarak ve ayakta şarkı söylerken vücudun, başın, omuzların, kolların ve bacakların doğru pozisyonu. Her şarkıcının kalıcı bir şarkı söyleme yeri vardır.

2. Nefes almaya çalışın. Şarkı söylerken doğru nefes alma.

Sakin, sessiz nefes alma, müzikal bir cümlede nefesin doğru şekilde harcanması (kademeli nefes verme), cümleler arasında nefesin değiştirilmesi, nefesin tutulması, desteklenen ses, şarkı söylemeye başlamadan önce eş zamanlı nefes alma, nefesi değiştirmeden daha uzun cümleler söyleme, nefesin hızlı değiştirilmesi hareketli bir tempoda cümleler arasında.

İcra edilen parçanın doğasına bağlı olarak şarkı söylemeye başlamadan önce farklı nefes alma şekilleri: yavaş, hızlı. Şarkı söylerken nefes değişimi (hızlı parçalarda kısa ve aktif, yavaş parçalarda daha sakin ama aynı zamanda aktif).

Duruşlar. “Zincirleme nefes alma” becerilerinin tanıtılması (bir parçanın sonunda sürekli bir ses söylemek. Uzun müzik cümlelerini seslendirmek).

3. Ses üzerinde çalışın.

Orta derecede açık büyüme, doğal ses oluşumu, gerilimsiz şarkı söyleme, sesli harflerin doğru oluşumu ve yuvarlanması. Sağlam saldırı. pürüzsüz ses üretimi Bireysel seslerin uzunluğu, kapalı ağızla şarkı söylemek, temiz, güzel, etkileyici şarkı söylemek. Zorlamadan doğal, özgür bir ses üzerinde çalışın. Esas olarak yumuşak ses saldırısı, sesli harflerin yuvarlanması.

Farklı vuruşlarla şarkı söylemek: legato, staccato, non legato. Çeşitli nüansları incelemek, genel aralığı sınırlar dahilinde kademeli olarak genişletmek: ilk oktava kadar - ikinci oktavın F, G'si.

4. Diksiyon üzerinde çalışın.

Yüz kaslarında gerilim olmadan dudak hareketi, temel artikülasyon teknikleri. Ünlülere göre ünsüzlerin net telaffuzu, ünsüzlerin bir sonraki heceye atanması, bir kelimenin sonundaki ünsüzlerin kısa telaffuzu, bir kelimenin sonunda ve başka bir kelimenin başında yer alan aynı sesli harflerin ayrı ayrı telaffuz edilmesi. Mantıksal vurguyu vurgulayan metnin mükemmel telaffuzu. Diksiyon egzersizleri.

5. Vokal egzersizleri.

Çocukların seslerini güçlendirmeye, ses üretimini geliştirmeye, aralığı genişletmeye ve aynı zamanda repertuvarı daha iyi özümsemeye yardımcı olan basit vokal egzersizleri söylemek. Örneğin:

Perdenin ortasından başlayarak üç ila beş adımlık alçalan yapılar, perdenin alt seslerinden başlayarak alçalan bir hareketle aynıdır.

Tekrarlanan bir seste sesli harflerin değiştirilmesi;

Alçalan ve yükselen bir harekette gama (küçük bölümlerine hakim olduktan sonra);

Aşağı ve yukarı doğru düz ve kırık çizgiler halinde üçlü;

Küçük melodik dönüşler (şarkılardan alıntılar, tonların ve yarı tonların bilinçaltında özümsenmesi, dengesiz seslerin istikrarlı melodilere geçişi).

Listelenen alıştırmalar ve diğerleri (koro şefinin takdirine bağlı olarak) hem nota içinde hem de nota değiştirilerek kromatik sırayla söylenmelidir.

6. Uyum duygusunu geliştirmeye yönelik alıştırmalar.

Bireysel adımları, aralıkları, üçlüleri, dizileri ve dizileri söylemek.

Aralıklardan melodik ve armonik diziler.

Tonların ve yarım tonların tonlamasının bilinçli asimilasyonu, kararsız seslerin kararlı seslere geçişi.

Küçük korolarla başarılı bir çalışma için büyük önem taşıyan bir müzik eserinin analizidir. Bu, eserin içeriğinin genel bir özelliğidir. Metin ve müziğin öğrencilerin erişebileceği bir biçimde analizi: Müzik cümlelerinin melodinin yönüne ve yapısına göre karşılaştırılması. İfade araçlarının analizi: tempo, boyut, karakteristik ritim, dinamik tonlar.

Koro için çocukları seçerken yönetmenin seslerin fizyolojik özelliklerine özellikle dikkat etmesi, kayıt özelliklerini, yani seslerin farklı aralıklardaki sesini sabitlemesi gerekir. İlk provada koro şefi tüm organizasyonel sorunları çözmeli, çocuklara çalışma koşullarını, provalardaki davranış kurallarını, ilahileri ve işin bu aşamasında koro repertuarını tanıtmalıdır.

Bir koro şefinin çalışmalarında aynı derecede önemli bir konu da repertuar seçimidir. Lider, çocuklara şarkı söylemeyi öğretmek gibi ana görevle karşı karşıyadır ve bunun için uygulamaya uygun, ses ve işitme gelişimi için yararlı ve aynı zamanda müzik zevkinin eğitimine ve gelişimine yardımcı olan araçlar bulması gerekir.

Doğru repertuar seçimi koronun başarısının önemli bir koşuludur. Repertuar sanatsal açıdan değerli, çeşitli ve ilginç olmalı, pedagojik açıdan yararlı olmalı, yani koronun sanatsal büyümesine katkıda bulunmalı, çocukların müzik performansları dünyasını geliştirip zenginleştirmeli. Bir çocuk korosunun repertuvarı, basit ve karmaşık eserlerin sayısı arasında bir denge sağlamalıdır. Koro şefi repertuvarı seçerken klasik eserlerin modern yerli bestecilerin şarkılarıyla ve türkülerle birleştirilmesi gerektiğini unutmamalıdır. 20. yüzyılın 90'lı yıllarından bu yana, performansımıza yeni bir koro müziği katmanı girdi - günlük yaşamın Rus koro müziği ve artık yaygın olarak kutlanan Noel ve Paskalya gibi kilise bayramları. Koro performansındaki deneyim ve vokal ve koro becerilerindeki ustalık birikimiyle birlikte repertuar giderek daha karmaşık hale gelir. Öğrenciler çok sesli formlara aşina olurlar. Çoksesliliğe giden doğal bir yol olan kanonların 1. sınıftan itibaren tanıtılması önerilmektedir.

Okul korosu şarkı söyleme pratiğinde, tuhaf bir amusia biçimiyle karşılaşılır: müzikal çocuklar - "godoshnikler". Zayıf “müzikal şarkı söyleme”nin önemli nedenleri; birincisi ses aygıtının hasar görmesi, ikincisi müzikal işitmedeki eksiklikler, üçüncüsü sesin perdesini algılama, ayırt etme ve analiz etme yeteneğindeki eksiklik ve son olarak dördüncüsü müzikteki yetersizliktir. güdünün ilk sesini doğru şekilde tonlamak. Bu tür amüzinin başlıca nedenlerinden biri müzik kulağı ile şarkı söyleyen ses arasındaki koordinasyon eksikliğidir. Kabul edilebilir ancak kesin olmayan bir tonlama yapan çocuklar, öğrendikçe şarkı söylemelerinin kalitesini geliştirebilirler. Birkaç yıl içinde işitme duyuları o kadar gelişir ki, sınıf korosunun diğer üyelerinin doğru şarkı söylemesine güvenerek şarkı söyleme yeteneğini kazanırlar. Ancak yine de hatalı tonlamalar yapıyorlar ve solo şarkı söyleme girişimlerinin büyük çoğunluğunda başarısızlıkla sonuçlanıyor. Her ne kadar pratikte, güçlü bir şarkı söyleme isteği ve arzusu sayesinde bu tür öğrencilerin oldukça tatmin edici şarkı söyleme sonuçları elde ettiği birkaç örnek olmasına rağmen. Önemli olan, işitme ve ses eksikliklerine rağmen okul korosunda şarkı söylemek için büyük istek gösteren çok sayıda çocuk var ve biz müzik öğretmenleri bu konuda onlara yardımcı olmaya çağrılıyoruz.

Genç korolarla uzun yıllara dayanan çalışma deneyimime dayanarak, genç koro öğrencilerinin üç önemli vokal ve koro becerisine hakim olmaları gerektiğini rahatlıkla söyleyebilirim: nefes alma, diksiyon ve tonlamayla şarkı söyleme. Bu zincir, koro ile ilk aşamada çalışmanın ana halkasıdır. Şimdi bu zincirdeki her bir maddeye bakalım.

Koroyla çalışmanın ilk aşamasında genellikle şarkı söylemenin dışında nefes egzersizleri yapılır. Bu egzersizleri kullanmanın tavsiye edilebilirliği konusunda farklı bakış açıları vardır. Çoğu öğretmen hala bunların gerekli olduğunu düşünüyor. Bu amaçla çeşitli nefes egzersizleri kullanılır.

Bir egzersiz yapın.

Orkestra şefinin eli boyunca burundan kısa bir nefes alın ve sayarak uzun, yavaş bir nefes verin. Egzersizin her tekrarında, sayı sayısındaki artış ve tempodaki kademeli yavaşlama nedeniyle nefes verme uzar.

İkinci egzersiz.

Karın duvarını öne doğru hareket ettirerek, bel bölgesindeki sırt kaslarını harekete geçirerek ve alt kaburgaları hafifçe açarak burundan kısa bir nefes alın ve koroların dikkatini buna odaklayın. Her öğrenci avuçlarını eğik karın kaslarının üzerine yerleştirerek hareketlerini kontrol eder. Sayım yaparak mümkün olduğu kadar uzun ve eşit bir şekilde nefes verin. Egzersizi tekrarladığınızda nefes verme süresi uzar.

Üçüncü egzersiz.

Kısa bir süre burundan nefes alın, nefesinizi tutun ve sayarken yavaşça nefes verin; ancak şimdi ilk kez öğrencilerden nefes verme boyunca nefes alma pozisyonunu korumaları isteniyor. Bunu yapmak için, sanki bel bölgesinde kalınlaşmaya çalışıyormuş gibi diyaframınızı tüm çevresi boyunca içten vücudunuzun duvarlarına yaslamayı öğrenmelisiniz.

Dördüncü egzersiz.

Karın duvarını ileri doğru hareket ettirirken burnunuzdan kısa ve derin bir nefes alın, nefesinizi tutun ve orkestra şefinin elini kullanarak kapalı ağzınızla aralığın ortasında belirli bir yükseklikte bir ses yavaşça üretin ve onu dışarı çekin. eşit ve orta derecede güçlü bir ses. Daha sonra oyun süresi giderek artar. Bu durumda öğrencilerin şarkı söylerken nefes alma pozisyonunu korumak için sürekli kendilerini izlemeleri gereklidir.

Doğru inhalasyona özellikle dikkat edilmelidir. Teneffüs ederken kasıtlı olarak hava çekmemelisiniz. Tam bir ekshalasyonla başlamalısınız. Daha sonra durakladıktan sonra nefes almak istediğiniz anı beklemeniz gerekir. Sadece bu durumda soluma sınırlı olacaktır: yeterince derin ve hacim açısından optimal.

Doğru nefes alma hareketlerinde hızlı bir şekilde güçlü bir beceri geliştirmek için egzersizler düzenli olarak yapılmalıdır. Doğru şarkı söyleme nefes alma becerisi şarkı söyleme sürecinde pekiştirilir ve sesin doğası gereği test edilir. Nefes alma türü sesin kalitesini etkiler ve ses de şarkı söyleyen nefesin kalitesini etkiler. Bu devre geri besleme prensibiyle çalışır. Ve aslında, şarkıcı alçak veya yüksek bir sesle, sakince, yumuşak veya heyecanla, kararlı bir şekilde şarkı söylerse, uzun süre geri çekilirse veya aniden şarkı söylerse, o zaman nefes alma ve fonasyon nefes vermenin doğası buna göre değişecektir. Egzersizi yapmak. Eşit güçte bir sese sahip, alçalan bir skala benzeri ölçek üzerine inşa edilmiş olup, nefes vermenin yumuşaklığını ve kademeliliğini eğitir ve bu, iyi şarkı söyleme nefes alma becerisini geliştirmek için vazgeçilmez bir koşuldur.

Doğru nefes alma hareketlerini geliştirmenin koşulu şarkı söyleme tutumuna uyum olmalıdır. Provalar sırasında çocuklar çoğu zaman gerekli zekayı uzun süre koruyamazlar. Bu durumda derin bir nefes almanız ve kollarınızı yukarı kaldırmanız önerilir. Nefesinizi birkaç saniye tuttuktan sonra yavaşça nefes verin ve kollarınızı indirin. Çocuklarla yapılan derslerde otururken ve ayakta dururken dönüşümlü olarak şarkı söylemek gerekir. Komik bir şaka ve övgü aynı zamanda yorgunluğu giderir, çocukların moralini yükseltir ve performanslarını artırır.

Genç koro üyeleri, herhangi bir uzunluktaki müzik cümlelerini ve hatta tüm eserleri icra etmeyi mümkün kılan zincirleme nefes alma kurallarına aşina olmalıdır.

Komşunuz yanınızda otururken nefes almayın.

Müzikal cümlelerin kavşaklarında nefes almayın, mümkünse uzun notalar halinde nefes alın.

Nefesinizi fark edilmeden ve hızlı bir şekilde alın.

Tonlama açısından doğru, yumuşak bir ses atakıyla, zorlamadan koronun genel sesine karışmak, yani. “giriş” olmadan ve partisyondaki belirli bir yerin nüansına uygun olarak.

Komşularınızın şarkılarını ve koronun genel sesini hassasiyetle dinleyin.

Her şarkıcı ancak bu kurallara uyarak beklenen etkiyi elde edebilir: koronun genel sesinin sürekliliği ve uzunluğu.

Zincirleme nefes alma becerisini geliştirmek için öncelikle nefesinizi uzun notalarla hızlı ve fark edilmeyecek şekilde nasıl değiştireceğinizi öğrenmeniz gerekir. Bu amaçla, alçalan veya yükselen bir diziye dayalı bir egzersizin uzun süreli, duraklamalar veya duraklamalar olmadan söylenmesini önerebiliriz.

A. M. Pazovsky'nin adil ifadesine göre, "Şarkı söylerken, özellikle koro söylerken iyi bir diksiyon, yalnızca kelimenin içerdiği düşünceyi anlamlı bir şekilde ortaya çıkarmanın bir yolu değil, aynı zamanda müzikal ritmin kesicisidir." Bir diksiyon topluluğu üzerinde çalışın, koro şefi mutlaka şarkı söylemenin telaffuz kurallarını bilmek güzeldir.

Müzik ve sözlerin sentezi koro türünün şüphesiz bir avantajıdır. Ancak aynı sentez aynı zamanda koro icracıları için ek zorluklar da yaratır, çünkü onların iki metinde (müzikal ve şiirsel) ustalaşmalarını gerektirir. Metin, icracılar tarafından sadece okunaklı değil aynı zamanda anlamlı ve mantıksal olarak doğru telaffuz edilmelidir, çünkü hem edebi hem de vokal-koro konuşmasının bileşenleri sadece diksiyon değil, aynı zamanda ortoepidir (metnin doğru telaffuzu).

Koro diksiyonunun kendine has özellikleri vardır.

Birincisi, onu konuşmadan ayıran şey şarkı söylemesi, vokal olmasıdır, ikincisi ise kolektiftir. Onlara sadece ünsüzleri açıkça telaffuz etmeyi öğretmek değil, aynı zamanda sesli harfleri doğru şekilde oluşturmayı ve telaffuz etmeyi de öğretmek gerekir (özellikle onlara sesli harfleri azaltma tekniğini öğretmek). Azaltma - ses artikülasyonunun zayıflaması; azaltılmış sesli harf - zayıflamış, belirsiz bir şekilde telaffuz edilmiş.

Şarkı söylerken sesli harflerin telaffuzunun özgüllüğü, onların tekdüze, yuvarlak oluşum tarzında yatmaktadır. Koronun tını eşitliğini sağlamak ve iyi bir uyum sağlamak için bu gereklidir.

Rus dilinde on sesli harf var, bunlardan altısı basit - i. e. a, o, u, s, dört karmaşık - я, ё, yu, e (iotated) Karmaşık ünlüleri söylerken, ilk ses - й çok kısa telaffuz edilir, sonraki basit sesli harf uzun süre devam eder.

Seslerin telaffuzu:

Yo - O eklenmesiyle yuvarlanır.

A – O ilavesiyle yuvarlanır.

Ve - Fransız U gibi.

E - E gibi toplandı.

O - dar değil, yuvarlak, geniş, U - uçuyor.

A'yı söylüyoruz - O'yu düşünüyoruz ve bunun tersi de geçerli.

Ben şarkısını söylüyoruz - Yu, U'yu düşünüyoruz ve bunun tersi de geçerli.

E şarkısını söylüyoruz - E'yi düşünüyoruz ve bunun tersi de geçerli.

E şarkısını söylüyoruz - O'yu düşünüyoruz ve tam tersi

“Güneşin altında yatıyorum ve güneşe bakıyorum.” “E” ye dönüşen “I” sesli harfi, kısa bir telaffuz ve hızlı şarkı söylemeyle kendini haklı çıkarır. Ünlüler tamamen vurgulu konumda ve uzun seslerde telaffuz edilir. Ünlüler sesin şarkı söyleme yeteneğini ortaya koyan seslerdir.

Bir kelimede veya kelimelerin kavşağında iki sesli harf yan yana duruyorsa, şarkı söylerken birleştirilemezler - ikinci sesli harf yeni bir saldırıda, sanki tekrar telaffuz ediliyormuş gibi söylenmelidir, örneğin: ama kaldı; ateş yok; birine rastla.

“Y” ünsüzleri ifade eder ve onlarla birleştirilir. Örneğin: "Evet-le-ki-imo-ydru-gtvo-ira-do-stny-isvet."

Mümkün olduğu kadar uzun süre söylenen sesli harflerin aksine, ünsüzlerin en son anda telaffuz edilmesi gerekir. Bir heceyi bitiren bir ünsüz bir sonraki heceye eklenir ve bir kelimeyi yakın kavşakta bitiren bir ünsüz bir sonraki kelimeye eklenir. Bu kural öncelikle legato olarak icra edilen eserler için geçerlidir; Staccato'da ünsüz harfler taşınmaz.

Şarkı söylerken ünsüzler, bitişik oldukları ünlülerin yüksekliğinde telaffuz edilir. Bu kurala uyulmaması, koro pratiğinde sözde "girişlere" ve bazen de kirli tonlamaya yol açar. Şiirsel bir metni dinleyicilere daha iyi aktarmak ve şarkı söylerken daha fazla sanatsal ifade elde etmek için, bazen ünsüzlerin biraz vurgulanmış eklemlenmesini kullanmak yararlı olabilir. Ancak bu teknik yalnızca özel durumlarda uygundur (dramatik nitelikteki eserler, ciddi ilahiler). Koro eserlerini hızlı bir tempoda çalarken, artikülasyon aparatının minimum hareketiyle kelimeleri kolayca, "yakından" ve çok aktif bir şekilde telaffuz etmelisiniz. Örneğin. P.I. Çaykovski, sözleri G. Ivashchenko'nun “Napoliten Şarkısı”. Ek No.2

Ortopinin bazı kuralları

Ünsüzler, sesin oluşumlarına katılım derecesine bağlı olarak sessiz ve sesli olarak ayrılır.

Ayrıca uzayabildikleri ve sıklıkla sesli harf olarak kullanıldıkları için bu şekilde anılırlar.

Şarkı söylerken diksiyonun temel kuralı, ünsüzlerin hızlı ve net oluşumu ve sesli harflerin maksimum uzunluğudur. Bu, öncelikle artikülatör aparatın kaslarının, özellikle bukkal ve labial kasların ve ayrıca dilin ucunun aktif çalışmasıyla sağlanır. Her kas gibi onların da eğitilmesi gerekiyor.

Artikülatör aparatı geliştirmek için, V.V. sistemine göre fonopedik yöntemin birinci ve ikinci döngülerini kullanmayı öneriyorum. Emelyanova. Toplamda altı döngü vardır.

Döngü I – ısınma, yüz masajı, koroda çalışmak için şarkı söyleme aparatının hazırlanması.

a) – otururken çocuklar “bir kuşun uçuşunu” tasvir etmelidir, yani mide yukarı çekilmiş, göğüs öne doğru, bu pozisyon uçmakta olan bir kuşu andırıyor. Koro şefinin çocuklara bu hükmü sürekli hatırlatması gerekir.

b) - Saç köklerinden, ön kısımdan, yanaklardan, çeneden başlayarak yüzün “aydınlanması” için parmaklarımızla yüze vurarak yüz masajı yapıyoruz.

c) - tükürük oluşana kadar dilin ucunu ısırmak, ardından dili "keseriz", öne doğru çekeriz, kök kısmını ısırırız ve ayrıca geriye doğru çekeriz. Dilin rahat bir duruma sorunsuzca hareket ettiğinden emin olun.

d) – “iğne” egzersizi, keskin bir dil yaparak üst dudağı, ardından alt dudağı ve yanakları iğne gibi delmek. Bütün bunlar aktif olarak yapılıyor.

e) – “fırçalama” egzersizi, sanki dişlerimizi fırçalıyormuş gibi dilimizi dudaklarımızla dişlerimiz arasında gezdiririz.

e) – dudaklarınızı bir tüple öne doğru uzatarak “çapraz ve sıfır” egzersizi yapın, önce dudaklarınızla bir sıfır çizin (bir yönde ve diğer yönde dört kez), ardından dudaklarınızı yukarı, aşağı ve yana doğru kaldırarak bir çarpı çizin taraflar. Bunu yaparken çocukların başlarını hareket ettirmemelerine dikkat etmelisiniz, sadece dudakları çalışmalıdır.

g) - kırgın ve neşeli bir yüz buruşturma yapılır. kırgın - alt dudak, alt dişler açığa çıkacak şekilde döndürülür. Neşeli - üst dişleri ortaya çıkarmak için üst dudak yükselir. Daha sonra her iki pozisyonu da tek tek gerçekleştiriyoruz.

h) – “kızgın kedi pozu” egzersizi yapın. Yüzün kaslı durumunun ana duyuları, dişlerin açık olması, burnun yukarı kaldırılması, üst dişlerin açılmasına yardımcı olması, büyük yuvarlak gözler ve ağzın açık olması, böylece dikey olarak yerleştirilen üç parmağın dişlerin arasına yerleştirilmesidir. Aynanın önünde çalışmanız tavsiye edilir.

i) – dudaklar sıkıca kapalı ve öne doğru uzatılmış halde “Küçük bir ağzım var” metnini telaffuz edin. “Ağzım var” hecesinde dudaklar hareket etmemelidir, sadece dil çalışır. "Küçük" kelimesinde ağız keskin bir şekilde "öfkeli kedi pozuna" açılır ve çenelerin çalışmalarını mümkün olduğunca yoğunlaştırması için kelime aktif olarak telaffuz edilir. “A” hecesini yüksek bir rezonansla çizin ve kısaca “-tembel” hecelerini söyleyin. Tüm ünsüzler sert ve aktif bir şekilde telaffuz edilir.

İlk döngünün ana görevi, yüz kaslarını iş için ısıtmak ve ağzınızı açmayı öğrenmektir.

Döngü II tonlama ve fonetik egzersizleri içerir.

A) – sessiz ünsüzlerin telaffuzu - Ш-С-Ф-К-Т-П. Bu şekilde telaffuz edilirler. Bunu yapmak için açık ağzınızın konumunu hatırlamanız gerekir. Bu ana başlangıç ​​​​pozisyonudur; “sh” ünsüzünü telaffuz ederek çenelerimizi kapatıyoruz ve hemen keskin bir şekilde açık ağzın başlangıç ​​\u200b\u200bpozisyonuna dönüyoruz. Çok kısa bir "sh" olduğu ortaya çıktı. Ayrıca dilin dahil olduğu ünsüz “s”yi de telaffuz ediyoruz. “F” sesli harfini telaffuz ederken dudaklar kapanır. “k” ünsüzünün telaffuzu önemlidir. Kızgın kedi pozunda ağız kapanmadan veya pozisyon değiştirmeden dilin kökü ile telaffuz edilir, çeneler hareket etmemelidir - ana durum budur. Bir "atış" gibi çıkıyor, "p" ünsüz sesi dudaklarla aktif olarak, "t" ise dilin ucunu ısırarak aktif olarak telaffuz ediliyor. Sessiz ünsüzleri telaffuz etmenin temel şartı “sessizin sessiz olması gerekir”, yani ünsüzden sonra sesli harf duyulmamalı ve sessiz ünsüzden sonra ağız orijinal konumuna döndüğünde nefes alma hissi olmalıdır.

B) – sesli ünsüzlerin telaffuzu – F-W-C-G-D-B. Sessiz ünsüzleri telaffuz ederken olduğu gibi aynı tür ağız pozisyonunda. Dil ve dudak kaslarının katılımı karşılık gelir “j-sh.” “z-s”, “v-f”, “g-k”, “d-t”, “b-p”. Bu ünsüzleri telaffuz ederken sanki ünsüzlerden başlayıp her birini dört defa telaffuz ediyormuş gibi bir duygu olmalıdır. Her ünsüzden sonra aktif bir nefes alma hissi olmalı. Bu iki egzersizi gerçekleştirme seçenekleri farklıdır.

B) – “korkunç bir masal” egzersizi yapın. Ünlülerin telaffuzuyla ilgili bu alıştırmada “U-O-A-E-Y.” Ağzın pozisyonu “kızgın kedi pozu”dur, yani. ağız iyice açıktır, tüm sesli harfler yalnızca dudaklardan oluşur, böylece ses derin ve hacimli olur. Önce “u” sesli harfini telaffuz ediyoruz, sonra ona “o” ekliyoruz, bu şekilde uzatılmış bir ses elde ediyoruz "ah" ve böylece her defasında baştan tekrar ederek, sonraki sesli harfleri ekliyoruz. Zorunlu

Bu alıştırmayı yapmanın koşulu, telaffuz edilen ses zincirini kesintiye uğratmadan, U-O-A-E-Y sesli harflerini tek nefeste telaffuz etmektir. Egzersiz korkutucu, korkutucu bir tabloya benzemelidir. Ünlüler ters sırada da telaffuz edilebilir. Takip ettiğinizden emin olun

ağzın konumu için. Çenelerin konumu değişmemeli ve sadece dudakların oluşumunda aktif olmalıdır.

D) – alıştırmaya “soru-cevap” denir. Bu alıştırmada önceki alıştırmadakiyle aynı sesli harfler kullanılır. Örneğin: "u" sesli harfini vokal aralığında mümkün olduğu kadar düşük alın, yani kaba, alçak bir sesle ve aralığın en yüksek, en uç sesine kadar yukarıya doğru, sanki sesin tüm aralığını yukarı kaydırıyormuş gibi bir glissando yapın. ve ayrıca hızla yukarıdan aşağıya doğru kayıyor. Bu alıştırma yukarı-soru, aşağı-cevaba benzer. Sesli harf kullanımının yapısı aşağıdaki gibidir:

Yukarı. U-U, U-O, O-A, A-E, E-Y.

Aşağı. Ah. U-O, O-A, A-E. E-Y.

Yani yukarı Ah ve aşağı U-U; yukarı U-O ve aşağı U-O. Egzersizi yaparken ses kaybını önlemek için ağız mümkün olduğunca açık tutulmalıdır.

D) – bu alıştırmayı gerçekleştirme koşulları bir öncekiyle aynıdır. A ve B noktalarında kullanılan sessiz ve sesli ünsüzler sınıf olanlara eklenir.Yapı aşağıdaki gibidir:

Çift katlı kombinasyonlar - woo-shu, w-sho. u-sha, u-o, u-utangaç.

U-su, u-so, u-sa, u-se, u-sy.

U-fu, oo-fo, oo-fa, oo-fe. Vay.

İkinci depoda yukarı çıkıp aşağı ilk sesli harfe iniyoruz ve aşağıdaki ikinci heceyi telaffuz ediyoruz.

Üç katlı kombinasyonlar - u-shu-zhu, u-sho-zho, u-sha-zha, ushe-zhe, u-utangaç-zhy.

U-su-zu, u-so-zo, u-sa-za, u-se-ze, u-sy-zy.

Oo-fu-woo, o-fo-woo. U-fa-va, u-fe-ve. Vay.

Kombinasyonlar farklı şekillerde kullanılabilir.

Metnin etkileyici sunumu yalnızca kelimelerin net telaffuzuna bağlı değildir. Herhangi bir müzik eserinin metnini ve müziğini okurken her zaman şu soruyu yanıtlamalısınız: bir cümlenin veya kelimenin nasıl icra edileceği - sevgiyle, neşeyle, sakince, düşünceli bir şekilde. Kaygılı, üzgün, kızgın, kederli, ciddi, alaycı, melankoli, korkmuş vb.

Bu nedenle koroda iyi diksiyon sorunlarını çözmek için üzerinde çalışmalısınız. okunabilirlik ortoepi kurallarına uyarken telaffuz; anlamlılık cümlelerdeki mantıksal köşelerin belirlenmesine dayalı; Kelimelerin anlamlı telaffuzu müziğin bütünlüğü ile icra edilen kompozisyonun içeriğine, duygusal içeriğine dayanmaktadır.

Sabit olmayan ses perdesine sahip bir enstrüman olan korodaki tonlama sorunu her zaman en şiddetli ve acı verici sorunlardan biri olmuştur. Müzikal seslerin sesle bilinçli tonlaması nedeniyle ortaya çıkan saf uyum olmadan koro yapısı imkansızdır. Ses aparatı ve kulak, tek bir ses iletim sisteminin ayrılmaz iki parçasıdır. İşitme vücudu çevreleyen ortamda meydana gelen ses olaylarını beyne getiren bir duyu organıdır. Ses aparatı ancak işitme yoluyla beyne girenleri veya bu işitsel izlenimlere dayanarak beyinde ortaya çıkanları ifade edebilir. Tonlamada önemli bir rol oynar dikkatçocuk. Dikkatle her iş başarılıdır: hareketler kesindir, düzgündür, gereksiz hiçbir şey yoktur, düşünceler açıktır, beyin iyi analiz eder, her şey iyi hatırlanır. Ünlü şarkıcı ve öğretmen Polina Viardot, "İki saat boyunca dikkatsizce şarkı söylemektense yirmi dakika dikkatlice şarkı söylemek daha iyidir" dedi. Bir başka harika Rus öğretmen Ushinsky, pedagojinin ilgi bilimi olduğunu söyledi. Dersi ilginç hale getirerek öğrencinin dikkatini derse çekiyoruz ve dikkat ettiğimiz her şey iyice özümseniyor.

Koro çalışmaları literatüründe koro yapısı genellikle iki türe ayrılır: melodik ve armonik. Çocuklara şarkı söylemeyi öğretmenin ilk aşamasında koro şefi, makam derecelerinin ve melodik aralıkların tonlamasının bütünlüğünü temsil eden medodik yapı üzerinde çalışır. Kısaca şuna benziyorlar.

Majör modda, birinci derece sürekli olarak tonlanır. Yükselen ikinci hareketteki ikinci derece yüksek tonlanmış olmalıdır. Aşağı yönde ise düşüktür. Üçüncü derece, tonik üçlünün üçüncüsü olduğundan, önceki sesle oluşturduğu aralıktan bağımsız olarak her zaman yüksek tonlanır. IV aşaması, yukarı doğru hareket ederken bir miktar artış ve aşağı doğru hareket ederken bir azalma gerektirir. V derecesi, modun ve tonik üçlünün beşincisi olduğundan, belli bir artış eğilimiyle istikrarlı bir şekilde tonlanır. Yükselen ikinci hareketteki VI derecesi (yani beşinci dereceden itibaren) yüksek tonlamalı olmalıdır. ve alçalan adımda - (yedinci adımdan itibaren) - düşük. Giriş tonu olarak VII derecesi çok yüksek tonlanmıştır. Harmonik majörün altıncı derecesi, doğal majörün aynı derecesine göre alçaltılmış olup, azalma eğilimi ile tonlanmalıdır.

Minör modda birinci derece toniğin ana sesi olmasına rağmen yüksek tonlanmalıdır. III aşama – düşük. Dördüncü aşama, alttan ona doğru hareket ederken (üçüncü aşamadan) yüksek tonlanır ve yukarıdan hareket ederken (beşinci aşamadan) düşük tonlanır. Paralel majörün üçüncü derecesi olan V derecesinin yüksek tonlanmış olması gerekir. VI melodik seviyesi – yüksek. Doğal minörün yedinci derecesi düşük tonlamalı, melodik ve armonik minörün aynı derecesi yüksek tonlamalı olmalıdır.

Doğal bir modun (majör veya minör) bir veya diğer adımının yüksekliğini değiştiren herhangi bir değişiklik, karşılık gelen tonlama yöntemini hayata geçirir: Sesi artıran bir değişiklik, tonlamanın keskinleştirilmesini gerektirir ve sesi alçaltan bir değişiklik, bazı tonlama gerektirir. onda azalma.

Koro bölümünün uyumlu şekilde söylenmesinin temeli, aralıkların doğru uygulanmasıdır. Aralığın iki ses arasındaki yükseklikteki mesafe (boşluk) olduğu bilinmektedir. Ardışık sesler melodik bir aralık oluşturur; aynı anda alındığında - harmonik bir aralık. Bir aralığın alt sesine genellikle taban, üst sese ise üst ses denir.

Temperlenmiş ölçekte aynı adı taşıyan tüm aralıklar birbirine eşittir. Sabit bir perde olmadan şarkı söylemek ve enstrüman çalmak farklı bir konudur. Burada aralık değeri genellikle bölgeler aralığa dahil edilen seslerin modal değerine bağlı olarak. Bununla ilgili olarak koro şefinin bilmesi gereken çeşitli aralıklardaki tonlamanın bazı özellikleri vardır.

Saf aralıklar tutarlı bir şekilde yürütülür. Bu prima, dördüncü, beşinci ve oktav için geçerlidir. Büyük ve artan aralıklar tek taraflı veya iki taraflı genişleme eğilimi ile tonlanmalı, küçük ve azalan aralıklar ise tek taraflı veya iki taraflı daralma eğilimi ile tonlanmalıdır. Yukarıya doğru büyük bir aralık gerçekleştirirken, tepesini artma eğiliminde ve büyük bir aşağı doğru aralık gerçekleştirirken azalma eğilimi göstererek tonlamaya çalışmalısınız. Yukarıya doğru küçük bir aralık yaparken ise tam tersine, üst kısım mümkün olduğu kadar alçak tonlanmalı, aşağı doğru aynı aralık yapılırken ise daha yüksek tonlanmalıdır. Artan aralıklar çok geniş bir şekilde tonlanır: alt ses düşük, üst ses ise yüksek çalınır. Azalan sesler sıkıdır: alt ses yüksek sesle söylenir ve üst ses alçak sesle söylenir. Aralıkların tonlamasındaki ayrı bir alan, büyük saniyelerin yukarı ve küçük saniyelerin saf şekilde söylenmesidir. U.O. Avranek şunları söyledi: "Koroya yalnızca küçük bir saniye aşağıya ve büyük bir saniye yukarıya şarkı söylemeyi öğretin; koro uyumlu bir şekilde şarkı söyleyecektir." V. Gavrilin'in "Mevsimler" vokal döngüsünden "Kış" adlı eserinde melodi esas olarak büyük ve küçük saniyelerden oluşur. Ek No.3

Bir şarkı üzerinde çalışmak sıkıcı bir ders çalışmak veya bir öğretmenin mekanik taklidi değildir, heyecan verici bir süreçtir, yükseklere ısrarlı ve kademeli bir yükselişi anımsatır. Öğretmen çocuklara her şarkının, en basit şarkının bile çok fazla çalışma gerektirdiğini açıkça belirtir. Koro derslerinde bir kural getirmek gerekir: Öğretmen sesiyle bir performans örneği gösterdiğinde, öğrenciler de onunla birlikte izlemeli, dinlemeli ve zihinsel olarak şarkı söylemelidir. Zihinsel şarkı söylemeİç konsantrasyonu öğretir, daha fazla ifade için gerekli olan yaratıcı hayal gücünü geliştirir. Böylece işitsel dikkat yönlendirilir ve tonlama daha doğru hale gelir. Bir koroda yapı üzerinde çalışmak genellikle bir parçanın söylenmesinin (öğrenilmesinin) ilk aşamasında başlar. Şu anda tonlamadaki hataları kaçırmamalısınız çünkü fark edilmeyen hatalar tekrar sırasında "işaret eder" ve daha sonra düzeltilmesi zordur.

Koro ile dersler genellikle ikili bir işlevi yerine getiren ilahilerle başlar: 1) şarkıcıları çalışmaya hazırlamak için şarkıcıların ses aygıtlarını ısıtmak ve ayarlamak. 2) koro eserlerinin icrası sürecinde şarkı söyleyen seslerin güzelliğini ve ifadesini elde etmek için vokal ve koro becerilerinin geliştirilmesi.

Ses aparatını ses aralığının, yani göğüsün falsetto olmayan kaydında çalıştırmak için, V.V. sistemine göre fonopedik yöntemin dördüncü ve altıncı döngüsündeki şarkıları kullanıyorum. Emelyanova. Şarkı söyleme aralığının kendi yasakları vardır: ilk oktavın E FLATT'sinin üzerine çıkmayın ve en düşük ses, küçük oktavın A FLATD'si olmalıdır. Müzik materyalinin temeli, üç adımlı ve beş adımlı hareketlerin yükselen ve alçalan hareketlerinin en basit gam benzeri ilahilerinden alınmıştır. Aşağıdaki alıştırmaları sunuyoruz: "dudak titreşimi" ve Y sesli harfinin yanı sıra "stro-bas" ve A, E. Y, O. U sesli harflerini kullanma.

Almanca'dan çevrilen "stro-bass", "saman benzeri" hışırtılı bas anlamına gelir. Bu unsuru gerçekleştirirken, kapının gıcırdaması mecazi olarak hayal edilir. Gıcırtı sırasında ses telleri hemen değil, yavaş yavaş devreye girer. Bu egzersiz şu şekilde gerçekleştirilir: "kızgın kedi" pozunda ağız açılır, dil alt dudağın üzerinde rahat bir şekilde duracak şekilde dışarı çıkarılır ve gırtlak gıcırtıyı andıran bir ses çıkarmalıdır. Çoğu durumda çocuklar gıcırtı sırasında “e” sesini duyarlar. Buna dikkat etmeniz ve “a” sesli harfini telaffuz etme arzusuyla gıcırdamanın yapılması gerektiğini her seferinde hatırlatmanız gerekiyor. Şarkı söylerken gıcırtı sırasında tonlama yoktur ve duraklama olmadan onu “A” sesli harfine çevirmek gerekir. Dil orijinal hareketsiz ve rahat konumunda olmalıdır. Egzersizi yaparken nötr sesli harf “A”nın nasıl oluştuğunu fark edeceksiniz. sesli harflerin dil olmadan nasıl ses çıkardığını ve “stro-bas” dan sesli harfe (a, o, u, e, s) geçiş sırasında eşiğin nasıl oluştuğunu dinlemek gerekir.

Falsetto kaydındaki "dudak titreşimi" ve sesli harf И'yi kullanan egzersizler, herhangi bir özel kısıtlama olmaksızın ilk oktavın A FLATT'sinden başlayarak ve daha yüksek, falsetto olmayan kayıtta olduğu gibi gerçekleştirilir. Dudak titreşiminden Y sesli harfine geçişte ağız çok hızlı bir şekilde kızgın kedi pozuna açılmalıdır. Herhangi bir durma veya duraklama olmadan geçiş yapın. Çocuğun ses tellerinin zorlanmasını önlemek için bu çok önemlidir. Her şey kafa rezonatöründe duyulur.

Bir koroda şarkı söylerken, koro şefi sesli heceleri, cümleleri ve şarkı sözlerinden alıntıları kullanarak çok sayıda melodik ilahiler kullanır. İlahiler çeşitli müzik vuruşlarında gerçekleştirilir: legato, staccato, legato olmayan (legato olmayan - bağlantılı değil). Başlangıç ​​aşamasındaki ana ses bilimi türü cantilenadır, yani pürüzsüz, tutarlı, sürekli, serbestçe akan bir sestir. Küçük bir koro için repertuar seçerken bile, çocukların şarkı söylerken sesin konuşma tarzını ortadan kaldırmak için cantilena niteliğindeki eserlere daha fazla dikkat etmeniz gerekir. Size melodik ilahilerden birkaç örnek vereyim.

Eğitim sürecinin ikinci yarısında ve çocuklarda harmonik işitmenin daha da gelişmesinde, armonik ilahiler yavaş yavaş tanıtılabilir. Örneğin: Çocuklar önce “u” sesli harfi için bir ses söyler ve daha sonra bu sesten aralıklar oluştururlar. Bundan önce koronun iki gruba ayrılması gerekiyor.

İlk aşamada harmonik işitmenin gelişimi için kanonların söylenmesi büyük önem taşımaktadır. “Kanon” kelimesi Yunancadan “kural, düzen” olarak çevrilmiştir ve birçok anlamı vardır. Müzikal kanon, belirli bir şekilde yaratılmış ve icra edilmiş bir şarkıdır. Kanondaki tüm katılımcılar aynı melodiyi aynı metinle söylüyor, sanki geç kalmış gibi, bir gecikmeyle tek tek giriyorlar. Kanonun güzelliği ve özgünlüğü aynı zamanda sonudur, çünkü şarkıcıların her biri melodiyi tamamladıktan sonra tekrar başlangıcına döner ve bu da bir kısır döngü oluşturur. Dünyadaki her şeyin sonsuz, dairesel hareketi fikri birçok eski kültürün karakteristik özelliğidir. Kanonun biçimini düzenleyen işte bu fikir, başlangıca sonsuz bir dönüş fikridir. İnsanın her şeyin dolaşım yasalarına tabi olduğu bir dünya düşüncesi inançlara, yaşam tarzına, danslara ve şarkılara yansır. Örneğin. "Şarkı söyle bebeğim." Bu kanonda küçük bir cümle farklı yüksekliklerde art arda dört kez tekrarlanıyor. Bu nedenle hatırlamak ve söylemek hiç de zor değil. Bu kanon birçok kez söylenebilir ve tekrar melodinin başlangıcına dönülebilir. Kanonik melodiyi eşlikle (homofonik olarak) icra etmek mümkündür. Ek No.7

"Bir zamanlar dünyada bir büyükbaba yaşardı" (Moravya halk şarkısı) kanonunun metni bir flütten bahseder, ancak melodide daha çok bir trompet veya borazan tonlamaları duyulabilir. Böyle bir kanon söylemek kolay değil. Başlangıç ​​olarak, şarkıcılar ile melodisi bir oktav daha yüksek veya daha düşük ses çıkaracak enstrüman (örneğin bir piyano) arasında bir kanon oluşturabilirsiniz. Böyle bir performans kontrapuntal müzik yapımının yeni renklerini yaratacaktır. Şarkının sözlerinin Rusça çevirisi çok komik. Ek görevler öne sürüyor: Diksiyonun netliği ve dilin etkinliği, tekerlemenin özelliği olan bir şey.

1.V.A. Mozart'ın "Bahar"ı.

2. O. Fernhelst “Ave Maria”.

3. J. Haydn “Biz müzikle arkadaşız.”

4. N. Rimsky-Korsakov “Kışa veda.”

5. V. Kalinnikov “Turna”, “Ayı”.

6. Ts. Cui “Mayıs Günü”, Sabun Köpükleri.”

7. A. Grechaninov “Buzağı hakkında.”

8. A. Arensky "Söyle bana güve."

9. A. Lyadov “Tavşan”, “Ninni”, “Komik”.

10. A. Lyadov “Tavşan”, “Ninni”, “Komik”.

11. Rus türküleri: “Kapıdaki bizimki gibi”, 2Kız arkadaşların nasıl gitti”, “Nemli ormanda bir yol var”, “Küçük bir kız yürüdü”, “Yuvarlak bir dansla yürüdük”.

12.F. Grubber'ın "Sessiz Gecesi".

13. Halk şarkısı “Tanrının Annesi”.

14. Noel ve Paskalya ile ilgili koleksiyonlardan M. Malevich Şarkıları.

15. V. Vitlin “Yağmurlar”.

16. S. Dubinina “Küçük Keçi”, “Boğa”.

17. Yu.Chichkov “Sonbahar”.

18. S. Fadeev “Robin-Bobin”.

19. S. Smirnov “Semaver”.

20. S. Gavrilov “Yeşil çizmeler”.

21. E. Zaritskaya “Müzisyen”.

22. N. Russu-Kozulina “Turta”, “İyi Şarkı”.

23. S. Banevich "Uç, gemim, uç."

25. O. Khromushin “Maskeli Balo”.

26. B. Snetkov “Şampiyon”.

27. V. Bodrum. Bilmece şarkıları: “Baykuş”, “Sincap”, “Ağaçkakan”, “Kaplumbağa”.

Genç koro üyelerinin yeteneklerine dayanarak, yavaş yavaş basit iki sesleri (koro şefinin takdirine bağlı olarak) - ilahiler, kanonlar ve basit eserler - tanıtmaya çalışmalısınız.

1. M. Glinka “Sen, bülbül, sessiz ol.”

2. A. Grechaninov “Gelincikler, gelincikler”

3. Yu Litovko “Eski saatler”.

4. M. Roiterstein “Bahar Ana”. "Partiler."

5. M. Shyvereva “Yeşil Yaz”.

6. E. Rushansky “Harika elbise.”

7. N. Karsh “Timsah dilinde şarkı”, “Gece hikayesi”, “Balık”.

1. M. Roiterstein “Koro eğlencesi”, “Ah, tamam”, “Horoz”.

2. Kanonlar: “Tarlada bir huş ağacı vardı”, “Nemli ormanda bir yol vardı”, “Brother Jacob”, İngiliz türküsü “Come Follow”, Alman halk şarkısı “Commt und last”.

3. Çek halk şarkısı “Beyaz Güvercin” (kanon)

5. Yu.Litovko “Bülbül” ve diğer kanonlar.

6. Rus halk şarkısı “Asmayla yürüyorum” (düzenleyen Roganova).

Koro öğrencileri, çalışmalarının başında ve sonraki yıllarda, a capella, S (soprano), A (alto), T (tenor) gibi yaygın olarak kullanılan terim ve kavramlara aşina olmalıdır. B (bas). Solo, agoji, eşlik, topluluk, soyut, artikülasyon, vibrato, diksiyon, aralık, dinamikler, orkestra şefi, şeflik, uyumsuzluk, nefes alma, tür, aralık, akort çatalı, kanon, cantilena, anahtar, ahenk, doruk noktası, modern tonalite, mod, ölçü, ritim, melodi (ses, vokal rehberliği), yüz ifadeleri, polifoni, mutasyon, nüans, polifoni, koro şarkı söyleme, kayıt, rezonatörler, repertuar, prova, sekans, senkop, solfej, akort, tını, tessitura, tutti, uyum, müzikal form, zorlayıcı ses, ifadeler, koro bölümleri ve koro müziği (transkripsiyon ve açıklama), duraklama, zincirleme nefes alma, vuruş.

Koro derslerinin amacı çocuklara müzik sevgisini, koro şarkı söylemeyi aşılamak ve kolektif müzik yapma becerilerini geliştirmektir. Çocuklara doğru şarkı söylemeyi öğretmek ve onları vokal ve koro klasiklerinin, halk müziğinin, modern besteciliğin harika dünyasıyla tanıştırmak gerekiyor.

Koroda yaratıcılık, karşılıklı yardımlaşma ve herkesin ortak bir amacın sonuçlarından sorumlu olduğu bir atmosfer yaratmak, çocuğun kişiliğinin oluşmasına katkıda bulunur, kendine inanmasına yardımcı olur ve yaratıcı potansiyelin gelişmesine katkıda bulunur.

Solunum, ses ve işitsel cihazların fizyolojisine ilişkin bilgiler:

1) dikkatinizi ve iradenizi nefes alma konusunda ustalaşmaya, dinlenme ve hareket anlarını kullanma ihtiyacına odaklayın;

3) Mutasyondan önce şarkı söyleme tekniğini geliştirin, mutasyon belirtilerini dikkate alın ve çocuğun sesinin hijyenini sağlayın.

Pedagojik ve psikolojik açıdan aşağıdakiler gereklidir:

1) müzik tonlarının algılanma yöntemini ve kapsamını, müzik kulağının işaretlerini, yeteneği ve müzikaliteyi keşfetmek;

2) çocukların algı özelliklerini, çocukların bilgi, duygu ve iradelerini ve zihinsel özelliklerini geliştirerek şarkı söyleme yeteneklerini ve koro şarkı söyleme becerilerini metodik olarak geliştirmek.

3) Amusia belirtilerini analiz eder, eğitim sırasında şarkı söylemedeki eksiklikleri giderir, didaktik ve pedagojinin temellerini ve teknik araçları uygular.

Koro şarkı söyleme becerileriyle ilgili olarak şunları yapmanız gerekir:

1) erken okul çağından itibaren ritim ve tonlama geliştirmek;

2) genel yeteneği dikkate alarak müzik yeteneği ve müzikalitenin belirtilerini dikkate almak;

3) şarkı söyleme tekniğini ve müzikal hayal gücünü sistematik olarak geliştirmek.

Genel olarak, genel didaktiğin ve özel didaktik sistemin gerekliliklerine uyun, çocukların koro şarkılarının özelliklerini dikkate alın ve yorumda mükemmelliğe ulaşın.

İkinci El Kitaplar

1. Yu.B. Aliev. “Müzik derslerinde şarkı söylemek. Ders notları. Repertuar. Metodoloji".

2.G.P. Stulova. “Bir çocuk korosuyla çalışmanın teorisi ve pratiği.”

3. Not: Gontarenko. “Yalnız şarkı söylemek”. Vokal ustalığının sırları.

4. I.E. Vendrova, I.V. Pigareva. “Müzikle eğitim.”

5.V.A. Samarin. “Koro yönetimi ve koro düzenlemesi.”

6.V.V. Kryukova. “Müzik pedagojisi”.

7. K.F. Nikolskaya-Beregovskaya. “Antik çağlardan 21. yüzyıla kadar Rus vokal ve koro okulu.”

8. K. Pluzhnikov. “Şarkı Söylemenin Mekaniği.”