Kolyada Nikolay Vladimirovich
Chi. Ngày 4 tháng 12 năm 1957 tại làng. Presnogorkovka, vùng Kustanai, quận Leninsky (Kazakhstan) trong một gia đình công nhân nông trường nhà nước.
Từ năm 1973 đến năm 1977, ông học tại Trường Sân khấu Sverdlovsk (khóa học của V.M. Nikolaev). Từ năm 1977 trong đoàn kịch của Nhà hát kịch hàn lâm Sverdlovsk. Các vai trong nhà hát: Lariosik (“Days of the Turbins” của M. Bulgkov), Malakhov (“Stop Malakhov!” của V. Agranovsky), Balzaminov (“Cuộc hôn nhân của Balzaminov” của A.N. Ostrovsky), Poprishchin (“Ghi chú về a Madman” của N.V. Gogol) và những người khác. Với vai Malakhov, anh đã được trao giải thưởng của Ủy ban khu vực Sverdlovsk của Komsomol. Từ năm 1978 đến năm 1980, ông phục vụ trong quân báo hiệu của Quân khu Urals, và từ năm 1980, ông lại phục vụ trong đoàn kịch kịch. Năm 1983, ông rời sân khấu. Năm 1983–1989 học vắng mặt tại khoa văn xuôi của Viện Văn học Mátxcơva. LÀ. Gorky (hội thảo của V.M. Shugaev). Lúc này ông làm trưởng đội tuyên truyền ở Cung Văn hóa. Nhà máy xây dựng nhà Gorky (cho đến năm 1985), sau đó trong hai năm, ông là nhân viên văn học của tờ báo Kalininets tại nhà máy mang tên ông. Kalinina.
Từ năm 1987 - trong công việc sáng tạo. Ông tốt nghiệp học viện năm 1989, cùng năm tại Hội nghị toàn Liên đoàn các nhà văn trẻ, ông được nhận làm thành viên của Liên hiệp các nhà văn Liên Xô và là thành viên của Quỹ văn học Liên bang Nga, và là thành viên của Liên đoàn Công nhân Nhà hát Liên bang Nga năm 1990.
Câu chuyện đầu tiên được đăng trên tờ báo “Uralsky Rabochiy” vào năm 1982, nó có tên là: “Slimy!” Sau đó, ông đăng truyện trên các tờ báo “Buổi tối Sverdlovsk” và “Uralsky Rabochiy”, ba truyện được xuất bản trên tạp chí “Ural” (số 1984), và ba truyện đều được đăng trong tuyển tập của các nhà văn trẻ Ural của cuốn Central Ural. nhà xuất bản “Nachalo Leta” và “Kỳ vọng”.
Vở kịch đầu tiên “Chơi giả” được viết vào năm 1986. Kể từ đó, 70 vở kịch đã được viết, 40 trong số đó đã được dàn dựng vào các thời điểm khác nhau tại các rạp ở Nga, các nước CIS và nước ngoài. Đó là những vở kịch: “Chơi trò giả”, “Murlin Murlo”, “Slingshot”, “Sherochka với Masherochka”, “Vô vọng”, “Câu chuyện về công chúa đã chết”, “Oginsky's Polonaise”, “Persian Lilac”, “ Chúng ta đang đi, đi, chúng ta đang đi đến những vùng đất xa xôi…”, “Con tàu của những kẻ ngu ngốc”, “Gà”, “Người Mỹ”, “Người chèo thuyền”, “Dành cho bạn”, “Kashkaldak”, “Y tá”, “Cha mẹ” ' Ngày", "Màn trình diễn lợi ích", "Chín người da trắng" hoa cúc", "Ma-nơ-canh", "Barak", "Kẻ trộm", "Chìa khóa cho Lörrach", "Mỹ tặng một con tàu hơi nước cho Nga", "Nhà hát", "Pháp thuật" , “Bó hoa”, “Mắt ác”, “Quáng gà”, “Vết bớt”, “Cô gái trong mơ của tôi”, “Nữ hoàng bích”, “Họ xây dựng những kẻ ngốc bằng chiều cao của mình”, “Chủ đất ở thế giới cũ”, “ Tutankhamun”, “Người khảo sát đất đai”, “Vẹt và chổi”, “Đi đi”, “Nhóm Glee” ", "Celestine".
Năm 1994, một lễ hội kịch độc đáo của một nhà viết kịch, “KOLYADA-PLAYS,” đã được tổ chức tại Yekaterinburg, trong đó có 18 nhà hát ở Nga và nước ngoài tham gia. Nhân dịp lễ hội này, nhà xuất bản “Ngân hàng Thông tin Văn hóa” đã xuất bản cuốn sách vở kịch “Vở kịch cho một nhà hát yêu thích” của N. Kolyada.
Năm 1997, cũng chính nhà xuất bản này đã xuất bản cuốn sách thứ hai gồm các vở kịch của N. Kolyada, “Hoa tử đinh hương Ba Tư” và các vở kịch khác.”
Năm 2000, cuốn sách thứ ba gồm các vở kịch của Nikolai Kolyada, “Đi đi, đi đi” và các vở kịch khác, được xuất bản.
Năm 1997 tại nhà xuất bản "Kalan"; (Kamensk-Uralsky) cuốn sách được xuất bản bởi giáo sư, tiến sĩ khoa học ngữ văn N.L. Leiderman "Kịch kịch của Nikolai Kolyada".
Nikolai Kolyada đã xuất bản ba cuốn sách kịch của các tác giả trẻ Ural, học trò của ông: “Arabesques” (1998), “Blizzard” (1999) và “Rehearsal” (2002), là người biên tập những cuốn sách này.
Các ấn phẩm chính về các vở kịch của N. Kolyada trên các tạp chí: “Ural”, “Modern Dramaturgy”, “Dramaturg”, “Sân khấu Đời sống”, “Nhà hát”, “Nhà hát Xô Viết”, trên tạp chí “DEUTSCHE BÜHNE” (Đức), vân vân.
Các ấn phẩm khác:
vở kịch “Người Mỹ” được xuất bản ở Pháp;
vở kịch “Slingshot” trong tập vở kịch “Perestroika” được xuất bản ở Ý;
vở kịch "Oginsky's Polonaise" được xuất bản ở Anh;
tập văn xuôi “Cậu bé Do Thái bị xúc phạm” do nhà xuất bản “EDITION SOLITUDE” xuất bản tại Đức;
Một tuyển tập kịch Nga hiện đại đã được xuất bản ở Nam Tư, trong đó có 5 vở kịch của N. Kolyada.
N. Kolyada là tác giả kịch bản phim truyện “Gà” (ORF studio, 1990) và là tác giả ghi chép văn học cuốn hồi ký của các nghệ sĩ-cựu chiến binh trong cuộc Chiến tranh Vệ quốc vĩ đại, “Vai trò chính trong cuộc đời”. ” (nhà xuất bản “Ngân hàng thông tin văn hóa”, Yekaterinburg, 1995).
Các vở kịch của N. Kolyada đã được dịch sang tiếng Đức (15 vở), tiếng Anh, tiếng Pháp, tiếng Ý, tiếng Tây Ban Nha, tiếng Thụy Điển, tiếng Phần Lan, tiếng Bulgaria, tiếng Latvia, tiếng Hy Lạp, tiếng Slovenia, tiếng Serbia, tiếng Thổ Nhĩ Kỳ, tiếng Ukraina, tiếng Belarus, tiếng Hungary, tiếng Litva và nhiều ngôn ngữ khác.
Từ năm 1992 đến năm 1993, N. Kolyada sống ở Đức, nơi ông được mời nhận học bổng vào Học viện Cô đơn Schloess (Stuttgart), và sau đó làm diễn viên trong nhà hát Đức “Deutsche Schauspiel House” ở Hamburg.
N. Kolyada đã dàn dựng các vở kịch của mình với tư cách đạo diễn tại Nhà hát kịch hàn lâm Yekaterinburg: “Oginsky's Polonaise” (1994), “Boater” (1995), “Ship of Fools” (1996) và “Night Blindness” (1997), với tư cách là cũng như vở kịch “Oginsky's Polonaise” tại nhà hát KAZA-NOVA ở Essen (Đức).
Năm 1997, với tư cách là đạo diễn, ông đã dàn dựng vở kịch của học trò của mình, người đoạt giải Anti-Booker Prize năm 1997, Oleg Bogaev, “Bài báo nhân dân Nga” tại Nhà hát kịch hàn lâm Yekaterinburg;
năm 1999, anh dàn dựng vở kịch “Đi đi, đi đi” tại Nhà hát kịch hàn lâm ở Yekaterinburg, và vào năm 2000, vở kịch tương tự tại Nhà hát Sovremennik ở Moscow.
Năm 2001, ông dàn dựng vở kịch “Romeo và Juliet” của William Shakespeare tại Nhà hát Kịch hàn lâm ở Yekaterinburg.
Năm 2002, tại Nhà hát Sovremennik ở Moscow, ông đã dàn dựng tác phẩm chuyển thể từ vở kịch “Celestina” của nhà viết kịch người Tây Ban Nha thế kỷ 15 Fernando de Rojas.
N. Kolyada là người đoạt giải của chi nhánh Yekaterinburg của Nhà hát Nhà hát Nga Liên bang Nga - vì công việc tích cực và hiệu quả trong lĩnh vực kịch nghệ (1993), người đoạt giải của tạp chí Theater Life - “Cho tác phẩm ra mắt hay nhất” (1988) ), người đoạt giải của Thống đốc vùng Sverdlovsk (1997), người đoạt giải thưởng chi nhánh Yekaterinburg của Nhà hát Sân khấu Nga cho tác phẩm đạo diễn xuất sắc nhất (1997), người đoạt giải thưởng mang tên. Tatishcheva và de Gennina (2000).
Các buổi biểu diễn “Go Away” và “Romeo and Juliet”, do N. Kolyada dàn dựng tại Nhà hát kịch hàn lâm Yekaterinburg, được công nhận là màn trình diễn hay nhất trong mùa giải 1999 và 2001 trong cuộc thi giành tác phẩm sân khấu hay nhất vùng Sverdlovsk . Năm 2002, vở kịch “Romeo và Juliet” đã tham gia lễ hội “Mặt nạ vàng” (giải thưởng phối cảnh đẹp nhất cho nghệ sĩ Vladimir Kravtsev), và năm 2001, với màn trình diễn tương tự, N. Kolyada đã tham gia “Nhà hát” Lễ hội Không biên giới (Magnitogorsk) và nhận được bốn giải thưởng của ban giám khảo.
Đã tham gia biểu diễn của nhiều nhà hát khác nhau trong các lễ hội: BONNER BIENNALE năm 1994 (BONN, ĐỨC); KOLYADA-PLAYS năm 1994 (YEKATERINBURG, NGA); GATE-BIENNALE vào năm 1996 (LONDON, ANH), cũng như trong nhiều lễ hội khác. Các vở kịch của N. Kolyada đã được dàn dựng tại các rạp ở Anh, Thụy Điển, Đức, Mỹ, Ý, Pháp, Phần Lan, Canada, Úc, Nam Tư, Latvia, Litva, v.v.
Các tác phẩm chính và quan trọng nhất ở các rạp ở nước ngoài: ở Mỹ - San Diego, 1989, “Slingshot”, đạo diễn R. Viktyuk, “San Diego Repertory Theater”; Lexington, 1992, đóng vai “Kẻ trộm”; ở Thụy Điển - Stockholm, 1995, “Staatsteater”, “Slingshot”; ở Anh - Devon: "Murlin Murlo", London - "Oginsky's Polonaise", Gate Theater; Luân Đôn - “Murlin Murlo”; ở Ý – Rome, Nhà hát Trinona, diễn vở “The Witch”; Rome, vở kịch “Slingshot”, do R. Viktyuk đạo diễn với sự tham gia của nghệ sĩ nổi tiếng người Ý Corrado Panni. Sau đó ở Ý vở kịch tương tự được phát sóng sáu lần trên đài phát thanh Ý; Ở đó, nó được dàn dựng bởi một đoàn khác và đi du lịch (như đoàn đầu tiên) khắp tất cả các thành phố của Ý; ở Pháp - Paris, nhà hát "Người bắt buộc", "Người Mỹ"; ở Nam Tư - Belgrade, "Oginski's Polonaise" Novi Sad "Murlin Murlo", Uzice "Rogatka" Belgrade "Gà" và những vở khác ở Úc - Sydney - "Slingshot" và "Game of Forfeits" được dàn dựng ở Lithuania - "Slingshot" được dàn dựng ở Vilnius; Murlin Murlo”; ở Bulgaria – thành phố Varna, “Rogatka”; ở Đức – ở các thành phố Kiel, Stuttgart, Essen và nhiều thành phố khác, Göttingen, Stuttgart, Dresden và nhiều thành phố khác - “Slingshot” - ở Potsdam “ Kẻ trộm” - ở Cottbus, Chemnitz; “Oginsky's Polonaise” - ở các thành phố Jena, Gera, Essen; “Birthmark” ở Bonn; ở Nuremberg và nhiều tác phẩm khác, bao gồm cả trên đài phát thanh Đức. Giờ đây, toàn bộ vở kịch “Khrushchev” đã được dịch sang tiếng Đức.
Năm 1997, tại Berlin, tại một trong những nhà hát lớn nhất ở Đức, Nhà hát Deutsches, một cuộc chạy marathon sân khấu đã diễn ra: sáu vở kịch trong vòng này được trình chiếu với sự tham gia của các diễn viên nổi tiếng nhất ở Đức.
Những sản phẩm thú vị nhất ở Nga:
Nhà hát Sovremennik: “Murlin Murlo”, đạo diễn G. Volchek, 1991, với sự tham gia của E. Ykovleva, N. Doroshina; “Chúng ta có đi, đi, đi không?”, đạo diễn G. Volchek, 1996 với sự tham gia của G. Petrova, L. Akhedzhkova, E. Ykovleva, A. Leontyev; “Đi đi, đi đi”, đạo diễn. N. Kolyada, 2000 với sự tham gia của V. Gaft và E. Ykovleva; "Celestine", đạo diễn. N. Kolyada, 2002 với sự tham gia của L. Akhedzhkova;
Nhà hát Roman Viktyuk: “Oginsky's Polonaise”, đạo diễn Roman Viktyuk, 1994; “Slingshot”, đạo diễn Viktyuk, 1993;
Nhà hát mang tên Mayakovsky: “Câu chuyện về nàng công chúa đã chết”, đạo diễn Sergei Artsybashev, 1992;
rạp hát "trên Pokrovka": "Gà" do Sergei Artsibashev đạo diễn, 1994;
trong doanh nghiệp: “Persian Lilac”, do B. Milgram đạo diễn, với sự tham gia của L. Akhedzhkova và M. Zhigalov, 1996; “Tình yêu thế giới cũ”, do V. Fokin đạo diễn, với sự tham gia của L. Akhedzhkova và B. Stupka, 1999;
Nhà hát "On Malaya Bronnaya": "Oginsky's Polonaise", đạo diễn Lev Durov, 1995;
Nhà hát mang tên Mossovet: “Boater”, đạo diễn Boris Shchedrin, 1993;
Nhà hát mang tên Stanislavsky: “Oginsky's Polonaise”, đạo diễn Leonid Kheifets, 1998;
nhà hát trên Perovskaya: “Họ xây dựng những kẻ ngốc theo chiều cao”, đạo diễn Kirill Panchenko, 1998;
nhà hát "Ngôi nhà Baltic": St. Petersburg, "Slingshot" (1990), "Murlin Murlo" (1991), đạo diễn Yury Nikolaev,
cũng như sản xuất nhiều vở kịch khác nhau tại các rạp ở Yekaterinburg, Novosibirsk, Krasnoyarsk, Tomsk, Ashgabat, Tashkent, Kyiv và nhiều rạp khác. vân vân.
Từ năm 1994, N. Kolyada đã giảng dạy khóa học “Kịch kịch” tại Học viện Sân khấu Bang Yekaterinburg, nơi ông đào tạo các nhà viết kịch tương lai. Khóa học này là duy nhất, vì những khóa học tương tự (ngoại trừ Viện văn học A.M. Gorky) không tồn tại ở Nga. Các vở kịch của các sinh viên khóa này Oleg Bogaev, Tatyana Shiryaeva, Nadezhda Koltysheva, Anna Bogacheva, Tatyana Filatova, Vasily Sigarev và những người khác hiện nay đã thu hút sự chú ý của nhiều rạp: ví dụ như vở kịch “Bưu điện nhân dân Nga” của Oleg Bogaev đã được dàn dựng của đạo diễn Kama Ginkas trong nhà hát dưới sự chỉ đạo của Oleg Tabkov (trong vai chính - Oleg Tabkov), và hai vở kịch khác của cùng tác giả - “The Great Wall of China” và “Dead Ears” - đã được dịch sang tiếng Đức, Tiếng Pháp, tiếng Serbia và các ngôn ngữ khác.
Vở kịch “Bài báo nhân dân Nga” của Nhà hát kịch Yekaterinburg được mời tham gia lễ hội Mặt nạ vàng năm 1999 (Moscow). Vở kịch dựa trên vở kịch “Plasticine” của V. Sigarev, được dàn dựng tại Trung tâm Kịch nghệ và Chỉ đạo dưới sự chỉ đạo của A. Kazantsev và M. Roshchin và do K. Serebrennikov đạo diễn, đã là người tham gia và chiến thắng trong nhiều lễ hội. Vở kịch của O. Bogaev và V. Sigarev được dàn dựng ở Đức, Pháp, Anh và các nước khác trên thế giới.
Từ tháng 7 năm 1999 đến năm 2010, Nikolai Kolyada là tổng biên tập tạp chí văn học, nghệ thuật và báo chí hàng tháng “Ural”. N. Kolyada đã điều hành chương trình truyền hình của riêng mình có tên “Black Box Office” trên Công ty Phát thanh và Truyền hình Bang Sverdlovsk trong vài năm.
Nikolay Kolyada sống và làm việc tại Yekaterinburg.
Nhà viết kịch đọc bằng rạp hát. Thái độ với truyền thống. Đang tìm kiếm chủ đề của bạn. Đặc điểm của vị trí của tác giả.
Nikolai Kolyada viết vở kịch đầu tiên của mình vào năm 1986, và trong những năm 1990, ông trở thành một trong những nhà viết kịch có nhiều tiết mục nhất. Những vở kịch hay nhất của ông không chỉ được dàn dựng ở quê hương mà còn được dàn dựng tại các rạp ở Anh, Hungary, Bulgaria, Thụy Điển, Đức, Mỹ, Ý, Pháp, Phần Lan, Canada, Úc, Nam Tư, Latvia và các nước khác. Xem xét hoạt động sáng tạo phi thường của ông (đến cuối năm 2006, hơn 80 tác phẩm kịch đã được viết, 5 tập kịch đã được xuất bản), chúng ta có thể yên tâm nói về Nhà hát Kolyada. Nghệ thuật viết kịch của ông - một thế giới nghệ thuật tổng thể, với những đặc điểm, khuôn mẫu, ranh giới dễ nhận biết - đang được sân khấu hiện đại yêu cầu.
Sự nổi tiếng và thành công của nhà viết kịch Kolyada đòi hỏi sự hiểu biết, khơi dậy sự quan tâm và tranh cãi. Các nhà phê bình sân khấu viết rất nhiều về Kolyada liên quan đến việc sản xuất vở kịch này hay vở kịch khác của ông. Đương nhiên, điểm nhấn trong những bài báo như vậy là mang tính sân khấu, và tác phẩm kịch của Kolyada vẫn nằm trong bóng tối. Đánh giá thường cam kết đơn giản hóa. Đúng như vậy, trong cuốn sách của nhà phê bình văn học nổi tiếng N.L. Leiderman “Kịch kịch của Nikolai Kolyada. Tiểu luận phê bình" (1997) cung cấp một phân tích kỹ lưỡng về khái niệm nghệ thuật của nhà viết kịch. Nhưng hoạt động sáng tạo của Kolyada, cường độ tìm kiếm nghệ thuật của ông (trong thời gian đã trôi qua kể từ khi xuất bản cuốn sách của Leiderman, ông đã viết gần bốn mươi vở kịch, vì những lý do rõ ràng, vẫn nằm ngoài lĩnh vực nghiên cứu) đã khuyến khích sự suy ngẫm sâu hơn về tác phẩm của ông. . Ngoài ra, một số quan điểm chính của nhà nghiên cứu, đặc biệt là định nghĩa về thể loại các vở kịch đầu tiên của nhà viết kịch là menippea, dường như còn gây tranh cãi.
Nikolai Kolyada bắt đầu vào nửa cuối những năm 1980 với những vở kịch trong đó xuất hiện cuộc sống của tỉnh lẻ, vùng ngoại ô thành thị: truyền thống Vampilov hóa ra vẫn được yêu cầu và tạo động lực sáng tạo cho một thế hệ nhà viết kịch mới. Cuộc sống tỉnh lẻ trong các vở kịch của ông xuất hiện dưới những biểu hiện khó coi nhất.
Các vở kịch ngay lập tức được các nhà phê bình xếp vào cái gọi là “chernukha”. Đồng nghiệp giàu kinh nghiệm Leonid Zorin, trong lời tựa cho việc xuất bản vở kịch “Barak” của Kolyada trên tạp chí “Phim truyền hình hiện đại”, đã kiên quyết bác bỏ nhãn hiệu này: “Rất dễ dàng để ghi danh Kolyada vào khoa, nơi mà ngày nay được gọi là “chernukha”. Khi thuật ngữ này ra đời, rõ ràng xu hướng này đã trở thành mốt. Nhưng nơi mà nhiều người có một mánh khóe, một chiếc chìa khóa tổng thể, một trò chơi hiện đại, một đống nỗi kinh hoàng, thì Kolyada lại có cả niềm đam mê và sự dằn vặt.” Các tác giả của Chernukha đã vẽ nên một bức tranh khủng khiếp về cuộc sống mà họ nhìn từ bên ngoài. Kolyada không tách mình ra khỏi thế giới được tái tạo. Anh ấy cùng với những anh hùng trong vở kịch của mình trải qua những thăng trầm trong số phận của họ. Phần mở đầu trữ tình được thể hiện tích cực sẽ loại bỏ cảm giác “đen tối”.
Theo thời gian, các học giả văn học bắt đầu phân loại những tác phẩm như vậy là chủ nghĩa tân tự nhiên, thoạt nhìn có vẻ khá thuyết phục: chúng tái hiện hiện thực và các nhân vật của thời đại một cách sống động nhất có thể. Vào thời điểm này, cái gọi là “văn xuôi tàn nhẫn” của S. Kaledin, L. Gabyshev và những người khác đã được biết đến trong văn học của chúng ta, theo một số nhà nghiên cứu, một “trường phái tự nhiên mới” đang được hình thành trong quá trình văn học hiện đại.
Văn xuôi này thực sự đã chỉ ra những điểm đau đớn của cuộc sống và phát hiện ra một kiểu anh hùng mới. Không chỉ là một “người đàn ông nhỏ bé”, mà là một người đàn ông đến từ một không gian trước đây đã đóng cửa với văn học của chúng ta (nhà tù, nghĩa trang, tiểu đoàn xây dựng), bên lề theo đúng nghĩa, được miêu tả một cách tự nhiên không thương tiếc, trong tất cả sự tàn ác thiêu đốt hàng ngày của anh ta. Anh hùng mới không phải là anh hùng theo nghĩa thông thường của văn học thời kỳ trước. Nhưng chính anh ta - một kẻ bị ruồng bỏ, một nạn nhân - đã trở thành một nhân vật tiêu biểu, một dấu hiệu của môi trường và hoàn cảnh xã hội, bao gồm cả lịch sử và chính trị, đã hình thành nên anh ta.
Đó là văn xuôi thể hiện tính xã hội, lập trường cứng rắn của tác giả, tính thẩm mỹ mới và tính phê phán mang tính buộc tội. Kolyada gần gũi với những đại diện của “văn xuôi tàn nhẫn” trong quá trình văn học, anh ấy gần gũi với nó về mặt chủ đề, nhưng anh ấy đặt ra và giải quyết những vấn đề sáng tạo khác và khó có thể được tính vào hướng này. Thể hiện cuộc sống bất ổn của con người, bỏ bê các vấn đề xã hội và các mối quan hệ, nhà viết kịch tập trung sự chú ý chủ yếu vào cá nhân, thể hiện vở kịch nhân văn đang diễn ra ở đây và bây giờ trong mỗi nhân vật, ngay cả những người đã đánh mất chính mình. Điều quan trọng đối với tác giả nội bộ- kịch cá tính, không bên ngoài- những vấn đề xã hội đã dẫn đến nó. Nhà viết kịch không đổ lỗi cho cá nhân, xã hội hay nhà nước mà phản ánh sự tồn tại của con người. Đây là điểm khác biệt cơ bản giữa Kolyada và các tác giả của “văn xuôi tàn nhẫn”. Trong các vở kịch của anh ấy - “Biển của chúng ta không thể giao tiếp được... Hay con tàu của những kẻ ngu ngốc”, “Murlin Murlo”, “Câu chuyện về công chúa đã chết”, “Slingshot”, “Bó hoa” - từ tác phẩm đầu tiên của anh ấy, “Amigo” - từ những tác phẩm mới nhất của ông (cho thấy mối quan tâm thường xuyên của nhà văn đối với thực tế cuộc sống của chúng ta) - không có đạo đức, không tìm kiếm ai đó để đổ lỗi. “Bị sỉ nhục và bị xúc phạm” ở họ không phải là sự sỉ nhục và xúc phạm theo nghĩa cổ điển của cách diễn đạt này, mặc dù sự thiếu thốn và bị gạt ra ngoài lề của họ là hiển nhiên.
Các nhân vật gợi lên lòng trắc ẩn; những mâu thuẫn trong vở kịch không có cách giải quyết vui vẻ. Số phận của các anh hùng, chính hoàn cảnh cuộc đời của họ khuyến khích người đọc tích cực suy nghĩ về ý nghĩa cuộc sống của con người, về sự cô đơn, tình yêu và hạnh phúc. Vị trí của tác giả giúp vượt qua cuộc sống hàng ngày vô vọng và làm nảy sinh nhu cầu đặt câu hỏi. Và có lẽ chính vì phản ứng này của người đọc mà các vở kịch đã được hình thành.
Nghịch lý thay, về mặt hình thức, Kolyada lại gần gũi hơn không phải với các nhà văn đương đại, kể cả các nhà viết kịch của làn sóng hậu Vampilian, mà lại gần với một nghệ sĩ của thời đại khác - Maxim Gorky, người đam mê cuối thế kỷ 19 - đầu thế kỷ 20. chủ đề đi lang thang. Kolyada, giống như Gorky, cho thấy “đáy” của xã hội, sự mất đi những nguyên tắc sống, sự tồn tại dồn nén bên bờ vực sự sống và cái chết. Chúng được gắn kết với nhau bởi sự thể hiện rõ ràng lập trường của tác giả - lòng trắc ẩn, mong muốn đến với độc giả “thịnh vượng”, thể hiện bức tranh buồn về một cuộc sống khác, vô vọng, khủng khiếp (hãy nhớ vở kịch “At the Depths” của Gorky). Thông qua cú sốc đạo đức, họ muốn khiến những người đương thời không nghĩ nhiều về việc sửa chữa đạo đức mà về mục đích của con người, về sự sống và cái chết.
Sự đối lập “sống - chết” lấy bối cảnh ở Kolyada theo cách này hay cách khác trong nhiều vở kịch (trong vở “The Seagull Sang”, toàn bộ hành động xoay quanh cái chết và đám tang của Valerka bất hạnh, người bị đánh chết trong tù) . Quan tài với thi thể của ông trên sân khấu là một chi tiết nghệ thuật mang tính biểu tượng chứ không phải là một cảnh tượng nhằm mục đích sống động như thật. Ở Gorky, sự phản đối này cũng được nhấn mạnh rõ ràng. Mở đầu vở kịch “At the Bottom” có điềm báo về cái chết (Anna bị bệnh vô vọng), ở đoạn cao trào và cuối cùng có cái chết như một sự thật đã xảy ra. Và sự căng thẳng trong diễn biến hành động gắn liền với câu hỏi “sống như thế nào?” và “một người cần gì?” Cả hai nhà viết kịch đều quan tâm đến các vấn đề triết học hơn là xã hội, nhưng mức độ nghiêm trọng của bất lợi xã hội không hề được các nhà văn loại bỏ. Phía sau văn bản xuất hiện siêu văn bản, thể hiện tích cực lập trường của tác giả.
Vấn đề của con người và lòng tự trọng bên trong của anh ta hóa ra lại là vấn đề chính đối với cả hai nhà viết kịch. Đúng, không giống như Gorky, vào đầu thế kỷ XX-XXI. đã tạo ra một lối đi khác cho tác giả hiện đại. Quan niệm của ông về con người là bi quan. Những suy ngẫm triết học về bản chất con người và mục đích của con người trong các vở kịch của Kolyada dẫn đến sự thừa nhận sự cô đơn hiện hữu và sự diệt vong bi thảm của cá nhân như số phận trần thế của con người.
Vở kịch của N. Kolyada thể hiện khá tiêu biểu những nét đặc trưng của văn hóa thời kỳ bước ngoặt, thời kỳ tìm kiếm những giá trị, hình thức và phong cách mới.
Ngay cả một cái nhìn toàn cảnh về các vở kịch của Kolyada cũng cho phép chúng ta thấy được mối liên hệ chắc chắn của ông với truyền thống kịch Chekhov. Kolyada viết những vở kịch “đàm thoại”, trong đó, trước hết, lời nói của các nhân vật rất quan trọng - chứ không phải hành động của họ, chứa đựng nguyên tắc hiệu quả. Hành động và việc làm nhường chỗ cho lời nói, ngôn từ hoạt động không giống như trong kịch cổ điển mà theo một cách mới, theo cách của Chekhov. Yếu tố Chekhovian trong kịch nghệ của Kolyada rất có ý nghĩa. Chính sự bất ổn và mơ hồ của con người, được bộc lộ trong các vở kịch của Chekhov, sự cân bằng liên tục giữa lập dị và nghiêm túc, hài hước và bi kịch, giai thoại và kịch - những đặc điểm thi pháp trong kịch của Chekhov hóa ra hoàn toàn hữu cơ để khắc họa trạng thái của con người hiện đại. ở Kolyada. Những vở kịch của ông, ngoài diễn ngôn hậu hiện đại, còn chứa đựng những ám chỉ trực tiếp đến văn bản và mô típ của Chekhov. “Oginsky's Polonaise” là cách diễn giải của “The Cherry Orchard”; mô-típ từ vở kịch của Chekhov cũng được tìm thấy trong “Murlin Murlo”. Những ám chỉ đến "Ba chị em" có thể được đọc trong "Lilac Ba Tư" và "Chiếc ghế Vienna". Họa tiết “The Seagull” được tìm thấy trong các vở kịch “Gà”, “Người chèo thuyền”, “Mù đêm”, “Nhà hát”. Vở kịch độc thoại “Sherochka với Masherochka” gợi lại ký ức về câu chuyện “Tosca” của Chekhov.
Sự phức tạp của sự tương tác giữa nghệ thuật viết kịch của Kolyada và truyền thống Chekhovian chắc chắn cần được xem xét đặc biệt. Khi nghĩ về mối liên hệ của Kolyada với truyền thống, có thể nảy sinh những giả định hoàn toàn bất ngờ. Ví dụ, về sự gần gũi của Kolyada với nghệ thuật kịch của Arbuzov. Thật vậy, bất chấp sự khác biệt tuyệt đối về chủng loại và chất liệu cuộc sống - những cư dân ngọt ngào trong các con hẻm Arbat trong các vở kịch của Arbuzov và những cư dân suy thoái và cơ cực của các khrushchev tỉnh Kolyada - thế giới nghệ thuật của hai nhà viết kịch vẫn có thể so sánh được. Và trong trường hợp này, chúng ta thậm chí không nên nói về sự tiếp nối truyền thống Arbuzov của Kolyada, mà là về mối quan hệ họ hàng của các kiểu tính cách sáng tạo và sự hội tụ về mặt hình thức của các mô hình nghệ thuật. Kolyada, giống như Arbuzov, là một nghệ sĩ giáo dục, giáo viên, người tổ chức xưởng vẽ và trường dạy viết kịch. Cả hai đều là những nhà văn có lập trường tác giả được thể hiện rõ ràng, dường như trái ngược với đặc thù của thể loại, họ cố gắng truyền tải đến người đọc bằng mọi cách, khơi dậy sự đồng cảm, tình cảm thương xót của người đọc-người xem. Đó là lý do tại sao họ sử dụng rộng rãi các yếu tố của thể loại melodrama. Thế giới trong các vở kịch của họ, mặc dù hiểu và tái hiện chính xác ý nghĩa thực sự của cuộc sống, vẫn mang tính quy ước về mặt sân khấu, và các nhân vật có thể nhận biết, điển hình, đồng thời như thể được nâng lên trên thực tế với mong muốn tạo ra thế giới mà họ cần. , hoặc để thoát khỏi những vấn đề đau đớn, lao vào giấc mơ mộng mơ, viển vông. Các tình huống kịch tính phản ánh bản chất của các quá trình sống, nhưng chúng khó có thể diễn ra theo cách này trong thực tế. Kolyada trong một cuộc phỏng vấn, tránh xa chủ nghĩa tự nhiên và “chernukha” mà ông bị buộc tội, nhấn mạnh: “Tất cả các vở kịch của tôi đều là dối trá và hư cấu. Chưa bao giờ có những câu chuyện như vậy trong đời... Ở các tỉnh, họ không nói như vậy - đó là một ngôn ngữ sân khấu được phát minh ra. Ở các tỉnh không có những người như trong vở kịch của tôi - các tỉnh hoàn toàn khác nhau ”.
Từ “chơi” trong tựa đề vở kịch đầu tiên của Kolyada có lẽ thể hiện một nét thi pháp nào đó trong tác phẩm kịch của ông: sự khởi đầu của trò chơi. Giống như Arbuzov, sử dụng chất liệu từ cuộc sống, vì cuộc sống và không trốn tránh nó, theo một cách nào đó, ông sáng tác truyện cổ tích cho nhà hát. Đối với Arbuzov, chúng tươi sáng, gần như kỳ diệu, những cái kết hứa hẹn một cuộc sống mới. “Truyện cổ tích” của Kolyada thật buồn. Những cái kết được đánh dấu bằng sự chia tay với những ảo tưởng; nhân vật thường chết. Nhưng các nhà viết kịch đều thống nhất với nhau bởi ngữ điệu của tác giả, sự chấp nhận thế giới như hiện tại và niềm tin vào sự cần thiết phải vượt qua sự mất đoàn kết và cô đơn.
Arbuzov và. Kolyada gần gũi về mặt lập trình - mong muốn tạo ra một sân khấu giàu cảm xúc, dễ hiểu đối với mọi người. Thái độ sáng tạo tiên nghiệm như vậy sẽ đảm bảo sự chú ý của các rạp chiếu phim, điều mà mọi nhà viết kịch đều mong muốn. Cả hai đều không bị tước đoạt sự chú ý như vậy. Nhưng con đường này đầy rẫy những nguy hiểm và những thỏa hiệp sáng tạo. Arbuzov và Kolyada sống sót. Arbuzov tránh bất kỳ sự tán thành nào đối với nghệ thuật chính thức của Liên Xô, và Kolyada chống lại đầy đủ sự tấn công dữ dội của văn hóa đại chúng thay thế.
Kolyada đảm nhận gánh nặng khó khăn khi viết riêng về thời hiện đại. Tuy nhiên, ông có thể được coi là nhà văn viết về các chủ đề hiện đại, nằm ngoài tầm quan trọng xã hội truyền thống đối với những chủ đề như vậy. Hiện thực thời gian hiện lên qua những kế hoạch chưa thành, những ước mơ chưa thành, những số phận tan vỡ của những anh hùng.
Trong hầu hết mọi vở kịch đều có một nhân vật khi rơi vào tuổi thơ, điên cuồng đấu tranh với hàng xóm, khuất phục trước những cám dỗ, đấu tranh tìm kiếm chính mình, thất bại, đau khổ. Không ai trong số họ có thể trải nghiệm được phép màu của việc tự nhận thức, để cảm nhận được sự trọn vẹn của bản thể. Đây là nguồn gốc của kịch tính và góc nhìn triết học về các vấn đề trong các vở kịch của Kolyada. Số phận riêng tư của một người bên lề trở thành một dấu hiệu, một hình mẫu của thế giới, minh chứng cho những rắc rối của anh ta, của thế giới. Những vấn đề triết học dựa trên chất liệu xã hội cơ sở đã loại trừ chủ nghĩa trí thức với tư cách là một phương pháp nghiên cứu nghệ thuật. Nhà viết kịch chọn một con đường khác để thực hiện: ý niệm của tác giả ở khía cạnh triết học được bộc lộ trong tính cách nguyên mẫu của các nhân vật, trong hình ảnh ẩn dụ, trong việc mô hình hóa các tình huống kịch tính kết hợp giữa cao và thấp. Nhờ những điểm nối như vậy, các trạng thái ngưỡng của ý thức và cuộc sống được bộc lộ đằng sau sự chân thực của cuộc sống hàng ngày, và số phận của những anh hùng lù lù và cô đơn ở Kolyada tạo cơ sở cho việc suy nghĩ về những câu hỏi muôn thuở.
Thế giới nghệ thuật trong kịch nghệ của Kolyada là toàn diện và duy lý. Và ngay cả vectơ tiến hóa trong tác phẩm của nhà viết kịch cũng đã được vạch ra trong những vở kịch đầu tiên của ông: từ xã hội đến hiện sinh. Kolyada kiên trì và nhất quán xây dựng một nhà hát mới dành cho cư dân ở ngoại ô thành phố, mặc dù khái niệm “vùng ngoại ô” được hiểu nhiều hơn theo khía cạnh tâm lý xã hội, hiện sinh, thay vì theo khía cạnh không gian-địa lý, như trường hợp của Vampilov. . Nhà viết kịch đã gánh vác gánh nặng khó khăn của không gian sống mà mình đang làm chủ một cách dân chủ và nhân đạo, gọi hiện thực được hiện thực hóa một cách nghệ thuật là “THẾ GIỚI CỦA TÔI”, nhấn mạnh khái niệm này trong đoạn độc thoại-nhận xét của vở kịch “Oginsky's Polonaise” bằng cách viết, chọn phông chữ liên tục và bài phát biểu đầy cảm xúc và thơ mộng trong cấu trúc của nó: “Đây không phải là thành phố, không phải là làng, không phải biển, không phải đất, không phải rừng và không phải cánh đồng, bởi vì đây là rừng, là cánh đồng và là biển, và một trái đất, một thành phố và một ngôi làng - Thế giới của tôi, MIR CỦA TÔI! Mọi người thích My World hay không thích thì tôi không quan tâm!! Anh ấy là của tôi và tôi yêu anh ấy." Khái niệm “MYMIR” là khái niệm. Lời nhận xét độc thoại nghe như một câu thần chú. Không phải ngẫu nhiên mà trong một số vở kịch này, đạo diễn lại tự mình lồng tiếng sân khấu cho chính nhà viết kịch, nhấn mạnh sự hiện diện của tác giả, sự sẵn sàng chấp nhận thế giới của các nhân vật của mình. Đây là quan điểm của tác giả Kolyada. Chính tác giả, như thể tham gia vào hành động đang diễn ra, là người nhấn mạnh vào tính độc đáo trong thế giới của mỗi cá nhân, trong từng phút giây tồn tại. Nhưng nghịch lý là các anh hùng trong các vở kịch của Kolyada buộc phải tồn tại trong khuôn khổ những hoàn cảnh khắc nghiệt đời thường không cho phép họ cảm nhận được trọn vẹn sự tồn tại. Giá trị nội tại của sự tồn tại của cá nhân trong thực tế được hiện thực hóa trong sự kết nối và thâm nhập lẫn nhau của các thế giới khác nhau, và các nhân vật trong hầu hết các vở kịch của nhà viết kịch không thể vượt qua sự cô đơn hoặc sự bất tỉnh về mặt tinh thần của họ.
Những va chạm gay gắt trong các vở kịch của Kolyada nói lên bản chất thảm khốc của trạng thái cuộc sống hiện đại, sự tan vỡ của các kết nối, không thể nghe thấy người khác, ngay cả khi anh ta hét lên về nỗi đau của mình. Cuộc đối thoại không được thực hiện sẽ dẫn thế giới đến sự hỗn loạn và con người đến sự cô đơn hoàn toàn. Người hùng trong vở kịch đầu tiên của Kolyada “The Seagull Sang” (1989), Sanya, hỏi những người đối thoại và khán giả những câu hỏi tuyệt vọng: “Lạy Chúa, cuộc sống của chúng ta là gì?! Cuộc sống giống như một cái nút - từ vòng này sang vòng khác! Cuộc sống của chúng ta... Tại sao chúng ta sống?! Dành cho ai? Để làm gì?! Để làm gì?! Ai biết?! Ai?! Không ai cả…” Và hoàn toàn vô vọng: “Tại sao tôi lại sống?! Lạy Chúa, lạy Chúa, vinh hiển cho Ngài, lạy Chúa, vì con không có con, vinh hiển cho Ngài, vinh quang, vinh quang, lạy Chúa! Để tôi có thể cho họ xem." Trong đoạn độc thoại này, không chỉ ý nghĩa hùng hồn mà còn là cách diễn đạt lời nói được tạo ra bởi sự lặp lại từ vựng, sự rút gọn, câu cảm thán và câu hỏi. Theo một nghĩa nào đó, trong đoạn độc thoại này của nhân vật, dưới hình thức cô đọng của câu nói đầy cảm xúc, những vấn đề trong toàn bộ vở kịch của Kolyada đều được lồng tiếng.
Đặc điểm của vấn đề. Định kỳ của sự sáng tạo. Đang tìm kiếm một thể loại. Anh hùng và ngôn ngữ.
Nguyên tắc phân tích lịch đại sẽ giúp xác định những yếu tố chi phối trong vấn đề. Việc phân tích cấu trúc thể loại và đặc điểm ngôn ngữ trong nghệ thuật viết kịch của Nikolai Kolyada sẽ cho phép chúng ta xây dựng mô hình nghệ thuật cho tác phẩm của ông và xác định phương pháp sáng tạo của nhà văn.
Việc phân tích các vở kịch của Kolyada từ quan điểm các vấn đề, ưu tiên thể loại và xu hướng ngôn ngữ cung cấp cơ sở để cấu trúc tác phẩm sâu rộng của ông, nêu bật hai giai đoạn có ý nghĩa về mặt khái niệm trong đó: I - 1986-1990; II - 1991-2006.
Vở kịch đầu tiên “Chơi đồ giả” của N. Kolyada là một trải nghiệm trong kịch tâm lý xã hội. Những anh hùng trẻ tuổi của cô ấy là những kiểu người dễ nhận biết trong cuộc sống gần đây của chúng ta, thời kỳ tiền perestroika. Một bước ngoặt, thuận lợi và thuận lợi cho những kẻ hay giễu cợt thông minh và thực dụng, hạ gục không thương tiếc những người trẻ chân thành và hiếu học - đây chính là bản chất của những khúc mắc trong cốt truyện của vở kịch. Đây chính là hình ảnh của thời gian được phản ánh trong đó. Những người đầu tiên xây dựng “cuộc sống tươi đẹp” của mình bằng bất cứ giá nào và phấn đấu không chỉ để đạt được thành công về vật chất mà còn để đè bẹp, giáo dục những người khác theo tinh thần của chính họ, thay đổi cuộc sống và thiết lập những quy luật mới của nó. Những quy tắc này cho phép bạn, để giải trí, hù dọa chết bà già hàng xóm bằng cách bịa ra câu chuyện về con trai bà gặp tai nạn (bà thực sự chết vì sốc), và thoát khỏi cảm giác no, chà đạp lên tình yêu và cuộc sống của một cô gái trẻ (đây là những gì Kirill làm với Eva, và vợ của chính anh ta, người mà anh ta nhào nặn theo hình ảnh và giống của chính mình, anh ta tiêu diệt như một con người). Phần cuối của vở kịch cho thấy Nastya, sau khi nắm vững các bài học của mình, đã làm nản lòng ngay cả giáo viên của mình. Ở những anh hùng có định hướng giá trị như vậy, chỉ còn lại bản năng tự vệ và ích kỷ. Không còn lòng trắc ẩn hay trách nhiệm nữa.
Với sự trung thành với chân lý cuộc sống và tính chính xác về tâm lý xã hội của các nhân vật, vở kịch không phải là một mảnh vỡ của hiện thực mà là một cấu trúc nghệ thuật có giá trị theo đúng nghĩa của nó, nguyên tắc tổ chức của nó là lập trường của tác giả, mối quan tâm của nhà viết kịch. nhân cách là gì, nó bị biến dạng như thế nào dưới tác động của hoàn cảnh. Trong vở kịch “Chơi bị mất,” có nội dung tâm lý xã hội trong thể loại, Kolyada vạch ra những vấn đề tồn tại liên quan đến phạm trù lựa chọn. Trong vở kịch, điều quan trọng không phải là chuyện gì xảy ra - những người trẻ tụ tập dự tiệc vào đêm giao thừa - mà là trạng thái của các nhân vật và mối quan hệ giữa họ thay đổi như thế nào. Các tình huống và nhân vật đều mâu thuẫn. Ngay cả Kirill, nhân vật được xác định và quyết tâm nhất về mặt xã hội, cũng không rõ ràng. Cuộc sống hai mặt của anh ấy là gấp đôi. Kirill khéo léo che giấu dưới lớp mặt nạ của một sinh viên vui vẻ trước sự siết cổ của một kẻ đầu cơ đen tối và một kẻ dụ dỗ. Nhưng anh ấy có một bí mật khác: anh ấy giấu cha mẹ nghiện rượu của mình với vợ và bạn bè. Nhưng tuổi thơ đói khát của một đứa trẻ mồ côi với cha mẹ còn sống và sự xấu hổ dành cho họ đã hành hạ người anh hùng và ngăn cản anh ta sống. Có lẽ sự sụp đổ nhân cách của anh ấy nảy sinh như một phản ứng trước thế giới tuổi thơ bị phá hủy? Trong cuộc xung đột này, một trong những hằng số trong thế giới nghệ thuật của Kolyada được phác họa bằng dấu chấm - ẩn dụ Ở nhà. Nhiều anh hùng trong các vở kịch tiếp theo của nhà viết kịch sẽ tìm kiếm một nơi trú ẩn hỗ trợ và tự nhận thức, trải nghiệm sâu sắc tình trạng vô gia cư của họ. Chính tình huống cốt truyện của vở kịch - một trò chơi bị mất của trẻ em - về cơ bản là mâu thuẫn. Nó chứa đựng niềm khao khát về một tuổi thơ đã qua (động cơ tâm lý), tính ấu trĩ của các anh hùng (động cơ xã hội) và sức mạnh của sự tình cờ - trò đùa của một bóng ma như sức mạnh của số phận (động cơ hiện sinh). Và bên cạnh đó, trò chơi mà các nhân vật được cuốn đi là một cách để nhà viết kịch tạo ra yếu tố vui tươi, sân khấu trong đó các nhân vật xuất hiện sắc nét và năng động hơn.
Vở kịch đầu tiên của Kolyada có thể được coi là một hình mẫu độc đáo cho tác phẩm của ông từ quan điểm về kiểu xung đột. Xung đột giữa hoàn cảnh và sự tự nhận thức của người anh hùng mang lại chiều sâu hiện sinh cho vấn đề chủ yếu là tâm lý xã hội.
Trong thời kỳ này, Kolyada chủ yếu viết các vở kịch hai màn, trong đó cư dân của các túp lều, doanh trại, Khrushchevkas - một ngôi đình khổng lồ - xuất hiện trước khán giả. Nó không có gì chung với một mái ấm, một ngôi nhà nơi người thân, bạn bè sinh sống. Trong những vở kịch hay nhất, bản thân cảnh này đã có một ngữ nghĩa mang tính biểu tượng loại trừ mối tương quan đầy đủ giữa nghệ thuật kịch của nó với chủ nghĩa tự nhiên. Vì vậy, trong nhận xét cho vở kịch “Biển của chúng ta không thể hòa nhập... Hay con tàu của những kẻ ngốc”, tác giả đã quy định một không gian hành động sống động đặc biệt, chứa đựng, phù hợp với bản chất của vấn đề, tính hai chiều: một cách tự nhiên. trình bày sự khốn cùng của xã hội, sự hoang tàn trong cuộc sống của các nhân vật và hình ảnh ẩn dụ về một hòn đảo cứu rỗi sự sống, thậm chí có thể là cả con tàu Nô-ê giữa cơn lũ. Một không gian sống chật hẹp làm nảy sinh lòng căm thù người hàng xóm ở con người hiện đại và khiến anh ta rơi vào tình trạng thù địch. Nhưng nguyên tắc thanh lọc được sinh ra ở đây, trong chính những con người này, họ tồn tại trong điều kiện hoang dã như vậy và có dũng khí chấp nhận cuộc sống này và nhận ra sự bất hạnh của chính mình: “Trên nền gạch bán hầm có một thứ gì đó bằng gỗ, lớn, có cửa sổ khổng lồ lên... Trên những con chim sẻ bị gãy bắt đầu hót líu lo trên cây bạch dương. Những tia nắng đầu tiên bắt đầu len lỏi qua bồn cầu quét vôi trắng với chữ “M” và “F” màu đen. Ngôi nhà đứng trong vũng nước: không lối vào, không lối ra. Nó thậm chí không phải là một vũng nước mà là một cái hồ nhỏ và ở giữa nó có một ngôi nhà.” Không kém phần biểu cảm là lời nhận xét trong vở kịch “The Seagull Sang”: “Chuyến tàu cuối cùng về thành phố ầm ầm. Tiếng còi chia tay của cô đã vang đến ngôi nhà nhỏ có cửa chớp xanh này... Đã đến lúc vứt đồ đạc trong nhà vào bãi rác, nhưng nó đã bén rễ vững chắc biết bao, dường như những chiếc giường với những chiếc giường lông cao và những chiếc bàn tồi tàn này, và những chiếc ghế hầu như không còn sống. Và ngôi nhà này ở ngoại ô, những tấm giẻ rách trên gương, và đồ đạc - mọi thứ đều có màu xám, bẩn thỉu.” Tác giả cố tình tăng cường các chi tiết (màu sắc, chủ đề, không gian), truyền tải sự bừa bộn, “ngoài lề”, sự buông thả của cuộc sống. Câu cảm thán của Sanya khá dễ hiểu: “Tại sao? Tại sao cuộc sống vô tận này! Nhưng trong số các nhân vật của vở kịch có Vera, em gái của Valerka bị sát hại, người đã nghĩ ra một thế giới tưởng tượng cứu rỗi, trong đó cô tồn tại cùng với người anh hùng lý tưởng, nam diễn viên Yuri Solomin. Cô muốn thoát khỏi bóng tối đến mức tin rằng các con của mình là con của Solomin chứ không phải người chồng say rượu Vanya Nosov. Một thế giới giấc mơ tưởng tượng giúp cô sống sót trong không gian chật hẹp của cuộc sống tỉnh lẻ khốn khổ. Đức tin, kiệt sức vì những rắc rối thường ngày, vẫn có khả năng yêu thương người lân cận và sẵn sàng đáp lại nỗi đau của người khác.
Trong các vấn đề của vở kịch, vấn đề độc lập của cá nhân được đặt lên hàng đầu hơn là các vấn đề của đời sống xã hội, mặc dù vấn đề sau được thể hiện như một thế lực khủng khiếp, san bằng và thờ ơ đối với một con người.
Chi tiết về sự tàn phá trong căn hộ của người khuyết tật Ilya trong vở kịch “Slingshot” làm tăng thêm cảm giác về thảm họa trong sự tồn tại của anh ta, nhấn mạnh sự vô vọng của số phận: “một tấm rèm vải tuyn có một lỗ lớn, được khâu lại bằng những sợi chỉ đen,” “một chiếc ghế có một chân buộc bằng dây thừng”, “một cuống đèn gần trần nhà.” , “một chiếc ghế cũ bị đè bẹp”, “những đống rác, những chai lọ rỗng, những chiếc cốc đục”. Dải âm thanh cũng biểu cảm không kém: “cuộc hành quân ầm ầm”, “ai đó lẩm bẩm, la hét, nức nở, chửi thề”. Gặp gỡ Anton trẻ trung và khỏe mạnh mang lại cho Ilya hy vọng vượt qua nỗi cô đơn, nảy sinh cảm giác được cần đến, thậm chí anh còn siêng năng dọn dẹp nhà cửa, loại bỏ sự hỗn loạn hàng ngày. Nhưng Kolyada cho thấy một sức mạnh nguy hiểm hơn nhiều - không thể cưỡng lại được - của sự hỗn loạn về tinh thần và xã hội. Ilya không thể đối phó với anh ta. Chủ nghĩa vị kỷ và sự xa lánh của con người trở thành công cụ của số phận tàn nhẫn, giết chết niềm hy vọng và lấy đi sự sống. Nỗ lực tự tử ồn ào trong cơn say như một cử chỉ tuyệt vọng và nổi loạn trước số phận cay đắng của một người khuyết tật ở đầu vở kịch (Ilya được Anton cứu) được thay thế bằng một quyết định chết có ý thức. Sự lựa chọn này của Ilya không chỉ bộc lộ phẩm giá, lòng dũng cảm chấp nhận số phận của mình mà còn thể hiện tinh thần trách nhiệm. Cứ như thể anh ấy đang giải thoát Anton khỏi chính mình. Tác giả ban tặng cho người khuyết tật bất lực nguyên tắc đúng đắn đó không còn tồn tại trong cuộc sống - tình yêu dành cho người khác, khả năng hy sinh bản thân. Ilya qua đời với hy vọng gặp Anton ở đó, ở thế giới tiếp theo. Theo Kolyada, khía cạnh triết học của các vấn đề của vở kịch được nâng cao bằng cách đưa những giấc mơ vào bản chất tâm lý xã hội của hành động - thế giới phi lý, nhưng về cơ bản là đúng.
Vì vậy, trong những vở kịch mang tính định hướng xã hội của thời kỳ sáng tạo đầu tiên, trong đó chủ nghĩa hiện thực đời thường đôi khi đe dọa biến thành chủ nghĩa tân tự nhiên (“Murlin Murlo”) và sức sống sinh lý đôi khi trở nên tự cung tự cấp (“The Seagull Sang…”), “Slingshot”), nhà viết kịch may mắn không vượt qua ranh giới nguy hiểm. Sự tập trung của hành động kịch, với sự hòa nhập vào thực tế xã hội và đời thường, vào các vấn đề thiết yếu của cuộc sống hàng ngày - cuộc sống - cái chết, lý tưởng, tình yêu, số phận - cứu khỏi chủ nghĩa đời thường và chủ nghĩa tự nhiên, và là một thành tựu sáng tạo của nhà viết kịch. Người viết chủ yếu quan tâm đến các vấn đề bản thể học.
Thời kỳ đầu sáng tác của nhà viết kịch (1986-1990) có thể coi là kinh nghiệm nắm vững các vấn đề hiện sinh trong lĩnh vực tâm lý xã hội và kịch xã hội.
Trong khi đó, N. Leiderman đưa ra một bản gốc khác, nhưng theo ý kiến của chúng tôi, cách giải thích gây tranh cãi về bản chất có vấn đề về thể loại của các vở kịch trong thời kỳ này. Trong các vở kịch của nhà viết kịch “Biển của chúng ta không thể hòa nhập... Hay con tàu của những kẻ ngốc”, “The Seagull Sang…”, “Murlin Murlo” và thậm chí trong “Câu chuyện về nàng công chúa đã chết”, nhà nghiên cứu đã phát hiện ra một lễ hội hóa trang yếu tố được tạo ra bởi những người được gọi là “nghệ sĩ” (đặc biệt nhấn mạnh họ là một nhóm trong hệ thống nhân vật), và bản thân các vở kịch đều thuộc thể loại menippea. Leiderman viết: “Về bản chất, những anh hùng của Kolyada, những “nghệ sĩ” rất tích cực của anh ấy, “không làm gì khác ngoài việc nhại lại, xuyên tạc, làm ô nhiễm “top” với “đáy”, bằng cách thô tục hóa, họ vui vẻ phá hủy hệ thống giá trị mục nát. - họ vạch trần sự giả dối của những gì được coi là lý tưởng, sự chết chóc của những giáo điều dường như không thể chối cãi, sự vô nghĩa của những nghi lễ theo thói quen.” Sự hiểu biết như vậy về các vấn đề và chức năng của nhân vật đương nhiên khiến nhà khoa học giải thích các vở kịch là menippea.
Ông viết: “Bản thân Menippea là một hình mẫu để giải cấu trúc truyền thống, biến nó từ trong ra ngoài. Và thi pháp lễ hội, sinh ra từ sâu thẳm của menippea, là một công cụ phá hủy truyền thuyết. Những công trình này có hiệu quả trong phạm vi các định nghĩa lý thuyết. Nhưng logic trong các văn bản đầy kịch tính của Kolyada vẫn khác. Có lẽ việc cho rằng vở kịch của Kolyada thuộc về thể loại này xuất phát từ cách giải thích quá rộng rãi của Leiderman về đậu menippea. Shklovsky tin rằng Bakhtin cũng áp dụng định nghĩa thể loại này “cho một lĩnh vực văn học vô cùng rộng lớn, cả cổ xưa lẫn hiện đại”. Trong một trong những ghi chú của cuốn sách về Dostoevsky, Bakhtin xếp Hemingway trong số những người sáng tạo ra thể loại “menippea”. MM. Bakhtin, người đã đưa định nghĩa thể loại này vào sử dụng văn học tích cực, đã gọi menipea là một tác phẩm thuộc thể loại gây cười nghiêm túc, một kiểu chuyển tiếp trong ý nghĩa thể loại của nó, tuy nhiên, trong đó nguyên tắc sử thi được thể hiện một cách mạnh mẽ. Ngoài ra, khi suy ngẫm về cây đậu menippea trong cuốn sách “Những vấn đề về thơ ca của Dostoevsky”, ông nhấn mạnh: “cả lớp bên ngoài và lõi sâu của nó đều thấm đẫm sự lễ hội hóa”. Theo quan điểm của chúng tôi, chính xác là hai phẩm chất xác định này của menippea - tính hoành tráng và chủ nghĩa lễ hội lan tỏa khắp nơi - là “không có tác dụng”, theo quan điểm của chúng tôi, so với các vở kịch của Kolyada. Trong những vở kịch này, hành vi của các anh hùng - Vovka (“Biển của chúng ta khó gần…”), Sanya (“The Seagull Sang”), Vitaly (“Câu chuyện về nàng công chúa đã chết”) - bề ngoài thực sự mang tính lễ hội hóa, nhưng lễ hội hoàn toàn không phải là trạng thái phổ biến của họ. Cái “tôi” bên trong của các nhân vật nằm trong sự đối ngẫu đau đớn, mâu thuẫn giữa hoàn cảnh xã hội xấu xí mà họ đã tồn tại từ lâu và ý thức về bản thân của họ. Menippea và phong cách lễ hội thực sự giả định trước tính toàn vẹn của người anh hùng, điều này cần thiết cho sự xa lánh hiện thực trong truyện tranh và tạo ra sự đột phá tới các giá trị đích thực. Các anh hùng của Kolyada dù dũng cảm nhưng vẫn không bị thực tế bỏ qua: một ví dụ điển hình và thuyết phục là vở kịch “Câu chuyện về nàng công chúa đã chết”. Trong các vở kịch của ông, bản chất cốt lõi của các nhân vật là khác nhau: tính hai mặt chứ không phải tính chính trực. Chính tính hai mặt này, được đưa ra ở cấp độ cảm nhận chứ không phải phản ánh, sẽ quyết định xung đột, các vấn đề và thể loại của vở kịch. Sự cám dỗ đối với cách giải thích kiểu menippaean về thể loại các vở kịch của Kolyada là điều dễ hiểu. Quả thực, trong các vở kịch đang được xem xét, có những dấu hiệu hình thức của thể loại này như việc sử dụng biệt ngữ, diễn giải lại các trích dẫn một cách châm biếm, sự pha trộn giữa cao và thấp, đa phong cách, và thậm chí là sự hội tụ nhất định về mặt hình thức của các tình huống lịch sử của thể loại này. sự xuất hiện (cuộc khủng hoảng của hệ thống giá trị trước đây, trong trường hợp này là thời kỳ Xô Viết), vẫn hiện hữu, nhưng chúng không thể trở thành hình thành thể loại. Ngay cả với bản chất khái quát của nội dung xã hội và sự hấp dẫn đối với các vấn đề về sự sống và cái chết trong bản chất siêu hình của chúng, không có nguyên tắc sử thi chủ đạo nào trong các vở kịch của Kolyada. Tác giả quan tâm đến một cá nhân nhận thức được những ngõ cụt của tồn tại xã hội và sự cần thiết phải giải quyết những vấn đề muôn thuở để vượt qua chúng. Một cuộc xung đột kịch tính nảy sinh trong không gian cuộc sống của một người - nội tâm và xã hội, do đó vai trò rất lớn của bối cảnh.
Người anh hùng trong các vở kịch của Kolyada nói bằng một ngôn ngữ mà ở một mức độ lớn, là một phương tiện để bộc lộ và hiểu được bản chất của anh ta cũng như những đặc điểm của thời đại anh ta. Ngay trong những vở kịch đầu tiên của mình, Kolyada đã thể hiện khả năng sử dụng thành thạo ngôn từ kịch tính. Sự gần gũi của lời nói văn học và ngôn từ tục tĩu, sự sáng tạo trong ngôn từ của các diễn viên thể hiện nhân vật không chỉ tạo nên sự phong phú về văn phong của vở kịch mà còn là yếu tố làm nảy sinh căng thẳng kịch tính. Ví dụ, Leiderman, khi bình luận về việc sử dụng ngôn từ tục tĩu trong các vở kịch của Kolyada, đã viết khá đúng: “Đối với các anh hùng của Kolyada, một từ tục tĩu không phải là một cách diễn đạt trực tiếp mà là một công cụ chơi chữ; giống như một nghệ sĩ từ một con búp bê mà anh ta điều khiển.” Đoạn độc thoại của Vitaly trong vở kịch “Câu chuyện về nàng công chúa đã chết” đáng chú ý ở khía cạnh này: “Hãy im lặng, và bạn sẽ khóc! Vâng, chúng ta bắt đầu thôi. Và thế là anh ta quyết định bắt đầu công việc kinh doanh này, hủy hoại các cô gái và cuộc sống của họ. Đã dừng lại! Và bây giờ anh ấy ở một mình trong một tháng. Và tôi thực sự muốn! Nhưng tôi đã dừng lại. Một ngày nọ, anh ấy đi trên một chiếc xe đẩy. Và anh ấy thấy: à, bla, - và tim đã ngừng đập! Cô gái đang ngồi một mình phải không? Đang ngồi. Mái tóc bà dài tới chân, màu trắng. Cô ấy có hoa trên tay phải không? Chà, anh chàng không thể chịu đựng được và bước lên. Anh bắt đầu nói chuyện với cô về điều này điều kia. Chà, anh ấy thích cô ấy, vậy phải làm sao đây, ôi! Và cô nói với anh: hãy bỏ em đi, sau này anh sẽ hối hận. Thôi, im lặng nghe đi, bây giờ bạn sẽ khóc! Anh ấy không ổn chút nào! Không cách xa cô ấy một bước... Và thế là cô ấy nói: à, chính anh cũng muốn điều này... Đứng dậy... Cô ấy đứng dậy! Anh ấy nhìn: và trái tim anh ấy đã ngừng đập! - và cô ấy bị mất một chân... Thế đấy. bằng một chân, nhưng trên một chân giả.
Anh chàng này đi với cô gái, anh ta vẫn đi với cô gái, anh ta đi, anh ta đi... À, rồi có đủ thứ chuyện khác nhau... Thôi, để tôi kể cho các bạn nghe, lũ khốn! Tôi muốn viết một cuốn tiểu thuyết như thế này phải không?... Rồi về tình yêu, rồi... Và những người này viết! Họ đang viết gì vậy?! Những nhà văn này viết cái quái gì vậy! Đây chính là điều chúng ta cần viết về!..” Nói một cách thẳng thắn, ở đây, gần như ở mức độ nhại lại, các chi tiết từ ngữ tục tĩu và xen kẽ, từ vựng tiểu tư sản được kết hợp lại, và đằng sau tất cả những điều này là sự cô đơn, sự không thỏa mãn của cả người kể chuyện và người nghe, đặc biệt là bác sĩ thú y Rimma, người giết chết những con vật cưng bị bệnh hoặc không mong muốn mỗi ngày và chờ đợi tình yêu, nhưng hiểu rằng chỉ có cái chết ở phía trước.
Thật không may, trong các tác phẩm viết về kịch hiện đại và đặc biệt là về Kolyada, hầu như không chú ý đến vấn đề ngôn ngữ. Trong khi đó, đã có những thay đổi lớn trong lĩnh vực ngôn ngữ và phong cách trong kịch, chức năng, vai trò của nó cũng có những thay đổi đáng kể. Trong bài phê bình vở kịch “Câu chuyện về nàng công chúa đã chết”, O. Ignatyuk đã viết một cách thuyết phục và chính xác về điều này: “Ngôn ngữ trở thành chi tiết quan trọng nhất của toàn bộ câu chuyện cổ tích. Toàn bộ kết cấu tiếng lóng của vở kịch, mặc dù vẫn là một sự đổi mới trên sân khấu của chúng tôi, nhưng hầu như không phải là thực tế nội dung chính của hành động. Ở đây, bạn không chỉ theo dõi sự phát triển của các cuộc đối thoại mà còn cả cách sử dụng công cụ, sự phát triển điêu luyện và chính sự bay hơi của yếu tố ngôn ngữ đen tối này... có những sự lặp lại lời nói, những cách tiếp cận và giải pháp như vậy, những sự ám chỉ và những bước chuyển hướng tinh thần như vậy, tính di động như vậy và sự phức tạp của bố cục từ ngữ và tính nghệ thuật của màu sắc, đòi hỏi, bạn biết đấy, các kỹ năng sản xuất riêng biệt…” Bầu không khí của hành động cũng được tái tạo bằng ngôn ngữ; mọi thứ đều trở nên quan trọng - cả từ vựng và âm thanh.
Giai đoạn sáng tác này của Kolyada kết thúc bằng một trong những vở kịch đen tối nhất - vở kịch "Bó hoa" (1990). Trong đó, mô hình tác phẩm thời kỳ này được hiện thực hóa đầy đủ: nắm bắt chính xác các kiểu tâm lý xã hội, sự phi hiện thực hóa xã hội của các nhân vật, cảm giác về hoàn cảnh thảm khốc của tất cả các nhân vật, hình ảnh từ đầu đến cuối của Ngôi nhà. Nhưng trong trò chơi về các vấn đề xã hội và đạo đức này, bao gồm cả các vấn đề triết học về sự lựa chọn, người ta cảm nhận được một số phận lớn hơn về mức độ có điều kiện. Mong muốn thoát khỏi sự sống động như thật được thể hiện trong ngữ nghĩa biểu tượng của cái tên. Tất cả những điều này chứng tỏ sự tìm kiếm sáng tạo của nhà văn và sự mở rộng khả năng nghệ thuật của kịch.
Theo hướng này, tác phẩm của Kolyada sẽ phát triển trong tương lai: chủ nghĩa kinh nghiệm nhường chỗ cho các hình thức thông thường, các yếu tố phi lý và suy nghĩ lại một cách thẳng thắn về các tác phẩm kinh điển.
Thời kỳ sáng tạo thứ hai của Kolyada là tươi sáng và hiệu quả nhất (1991-2006). Nhà viết kịch đã nắm vững các hình thức thể loại mới: ngoài những vở kịch “lớn” đã được thử nghiệm trước đó ở hai màn, những vở kịch một màn được biết đến rộng rãi cũng được viết trong thời kỳ này. Anh ấy đang tích cực phát triển thể loại này, tạo ra một chu kỳ gồm mười hai vở kịch “Khrushchevka”, một chu kỳ “Pretzel”, và cũng hoạt động trong thể loại vở kịch độc thoại.
Trong các vở kịch hai màn nửa đầu thập niên 1990. (“Oginsky's Polonaise”, “Boater”, “We are going, going, going…”, “Night Blindness”) thực tế không có xung đột trên cơ sở xã hội, mặc dù trong hệ thống nhân vật, sự phân cực xã hội được nhấn mạnh rõ ràng hơn hơn trước: người chủ cũ Tanya, những người hầu Lyudmila và Ivan (“Oginsky's Polonaise”); Victoria mới người Nga và người chồng cũ Victor (“Boater”); “nữ doanh nhân” thành đạt Zina và những kẻ thua cuộc Nina và Misha (“Chúng ta đi, chúng ta đi, chúng ta đi…”), nữ diễn viên đô thị Larisa và những thổ dân hoang dã ở vùng hẻo lánh của tỉnh (“Mù đêm”). Nhưng đây chỉ là sự đối lập tưởng tượng. Sự tương phản về địa vị xã hội của các nhân vật được nhấn mạnh nhưng nó không phải là nguồn gốc của xung đột và phát triển của các pha hành động kịch tính.
Các nhân vật thờ ơ về mặt xã hội, và sự đối kháng “giai cấp” của họ đôi khi được thể hiện ở cấp độ hành vi, không bao giờ chuyển sang lĩnh vực đối đầu xung đột. Các nhân vật được tác giả khá đoàn kết trong nỗi bất hạnh chung chứ không đối lập nhau. Cuộc tranh cãi căng thẳng không bắt đầu giữa họ mà kết thúc Về số phận của họ. Nội dung của nhiều vở kịch mở ra như một cuộc trò chuyện bất tận, trong đó mọi người thực sự nói về cuộc sống của chính họ, về những ước mơ chưa thành, những dự định chưa thành và những hy vọng thất vọng.
Những vấn đề về nhận thức bản thân, sức mạnh của số phận, sự cô đơn như số phận của con người - đây là những vấn đề bản thể thống nhất hầu hết các vở kịch của thời kỳ thứ hai.
Điều đáng quan tâm chắc chắn là vở kịch “Oginsky's Polonaise” (1992), có thể coi là vở kịch có lập trình của nhà văn. Tác phẩm này của Kolyada có nguồn gốc sâu xa và vững chắc trong bối cảnh Chekhovian. Tất nhiên, Kolyada không phải là người đầu tiên tiếp nối truyền thống kịch Chekhovian. Sự tiếp nhận của Chekhov lấp đầy thế giới nghệ thuật của nhà viết kịch hiện đại với nội dung phù hợp và phản hồi cũng xuất hiện. Vở kịch của Kolyada giúp tạo điểm nhấn mới trong văn bản kịch tính cuối cùng của tác phẩm kinh điển - vở kịch "Vườn anh đào", từng được Nhà hát Nghệ thuật Mátxcơva diễn giải một cách trang nhã và trữ tình, trước sự thất vọng của tác giả.
Cách giải thích “The Cherry Orchard” của E. Nekrosius (2003) gần với ý nghĩa của vở kịch Chekhov được hiện thực hóa trong “Oginsky's Polonaise” một cách đáng ngạc nhiên. Nhà viết kịch hiện đại sử dụng kỹ thuật đặc trưng nhất của Chekhovian - kỹ thuật bộc lộ bản thân của các nhân vật trong những cuộc độc thoại, nhưng không phải với chính mình mà nói to trước công chúng. Về bản chất, những đoạn độc thoại này mang tính bối rối và bốc đồng. Trong đoạn độc thoại của Tanya, người trở về Moscow mười năm sau, về nhà cô, nơi không còn người thân (cha mẹ cô đã mất, căn hộ bị một người hầu cũ của một gia đình Xô Viết danh nghĩa chiếm giữ), quá khứ, hiện tại, hiện thực và trí tưởng tượng đau đớn, ảo tưởng và hiện thực tàn bạo đan xen vào nhau.
Trong Polonaise của Oginsky, hình ảnh Ngôi nhà, như đã lưu ý, là hình ảnh xuyên suốt trong nghệ thuật viết kịch của Kolyada. Trong tình huống cốt truyện của vở kịch này, anh ta có mối liên hệ chặt chẽ với hình ảnh Khu vườn của Chekhov. Đây không phải là sự ám chỉ đến tác phẩm kinh điển mà là cách hiểu chung về thời kỳ chuyển tiếp của các nhà viết kịch. Các chi tiết chính của vở kịch cổ điển giúp tạo ra hình ảnh ba chiều trong văn bản hiện đại, đồng thời độ sắc nét của các cuộc đối thoại và mối quan hệ của các nhân vật trong Kolyada cho phép chúng ta nhìn thấy một hình ảnh đồ họa rõ ràng về thời gian và con người đằng sau tông màu của Chekhov. bảng màu.
Truyền thống nhận thức về vở kịch của Chekhov cho rằng thế giới của Ranevskaya sụp đổ với việc bán bất động sản và chặt phá vườn anh đào. Nhưng thảm họa đã xảy ra sớm hơn nhiều. Chekhov thể hiện trong các nhân vật của mình sự bất lực để sống và tồn tại, xuất phát từ bên trong, từ sự mất đi nền tảng tinh thần của cuộc sống. Lối sống của giới quý tộc trên điền trang này không có nông dân và địa chủ là vô nghĩa, mọi người mất đoàn kết và cô đơn. Các mối quan hệ của họ, được thực hiện trong ranh giới của nghi lễ-thói quen (Firs-Gaev: người hầu-chủ, Ranevskaya-Gaev: chị-anh; Ranevskaya-Anya: mẹ-con gái, v.v.), không chứa đầy ý nghĩa sống và, trên thực tế, được hình thức hóa một cách máy móc. Do đó mới có những hành động, ý định, lời nói vô lý. Ranevskaya cô đơn và lạc lõng đến mức cô thực sự không nghe thấy ai, không thể nghe thấy ai, giống như hầu hết mọi nhân vật trong vở kịch. Không phải ngẫu nhiên mà Charlotte, với sự mất gốc, những thủ đoạn lố bịch và mất đi ý thức tự nhận thức, lại trở nên quan trọng đối với Chekhov. Suy cho cùng, đây là tấm gương phản chiếu trạng thái nội tâm của Ranevskaya!
Lopakhin, người trong nhiều năm đã ẩn giấu trong mình một cảm giác tôn kính dành cho Ranevskaya như một thế giới khác, tươi sáng và xinh đẹp, gần như không thể đạt được đối với anh, đã bị sốc và bối rối trước cuộc gặp gỡ mới với cô. Bản chất của cô ấy rất năng động và đơn giản, anh ấy không thể hiểu cô ấy và những gì đang xảy ra với cô ấy. Nhưng cô ấy, tinh tế và sâu sắc, lại khép kín với chính mình đến mức không nhìn thấy anh, không hiểu cảm xúc của anh và không nghe thấy anh. Và đó là lý do tại sao, không ngờ ngay cả vì chính mình, anh ta mua một bất động sản mà không thể nhận ra rằng mình đang giáng đòn cuối cùng vào một người vô cùng thân yêu với mình. Bây giờ anh ta sẽ đưa anh ta đi dọc theo con đường mòn dẫn đến sự giàu có và cô đơn. Lopakhin mất đi sự ủng hộ của lòng nhân đạo chân chính, vốn dành cho anh tình yêu dành cho Ranevskaya.
Tất cả các anh hùng đều cam chịu thua cuộc. Sự tàn nhẫn trong cách chẩn đoán của Chekhov - tình trạng cuộc sống của người Nga như một biểu hiện của tình trạng khủng hoảng trên thế giới - xuất hiện trong những tình tiết khúc mắc và bài phát biểu của các anh hùng trong vở kịch "Oginsky's Polonaise" của Kolyada. Xung đột chính và hệ thống nhân vật trong vở kịch này, ở dạng giản lược, gần như kỳ cục, lặp lại về bản chất trong “The Cherry Orchard” của Chekhov. Kolyada trong Polonaise của Oginsky củng cố sự khởi đầu thông thường: vai trò của các chi tiết biểu tượng, tình huống phi lý và các nhân vật kỳ cục tăng lên, tất nhiên, điều này cho thấy sự hiện thực hóa thi pháp kịch tính của Chekhov. Ngay trong tiêu đề của vở kịch, tâm trạng và ý nghĩa của nó đã được mã hóa. Bản “Polonaise” nổi tiếng của nhà soạn nhạc Oginsky còn có tựa đề khác: “Vĩnh biệt quê hương”. Các nữ anh hùng của cả hai vở kịch (“The Cherry Orchard” - “Oginsky's Polonaise”) thực sự nói lời tạm biệt với quê hương của họ, và, nếu chúng ta đưa tình huống đi đến kết luận hợp lý của nó, là cuộc sống, do đó tâm trạng thay đổi bất tận và không thể nghe thấy khác. Ở Kolyada, “tình thế chia tay” theo tinh thần của thời đại chúng ta được thể hiện một cách cởi mở và gay gắt hơn, nhưng ngay trong phần cuối vở kịch của Chekhov, người ta vẫn có thể đọc thấy sự tuyệt vọng, trống rỗng, vực thẳm đối với tất cả các nhân vật. Cuộc sống đang sụp đổ. Không khí của vở kịch “Oginsky's Polonaise”, lo lắng đến mức la hét và xô xát, trách móc và lừa dối, trái ngược với hành động bề ngoài điềm tĩnh hơn nhưng đầy vô lý của “The Cherry Orchard”, chỉ là những hình thức bên ngoài khác nhau của vở kịch “Oginsky's Polonaise”. thực hiện va chạm trong một cuộc đời, một thế giới quan gần gũi của tác giả: Kolyada theo chân Chekhov, ông cho thấy sự tan vỡ bi thảm của mối liên hệ giữa con người với nhau, sự thất bại nội tại của cá nhân.
Tanya, giống như Ranevskaya, trở về nhà sau một thời gian dài xa cách, đang tìm kiếm sự hỗ trợ ở thế giới bên ngoài - trong những điều quen thuộc từ thời thơ ấu, trong cây thông Noel khó quên, mà đối với cô, dường như giờ đây lẽ ra phải đứng ở chỗ cũ trong phòng khách. Có lẽ vì lý do này mà cô ấy trở lại Moscow vào đêm giao thừa. Tanya, sau khi trải qua những thử thách bi thảm trong cuộc đời, không chỉ mất đi địa vị xã hội và những người thân yêu mà còn cả sự chính trực bên trong và sự bình yên trong tâm hồn, đã ngây thơ bám lấy những bóng ma của quá khứ như niềm hy vọng cuối cùng của mình. Hành động của vở kịch, cuộc gặp gỡ của nữ chính với Tổ quốc mới tìm thấy và những người mà cô đã quen biết từ khi còn nhỏ, đã thuyết phục cô rằng Nhà (không phải căn hộ vẫn thuộc về cô), mà là Nhà, cây thông Noel của trẻ em, tình yêu trẻ con - không có gì điều này không còn nữa và cô ấy, Tanya, không còn là Không nữa. Cô sống sót trong một không gian chật hẹp giữa những giấc mơ về một quá khứ tươi đẹp và một hiện tại di cư cô đơn, nghèo khổ, khủng khiếp. Khi giấc mơ tan biến, không còn gì của quá khứ, không gian cuộc đời của nữ chính đơn giản biến mất dưới chân cô.
Những nhân vật kỳ cục (người bạn Mỹ của Tanya và đồng bệnh nhân David), sự cố ý tích lũy những chi tiết đời thường chẳng có chút sức hấp dẫn nào (căn hộ giàu có, ấm cúng trước đây của cha mẹ Tanya đã biến thành “nơi tụ tập của diễn viên hài”, nơi ẩn náu của những người hầu cũ), sự kết hợp giữa các lớp ngôn luận khác nhau - tất cả những điều này tạo ra một tâm trạng lo lắng, một cảm giác thảm khốc, sự tồn tại phi lý nảy sinh, trong đó một người được định sẵn là ở một mình. Trong cuộc đối thoại giữa Tanya và Dima, ở cấp độ ngôn từ nghệ thuật, trạng thái bi thảm của một cá nhân đã mất đi quá khứ và không có tương lai được bộc lộ. Người như vậy chỉ còn lại hiện tại phi lý, sụp đổ trước mắt chúng ta: “Tôi thường say sưa với cuộc sống, với mặt trời, với bầu trời, không khí, những vì sao!”, “Anh yêu em, cuộc đời!”, “Một người đàn ông bước đi như chủ nhân của Tổ quốc rộng lớn của mình!”, “Buổi sáng sơn những bức tường của điện Kremlin cổ kính bằng một màu sắc tinh tế! Cả đất nước Xô Viết thức giấc lúc bình minh!!! (Tạm dừng. Thở mạnh, nhìn vào cốc.) Ở nhà thật tốt biết bao, tốt biết bao... Khi còn nhỏ, bà bảo mẫu cho tôi sữa trong cốc, tôi uống và thấy ở đó, ở phía dưới, khuôn mặt của tôi, đôi mắt của tôi! Bảo mẫu nói: ngươi, Tanyusha, có đôi mắt ríu rít! (Cười) Bảo mẫu thân mến, tôi yêu cô ấy biết bao... Bạn có nhớ không, Dimochka, chúng ta đã lớn lên cùng nhau như thế nào, chúng ta đã đến rạp xiếc, sở thú như thế nào, hãy nhớ điều đó thật tuyệt vời như thế nào: “Lenin luôn sống!” Lênin luôn ở bên tôi! Trong đau buồn, hy vọng và niềm vui -và -và (Cười). Khi còn nhỏ, tôi đã nghĩ rằng có một người sống trong chiếc cốc dưới đáy: to và mắt to (Nhìn vào cốc, im lặng). Anh ấy sống ở đó trong thế giới riêng của mình và nhìn tôi một cách sợ hãi và cẩn thận. Sự phản xạ. Suy Nghĩ (Tạm dừng). Rất nhiều từ tiếng Nga bắt đầu bằng “o”. Tôi muốn viết một bài báo khoa học về chủ đề này. Sự phản xạ. Sự cô đơn. Tuyệt vọng, mặc khải, tắm rửa, dự tòng, bị từ chối, bị xúc phạm, soi sáng, choáng váng. Tuyệt vọng là sự cô đơn.
Một nhà phát minh. Mọi thứ đã tan vỡ... Thôi, để nó, để nó, để nó... Ngày mai tôi sẽ bắt đầu, ngày mai mọi thứ sẽ mới, mới!
Lỗi, sự cởi mở, cảm giác, tính toán, thô tục, ghê tởm, tuyệt vọng, ghê tởm, xúc phạm…” (Vở kịch cho nhà hát của tôi. P. 114, 115)
Lời độc thoại tuyệt vời! Những câu ca dao lạc quan sáo rỗng của Liên Xô, nữ chính lặp đi lặp lại hết bài này đến bài khác, như đang nói với nỗi sầu muộn của mình, đồng thời hiểu được nội dung thảm hại của chúng: “Một người đàn ông bước đi như chủ nhân của Tổ quốc rộng lớn của mình” - nhưng nữ chính không còn nữa có quê hương. Cô nhớ lại những chi tiết đơn giản và thuần khiết nhất của thời thơ ấu - mối quan hệ họ hàng thiêng liêng với người bảo mẫu của cô, và “Lenin luôn sống gần đó”, những ảo ảnh đi vào vỏ não. Và cuối cùng, một loạt danh từ biểu cảm bắt đầu bằng “o”: chúng không ngừng vang vọng trong tâm hồn cô và cuối cùng bùng phát, thể hiện mức độ tuyệt vọng cùng cực và cảm giác tuyệt vọng về cuộc sống. Những thay đổi về lời nói trong đoạn độc thoại này không chỉ có ý nghĩa quan trọng mà độ tương phản âm thanh của nó còn làm nảy sinh những ý nghĩa bổ sung. Những thay đổi về ngữ điệu và sự lặp lại được biểu thị theo hướng sân khấu và bên trong đoạn độc thoại của Tanya (“Tạm dừng”, “Cười”, “Cười”, “Nhìn vào cốc”, “Im lặng”) tạo cho nó sự căng thẳng đặc biệt. Một sự kết nối bất ngờ nhưng không hề ngẫu nhiên trong bài phát biểu những lời động viên: “Ngày mai tôi sẽ bắt đầu, ngày mai sẽ có cái mới, cái mới, cái mới!” “Sai lầm” gợi ý rằng người phụ nữ trằn trọc, lo lắng, cô đơn, cao thượng này khi trở về nhà nhận ra rằng sự trở lại này thực chất là một lời từ biệt. Không ai cần cô ở đây, và thế giới cũ nơi cô sống thời trẻ không còn tồn tại nữa. Thời điểm này có thể coi là đỉnh điểm của cốt truyện nội bộ. Hành động, bên trong và bên ngoài, đang hướng tới một kết cục. Tanya không còn cố gắng tìm kiếm bản thân và vị trí của mình trong cuộc sống nữa. Cô ấy bắt đầu chuẩn bị một cách máy móc để sang Mỹ. Về bản chất, chẳng đi đến đâu. Cô từ biệt quá khứ, không có tương lai, hiện tại quá hư ảo, không đáng trân trọng.
Sự yên bình của người hầu cũ, sự bình tĩnh của Tanya trong đêm chung kết không phải được lấp đầy bằng cách giải quyết xung đột một cách khoa trương, như Leiderman tin tưởng, mà bằng một tình tiết bi thảm, được che đậy bởi sự lập dị.
Trong đoạn độc thoại cuối cùng của Tanya, qua những câu trích dẫn lộn xộn trong các bài thơ và bài hát, leitmotif mà cô lặp đi lặp lại nhiều lần “Vĩnh biệt, tạm biệt, tạm biệt…” nghe giống như một leitmotif, củng cố cảm giác bi thảm vô vọng. Tôi không khỏi nhớ đến sự “ra đi” mang tính biểu tượng của Svidrigailov trong “Tội ác và trừng phạt”…
N. Leiderman, khi xem lại các vở kịch của nửa đầu những năm 1990, ghi nhận sức hấp dẫn của nhà viết kịch đối với thể loại melodrama. Nhà nghiên cứu cũng cho rằng Polonaise của Oginsky thuộc thể loại này. Nhìn chung, nhận xét này là đúng, nhưng vở kịch được đặt tên với những tình tiết bi thảm của nó khó có thể xếp vào thể loại này. Không thể nói gì về melodrama ở dạng thuần túy của nó trong nghệ thuật kịch của Kolyada, mặc dù những đặc điểm của thể loại này được hiện thực hóa trong nghệ thuật hiện đại, nếu chúng ta muốn nói đến nghệ thuật đại chúng, chắc chắn tồn tại. Theo chúng tôi, sự hấp dẫn của Kolyada đối với thể loại melodrama chủ yếu có liên quan đến mục đích cảm xúc của thể loại này. Kolyada luôn quyết tâm khơi gợi phản ứng cảm xúc tối đa ở người xem, và điều gì, nếu không phải là kịch tính, có thể kích thích cảm xúc căng thẳng như vậy. Không phải ngẫu nhiên mà khi định nghĩa melodrama là một hình thức kịch ổn định, S. Balukhaty đã viết trong một bài báo lý luận về thể loại này: “Nhiệm vụ thẩm mỹ chính di chuyển các chủ đề trong melodrama, khẳng định các nguyên tắc kỹ thuật chính của nó, xác định trước kế hoạch xây dựng và chất lượng. về phong cách nhẹ nhõm của nó - gợi lên “những cảm xúc trong sáng và tươi sáng”.
Trong các vở kịch “Người chèo thuyền”, “Chúng ta đi, đi, đi…”, “Mù đêm”, “Rùa Manya”, nhà viết kịch đạt được mục tiêu của mình - hòa nhập tối đa người đọc-khán giả - bằng cách khai thác tích cực thể loại đặc trưng. đặc điểm của melodrama. Trước hết, trong những vở kịch này có mối liên hệ hữu cơ giữa chuyển động của cảm xúc và cốt truyện vốn có trong thể loại melodrama. Nguồn gốc của sự phát triển của hành động kịch tính, diễn biến của cốt truyện hóa ra không phải là hành động của nhân vật mà là sức mạnh của niềm đam mê, cảm xúc và sự đau khổ của anh ta. Trong các vở kịch của Kolyada, tất cả các nhân vật đều là người mang “cảm xúc mạnh mẽ”. Có lẽ chỉ trong vở kịch “Night Blindness” mới nên nói về sự tập trung cảm xúc nhất định xung quanh nhân vật chính. Hành động trong những vở kịch này còn được đặc trưng bởi đặc điểm khoa trương về mặt hình thức học như tính bất ngờ và độc đáo của các sự kiện vượt ra ngoài phạm vi cuộc sống hàng ngày, mặc dù các sự kiện luôn diễn ra trong phạm vi cuộc sống hàng ngày. Cuộc sống và đạo đức của người tỉnh lẻ bất ngờ bị chấn động trước sự xuất hiện của nữ diễn viên thủ đô trong vở kịch “Mù đêm”; sự thống nhất kỳ lạ và phi lý của ba người xa lạ và xa lạ với nhau (“Chúng ta đang đi, đi, đi…”); sự can thiệp “tuyệt vời” của một con rùa vào một cuộc xung đột gia đình điển hình giữa vợ chồng (“Rùa Manya”); sự xuất hiện bất ngờ của vợ cũ (“Boater”) vào ngày sinh nhật của anh hùng… Và, có lẽ quan trọng nhất, người xem bị lây nhiễm bởi sức mạnh đam mê của các nhân vật và trải qua một cú sốc tình cảm rất quan trọng đối với thể loại bi kịch.
Những vở kịch của Kolyada với phần mở đầu khoa trương được đặc trưng không phải bởi những sự kiện đặc biệt ở mức cực đoan mà bởi sự khám phá bản chất biểu cảm trong những thực tế không vượt ra ngoài ranh giới của cuộc sống hàng ngày.
Nổi bật nhất về vấn đề này là vở kịch “Người chèo thuyền” (1992). Yếu tố melodrama được thể hiện rõ trong cốt truyện và xung đột của vở kịch này. Nhân vật trung tâm là Victor, tên của anh ấy mang trong mình sự “chiến thắng”. Và anh hùng của vở kịch theo quan điểm đời thường là một kẻ thua cuộc, một người đàn ông, theo ý chí tự do của mình, đã rời bỏ “con tàu của thời hiện đại”. Anh ta từ chối hòa nhập với thực tế mới của cuộc sống.
Nhận xét mô tả chi tiết căn phòng của anh ta trong một căn hộ tập thể, nhấn mạnh sự ngoài lề và sự thờ ơ tuyệt đối của anh ta với khía cạnh bên ngoài của cuộc sống: “Victor có một căn phòng với giấy dán tường màu vàng: rộng lớn, bừa bộn, bừa bộn, độc thân. Rất nhiều thứ vô dụng không cần thiết. Của cải duy nhất là những cuốn sách trên kệ và một chiếc bàn làm việc bằng gỗ gụ.
Và mọi thứ khác dường như đều được mang từ đống rác ra... Vì lý do nào đó, trong phòng có ghế trẻ em, bàn trẻ em, có lẽ đây là điềm báo của điều mình mong muốn, một sự chỉ định kỳ lạ về một giấc mơ?.. Trong tính khách quan phi lý - đồ nội thất dành cho trẻ em trong phòng người lớn - biểu hiện của nỗi u sầu và cô đơn. Ngoại hình của người anh hùng cũng “lạ lùng” không kém: mặc quần đùi và áo phông, trên đầu đội một chiếc mũ rơm màu vàng với một dải ruy băng hẹp màu đen”. Người anh hùng cô đơn, khi còn trẻ, anh đã mất đi một người phụ nữ mà anh yêu điên cuồng, anh không thể tha thứ cho sự phản bội, nhưng đã nhiều năm nay anh không thể ngừng yêu anh. Như vậy, hóa ra cuộc sống “hang động” của Victor không phải là phản ứng với thời đại mới mà là biểu hiện của những đạo đức cũ, sự chung thủy xưa cũ trong tình yêu. Vào ngày sinh nhật thứ bốn mươi lăm của anh, SHE bất ngờ xuất hiện trong phòng anh - Victoria, người chiến thắng, vợ cũ của anh. Victoria, không giống như chồng cũ, thích nghi với thực tế mới, nhưng hóa ra lại phải trả giá bằng những tổn thất nội bộ. Victor không chỉ giữ lại chiếc mũ cũ lố bịch mà còn giữ lại khả năng cảm nhận, đau khổ và yêu thương. Anh ấy là người chiến thắng thực sự.
Vì vậy, mặc dù đắm chìm trong cuộc sống chân thực và cuộc sống hàng ngày, các vở kịch của Kolyada, từ vở đầu tiên (“Chơi bị mất tiền”) đến vở “Amigo” và “Carmen is Alive” sau này, nói lên sự phi lý và tuyệt vọng về mặt bản thể của con người hiện đại. Tình huống kịch tính ở họ rất phức tạp bởi một sự chuyển đổi nhất định về thời điểm hành động. Nó luôn ở ranh giới: ăn mừng Năm mới (“Chúng tôi đang chơi trò giả mạo”), chuyển động như sự khởi đầu của một cuộc sống mới (“Amigo”), buổi hòa nhạc cuối cùng của một nhóm sáng tạo (“Carmen còn sống”), chờ đợi một cuộc gặp gỡ với quá khứ (“Pishmashka”), v.v. Sama tình huống “thay đổi số phận” chuyển hành động kịch tính từ những hoàn cảnh bên ngoài, hầu như luôn luôn tai tiếng sang bình diện bên trong - được thực hiện ở một người vào mọi thời điểm của cuộc đời anh ta, bao gồm cả trong các tranh chấp hàng ngày, sự lựa chọn thiết yếu.
Đồng thời, hiện thực khách quan đời thường trong các vở kịch của Kolyada chắc chắn có ý nghĩa thẩm mỹ. Chỉ đạo sân khấu tạo ra một môi trường hoàn toàn đặc biệt cho các nhân vật: thế giới bên ngoài dư thừa và biến dạng. Không gian hành động ngổn ngang những đồ vật không cần thiết, vô lý: không rõ vì sao sau cửa bếp lại có những lá cờ rơi xuống mỗi khi bạn cố đóng lại. Chỗ ngủ nằm giữa hành lang, xung quanh là những chiếc hộp trống (“Amigo”). Những đồ vật này tạo ra cảm giác về sự tồn tại phi lý, một kiểu thay thế ý nghĩa cuộc sống. Cuộc sống của các anh hùng là sự hỗn loạn, trong đó mọi người đều đánh mất thứ chính yếu của mình và lao vào entropy. Đây là nơi sinh ra sự hung hăng và bạo lực.
Nghệ thuật kịch của Kolyada là nghệ thuật đặt câu hỏi: nó không có câu trả lời cho những câu hỏi cấp bách được đặt ra. Vấn đề được thể hiện chủ yếu ở các đặc điểm của ngôn ngữ. Sự phá hủy các mối liên hệ và sự xa lánh của con người sẽ phá hủy khả năng đối thoại. Các nhân vật trong vở kịch của ông không thể nghe thấy nhau, mặc dù họ hầu như luôn nói với giọng cao. Bài phát biểu của các nhân vật bao gồm từ vựng cấm kỵ và văn hóa dân gian thành thị. “Sự nhầm lẫn giữa các ngôn ngữ” phản ánh tiếng nói của ý thức chúng ta, bị dày vò, theo lời của Dostoevsky, bởi “sự dày vò của sự hoài nghi”.
Trong những năm gần đây, trong các vở kịch của Kolyada, động cơ xã hội và đời thường đối với hành động và trạng thái của các nhân vật ngày càng trở nên ít quan trọng hơn, vai trò của các chi tiết biểu tượng cũng tăng lên. Các vấn đề bản thể học được đặt lên hàng đầu. Tác giả ngày càng chuyển sang thể loại vở kịch một màn (chu trình “Khrushchevka”), sang thể loại vở kịch độc thoại (hay nhất trong bộ này là “Pishmashka”), và tạo ra một chuỗi các vở kịch lập dị “Pretzel”.
Sự phát triển của nghệ thuật kịch Kolyada chứng tỏ sự vượt qua những đặc điểm của chủ nghĩa tân tự nhiên và sự chuyển động của nó hướng tới chủ nghĩa hậu hiện thực.
Nikolai Kolyada, thông qua các hoạt động sáng tạo, văn hóa, giáo dục và xuất bản ấn tượng của mình, đã tạo ra một bầu không khí sáng tạo tuyệt vời trong tỉnh, cho thấy một nghệ sĩ thực sự cống hiến cho nghệ thuật, người cảm thấy có trách nhiệm và có mối liên hệ sống động với cuộc sống, có thể làm được đến mức nào. Kolyada không phải là người thí nghiệm trong phòng thí nghiệm, mà là người tạo ra hiện tượng thẩm mỹ tươi sáng trong quá trình văn học hiện đại.
Câu hỏi và nhiệm vụ tự kiểm tra Chương 2
1. Các vở kịch của Kolyada có những đặc điểm gì của chủ nghĩa tự nhiên?
2. Có yếu tố khoa trương trong tác phẩm của Kolyada không?
3. Kolyada có thể được gọi là đại diện của “văn học đen” không?
4. Lý do khiến Kolyada thu hút thể loại kịch độc thoại là gì?
5. Phân tích một trong những vở kịch của Kolyada từ chu kỳ Khrushchev.
6. Viết một bài đánh giá nhỏ về một trong những vở kịch trong chu trình “Pretzel”.
7. Đặc điểm ngôn ngữ của nghệ thuật kịch ở Kolyada là gì?
Sự khao khát chủ nghĩa đồng tính luyến ái và các mối quan hệ đồng giới không còn là căn phòng tối tăm khép kín với những tưởng tượng nữa. Và nhiều tiểu thuyết được xuất bản ở Nga, bởi cả các nhà xuất bản nhỏ và các nhà xuất bản lớn. Mỗi năm có nhiều người trong số họ hơn, và tất cả đều khác nhau: từ tinh tế và nhẹ nhàng đến thẳng thắn và thô tục.
Cố gắng không lấy những bộ phim nổi tiếng như Brokeback Mountain hay House at the End of the World thì không thể không kể đến Cunningham. Khi cố gắng tìm sách của các tác giả đồng tính, chúng tôi cũng tìm thấy những tác phẩm nổi bật của phụ nữ. Vì vậy, nó có phần hơi phiến diện, do có quá nhiều tác giả người Pháp, nhưng vẫn là một tuyển tập sách thú vị về quan hệ đồng giới.
Michael Cunningham - "Nữ hoàng tuyết"
TOP của chúng tôi mở ra - Cunningham. Bởi vì tác giả tuyệt vời này, thứ nhất, rất dễ tiếp cận, và thứ hai, tất cả các cuốn sách của ông, ngoại trừ một ngoại lệ, đều đã được dịch sang tiếng Nga. Và Bà Chúa Tuyết, một trong những cuốn sách mới nhất của Michael Cunningham, không có gì đáng ngạc nhiên khi kể nhiều câu chuyện đan xen thành một.
Anh em Barrett và Tyler sống ở New York và là những người phóng túng thực sự: tinh tế, nhạy cảm và có lối sống đặc biệt. Và cuộc sống này, với những nốt nhạc huyền bí và Công viên Trung tâm, được thể hiện ở sự đa dạng của nó: với những thất vọng, những tìm kiếm, những mất mát và những khoảng thời gian nghỉ ngơi để tìm kiếm hạnh phúc. Chúng tôi đọc câu chuyện của họ, có thật và sống động. Xét cho cùng, Cunningham là một bậc thầy thực sự về ngôn từ và sẽ đưa bạn đi cùng, nói về cách cảm nhận, cách nhìn thế giới và cách vượt qua nỗi đau.
Chúng ta đừng quên New York, một anh hùng khác của cuốn tiểu thuyết, đã thúc đẩy cả Tyler và Barrett, mang lại cho họ hy vọng và sự yên tâm. Không có cảnh rõ ràng nào trong The Snow Queen; có sự nhạy cảm, tình yêu, tuyết và thành phố. Và nội dung chủ đề nhẹ nhàng đặc biệt của Cunningham, mà chúng tôi yêu mến anh ấy, được phác họa một cách hoàn hảo trong từng từ. Đối với những người thích nó lớn và nhẹ, đây là một cuốn sách phải đọc.
Jean Genet - "Nhật ký của một tên trộm"
Những khó khăn thời trẻ của Genet đã được chuyển tải vào cuốn sách này. Cuốn tiểu thuyết phần lớn mang tính tự truyện này nói về những khó khăn của tình yêu, sự phản bội và tất nhiên là cả đồng tính luyến ái. Đất nước nối tiếp đất nước: Tây Ban Nha, Ý, Áo, Tiệp Khắc và xa hơn nữa, mọi nơi đều giống nhau, lặp lại một vòng luẩn quẩn: quán bar, nhà tù, trộm cướp và những mối quan hệ ngẫu nhiên. Chủ đề chính của cuốn tiểu thuyết có thể coi là sự đảo ngược những lý tưởng, nơi phản bội là chung thủy, tước đoạt tự do là tự do. Một kiểu thẩm mỹ suy thoái, được viết bởi một người Pháp thực thụ, và do đó không phải là không có sức hấp dẫn. Vì vậy, nếu bạn không ngại việc miêu tả chi tiết những cảnh sex, sự tàn phá và xu hướng tự hủy hoại bản thân qua hơi thở tự do, theo cách hiểu của tác giả thì tại sao không?
Herve Guibert – “Điên cuồng vì Vincent”
Hervé Guibert viết chủ yếu về chủ đề AIDS và cuộc đấu tranh của cá nhân ông với căn bệnh này. Tuy nhiên, “Vincent” thì khác. Dịu dàng trong tình yêu tuyệt đối và xuyên thấu trong sự hủy diệt đam mê của nó, nó chạm đến cả những người sống. Trên thực tế, tác phẩm là cuốn nhật ký của chính Guibert, được công khai trước mặt độc giả và theo cách mà đôi khi còn trở nên khó xử. Quá cá nhân, điều này đã tìm thấy một vị trí trên kệ của những người yêu thích loại sách này. Ngược lại, không có sự ngọt ngào nào trong đó - tục tĩu và tục tĩu, nhưng nó được viết như thế nào. Nhân vật chính: Vincent và Guibert hoàn toàn khác nhau. Nếu một người hoang dã, nghiện rượu và ma túy, hay thay đổi, thì người thứ hai lại dịu dàng và yêu thương, với sự dịu dàng phù hợp với mình. Những ghi chú theo chủ nghĩa hậu hiện đại của cuốn tiểu thuyết tạo nên sự quyến rũ cho nó, thể hiện sự ương ngạnh của văn học thời kỳ đó và không hề cản trở việc đắm mình vào quá trình đọc nhật ký thẳng thắn và thẳng thắn của người khác.
Tony Duvert - "bị lưu đày"
Một người đàn ông có số phận bi thảm, Tony Duver, đã viết một cuốn tiểu thuyết đồng hành cùng cuộc cách mạng, cuốn tiểu thuyết này đã thay đổi hoàn toàn quan niệm của bạn về cách bạn có thể viết, những gì bạn có thể viết. Sự vắng mặt của dấu phẩy và dấu chấm, một dòng văn bản liên tục, có khả năng vừa mang lại niềm vui vừa gây hoang mang, đồng thời thu hút và đẩy lùi. Nhưng bản chất chính: các mối quan hệ, tình dục, đam mê, tình yêu, nỗi đau, chỉ được hưởng lợi từ điều này.
Duvert, trước hết, trong cuốn tiểu thuyết của mình, đã nói đến những sinh vật sống về đêm “bị lưu đày” sống trên đường phố Paris, khi các đạo đức Thanh giáo đã thoải mái nằm trên giường của họ. Trước đây họ không có tiếng nói, lang thang trên các đại lộ ở Paris để tìm kiếm tình yêu, rượu và tình dục. Duver tập hợp tất cả những người bị coi là kẻ bị ruồng bỏ, tất cả những người đã “im lặng” thành công và nói về cuộc sống của họ, cùng một lúc, đan xen và bày tỏ rằng việc chung thủy khó khăn như thế nào, ham muốn đã đẩy họ đến những cuộc phiêu lưu mới, cuộc sống sôi sục như thế nào trong cơ thể của họ.
Alan Hollinghurst - "Dòng sắc đẹp"
Cuốn tiểu thuyết duy nhất được dịch sang tiếng Nga. Và có lẽ nguyên nhân dẫn đến điều này chính là giải Booker Prize mà Hollinghurst đã nhận được cho tác phẩm của mình. Mặc dù tất cả các tác phẩm của Alan đều sâu sắc nhưng đây là một câu chuyện có thật và cảm động về mặt kịch xã hội.
“The Line of Beauty” là câu chuyện về Nick Guest, một người đàn ông vươn lên từ đáy vực để trở thành quý tộc của thập niên 80 nhờ người bạn Tobias Faddon. Chính anh là người đã mời Nick đến nhà và giới thiệu anh với cha anh, một thành viên của Quốc hội Anh.
Một thế giới hào nhoáng, ma túy và cuộc sống cuồng nhiệt, khi cả thế giới dường như nằm dưới chân bạn và bạn sẽ mãi trẻ trung và mãi mãi say khướt. Và căn bệnh AIDS, vốn đã lan rộng khắp thế giới, không gắn liền với những thú vui của cuộc sống mà bạn được bao quanh. Một cuốn tiểu thuyết thực sự của Anh, nơi có sự đạo đức giả, hợm hĩnh, đạo đức giả và những quy tắc nghiêm ngặt của trò chơi xã hội.
Một cuốn tiểu thuyết về những ham muốn, sự kết nối và tình bạn của chúng ta mong manh đến mức nào, đặc biệt là khi nói đến quyền lực, tham vọng và chính trị.
Ivan Kolyada – “Súng cao su”
“Slingshot” là một vở kịch kể về hai người khác nhau nhưng lại ở trong cùng một căn hộ. Anton là một cậu bé ngoan, học giỏi, có bố mẹ là giáo viên, có lẽ là niềm tự hào của họ, đồng thời lạc lối, chưa tìm thấy chính mình. Ilya là một người khuyết tật đã chìm xuống đáy vực, kém anh 8 lớp và kiếm được tiền: xin bong bóng. Một vở kịch rất tầm thường của Nga với vỏ bọc chân thực nhưng lại rất lôi cuốn. Bởi vì mối quan hệ giữa hai người này được xây dựng trên những động cơ tinh vi, trên tiếng vang của những lời chưa nói, trên những suy nghĩ và ước mơ. Vở kịch để lại dư vị chua chát, bởi phần dưới mà Kolyada thể hiện, sự bẩn thỉu, ngột ngạt và quen thuộc không cản trở điều gì tốt đẹp. Đây là nước Nga, và cuộc sống mà chúng ta đã quen với việc không quan tâm đến, hy vọng, cứng rắn và tình yêu.
Gerard Rewe – “Những chàng trai yêu dấu”
Một người nghiện rượu, một người Công giáo và một người đồng tính luyến ái - đây là tên gọi của Reve trong nhiều bài phê bình về sách của ông, và họ không quá sai nếu xét về đường đời của nhà văn. Tuy nhiên, điều này không làm hỏng tác phẩm của anh ấy.
“Honey Boys” là một cuốn tiểu thuyết thú tội, một cuốn tiểu thuyết song ca, với những ký ức thẳng thắn và những chi tiết bạo dâm về những cuốn tiểu thuyết trong quá khứ. Tất cả những chàng trai đã ở trong cuộc đời anh, những chi tiết kích thích trí tưởng tượng và Chú chuột lắng nghe dòng chảy cuộc sống.
Gerard thẳng thắn, không giấu giếm điều gì và kể về quá khứ với sự tinh tế của một bác sĩ phẫu thuật đang mổ xẻ một xác chết. Và đồng thời, đối với những người yêu nhau, đối với những người không sợ hãi, anh sẽ là một người kể chuyện thuyết phục, một con quỷ ngọt ngào, có khả năng thay đổi thái độ đối với chủ nghĩa đồng tính luyến ái và các mối quan hệ đồng giới.
J.T. Leroy - "Sarah"
Cốt lõi của một cuốn tiểu thuyết kinh tởm, nơi nước Mỹ không phải là nơi mọi giấc mơ trở thành hiện thực, nơi nước Mỹ bẩn thỉu, xám xịt và giận dữ. Bởi vì đây là cách duy nhất mà một cuốn sách có thể trở thành, nơi mà cuộc sống của một đứa trẻ chẳng có gì tốt đẹp, nơi mà tâm hồn nó bị suy sụp, nó bị hãm hiếp và bắt nạt. Và đây không phải là tiết lộ nội dung mà là lời cảnh báo dành cho những người đặc biệt nhạy cảm.
Sarah, mẹ của nhân vật chính, đưa cậu bé từ một gia đình tuyệt vời và biến cuộc đời cậu, không hề cường điệu, thành địa ngục. Và đây là điểm khởi đầu, khi người anh hùng bắt đầu thay đổi, khi sự linh hoạt của tâm hồn đứa trẻ thích nghi với những gì trong và ngoài bẩn thỉu của thực tế Mỹ để tồn tại và không phát điên trong thế giới kỳ cục không thể bắt chước được này.
Cho chúng ta thấy hiện thực qua tấm gương của một đứa trẻ lớn lên, J. T. Leroy hoàn toàn khiến độc giả ghê tởm, thương hại và tức giận, bởi vì người anh hùng thay đổi, thái độ của anh ta đối với hoàn cảnh và mẹ anh ta cũng thay đổi. Rốt cuộc vì lý do gì mà anh ta lại muốn vượt mặt mẹ mình và trở thành gái điếm giỏi nhất?
Gennady Trifonov – “Tiểu thuyết về nhà tù. Mạng lưới"
Tiểu thuyết nhà tù là một câu chuyện về bi kịch con người trong thực tế nhà tù, quen thuộc với tác giả. Trifonov đã có cơ hội phải ngồi tù vì bài báo “đồng tính”. Đó là lý do tại sao cuốn sách lại gần với thực tế đến mức làm giảm đi sự tôn kính đối với các giá trị phổ quát của con người. Cuộc sống ở đó, sau song sắt, hoàn toàn khác.
Sau khi vào tù vì tội cướp, Sasha bắt đầu một cuộc sống mới, nơi Sergei đến giúp đỡ anh, đặt anh bên cạnh anh tại “nơi làm việc”. Và rồi bằng cách nào đó, nó đã tự xảy ra, Sergei đã chủ động và đánh dấu sự khởi đầu của một mối quan hệ thú vị trong khu vực, mối quan hệ này đã trở thành tình yêu.
Các anh hùng đang ở trong một không gian khép kín và nguy hiểm, nơi mà mối tình lãng mạn của họ khó có thể che giấu khỏi những con mắt tò mò, tuy nhiên, bất chấp mọi nghi ngờ và quăng quật của Alexander, nó vẫn nở rộ.
A Prison Romance không giàu tính biểu cảm như văn học Pháp, nhưng nó đáng để bạn dành thời gian, đặc biệt nếu bạn đang tìm một cuốn sách về mối quan hệ đồng tính do những người đồng tính nam viết.
Edward Morgan Forster - "Maurice"
Cuốn tiểu thuyết Maurice của Edward Morgan Forster được xuất bản sau cái chết của nhà văn vào năm 1971, và cáo phó của ông gọi ông là tiểu thuyết gia được kính trọng nhất trong thời đại của ông. Và chúng ta không thể biết điều gì sẽ thay đổi nếu Maurice được xuất bản vào thời tác giả còn sống, bởi tác phẩm này kể về mối tình của hai người bạn thuộc tầng lớp quý tộc Anh ở nước Anh thời Victoria. Một xã hội nổi tiếng với quan điểm thuần túy.
Maurice Hall và Clive Derm là những người bạn học yêu nhau nhưng không có gì tồn tại mãi mãi, đặc biệt là những mối quan hệ đồng giới, dù thời đó rất hạnh phúc. Clive kết hôn và Maurice cố gắng phục hồi sau xu hướng khủng khiếp của mình để không còn trở thành cặn bã của xã hội. Và điều thú vị và đam mê nhất đang diễn ra tiếp theo...
Một cuốn tiểu thuyết gợi cảm, nơi chúng ta nhìn vào sự bất công đối với các cặp đôi đồng tính luyến ái, cảm xúc của nó tương phản với sự căm ghét và hiểu lầm, với sự ghê tởm dễ thương của một bộ phận xã hội “tử tế” và những người “khỏe mạnh”.
Độc thoại trong một màn. Viết vào tháng 7 năm 1991.
Nhân vật chính Elena Andreevna đã bị trục xuất khỏi Liên Xô nhiều năm trước vì các hoạt động chống Liên Xô. Nhiều năm trôi qua, giờ đây, xa Tổ quốc xinh đẹp và đáng ghét, không ai cần đến nước Mỹ, sống giữa trung tâm Manhattan, Elena Andreevna nhớ... Không, cô nhớ mối tình cuối cùng của mình - Patrice: “Có người nhớ đến mối tình đầu , và tôi - tôi nhớ cái cuối cùng…” nhân vật nữ chính của vở kịch nói.
Một vở kịch có hai màn. Viết vào tháng 12 năm 1996.
Nữ diễn viên nổi tiếng một thời, giờ đã trở thành ngôi sao sa ngã, Larisa Borovitskaya, đến một thị trấn tỉnh lẻ để tìm kiếm cha và mẹ cô. Cô vốn nổi tiếng, giàu có và được người hâm mộ yêu mến nhưng giờ đây cô bỗng bị mọi người lãng quên, trở nên bần cùng, xuống dốc, uống rượu say đến chết rồi lụi tàn. Cô gặp Anatoly tại đây, người trông giống như người bạn của cô đã chết bốn mươi ngày trước. Trong cơn mê sảng điên cuồng, cô cố gắng nhớ lại quá khứ của mình, hiểu về tương lai, nhìn, nhìn vào nó. Mọi thứ đều bối rối trong tâm trí đang bùng cháy của Larisa.
Vở kịch này giống một bài thơ văn xuôi hơn: trong đó có nhiều độc thoại và lạc đề của tác giả...
Amalia Nosferatu đã mời một người đàn ông từ Nhà hát đến thăm cô để đưa cho anh ta những thứ không cần thiết cho buổi biểu diễn. Thì ra cô đã trao cho anh cả cuộc đời mình. Hoặc có thể đây hoàn toàn không phải là tên của ma cà rồng nổi tiếng mà chính tác giả vở kịch đang chia tay một điều gì đó quan trọng, thân yêu?..
“Dành cho bạn” (1991) là hai vở kịch của Nikolai Kolyada - “Chiếc ghế Vienna” và “Rùa Manya”.
Vở kịch đầu tiên, “Chiếc ghế thành Vienna”, đưa nam nữ anh hùng vào một căn phòng trống trải, đáng sợ, khép kín, xa rời mọi thực tế cụ thể của cuộc sống hoặc những dấu hiệu nhận dạng. Không thể nói chính xác các nhân vật đã kết thúc ở đâu, đặc biệt vì vẫn còn bí ẩn về việc điều này xảy ra như thế nào. Đồng thời, cái chính là mô hình tâm lý tinh tế, tính chất hữu cơ của các mối quan hệ giữa con người với nhau, tính trực tiếp trong trải nghiệm của các nhân vật.
Trong chỉ dẫn sân khấu cho vở kịch thứ hai - “Rùa Manya” - tác giả liên tục phàn nàn, vừa nghiêm túc vừa không phải không mỉa mai rằng không thể vượt qua bằng ngôn ngữ văn học hay, các nhân vật liên tục chuyển sang cách diễn đạt gay gắt - nhưng bạn có thể làm gì? LÀM? Trong phong cách của nhà viết kịch có một thứ chủ nghĩa ấn tượng u ám và một sự tinh tế không hề sợ hãi buộc người ta phải bảo tồn “chân lý cuộc sống” cần thiết để tạo ra chân lý nghệ thuật, thể hiện chính xác kịch tính mà tác giả cảm nhận được.
Trước mặt bạn là vở kịch “Kẻ trộm” của N. Kolyada viết vào tháng 12 năm 1989.
Nhiều năm trước, Matvey đã chôn cất người bạn Yuuri của mình. Để quên đi quá khứ (hoặc có thể trốn tránh chính mình), Matvey kết hôn và sống theo một cách mới. Nhưng vào ngày giỗ thứ hai mươi của Yuuri, anh gặp trên phố một chàng trai giống Người bạn thời trẻ của anh một cách đáng ngạc nhiên. Hai mươi năm trôi qua, Matvey già đi, nhưng Yury vẫn như cũ, ở độ tuổi cũ. Vở kịch này tiếp tục chủ đề “Slingshot” - câu chuyện về tình yêu đồng giới, nhưng vẫn “The Thief” kể về một thực tế rằng mọi tình yêu đều đẹp đẽ, bởi vì nó xây dựng và chỉ có hận thù mới phá hủy.
Tuy nhiên, có rất nhiều điều buồn cười trong câu chuyện này, tuy nhiên, điều đó luôn xảy ra trong cuộc sống. Ba người phụ nữ trung niên mơ về tình yêu, về một người sẽ ở bên cạnh và sẽ cần tình yêu cũng như niềm vui thầm lặng của họ. Họ sống ở một thị trấn tỉnh lẻ nhỏ, bên rìa cuộc sống, nhưng điều này khiến cho tình yêu và khát vọng sống bằng mọi giá của họ càng trở nên tươi sáng và xuyên thấu hơn...
- BẠN THƯỜNG so sánh thủ đô với “hồ đắng”. Thật tốt khi chỉ trích từ xa. Bạn có chuyển đến đây không?
Tôi chưa sống ở Moscow, tôi không sống, tôi không có ý định sống và tôi không hiểu chuyện gì đang xảy ra ở đó. Tôi có “thế giới Kolyada” nhỏ bé của mình, thứ mà tôi đã tạo ra trong một thời gian dài và đau đớn, và tôi sẽ không phá hủy nó chỉ để đến Moscow và “tỏa sáng” và “đi chơi” ở đó. Từ năm 15 tuổi, từ lúc bước vào trường sân khấu, cho đến ngày nay tôi sống ở Sverdlovsk-Ekaterinburg, nơi tôi là một diễn viên sân khấu, sau đó là sinh viên Học viện Litin và là nhân viên văn học của một tờ báo có lượng phát hành lớn, sau đó trưởng đội tuyên truyền, rồi giám đốc sân khấu, rồi giáo viên học viện sân khấu. Trong số 12 nhà viết kịch trẻ (dưới 25 tuổi) sống trên khắp nước Nga, hôm nay 5 học trò của tôi đã được đề cử cho Giải thưởng Khởi nghiệp Toàn quốc Toàn Nga. Khi tôi phát hiện ra điều này, tôi đã đi loanh quanh một cách hoàn toàn vui vẻ trong vài ngày. Sự thành công của học sinh của tôi quan trọng hơn của tôi rất nhiều. Theo quy luật của cuộc sống con người, chúng ta phải vui mừng với những gì con cái mình làm, thậm chí là vụng về, đôi khi là ngu ngốc và buồn cười. Và nhường đường cho họ. Thật ghê tởm khi “những người già” (và nhất là trong sân khấu và văn học) không thể bình tĩnh, dùng cùi chỏ xô đẩy mọi người, bám víu vào cuộc sống, không để lớp trẻ đi trước. Dù họ là ai, họ vẫn là con của chúng ta, họ sẽ tiếp tục chúng ta, dù tệ hơn hay tốt hơn - đó là một câu hỏi khác, nhưng họ sẽ tiếp tục.
- Hôm nay chúng tôi dệt những thành phần nào cho bạn? Điều gì làm bạn vui với sự mới lạ, điều gì khiến bạn buồn?
Ngày nay, nếu bạn không phải là kẻ ngốc hay lười biếng, bạn luôn có thể nghĩ ra thứ gì đó, kiếm tiền và mua mọi thứ bạn cần cho cuộc sống. Và thường thì bạn không cần quá nhiều, bởi vì bạn không thể mang theo mọi thứ sang thế giới bên kia và bạn không thể bỏ một xấp tiền vào quan tài dưới đầu. Nhưng đó là một vấn đề khác nếu bạn ốm yếu, yếu đuối và không có ai để mong đợi sự giúp đỡ - thì sẽ có người bảo vệ. Mỗi buổi sáng tôi thấy mọi người lục lọi thùng rác. Và, tưởng tượng mình ở vị trí của họ (và ở Nga, bạn không thể nói không với một khoản tiền hoặc nhà tù), tôi không chỉ sợ hãi mà còn xấu hổ vì không có gì được thực hiện để ngăn điều này xảy ra. Mọi người đều rất cần sự hào nhoáng và quyến rũ. Ai cũng cần những người tươi cười, vui vẻ, chẳng ai muốn biết có người ở bên cạnh đang khó chịu, có người đang đau khổ, bệnh tật. Và nếu chúng ta quay sang rạp hát, thì không ai muốn xem những điều buồn bã trong rạp, hãy nói với mọi người “ha-tsa-tsa, chúng ta nhảy không ngừng nghỉ”.
Tại một lễ hội sân khấu gần đây, tôi đã nghe nói: “Khi nào các anh hùng của Kolyada sẽ xuất hiện trên sân khấu không phải trong trang phục áo khoác độn mà trong trang phục đuôi dài? Có thù hận gì với Tổ quốc?! Chúng ta thực sự không có gì ngoài bụi bẩn ở Nga sao?!” Tôi ngồi và im lặng. Nhưng tôi thực sự muốn kêu lên: vâng! Có rất nhiều thứ khác nhau đấy mọi người ạ. Nhưng yêu nước Nga không có nghĩa là hôn say đắm mọi người trên đường phố. Tôi nghĩ tình yêu là hành động, đó là khi bạn làm điều gì đó tử tế với người mình yêu chứ không phải nói những lời hay ý đẹp với người ấy.
- Là một nhà viết kịch, anh muốn viết về điều gì?
Bây giờ tôi viết rất ít. Và không phải vì tôi đã “hết hơi” (trong tâm hồn tôi vẫn còn rất nhiều điều mà tôi muốn viết, rất nhiều tình tiết, nhân vật, giá như bạn biết!), mà bởi vì những vở kịch của tôi giờ đây đã trở nên nhàm chán đến rạp chiếu phim. Tôi không thể viết lên bàn. Vở kịch phải được dàn dựng. Có lẽ quá trình quan trọng nhất hiện đang diễn ra: những vở kịch này đang đứng vững trước thử thách của thời gian. Hơn nữa, tôi đã viết 92 cái, tôi có thể nghỉ ngơi. Và nhân dịp kỷ niệm 50 năm của tôi, tôi sẽ phát hành cuốn sách thứ sáu trong các vở kịch của mình, cuốn này cũng sẽ bao gồm những cuốn mới. Tôi đã giảng dạy tại Học viện Sân khấu Bang Yekaterinburg trong nhiều năm. Tình trạng thiếu học vấn sâu sắc và “thiếu đọc sách” của những người trẻ đến học “để trở thành nhà viết kịch” thật đáng sợ. Những kẻ ngu dốt này đông đảo trong văn chương ngày nay. Trong khi còn lại là những người lùn, mọi người đều tưởng tượng mình là những người khổng lồ. Đó là lý do tại sao họ viết: “Dostoevsky vì người nghèo”. Hoặc - “Lilliputian Dostoevsky”. Bạn ngạc nhiên: những kẻ ngu dốt, Chúa ơi, những kẻ ngu dốt viết, những kẻ ngu dốt chưa đọc hết tài liệu của thế kỷ 19, nếu không có nó thì bạn chẳng là gì nếu định ngồi vào bàn và viết! Những Mitrofanushka ngu dốt xem biểu diễn, Mitrofanushki ngu dốt viết bài phê bình. Nền văn học vĩ đại của thế kỷ 19 - không ai đọc bạn, bạn không còn cần thiết nữa, bạn đã bị lãng quên! Mọi thứ đều được nghe thấy, mọi thứ đều ở trên cùng, mọi thứ đều trượt - đó là lý do tại sao bạn sửng sốt, và bạn không biết phải làm gì, phải nói gì. Bạn không biết phải làm gì.