Vysotskys arkiv bevarer også en rekke verk i forskjellige sjangre, spesielt det uferdige tegneseriediktet for barn "... om Vitka Korablev og brystvenninnen Vanya Dykhovichny" (1970–1971), historien "Livet uten søvn (Delfiner og galninger) ” (1968), manuset “Somehow It All Turned Out...” (1969-1970) og også den uferdige “Roman about Girls”, som han jobbet med på slutten av 70-tallet. Alle disse opplevelsene vitner om det rike og ikke fullt avslørte kreative potensialet til denne multitalentfulle personen.

Når vi snakker om hovedtemaene og motivene til Vysotskys dikt og sanger, som allerede har blitt diskutert i forbindelse med den kreative utviklingen av dikteren, er det nødvendig igjen å understreke det problematiske og tematiske spekteret av verkene hans, alvorlighetsgraden av deres formulering av tidens presserende sosiale spørsmål og århundrets problemer. I en av hans siste konsertopptredener i 1980 sa Vysotsky: "Og forfatterens sang er bare avhengig av én ting - at du er bekymret, akkurat som meg, av noen problemer, menneskeskjebner, som plager deg og meg." tanker og på samme måte noen urettferdigheter, menneskelig sorg river sjelen din eller klør deg i nervene» (Living Life. S. 302).

Vysotskys sanger, spesielt fra hans modne periode, er alltid preget av dybden og originaliteten til deres kunstneriske løsning på de "evige" filosofiske spørsmålene om tilværelsen. Og her er det ikke uten interesse å legge fram dommen i denne saken til tre profesjonelle av høy klasse – en poet, en teaterarbeider og en filosof.

Dermed ser David Samoilov Vysotskys kreative evolusjon i retning av økende betydning og dybde av de sosiale og filosofiske problemene han kunstnerisk løser: «I seriøse samtaler om livets fenomener og hendelser utviklet han en posisjon og tegnet temaer for sangene sine. Det var ikke lenger «folket i Moskva-domstolen» som drev inspirasjonen hans, men seriøse syn på verdens struktur.»

Mikhail Ulyanov understreker den samme dynamikken i intern vekst: «... bare han kunne sette hele seg inn i en sang på en så dødelig grense - til tross for den til tider upretensiøse teksten, til tross for den noen ganger gatemelodien, ble Vysotskys sang en bitter, dyp, filosofisk refleksjon over livet .. I sangene hans, spesielt i de siste, var det ikke bare følelse og lidenskap, men en ivrig tanke, en tanke som fattet verden, mennesket, deres essens.»

Til slutt er vitnesbyrdet til Valentin Tolstoj, som bemerket fusjonen i dikterens verk av hverdagsliv og væren, lyrikk og filosofi, karakteristisk: "Vysotsky snakker om kjærlighet og hat, om tid og kamp, ​​om fødsel og død, som stiger i hans lyriske utspill til en filosofisk forståelse av hverdagens nære, gjenkjennelige emner og problemer."

Når vi snakker om Vysotskys sangkreativitet som et unikt kunstnerisk, filosofisk og poetisk system, om måtene å kombinere individuelle dikt-sanger i tematiske grupper, om måtene å syklisere på, bør vi spesielt dvele ved diktene fra krigssyklusen og originaliteten til hans løsning på dette emnet. I tale om kvelden 21. februar 1980 understreket poeten: «... Jeg skriver om krigen ikke i ettertid, men i forening. Hvis du lytter til dem, vil du se at de kan synges i dag, at menneskene er fra den tiden, situasjonene er fra den tiden, og generelt er ideen, problemet vårt, det nåværende. Og jeg henvender meg til den tiden rett og slett fordi det er interessant å ta mennesker som er i den mest ekstreme situasjonen, i risikoøyeblikket, som i neste sekund kan se inn i døden...” (Living Life. P. 304).

Det at Vysotsky skrev om mennesker i de mest ekstreme situasjoner, ser døden i ansiktet, ofte blir meningsløse ofre for krig, og samtidig spesielt understreket at dette er «vårt, nåværende problem», sier mye. Selv da, spesielt i begynnelsen av 1980, da tropper nettopp hadde blitt sendt inn i Afghanistan, følte og forutså han tydeligvis at krigen ville forbli vår nasjonale tragedie i lang tid. I et av nøkkeldiktene i krigssyklusen, "Han kom ikke tilbake fra slaget" (1969), tolkes den tragiske døden til en av de utallige menige under den store krigen som et dagligdags faktum som får en symbolsk betydning . Tapets bitterhet, blodforbindelsen mellom levende og døde kontrasteres her av et bilde så rolig mot bakgrunnen av den menneskelige tragedien av evig og vakker natur:

I dag har våren rømt, som fra fangenskap.

Ved en feil ropte jeg til ham:

"Venn, slutt å røyke!" - og som svar - stillhet ...

Han kom ikke tilbake fra kampen i går.

Våre døde vil ikke etterlate oss i trøbbel,

Våre falne er som vaktposter...

Himmelen reflekteres i skogen, som i vann, -

Og trærne er blå.

Naturen, og fremfor alt selve jorden, fremstår alltid levende og animert i Vysotskys dikt. I «Song of the Earth» (1969) avsløres tittelbildet som et synonym for menneskesjelen. Derav personifiseringslinjene som går gjennom refrenget: «... hvem sa at jorden er død?

Nei, hun gjemte seg en stund...

Hvem trodde at jorden var brent?

Nei, hun ble svart av sorg...

Jordens utsatte nerver

De kjenner til ujordisk lidelse...

Tross alt er jorden vår sjel,

Du kan ikke tråkke sjelen din med støvler.»

I Vysotskys poesi henger nærbilder og generelle planer tett sammen. Krigens grusomme sannhet, den brutale virkeligheten til det som er avbildet (“Vi bruker de falne som dekke... Med magen – gjennom gjørma, puster inn stanken fra sumpene...”) er ment å bekrefte høy grad av bragden til hver og en i diktet "We Rotate the Earth" (1972). I diktene i krigssyklusen oppnår dikteren spesiell kapasitet og sjelfull lyrikk i å skape et poetisk bilde. Dette er symbolet på den evige flammen, som kommer til live foran øynene våre og fylles med en ny objekt-håndgripelig betydning i diktet "Mass Graves", som først ble hørt i filmen "I Come From Childhood" (1966) og med som Vysotsky vanligvis åpnet sine forestillinger og konserter - helt til det aller siste i 1980

Og i den evige flammen - du ser en tank bryte opp i flammer,

Brennende russiske hytter

Brenner Smolensk og den brennende Reichstag,

Det brennende hjertet til en soldat.

Trenger du å laste ned et essay? Klikk og lagre - "Snakker om hovedtemaene og motivene til Vysotskys dikt og sanger. Og det ferdige essayet dukket opp i bokmerkene mine.

Vysotsky Vladimir Semenovich (1938, Moskva - 1980), russisk poet, kunstner. I Vysotskys verk ble sosial protest mot urettferdighet tydelig følt han var dypt bekymret for begrensning av kreativ frihet i et totalitært samfunn. Lenge klarte ikke diktene og sangene hans å nå publikum gjennom sperringene av forbud og sensurrettelser. Dette forklarer det faktum at i løpet av Vysotskys levetid ble verkene hans ikke publisert. Først i 1981 ble hans første diktsamling, "Nerve", utgitt. Imidlertid var Vysotskys arbeid viden kjent fra båndopptak fra konserter

Vysotsky er først og fremst kjent som en poet-bard. Hans aktiviteter innen kunst er imidlertid ikke begrenset til poesi. Vysotsky jobbet i teatret, spilte i filmer, for mange filmer ("Jeg kommer fra barndommen" (1966), "Vertical" (1967), "Master of the Taiga" (1968), "Intervention" (1968, restaurert i 1987) ), "Dangerous Tours" (1969), "Ivan da Marya" (1974), "Once Alone" (1974)) skrev sanger.

Parallelt med sitt arbeid innen teater og kino, ofte i direkte forbindelse med det, avslører V. Vysotsky lysende sitt poetiske talent, skaper en rekke dikt og sanger som har blitt viden kjent, og møter de åndelige behovene til mennesker og tidens behov.

Om fødselen av en ny sjanger av "kunstsang"", originaliteten til dette kunstneriske fenomenet i Vysotsky er bevist av hans egne ord, så vel som uttalelsene og egenskapene til hans samtidige. I sine taler understreket Vysotsky gjentatte ganger forskjellen mellom en forfatters sang og en popsang, og på den annen side fra en "amatør" sang, og trodde at førstnevnte alltid er basert på hans egen, originale poetiske kreativitet, uatskillelig fra en rent individuell, forfatters, "live" fremføring som avslører de mest subtile semantiske og musikalsk-rytmiske nyansene av poesi.

I 1980, på en av konsertene, sa han: "... da jeg hørte sangene til Bulat Okudzhava, så jeg at diktene mine kunne forsterkes med musikk, melodi, rytme. Så jeg begynte også å komponere musikk til diktene mine.» Når det gjelder spesifikasjonene til V. Vysotskys sangkreativitet, skapte han, ifølge den korrekte bemerkningen til R. Rozhdestvensky, "sanger-roller", og ble organisk vant til bildene av karakterene - heltene i diktene hans. Kanskje en av de mest vellykkede definisjonene av denne spesifisiteten kommer fra pennen til Taganka Theatre-skuespillerinnen Alla Demidova: "Hver sang av ham er enmannsforestilling, der Vysotsky var både dramatiker, regissør og utøver" Og - vi må absolutt legge til: først av alt - dette er en poet m.

Han var i stand til å skape lyse, fargerike kunstneriske bilder, typiske karakterer for hans samtidige, og steg til en dyp psykologisk oppfatning av menneskets natur. Heltene i Vysotskys sanger er mennesker fra forskjellige sosiale lag. Disse inkluderer frontlinjesoldater, kriminelle og vanlige mennesker. Poetens kunstneriske bilder, gjennom hvilke samtalen ble ført med lytteren, var så synlige og uttrykksfulle at han ofte fikk brev der folk spurte hvilket regiment han tjenestegjorde i og hvilket fengsel han satt i, selv om dikteren i det virkelige liv aldri ble dømt, og under krigen var jeg fortsatt et barn.

På grunn av det faktum at ironiske, humoristiske sanger i dikterens verk sameksisterer med seriøse lyriske monologer, er sjangerpaletten til verkene hans ganske bred. Vysotsky graviterer imidlertid mot balladen, en sjanger som vellykket kombinerer en lyrisk begynnelse med et detaljert episk plot. I den selvbiografiske "Ballad of Childhood" (1975) gjenskaper poeten lett gjenkjennelige realiteter fra krigen og etterkrigstiden: korridorsystemet til Moskvas kommunale leiligheter, advarsel om luftangrep, den etterlengtede seieren og til slutt metroen konstruksjon som et symbol på sosial endring. Samfunnet, såret av tallrike fordømmelser og undertrykkelser, trengte ikke bare materielle progressive endringer, men også en endring i det ideologiske klimaet. Det seirende folket ville ikke lenger og kunne ikke være fanger i sitt eget land. En enkelt lyrisk helt - en sterk, viljesterk person med klare moralske retningslinjer, for hvem verden er delt inn i svart og hvitt, uten halvtoner - er forbundet med en syklus av ballader skrevet for filmen "Robin Hood's Arrows" (1975) . Man føler at forfatteren var nær dette bildet av en edel røver, noe grusom, men også en sjenerøs helt. Hovedideen til syklusen er bekreftelsen av universelle menneskelige verdier, uendret til enhver tid. Det spesifikke historiske prinsippet i ballader er kombinert med det universelle:

Etter dikterens død begynte publikasjoner av verkene hans å dukke opp etter hverandre i tidsskrifter, og deretter individuelle bøker: "Nerve" (to utgaver: 1981 og 1982), "Fasicky Horses" (1987), "Favoritter" (1988), "Fire fjerdedeler av veien" (1988), "Poesi og prosa" (1989), "Verker i 2 bind." (fra 1990 til 1994 var det syv utgaver) og en rekke andre. I 1993 begynte "Samlede verk i 5 bind" å bli publisert.

Vysotsky likte det ikke når hans tidlige sanger ble snakket om som om tyver, gårdsrom han foretrakk å assosiere dem med tradisjonen med urban romantikk. Hans valg på et tidlig stadium av denne spesielle formen og sjangeren virker slett ikke tilfeldig, men helt naturlig og meningsfylt. Her er hans ord: «Jeg begynte med sanger som mange av en eller annen grunn kalte gårdssanger, gateviser. Det var en slik hyllest til urban romantikk, som var helt glemt på den tiden. Og folk hadde nok et sug etter en så enkel, normal samtale i en sang, et sug etter ikke forenklet, men ganske enkel menneskelig intonasjon. De var enkle, disse første sangene, og det var én, men brennende lidenskap i dem: menneskets evige ønske om sannhet, kjærlighet til vennene sine, kvinnen, nære mennesker.» Selvfølgelig er det i disse sangene elementer av stilisering, spesielt merkbare i gjenskapingen av gatesmaken, og i andre tilfeller - melodiene til urban eller sigøynerromantikk. Men hovedsaken i dem er appellen til et levende, umaskulert ord, hentet fra livet, fra dagligtalen. En vesentlig egenskap ved Vysotskys stil, allerede på et tidlig stadium, var fordypning i det folkelige (hverdagslige og folkloristiske) elementet i talen, dens kreative prosessering og flyten i den.

Det var denne egenskapen som ga ham muligheten allerede i første halvdel av 60-tallet, spesielt nærmere midten, til å lage slike fantastiske eksempler på sangkreativiteten hans som "Silver Strings", "On Bolshoy Karetny", "Penal Battalions", "Massegraver" " Faktisk ser de to siste sangene allerede ut til å åpne den neste store og viktige perioden i dikterens kreative utvikling.

På midten og andre halvdel av 60-tallet ble temaene til Vysotskys dikt og sanger merkbart utvidet og sjangrene til Vysotskys dikt og sanger diversifisert. Etter sangene fra den militære syklusen, som inkluderte "Sang om sykehuset", "Alle som er gått til fronten", vises "sport" ("Sang om en sentimental bokser", "Sang om en kortreist skater som ble tvunget til å løp en lang avstand»), «kosmisk» («I det fjerne stjernebildet Tau Ceti»), «klatring» («Sang om en venn», «Dette er ikke en slette for deg», «Farvel til fjellene»), «farvel» («Om et villsvin», «Eventyrsang om onde ånder»), «hav» («Skipene står stille - og går på kurs...», «Sail. Song of Anxiety»), parodi -satirisk ("Sang om den profetiske Oleg", "Lukomorye er ikke mer. Anti-eventyr"), lyrisk ("Crystal House...") og mange, mange andre.

Slutten av 60-tallet viste seg å være spesielt fruktbar for Vysotsky. Det var da han skrev praktfulle sanger, skapt på grensen av følelser og uttrykksevne, "Save our souls", "My Gypsy" ("Yellow lights in my dreams..."), "Bathhouse in White", "Wolf Hunt" ”, “Song of the Earth”, “Sons Go to Battle”, “Man Overboard”. Når det gjelder «Bathhouse...» og «Wolf Hunt», der man, med L. Abramovas ord, fornemmer «å gå utover grensene» og kanskje gjennombrudd til genialitet, skal det legges til at de ble skrevet i 1968, under innspillingen av filmen "Master of the Taiga", på Yenisei, i landsbyen Vyezhy Log, og det var ingen tilfeldighet at V. Zolotukhin kalte denne perioden "Boldino høst" av V. Vysotsky.

På 70-tallet utviklet Vysotskys låtskriving seg i bredde og dybde. Beriket med stadig nye tegn på levende liv, streker og streker av karakterer og situasjoner hentet direkte fra det, uten å miste sjelfull lyrikk, får den kvaliteten på dybdefilosofi, refleksjon over eksistensens hovedspørsmål.

I svært forskjellige dikt skrevet helt i begynnelsen av tiåret ("Jeg er ikke mer - jeg forlot løpet ...", "The Pacer's Run", "On Fatal Dates and Figures")), ens egen skjebne og kreativitet, skjebnen til de store forgjengerne og samtidige poeter er forstått. Og på slutten av 70-tallet ("Paradise Apples", 1978) og i første halvdel av 1980, inkludert i de aller siste diktene - "Og det er is under og over - jeg sliter mellom ...", "Min tristhet, min melankoli" (forfatterens fonogram 14. juli 1980), - poeten vender seg til å tenke på folkets tragiske skjebner og nok en gang på seg selv, med god grunn og kommer til konklusjonen: "Jeg har noe å synge, dukker opp for den allmektige, / Jeg har noe å rettferdiggjøre meg til ham "

Men utvilsomt skjedde den sterkeste økningen i det siste tiåret av Vysotskys kreative aktivitet i 1972 - 1975. Det var da han skrev de tragiske balladesangene "Finicky Horses", "Tightrope", "We Rotate the Earth", "The One Who Didn't Shoot", satiriske skisser "Police Protocol", "Victim of Television", " Comrade Scientists”, sjangerbilder “Dialogue at the TV”, “Bridesmaids”, selvbiografiske “Ballad of Childhood”, lyrisk og filosofisk “Song of Time”, “Ballad of Love”, “Domes”, “Two Fates”, etc.

I tillegg til det militære, eller kanskje mer presist anti-krigstemaet, inntar temaet Motherland-Russia, tatt i sin nåtid og fjerne historiske fortid, en viktig plass i dikterens verk. Russiske, russiske motiver og bilder er gjennomgående i Vysotskys verk, men det er noen blant dem hvor de uttrykkes med særlig klarhet.

Når det gjelder kjærlighetstekster, eier Vysotsky praktfulle eksempler på det, laget på forskjellige stadier av hans kreative vei og i en rekke former. Det er nok å nevne "The Crystal House" (1967), "Song of Two Beautiful Cars" (1968), "Here the potes of the gran trees is shaving in the air..." (1970), "I Love you now" ...” (1973), osv. .

Som svar i sangene sine på dagens hendelser, så og forsto dikteren dem i stor skala, historisk og til og med kosmisk: Jord og himmel, naturelementer, tid, evighet, universet - lev i diktene hans, nåtiden er uatskillelig i dem fra historien, det øyeblikkelige - fra det evige . Derav den romlige og tidsmessige åpenheten, bredden og omfanget av hans poetiske verden.

"Selv i løpet av hans levetid var Vysotsky virkelig legendarisk og påtrengende nødvendig, som luft, av mengden av mennesker som strømmet til for å lytte til ham ... Vysotsky sang hver gang for hele landet: han visste at hvert ord, hver intonasjon ble fanget opp on the fly og umiddelbart gjengitt på tape. I fremføringsøyeblikket sendte Vysotsky sangen inn i den enorme verden. Denne enkleste omstendigheten endret radikalt både selve sangen og sangens natur. Sangen tok på seg kraften til en alarmklokke og den knusende kraften til en eksplosjon. Okudzhava bekymrer seg til kjernen. Vysotsky ryster sjelen... Begge har fulgt det åndelige livet i vårt samfunn i flere tiår og hjulpet oss å forstå oss selv,» bemerket K. Rudnitsky.

Vysotsky skrev sin første sang "Tattoo" i 1961. I første halvdel av 60-tallet begynte han å fremføre sangene sine, akkompagnerte seg selv på gitar, i vennlige selskaper, og noe senere - på offentlige kvelder og konserter. Takket være båndopptak utvidet Vysotskys krets av lyttere raskt, og på kort tid fikk han landsomfattende popularitet. I følge I. Brodsky, "var han en utrolig talentfull person, utrolig begavet, en helt fantastisk poet-skaper. Hans rim er helt fenomenale. På den ene siden, tragedien hans, på den andre siden er lykken hans at han valgte karrieren til en bard, chan sonnier...» Materiale fra siden

Vysotskys arbeid er en betydelig og uvanlig begivenhet i russisk litteraturhistorie. Den ble vekket til live av både sosio-åndelige og intralitterære faktorer. Vysotsky beriket poesi med elementer av livlig samtale, fargerike karakterer, skarpe plott og romanistisk historiefortelling. Den bredeste populariteten til tekstene hans ble ledsaget av et uuttalt forbud mot publisering (av åtte hundre dikt ble fem eller seks dikt publisert). Dette avgjorde det dype dramaet i Vysotskys skjebne som forfatter, som anså poetiske tekster som det dominerende trekk ved låtskrivingen hans, og også prøvde seg på prosa (historien "Livet uten søvn", den uferdige "Romanen om jenter," filmmanus) .

Til alle tider har poesi hatt en enorm innflytelse på det offentlige liv. Arbeidet til diktere bidro til åndelig frigjøring, avslørte menneskelige laster og fikk oss til å tenke på livet rundt oss. En av disse dikterne var Vladimir Vysotsky - personifiseringen av folkets samvittighet.
Vysotskys verk er en biografi over vår tid. I et stort antall dikt skrevet i forskjellige perioder, berørte poeten svært viktige milepæler i historien. Tre hovedtemaer tok en betydelig plass i Vysotskys sivile poesi: den store patriotiske krigen,

Folkets tragedie under Stalins personlighetskult, det sovjetiske byråkratiets dumhet og treghet.
Vysotskys dikt om den store patriotiske krigen lyder med en så gjennomtrengende kraft, fylt med en så brennende sannhet, at det virker som om forfatteren selv hadde det vanskelig i krigen. Diktet "We Rotate the Earth" er fantastisk. Det symbolske bildet av en soldat stopper bevegelsen til fascistiske horder:
Vi snudde jorden tilbake fra grensen,
Det skjedde først.
Men vår bataljonssjef snurret henne tilbake,
Skyver av med foten fra Ural.
Det ser ut til at alt kollapset, forsvant, "solen gikk bakover og gikk nesten ned i øst." Men "erstatningsselskapene på marsj" stoppet jordens rotasjon og "snurret" planeten tilbake til de nådde Berlin. Selvfølgelig ble bedriftene til soldatene våre i denne krigen sunget allerede før Vysotsky, men

Med hvilken følelse han skriver om dette! Poeten snakker om motet til russiske soldater i diktet "De tok tak i høyden ...":
De klamret seg til høyden som om de var deres egne.
Mørtelbrann, tung.
Men igjen klatrer vi hvesende på henne
Bak glimtet av et signalbluss.
Og roper «Hurra!» frøs i munnen
Da vi svelget kuler
Syv ganger okkuperte vi den høyden,
Vi forlot henne syv ganger.
Og denne høyden, som jagerne gikk til angrep på, ble for dem et veiskille for alle skjebner og stier, personifiseringen av moderlandet, som må forsvares.
I Vysotskys verk fremstår krigen ikke som dets seremonielle portrett, men som en hard sannhet, stygg, grusom, men alltid sann. I diktet «Den som skjøt...» snakket poeten om en soldat som nektet å fullbyrde en urettferdig dom. I et annet verk tok Vysotsky opp skjebnen til folk fra straffebataljonen. Disse soldatene var lite medlidende ved fronten og enda mindre ivaretatt. Med kroppene dekket de plassen foran fiendens festningsverk og banet vei for andre enheter:
Straffer har én lov, én ende:
Stikk, hugg den fascistiske trampen
Og hvis du ikke fanger bly i brystet,
Du vil få en medalje for tapperhet.
Inntil nylig var det forbudt å skrive om "straff". Men Vysotsky skrev. Han skrev om dem, og om riflekompanier som stormer navnløse høyder, og om piloter som dør i ulik kamp, ​​om kamper med alpine riflemenn i fjellet, om fallskjermjegere og ubåter. Krig er ikke bare seire, men også blod og død. Hvis det var døde, så var det enker og foreldreløse barn igjen. Poeten i diktene hans klarte å formidle melankolien til koner, mødre, bruder som så av mennene sine til krig:
Pilene gråter for deg,
Og uten smilene dine
Rognetrærne blir bleke og tørre...
Vysotskys dikt om den store patriotiske krigen er en hyllest til minne og respekt til de som døde for vår fremtid. Men de døde ikke bare ved fronten. I løpet av de grusomme og mørke årene med Stalins personkult ble millioner av ærlige mennesker skutt og sendt til fengsler og leire. Denne skjebnen slapp ikke unna deltakerne i krigen. Den "store lederen" uttalte at vi ikke har noen fanger, men bare forrædere. Og mange tidligere soldater ble «folkets fiender». Vysotsky sympatiserte åpent med ofrene for undertrykkelse. Diktene hans om dette forbudte emnet på den tiden var spesielt merkbare midt i den nesten universelle stillheten. I diktet «The Fellow Traveller» skrev poeten om hvordan de ble «fiender av folket». To personer møttes på toget og begynte å snakke:
Tungen min, som en blonder, har løsnet seg,
Jeg skjelte ut noen, sørget.
Og så ga de meg en liten forretning
I følge en artikkel i straffeloven.
Ro deg ned - alt vil endre seg.
De ga meg en frist og lot meg ikke komme til fornuft.
I "Wolf Hunt" og dens oppfølger, "Hunting from Helicopters", snakket forfatteren om psykologien til mennesker som ble skyldige uten skyld. De forsto redselen og unaturligheten i det som skjedde, men kunne ikke gjøre opprør:
Du la deg ned på magen og fjernet hoggtennene,
Selv den ene, til og med den som dykket under flaggene,
Jeg ante ulvegroper med poteputene mine;
Den som ikke engang en kule kunne hamle opp med -
Han reiste seg også i redsel og la seg ned – og svekket seg.
Blant Vysotskys dikt som forteller om personlighetskultens tid, inntar diktet "Bathhouse in White" en spesiell plass. Det gir meg frysninger! Handlingen er enkel, men poeten var så i stand til å formidle følelsene og tankene til en uskyldig dømt person at vi føler oss som deltakere i hendelsene. Til tross for at folk plutselig ble «folkets fiender», fortsatte de å tro på Stalin:
Og så ved steinbruddet, i sumpen,
Etter å ha svelget tårer og rå mat,
Vi injiserte profiler nærmere hjertet,
Slik at han kan høre hjerter slå.

Men så ble det for mye tro og skogen ble slått ned. Og så, tydeligvis, etter Stalins død, trodde den tidligere fangen med en skjebne skjebne i økende grad at lederens profil på brystet var merket av en kriminell på en uskyldig person.

Dikterens dikt om historiens grusomme lærdommer er et poetisk rekviem til alle de uskyldig dømte og tjener som en advarsel mot faren ved å gjenta «mørke tider».
Vysotsky reagerte alltid på hendelser som fant sted i landet. I de vanskelige årene med stagnasjon, da alt nytt og progressivt ble undertrykt, ethvert ærlig talt ord ble forfulgt, dikteren kunne ikke forsone seg med den omliggende virkeligheten, eller trekke seg tilbake i seg selv. I diktet «Det gamle huset» skrev han med smerte og bitterhet.
Hvem vil svare meg - hva slags hus er dette?
Hvorfor i mørket - som en pestbrakke?
Lyset fra lampene slukket, luften strømmet ut...
Har du glemt hvordan du skal leve?
Hovedpersonen lette etter «landet der det er lys», men det er ikke noe håp om endring til det bedre. Drømmen om et annet liv virker naiv:
Vi har aldri hørt om slike hus,
Vi ble vant til å leve i mørket lenge
Fra uminnelige tider er vi i ondskap og hvisking
Under ikonene i svart sot.
Poeten tok gjentatte ganger opp spørsmålet om hvor vanskelig det er å bevare seg selv, å forbli ærlig midt i atmosfæren av løgn og hykleri. I «The Microphone Song» sa Vysotsky bitre, men veldig sanne ord
Ofte blir vi erstattet av andre,
Slik at vi ikke blander oss inn i løgner
Poeten ville også være forfatter av mange satiriske dikt. Vysotsky latterliggjorde byråkrater, tjenestemenn, sykofanter og vanlige mennesker. Han var en nådeløs dommer over seg selv, sine egne svakheter og feil. Det var dette som ga ham den moralske rett til å kaste byråkrater og tribune-frasere, respektable skurker og militante vanlige mennesker med satirens kraft. Dermed forteller diktet "Save Our Souls" om skjebnen til sjømenn som dør på en ubåt. Det gjenspeiler tilstanden til samfunnet vårt i perioden med Bresjnevs "tidløshet":
Spar våre sjeler!
Vi er i villrede fra kvelning.
Spar våre sjeler!
Skynd deg å besøke oss!
Vysotsky elsket sitt hjemland av hele sitt hjerte. Han sa: "Uten Russland er jeg ingenting!" Han led for folket sitt, var stolt av dem, opplevde alle deres vanskeligheter, ropte i diktene sine slik at han kunne bli hørt, for å nå menneskers hjerter og sinn. Tross alt ble den første samlingen av diktene hans, som dessverre så lyset etter dikterens død, kalt "Nerve." Poetens sannferdige verk ble lest glupsk og forårsaket en bred offentlig respons. Det var noe av en bragd. Nå gjennomgår vi en fornyelsesprosess i landet vårt, og hvor savner vi Vysotsky. Det er en oppfatning om at han var god for sin tid. Jeg tror folk som ham trengs nå akkurat som de var da, folk med høyt borgermot.

Send ditt gode arbeid i kunnskapsbasen er enkelt. Bruk skjemaet nedenfor

Studenter, hovedfagsstudenter, unge forskere som bruker kunnskapsbasen i studiene og arbeidet vil være veldig takknemlige for deg.

postet på http:// www. alt best. ru/

Filosofiske motiver i sangtekstene til V. Vysotsky

Introduksjon

1. Stedet og rollen til Vysotskys poetiske kreativitet i utviklingen av litteratur på slutten av det tjuende århundre

1.1 Tekster som en type litteratur. Begrepet motiv som en semantisk enhet av tekst

1.2 Faktorer som former konseptet om Vysotskys kreativitet

1.3 Funksjoner ved Vysotskys lyriske verk. Hovedmotivene for arbeidet hans

2. Dominerende filosofiske motiver i Vysotskys sangtekster

2.1 Motiv for vitalitet

2.2 Dødsmotiv

2.3 Patriotiske motiver i verkene til V. Vysotsky

2.4 Kjærlighetsmotiv

2.5 Skjebnemotiv

Konklusjon

Bibliografi

applikasjon

Introduksjon

Det endelige kvalifiseringsverket er viet filosofiske motiver i sangtekstene til V.S. Analysen deres lar oss bedre forstå forfatterens verdensbilde, som er nedfelt i poesien hans, og bringe forståelsen av hans arbeid til et nytt nivå. Vysotsky anses ofte bare innenfor rammen av en bards sang, noe som ikke er nok til å forstå hans kunstneriske verden. De filosofiske motivene som ofte dukker opp i verkene hans gjør at de kan oppfattes innenfor rammen av meditative tekster.

Vysotskys verk må studeres i en bred litterær kontekst, først og fremst i sammenligning med poesien på 1960-1970-tallet, som gikk fra et "høyt" uttrykk for åpne sosiale følelser til å forstå de eksistensielle problemene ved menneskelig eksistens.

Forskningens relevans Det filosofiske innholdet i Vysotskys poesi er bestemt av den filologiske vitenskapens oppmerksomhet på litteraturens filosofiske problemer i andre halvdel av det tjuende århundre, samt interessen til moderne litteraturkritikk i utviklingen av V. Vysotskys kreativitet, assosiert med avgang fra kanonene til den "bardiske" sangen og bevegelsen mot meditative tekster.

Nyheten i arbeidet er å vurdere Vysotskys tekster ikke bare innenfor rammen av forfatterens sang, men også i et bredere aspekt - i et forsøk på å finne ut hvilken plass denne forfatterens poetiske verk inntar i russisk litteratur som helhet. Nyheten i studien skyldes en omfattende analyse av de filosofiske motivene til Vysotskys sangtekster.

Mål for arbeidet:

· forestilling betydningen av Vysotskys sangkreativitet i russisk poesi og i utviklingen av meditative tekster.

Jobbmål:

· finne ut faktorene som formet dikterens verdensbilde;

· avsløre hovedtemaene i hans poetiske verk;

· vurdere filosofiske motiver i Vysotskys poetiske tekster;

· fremheve hovedteknikkene for å legemliggjøre filosofisk innhold i Vysotskys tekster;

Teoretisk og metodisk grunnlag for forskningen Verkene til L. Ya. Ginzburg "On Lyrics" og "On the Literary Hero" og B. M. Gasparov om litterære ledemotiver, samt verkene til A. V. Kulagin, N. M. Rudnik, V.P. Skobelev, dedikert til Vysotskys kunstneriske verden.

Arbeidet bruker metoder for immanent tekstanalyse, typologiske og komparative metoder.

Forskningsmateriale fungert som diktsamlinger av V. Vysotsky "Nerve", "Jeg var ikke redd for et ord eller en kule ...", "Det er ingen grunn til å stoppe", "Ballader og sanger", "Fang vinden med alle seilene dine",

"Gjør deg klar - nå kommer det til å bli trist ..."

Arbeidsstruktur: Det endelige kvalifiserende arbeidet består av en introduksjon, 2 kapitler, en metodisk del, en konklusjon og en referanseliste, inkludert 54 titler. Studiets totale volum er på 56 sider.

1. Stedet og rollen til Vysotskys poetiske kreativitet i utviklingen av litteratur på slutten av det tjuende århundre

1.1. Tekster som en type litteratur. Begrepet motiv som en semantisk enhet av tekst

Før vi snakker om filosofiske motiver i Vysotskys tekster, er det nødvendig å avsløre innholdet i begrepene "tekster", "filosofiske tekster" og "motiv". For å gjøre dette er det nødvendig å henvende seg til litteraturvitenskap. "Dictionary of Literary Terms" av S.P. Belokurov gir følgende definisjon av begrepet:

Tekster- "en av de tre hovedtypene litteratur (sammen med epos og drama), som fremhever det subjektive bildet av virkeligheten: individuelle tilstander, tanker, følelser, inntrykk av forfatteren, forårsaket av visse omstendigheter, inntrykk."

Lyriske verk inntar en spesiell rolle i litteraturen, fordi Det er de som dypest avslører en persons indre verden, som er en av litteraturens oppgaver. Ved å sammenligne seg med den lyriske helten, forstår leseren sin egen indre verden.

Konseptet med "tekster" er mest fullstendig avslørt i boken av L. Ginzburg

"On Lyrics", der hun bemerker følgende paradoks: til tross for all subjektiviteten til lyrikken, er den mer rettet mot det generelle enn episke og drama, og skildrer mentalt liv som universelt. Hvis du kan se karakteren til den lyriske helten i tekstene, vil han ikke være "privat" og isolert.

Tekster er ifølge Ginzburg den evaluerende holdningen til det lyriske subjektet til ting og hendelser. Klassifiseringen av lyriske sjangere er basert på emosjonelle og evaluerende holdninger. Den originale essensen av tekster er åpenbaringen av det høye, det vakre, glorifiseringen av idealer og livsverdier. Men, ved hjelp av grotesk og anklagende satire, kan tekster også avsløre anti-verdier.

Boken bemerker også at poesi ikke alltid oppnås gjennom høy stil. Samtale og til og med frekke ord kan være poetiske hvis de bestemmes av konteksten.

En av variantene av tekster er filosofiske tekster. Konseptet "filosofisk poesi" er direkte relatert til begrepet "filosofi" som en vitenskap som "studerer en spesiell form for sosial bevissthet og kunnskap om verden, utvikler et system av kunnskap om grunnlaget og grunnleggende prinsipper for menneskelig eksistens, om de mest generelle essensielle egenskapene til menneskelige forhold til naturen, samfunnet og det åndelige."

Dermed, filosofiske tekster- dette er en type lyrikk som prøver å forstå de evige spørsmålene om eksistens, liv og død, godt og ondt, universets struktur osv. gjennom den subjektive vurderingen av den lyriske helten. Filosofiske tekster er preget av prinsippene om dybdepsykologisme, samt en appell til allegori og bruk av metaforer.

Grunnen til at forfattere og lesere henvender seg til filosofiske tekster er ofte folks ønske om å forstå verdensordenen. Filosofiske tekster bidrar til å bevare de moralske verdiene til individet, og fungerer som en formidler mellom virkeligheten og de åndelige behovene til en person.

Det er følgende sjangere av filosofiske tekster: sonetter, rubai, ghazals, essays, elegiske dikt, etc.

I mitt arbeid referer jeg til kategorier som "bilde" og "motiv". Det poetiske innholdet i tekstene avsløres gjennom et system av motiver og bilder. I dette verket er et motiv forstått som en semantisk enhet av tekst som er i stand til å utfolde seg og internt transformere, og avsløre ytterligere betydninger av et kunstverk.

Konseptet "motiv" avsløres i verkene til B.M. Gasparov: "ethvert fenomen, ethvert semantisk "punkt" - en hendelse, karaktertrekk, landskapselement, ethvert objekt, talt ord, maling, lyd, etc. kan fungere som en motiv. det eneste som definerer et motiv er dets gjengivelse i teksten, slik at i motsetning til en tradisjonell plottfortelling, der det er mer eller mindre forhåndsbestemt hva som kan anses som diskrete komponenter ("karakterer" eller "hendelser"), er det ingen sett " alfabetet" " - det dannes direkte i utplasseringen av strukturen og gjennom strukturen. Som et resultat mister ethvert faktum sin individualitet og enhet, fordi begge i ethvert øyeblikk kan vise seg å være illusoriske: de individuelle komponentene i et gitt faktum vil gjentas i andre kombinasjoner, og det vil falle fra hverandre i en rekke motiver og kl. samtidig bli uatskillelig fra andre motiver, opprinnelig introdusert i forbindelse med et tilsynelatende helt annet faktum"

Gasparov mener at et motiv er en transformasjon av en semantisk komponent som ikke forblir lik seg selv under det meningsdannende tankearbeidet, under påvirkning av assosiative konjugasjoner.

Verkene til B.M. Gasparov snakker om motivanalyse av teksten. Essensen av en slik analyse er at dens emne er en komponent av meldingen, transformert som et motiv, hvis betydning bare avsløres i forbindelse med andre motiver som oppstår i en gitt kontekst i prosessen med å forstå det. Når man tolker en tekst i løpet av dens analytiske forståelse, blir nye betydninger avslørt for leseren takket være utplassering og omstrukturering av motiver som kan skape nye konfigurasjoner ved å flette dem med hverandre.

Dermed avslører denne delen av kapitlet teoretiske konsepter, hvis anvendelse vil bidra til å finne de mest nøyaktige tolkningene av den semantiske helheten i den lyriske teksten i videre analyse av filosofiske motiver i Vysotskys poetiske verk.

1.2 Faktorer som former konseptet om Vysotskys kreativitet

Vysotskys tekster er fulle av filosofiske ideer. Og for å forstå den filosofiske betydningen av diktene hans, bør det sies om Vysotskys verdensbilde. Verdensbildet til enhver forfatter påvirkes hovedsakelig av to faktorer - epoken der forfatteren levde og arbeidet og biografien hans, det vil si avtrykkene av eventuelle hendelser som skjedde med dikteren i løpet av livet hans. Skjønnlitteratur spiller også en viktig rolle. Derfor vil vi i dette kapittelet vurdere hvilke trender som rådet i datidens litteratur, hvordan de ble reflektert i Vysotskys arbeid. La oss også vende oss til forfatterens biografi for å spore nøyaktig hvordan visse hendelser i Vysotskys liv påvirket hans verdensbilde.

1960-tallet av det tjuende århundre kalles et vendepunkt i litteraturen. Denne perioden er preget av et skifte i den estetiske virkelighetsforståelsen – informativ og beskrivende fiksjon ble erstattet av en analytisk måte. Litteraturen på 60-80-tallet utvikler seg i henhold til de sosiale og moralske lovene som er karakteristiske for den epoken og reflekterer realitetene og idealene fra den perioden. Dette bidrar til utvidelse og berikelse av sjangere og stiler i sovjetisk litteratur. En av dens trekk er tendensen til å styrke det filosofiske prinsippet, derfor dypere inn i menneskets indre verden, hans forhold til verden.

Dette er en tid med heftig debatt om tilstanden til moderne poesi - om dens trender og utsikter for utvikling, så vel som om retningssammenstøtet. Ulike termer dukket opp for å definere poesi: "stille", "høyt", "vitenskapelig", "intellektuell", "eksperimentell". Hver litterær bevegelse introduserte noe nytt og forsøkte å fornekte andre poetiske fenomener.

En unik refleksjon av den aktuelle epoken var forfatterens sang, som ble kontrastert med scenen.

Forfatterens sang er en sangsjanger hvor forfatterskapet til teksten og musikken, samt fremføringen, tilhører én person, mens teksten er mer betydningsfull, og det musikalske akkompagnementet fungerer som en rytmisk hjelpekomponent.

Kunstsangen begynte å dukke opp på midten av det tjuende århundre blant studenter, så først ble den kalt "student" eller "turist", avhengig av emnet. Opprinnelig ble den preget av sin intimitet, det vil si at sangene ble skrevet for en smal krets av mennesker, og ikke for allmennheten, og ble fremført, som de sier, "ved kjøkkenbordet."

På slutten av 50-tallet utviklet kunstsangen seg fra intimitet til overfylte konserter, mens tekstene begynte å uttrykke dypere stemninger. Som et eksempel kan vi nevne Bulat Okudzhava, grunnleggeren av kunstsangen, ikke som et amatørfenomen, men som en alvorlig kulturell trend.

På 60-tallet nådde kunstsangen sitt høydepunkt, da den endelig etablerte seg som en uavhengig bevegelse i russisk kunst. "...Med fremkomsten av så lyse individer som V. Vysotsky og A. Galich, ble uavhengigheten til bevegelsen som helhet, dens motstand mot offisiell kunst spesielt tydelig, og poetikken ble betydelig beriket."

Denne trenden hadde både tilhengere og motstandere, som ikke anså det som et alvorlig fenomen i litteraturen. Følgende mangler ble bemerket:

· unødvendig musikalsk tillegg til teksten, pga det poetiske ordet er verdifullt i seg selv;

· forenklet syntaks;

· svekket metaforalitet.

Årene med "tine" satte sitt preg på kunsten, som først og fremst ble reflektert i litteraturen ved frigjøringen av det kunstneriske ordet. Slik frigjøring skjedde i to retninger som utfyller hverandre - i et ord som bærer sannhet, og i et ord beriket med lyd, mening og bilde. Begge disse retningene kan spores i Vysotskys verk.

Vysotskys arbeid ble utvilsomt påvirket av hans biografi. Han ble født 25. januar 1938. Og i 1941, da den fremtidige barden fortsatt var veldig ung, begynte den store patriotiske krigen, der faren hans deltok. Senere vil militære temaer finne sin plass i dikterens verk.

Vysotskys karakter begynte å danne seg tidlig. I følge faren ble gutten preget av vennlighet fra en tidlig alder, noe som forble hovedtrekket til karakteren hans gjennom hele livet. Siden barndommen respekterte han sine eldste, var ansvarlig og hengiven i vennskap, og kunne ikke tåle urettferdighet og likegyldighet. Han studerte ikke jevnt, men bra. Han hadde en utmerket hukommelse - han kunne huske et dikt i én lesning.

Vysotskys trang etter kreativitet dukket opp allerede på videregående. Den fremtidige poeten var allerede i ungdommen preget av sitt brede syn, leste mye russisk og utenlandsk litteratur og var interessert i historie og vitenskap. I løpet av skoleårene gikk han på en dramaklubb, og allerede da oppdaget han skuespillerevnene sine.

Etter at han ble uteksaminert fra skolen, gikk Vysotsky, ifølge foreldrenes overbevisning, inn i Moskva-instituttet for sivilingeniør, men innså ganske snart at ingeniøryrket ikke var hans kall. Hans kjærlighet til kreativitet bidro til hans opptak til Moskva kunstteaterskole i skuespilleravdelingen.

Mens han studerte ved et teateruniversitet, ifølge erindringene til Vysotskys klassekamerat T.V. Dodina, var han allerede interessert i filosofi. Mens de fleste elever syntes dette faget var vanskelig, fikk Vysotsky alltid en "utmerket" karakter.

Etter at han ble uteksaminert fra et teateruniversitet, begynte Vysotsky sin skuespillerkarriere ved Pushkin Theatre, deretter ved Theatre of Miniatures. Men teatret han tjenestegjorde i resten av livet var Taganka-teatret. Skuespilleren spilte også i filmer og jobbet allerede seriøst med å komponere sangene sine. Arbeid i teatret ble også reflektert i Vysotskys poetiske verk - i rollespillsangene hans skaper han fargerike, typiske karakterer, hvis ordforråd er stilistisk farget og utstyrt med dagligdagse og noen ganger slanguttrykk.

Da han filmet filmer, klarte Vysotsky seg uten stuntmenn. Hans fysiske form og hans varierte interesser hjalp ham med dette: boksing, ridning, karate, fekting. Engasjement i disse idrettene satte også preg på forfatterens poesi.

Litteraturen som påvirket Vysotskys kreative verdensbilde er svært mangfoldig: tekstene hans inneholder hentydninger til arbeidet til innenlandske og utenlandske klassikere, eldgamle og bibelske temaer, termer for vitenskapelig litteratur, fantastiske bilder og folklorebilder og motiver. Poeten brukte også sin kunnskap om kunst, historie, sport og filosofi.

Ifølge forskere er Vysotsky nærmest Yesenins tradisjoner. Når du sammenligner disse dikterne, kan du se at begge har i tekstene sine:

«... og «kromotiv», og den kjærlighetslengselen etter hjemlandet som ikke forlater noe sted, verken i utlandet eller hjemme. Alle har sin egen "svarte mann" og sin egen "fading Rus", og ømhet for ordet, og angst, og den indre sangfullheten i verset, og - til tider - en uhelbredelig melankoli som ikke kan fylles med noe:

... Plutselig hoppet en grønn melankoli, en slange melankoli, konstruert på halsen min..."

Men likheter kan spores ikke bare mellom forfatterne Vysotsky - Yesenin. Helten i Yesenins dikt Khlopusha har også fellestrekk med Vysotsky, nemlig bredden i naturen og voldsomt temperament. Vysotsky spilte denne rollen i teatret og så ut til å forbli seg selv.

I Vysotskys verk kan man finne mange paralleller både med folklore-tradisjon og med litteratur i en dypere retning: starter med buffoonery (komiske sanger, bilder, masker og roller i sanger), og slutter med Pushkin. Som et sammenlignende eksempel sammenligner V. Ognev diktene av Vysotsky "For meg vil bruden gråte ærlig" og Pushkin "I dypet av de sibirske malmene". Begge versene inneholder håp om frihet, men forskjellen, ifølge Ognev, er bare at sverdet, et symbol på edel ære, erstattes av en gitar, «frihetens frelser».

I Vysotskys dikt kan man også legge merke til parallellitet med motivene til Lermontov og Blok (mer detaljer i kapittel 1.3 i mitt arbeid).

Det er verdt å merke seg likheten mellom Vysotskys tanker med Dostojevskij: de er forent av medlidenhet og en tolerant holdning til de "falne". Begge fordømmer dem ikke, men prøver tvert imot å se på verden gjennom deres øyne. Det er noe tradisjonelt russisk med slik vennlighet. Men i motsetning til Dostojevskij, som trodde at «det er lidelse, men det er ingen mennesker å skylde på», tenkte Vysotsky annerledes. Han hadde et prinsipp: "Hvis jeg vet hva jeg er, så vet jeg hva jeg bør gjøre." Han mente at en person burde føle sitt engasjement og ansvar, og ansvar inkluderer også en følelse av skyld.

Et interessant faktum er at Vysotsky kan sammenlignes ikke bare med Dostoevsky, men også med karakteren hans - Mitya Karamazov. I P. Gumerovs bok "Vladimir Vysotsky: tragedien til den russiske sjelen" er det et sitat fra en av heltene i Dostojevskijs roman: "Vi er brede, Karamazov-lignende naturer ..., i stand til å inneholde alle slags motsetninger og samtidig betrakter begge avgrunnene, avgrunnen over oss, avgrunnen til de høyeste idealer, og avgrunnen under oss, avgrunnen til det laveste og mest illeluktende fall...", og en kommentar til det: "...Denne overdrevne bredden , kaste fra en ytterlighet til en annen, dessverre, er iboende i den russiske sjelen, og denne egenskapen er dens store tragedie. Slike ytterligheter var også veldig karakteristiske for Vladimir Semenovich.»

I N. Eidelmans artikkel «A little slower, horses, a little slower» sammenligner forfatteren Vysotsky med Denis Davydov og Apollon Grigoriev. Denne sammenligningen er dannet av fellesheten til sigøyner- og husartemaene til sangene, samt ekkoet av "desperasjon" som høres ut i underteksten.

Vysotsky sammenlignes også med Zoshchenko: begge har veldig lyse typer helter, og selve satiren er etsende og anklagende.

Fortsetter temaet parallellisme mellom Vysotsky og andre forfattere, er det verdt å nevne Bulat Okudzhava. Vysotsky selv innrømmet at det var fra Okudzhava han tok i bruk metoden for å lese poesi med en gitar. Men ved å kalle Okudzhava en åndelig far, nekter Vysotsky å etterligne sin litterære forgjenger i sangenes semantiske termer. V. Aksenov bemerket at Okudzhavas kreative funksjon er lyrikk, Galichs er et sosialt portrett, og Vysotsky "skrev et portrett av tiden." Ved å sammenligne Vysotsky med Okudzhava, kan man også sitere fra en artikkel av K. Rudnitsky

"Han visste hva han risikerte": "Okudzhava begeistrer oss til dypet av sjelene våre, Vysotsky rister i sjelen vår. I Okudzhavas rørende tekster kjenner vi igjen oss selv, vår skjebne, vår forståelse av verden. Vysotskys sanger oppfyller et annet oppdrag. Han uttrykte - høyt, med en stemme, i et rop - alt som var i alles sjel eller sinn, men - oftere enn ikke - det alle følte, men ennå ikke kunne innse, hadde ikke tid ... "

For å oppsummere dette kapittelet, er det verdt å si nok en gang at Vysotskys kreative konsept ble dannet av biografiske hendelser, sosiale faktorer i epoken, så vel som opplevelsen av litterære forgjengere.

1.3 Funksjoner ved Vysotskys lyriske verk. Hovedmotivene for arbeidet hans

Når vi leser Vysotsky, oppdager vi stadig nye plott, temaer, karakterer, konflikter. Diktene hans handler om sport, om militære temaer, barnedikt (for eksempel "Alice i Eventyrland"), eventyrsanger der sosiale typer gjettes, samt sangvariasjoner over historiske og mytologiske temaer, hvor visdommen fra århundrer bidrar til å avdekke vår tids motsetninger. I Vysotskys sanger krysser og utfyller alle temaer hverandre, de "har alt", og det er grunnen til at tekstene hans ble kalt leksikonet til våre liv på 60-70-tallet av det tjuende århundre.

Vysotskys verk er en syntese av skuespillertalent og en tenkers gave, derfor er diktene hans på den ene siden fylt med en rekke karakterer og typer, bruken av komiske ordspill, samt dagligdagse og dagligdagse vokabular, og på på den andre siden, med humanisme, bruk av retoriske spørsmål og filosofiske.

Vysotskys dikt er en sammensmelting av det lyriske og satiriske. Vysotsky selv innrømmet: "Jeg foretrekker den russiske tradisjonen, Gogols - latter gjennom tårer. Du vil le, men kattene klør i sjelen din.» Denne egenskapen til poesien hans ble også bemerket av V. Aksenov: "I sin satire fulgte han direkte etter Zoshchenko, i tekstene hans - etter Yesenin."

Nesten alle kjenner til Vysotskys sanger. Men kan vi ut fra dette konkludere at de er godt kjent for oss? Følger det av dette at det ikke finnes noe nytt i dem? I en av bøkene jeg vendte meg til da jeg skrev arbeidet mitt, "Vladimir Vysotsky. Poesi og prosa», siterer V. Novikov følgende linjer i diktet som et eksempel:

Og jeg var ikke annerledes enn de uvitende.

Og hvis det var annerledes - veldig lite,

Budapest etterlot ikke en splint,

Men Praha knuste ikke hjertet mitt.

…………………………………………. Og selv om vi ikke ble slått ned av henrettelser,

Men vi levde, uten å våge å løfte blikket, - Også vi er barn av de forferdelige årene i Russland, Tidløsheten strømmet vodka inn i oss.

Åndelig maksimalisme og selvkritikk på vegne av hele generasjonen, som leseren kan finne i disse linjene, er en del av tradisjonen med russisk poesi. Boken ovenfor bemerker at Vysotsky i dette diktet henviser leseren til Blok ("De som er født i årene med døve måter, husker ikke sine egne"). Disse diktene er forent av temaet om feigheten til den lyriske helten, som vet at maktideologien er en "mirage", men som ikke tror på denne ideologien, underordner seg den. I Blok kommer dette temaet til uttrykk ved hjelp av en antitese: entusiasme står i motsetning til stumhet. Men i dette tilfellet er det i ekstern entusiasme en "fatal tomhet", og stumhet er "alarmens brøl", som symboliserer åndelig tro. Vysotskys lyriske helt "trodde ikke på luftspeilinger", men i frykt for fare, "låste sjelen sin med en bolt", bestemmer han seg for ikke å gå mot myndighetene.

...I møte med fare er de skammelig feige, og foran makten er de foraktelige slaver...

Ved å sammenligne Vysotsky med Blok og Lermontov, kan det bemerkes at Vysotskys klassiske motiv for russisk litteratur ikke presenteres i den kanoniske stilen: kombinasjonen av høy og lav er vektlagt: i samme sammenheng er det ord som "Russland" og "tidløshet". " på den ene siden og "vodka" " - med en annen.

Det er en oppfatning at nøkkelen til Vysotskys dikt er tilstedeværelsen i dem

«prosa», dvs. hverdag og usminkede hverdagsdetaljer, samt narrativ utvikling. Mens hans samtidige prøvde å skape på temaet det åndelige i en sublim stil, var Vysotsky demonstrativt materiell.

Prosa i Vysotskys poesi er hans nyskapning. Det gir ingen mening å sammenligne ham med andre samtidige poeter, for gjennom arbeidet til Vysotsky ble russisk poesi fundamentalt fornyet. Det er nødvendig å bestemme betydningen av denne dikteren i litteraturen, ikke ved hans individuelle dikt, men av hans svært historiske rolle, som han spilte i utviklingen av poesien. Til støtte for ordene ovenfor kan vi sitere et figurativt sitat fra V. Novikov: «Inokuleringen av prosaisme produsert av Vysotsky påvirket blodsirkulasjonen til all vår poesi, den vil ha en lang og fruktbar effekt på søket etter nye kreative generasjoner ."

Det er merkelig at V.I. Novikov i sitt arbeid bemerker nedgangen i den lyriske sjangeren til diktet på syttitallet: "... Tekstforfatterne våre viste seg å ligne selve sprinter-skateren avbildet av Vysotsky, som raskt "laget mat" kl. oppholdsavstanden. Fordi selvuttrykk alene er ikke nok for et dikt – du trenger konflikter, karakterer, du trenger å vite hvordan andre mennesker lever, kunne lytte til dem, forstå dem og forvandle seg til dem. Generelt resulterte mangelen på prosainnhold i poesi i mangel på sannhet.» Men sannheten talte med Vysotskys stemme.

Formen til Vysotskys dikt med dens enkelhet kontrasteres med dens meningsfulle dybde. Det er denne formen som er med på å skape en tillitsfull atmosfære mellom forfatteren og lytteren.

Et annet trekk ved Vysotskys arbeid er språket hans. Han parodierer og bringer sovjetiske slagord og klisjeer til det absurde, og ironiserer over dem (sangen "Comrade Scientists").

Bruken av språklig vokabular bidrar til å mer nøyaktig avsløre karakteren og det sosiale laget til den lyriske helten: marginale karakterer i diktene hans snakker ikke på det sublime språket til intellektuelle ("ikke nøl, kjære" fra sangen "Comrade Scientists" ). Det språklige portrettet av den lyriske helten avsløres ikke bare på det leksikalske, men på alle språklige nivåer

Morfologisk ("løsne håndklærne s» , ikke-troende, fanatiker ts"s" fra sangen

"Brev til redaktøren av et TV-program"; "sersjanten vil heve - som en mann ov» fra sangen «Police Protocol», «er det et alternativ som deres ny leder..." fra "Why the Aborigines Ate Cook"); fonetisk ("frekke spioner e nki" fra "Instructions before traveling abroad"), fraseologisk ("Jeg sier ikke et ord på språket deres, verken i bue eller på thuya" fra "Instruksjoner før du reiser til utlandet"), syntaktisk ("du går inn i huset som alle andre like til tavernaen" fra "For et stille hus...").

Bruken av dialoger, for eksempel i sangen «Dialogue at the TV», understreker også sammenhengen med prosatradisjonen, fordi I poetiske tekster blir temaet tradisjonelt avslørt fra én person.

Det bemerkes at fenomenet Vysotsky i russisk kultur er evnen til å forstå andre menneskers synspunkter, samt evnen til skarpt å presse to polare posisjoner sammen og derved få en ny dybde av sosial visjon. Dette fenomenet ligger i nærværet av en "andre, dypere bunn" av Vysotskys dikt, i hans ironi.

Vysotsky er en sanger av sin tid, selv i "historiske" eller komiske "eventyr"-sanger, problemstillinger som er relevante for hans samtid, så vel som evige spørsmål om filosofiske temaer, kan spores. Med tanke på Vysotsky i sammenheng med russisk litteratur på syttitallet, kan man merke seg polyfonien til generasjoner og sosiale lag i hans arbeid. Vysotsky forsøkte å trenge inn i psykologien til de marginaliserte og forstå de sosiale årsakene til kriminalitet: hva som presser disse menneskene til negative handlinger. Og grunnen, viser det seg

– tap av tro på rettferdighet og lov.

En av de filosofiske ideene i Vysotskys tekster er å velge din egen vei. Tiden for "tine" ble ledsaget av kollapsen av tidligere uforgjengelige dogmer og holdninger. Folk fra den tiden begynte å forstå at de ikke trenger å tenke og føle det samme, at hver person må følge sin egen vei, hver person er individuell. Her kan vi huske Vysotskys sportssang "Morning Gymnastics", der man kan gjette en annen, ikke i det hele tatt sportslig betydning:

«...Skjønnhet: blant de som løper, er det ingen første og ingen etterslep. Å løpe på plass er generelt forsonende.»

Det er ironi i ordet "skjønnhet". "Det er ingen førsteganger og ingen etternølere," dvs. alle gjør det samme, alle er like, men denne «generelt forsonende» kjøringen er «på plass», dvs. fører ingen steder.

Den samme ideen om individets unikhet, uforlignbarhet og egenverdi er formulert i Vysotskys sang "Alien Track":

… gjør som jeg gjør!

Dette betyr - ikke følg meg.

Et av de filosofiske temaene som interesserte Vysotsky var dødstemaet, som avsløres i poesien hans på mange måter: noen ganger ved å bruke en seriøs stemning (sangen "Monument", "Om fatale datoer og tall"), og noen ganger presenteres den. i en humoristisk tone som er uvanlig for leseren ("Merry deceased").

Vysotskys brede syn og nysgjerrighet gjenspeiles i arbeidet hans. I tekstene hans berørte han til og med "ikke-poetiske" emner, hvorav ett var vitenskapstema. For eksempel "Comrade Scientists", "March of Physicists". Og også "sports"-sanger, der det, ifølge forfatteren selv, er et annet lag, dypere, for eksempel "Hvem løper etter hva."

Vysotskys sanger er nesten alltid dynamiske. Og denne dynamikken oppnås ikke bare takket være det rytmiske musikalske akkompagnementet, men også på grunn av selve teksten. Et av temaene i Vysotskys verk er temaet for veien og bevegelsen: løpe i et maraton, skynde seg til angrep, klatre i fjell, hesteveddeløp, reise i bil, rømme fra en leir, flytte et skip, fly på et fly, etc. Denne konstante bevegelsen i Vysotskys tekster er nær hans åndelige verden, hans aktive natur. Men også, forskere bemerker at veien er en metafor for livet. Som et eksempel er Vysotskys sang "Who's Running After What" best egnet, der "løperne" representerer fire forskjellige modeller av livsholdninger: for noen er "godbiten" i livet viktig, for andre, berømmelse, for andre en mulighet å bevise noe for ikke å gå til «benken», mens noen lever «bare sånn, for ingenting, for ingen».

Følgende motiver, fremhevet av A. Kulagin, er assosiert med veiens tema i Vysotskys verk:

· et møte som blir til en konflikt (et møte med romvesener fra «Alle vil varme opp litt...», et møte med Crooked and Hard fra sangen «Two Fates»);

· tilstedeværelsen av en medreisende eller partner underveis («Fellow Traveler», «Fighter Plane Song», «Pacer’s Run»);

· behovet for å overvinne hindringer ("Tyumen Oil");

· endring av rute, sving ("Moskva - Odessa");

· nedtelling av ruten ("Tightrope");

· forfølgelse og forfølgelse ("Ulvejakt");

· retur ("I kulda, i kulde ...", "Paradise-epler").

I Vysotskys poetiske verk reises følgende spørsmål om filosofisk innhold, som er gitt som eksempel i boken av V. Novikov “Vladimir Vysotsky. Poesi og prosa":

· Er mangustene, som ble erklært skadedyr for å utrydde alle slanger hvis de ble menneskeliggjort, leiesoldater som ble rettferdig straffet, eller er de ofre for en historisk "skjebnens vri"? ("Sang om Mongooses")

· Hvordan er livet verdt å leve? Skal jeg sitte på siste rad eller snike meg inn på den første? ("Sang om de første radene")

· Er det sant at en sann poet må avslutte livet på tragisk vis? ("Sang om fatale datoer og tall")

· Hva er gåten, og kan den løses i følgende linjer: «Jeg står som foran en evig gåte, foran en stor og fabelaktig verden»? ("Kuppler")

· Er det logisk at "ren sannhet" vil seire hvis den gjør det samme som Lie? Eller skal Sannheten forbli Sannheten, selv om dette fører den til evig avmakt? ("Lignelsen om sannhet og løgn").

Vysotsky henvendte seg ofte til mytologi i sitt arbeid. Noen ganger er diktene hans basert på arketypiske emner. T. Orlovskaya i artikkelen

"Mytologi i Vysotskys poesi" siterer som et eksempel toposene til "Garden", tradisjonell i verdenslitteraturen, som en analogi av Eden, fra Vysotskys sang

"Paradise-epler". Her beskrives sjelens oppstigning til himmelen gjennom å overvinne det jordiske utad tradisjonelt. Men motivet om personlig frihet er flettet inn i den mytologiske handlingen. Dette fører til fornektelse, for det første, av ufrihet som et reelt faktum, og for det andre, av frihet som en verbal erklæring. Dermed viser Vysotsky illusjonen om å forstå frihet. De. paradis her vises ikke som Eden, men snarere som et fengsel, frigjøring fra hvilket er frigjøring fra en ond sirkel formet av mytologisk bevissthet. Det viser seg at paradis er en illusjon av frihet, et forsøk på å unnslippe ansvar til høyere makter. Spørsmålet oppstår, hvem er fri da? Frihet er en åndelig aktivitet, derfor er menneskene knyttet til denne aktiviteten - poeter og filosofer - virkelig frie.

I tillegg til mytologiske bilder inneholder Vysotskys sanger religiøse motiver og kirketerminologi, som avslører hans åndelige søken. Et slående eksempel er sangen "Domes", der de mytologiske fuglene Sirin, Gamayun og Alkonost kombinerer det fabelaktige og religiøse motivet paradis. Denne sangen avslører den indre verdenen til den lyriske helten - en samtid av Vysotsky, hvis hjemland sammenlignes med paradis. Men paradiset her er ikke det kanoniske bildet av Edens hage, men det "fortryllede" Russland, hvor det på den ene siden er et "stort land", og på den andre siden en "søvnig makt".

Mange av Vysotskys sanger inneholder patriotiske motiver og stilisering av russiske episke sanger. En av disse sangene som avslører kjærlighet til hjemlandet er "Like Mother Volga...". Dette inkluderer også hans "eventyr"-sanger, der karakterene - havfruer, nisser, brownies - er tradisjonelle bilder av russisk folklore.

I tillegg til kjærlighet til hjemlandet, er det verdt å nevne separat om kjærlighet til mennesker, som også høres ut i Vysotskys tekster. Poeten selv innrømmet at målet for kunsten for ham er humanisme. I P. Gumerovs bok "Vladimir Vysotsky: tragedien til den russiske sjelen" er det en uttalelse om at av alle de talentfulle russiske dikterne, Pushkin, Yesenin og Vysotsky fortjente den største nasjonale takknemlighet og kjærlighet. Hvorfor dem? Fordi de var nærmest folkets problemer.

Ved å oppsummere kapittelet merker jeg nok en gang at Vysotsky er en sannhetssøkende poet. Han kjempet mot illusjoner og prøvde å vise livet vårt slik det er. I sine poetiske tekster stiller han retoriske spørsmål av filosofisk karakter som fikk ham til å tenke, uten å prøve å lære noen. Vysotsky bruker i sin poesi ulike motiver som bidrar til å avsløre den filosofiske underteksten til tekstene hans.

2. Dominerende filosofiske motiver i Vysotskys sangtekster

2.1 Motiv for vitalitet

Det første filosofiske motivet som jeg ønsker å vurdere i verkene til V. Vysotsky er motivet for vitalitet. Et av diktene det spores i? "Hvit stillhet" I dette verket så jeg to betydninger – filosofisk (om vitalitet) og kreativ.

Hvis vi vurderer det første laget av diktet, vil temaet være manifestasjonen av utholdenhet, mot og styrke under vanskelige livsforhold, og at utholdenhet har sin belønning: en persons karakter styrkes gjennom vanskeligheter.

Ved å analysere diktet kan man allerede i begynnelsen legge merke til en viss generalisering, som uttrykkes av pronomenene "alt" og "alt". Tid er generalisert "alle år, og århundrer, og epoker på rad", dvs. alltid og "alt strever etter varme"

– alt er i live, en slik generalisering understreker allerede den tidløse relevansen og dermed den filosofiske orienteringen. Det er verdt å merke seg at generaliseringen av tid skjer fra mindre til større - første år, deretter århundre og deretter epoke - som gir spesiell styrke og betydning.

Deretter kommer det retoriske spørsmålet: "Hvorfor flyr disse fuglene mot nord, hvis det er meningen at fugler bare skal fly mot sør?" Her brukes en antitese: nord (kaldt) er i motsetning til sør (varmt). Det er også tydelig fra spørsmålet at fuglene ser ut til å bryte en eller annen regel, og gjør noe de «ikke skal gjøre». Dessuten "krenker" de det ikke til deres fordel, fordi "alt levende streber etter varme." Det vil si at disse fuglene motstår elementene.

Den neste delen er et refreng som et slags forsøk på å gi et svar på spørsmålet som stilles. Fugler prøver å motstå elementene ikke for å finne "herlighet og storhet", men for å finne indre "fugl"-lykke. Det er verdt å merke seg at fugler er et symbol på frihet.

Deretter gis en skjult sammenligning mellom fugler og mennesker, som i likhet med fuglene legger ut på en reise til Norden, d.v.s. til kulden. Det er to retoriske spørsmål her: "Hvorfor kunne vi ikke leve, hvorfor kunne vi ikke sove?"

"Hva drev oss på en høy bølge?", som korrelerer med det forrige spørsmålet: "Hvorfor flyr disse fuglene nordover?"

Dette etterfølges av svaret på spørsmålene som stilles: Målet er å se nordlyset. Utstråling er et symbol på harmoni, oppnåelse av et fastsatt mål, noe sjeldent ("Dette skjer sjelden - utstråling har en pris"). Men fra setningen "Vi har ikke hatt en sjanse til å observere utstrålingen ennå," er det klart at målet ennå ikke er oppnådd.

I neste strofe er nøkkelordene «stillhet», «tomhet», «stillhet», som kontrasteres med «lyd» (antiteseteknikk). Men "lyden" vil bare være foran, dvs. han er også målet, «belønningen for stillhet». Tittelen på diktet avsløres her.

"Silence" er en test av stillhet, belønningen for dette er videre lyd, og "hvit" - fordi det er nordlig, snødekt, kaldt.

Når vi analyserer diktet videre, møter vi igjen en antitese: fargene hvitt er kontrasterende - som noe kaldt, snødekt ("hvite drømmer", alle andre nyanser av snø er hentet inn," "mørkt fra en slik hvithet") og svart ("" vi vil se lyset fra den svarte jordstripen "). Det er verdt å merke seg at i denne strofen (som i hele diktet) er det mye mer hvitt enn svart, og også at den svarte fargen her ikke bærer noe negativt, det er denne fargen den lyriske helten lengter etter å se. Svart er ikke fargen på "nåtiden", men fargen på formål, håp, en "svart jordstripe" bør dukke opp i fremtiden. Kontrasten oppstår også på nivået av verbene "vi ble blindet (fortid) - vi så klart (fremtid)", mens det også er nødvendig å ta hensyn til kategorien tid.

I neste strofe er sammenligningen «et langt liv uten løgner» som «snø uten skitt», dvs. noe rent og lyst. Det er bemerkelsesverdig at her (nesten på slutten av diktet) også nevnes fugler, men hvis leseren i begynnelsen ikke vet hva slags fugler det er, så snakker vi her allerede om kråker. Fugler er et symbol på frihet, vilje, og kråker er et symbol på feighet (det har allerede en negativ konnotasjon). Dermed er det en kontrast her mellom fugler som symboler.

Den siste strofen oppsummerer det: den som hadde tro (“som ikke trodde på dårlige profetier”) og utholdenhet (“han la seg ikke et øyeblikk i snøen”) vil finne noen som belønning og vil ikke lenger være ensom .

I dette diktet kan ett lag til avsløres, hvis tema vil være å overvinne hindringene knyttet til poetisk kreativitet.

Ser vi på dette diktet fra denne vinkelen, kan vi si følgende: de første linjene "Alle årene, og århundrene og epoker på rad - //Alt streber etter varme fra frost og snøstorm..." - kan forstås som ønsket fra de fleste forfattere om godkjenning av leserne og sensur. Deretter kan følgende linjer i denne strofen: "Hvorfor flyr disse fuglene mot nord, // hvis det er meningen at fugler bare skal fly til sør?" - tolkes som et forsøk på å gå mot det generelle systemet. Ved å bruke disse linjene på forfatterens biografi, kan det bemerkes at Vysotsky ikke ble akseptert og forstått av alle, men han prøvde ikke å glede leserne i poesien sin, han var ærlig og sannferdig, til tross for angrepene mot ham. Her, under det retoriske spørsmålet, er det en skjult mening: "Hvorfor søke sannheten hvis du kan si det samfunnet vil høre?" Men dikteren er ikke ute etter "herlighet og storhet"; det som er viktig for ham er "snø uten skitt", dvs. på et stykke papir skal det bare være ord som gjenspeiler sannheten. Epitetet "dristig" har en spesiell betydning, og understreker ideen om at det å snakke sannhet krever mot.

I denne tolkningen er det verdt å nevne separat om fargeantitesen. Da er det ingen tilfeldighet at "svart" beskrives med en positiv konnotasjon. Jeg gjentar at svart er fargen på målet, det er dette som skal stå på papiret. Og selve navnet "hvit stillhet" er et blankt ark.

I dette tilfellet vil ordene: "Vi har blitt blinde - det er mørkt av en slik hvithet, - // Men vi vil se fra jordens svarte stripe..." være nøkkelen til å forstå denne betydningen - det er tross alt mørkt fra "hvitheten" i papiret, men fra den "svarte stripen" av det som er skrevet, vil det bli åpenbart for oss at noe nytt.

For å oppsummere kan det bemerkes at det ikke er tilfeldig at motivet for å overvinne hindringer, motivet for utholdenhet, krysser i ett dikt med et kreativt motiv - dette er en refleksjon av biografien til dikteren selv. Vysotsky søkte alltid å finne sannheten i arbeidet sitt, og til tross for at ikke alle likte det, fortsatte han å følge sin vei og overvant alle hindringer.

2.2 Dødsmotiv

Ofte er det i Vysotskys poetiske verk et dødsmotiv, som avsløres tvetydig. For å spore utviklingen av dette motivet i poesien hans, er det nødvendig å vende seg til analysen av slike dikt som "Fasicky Horses", "Merry Mortuary" og "Monument."

Diktet "Finicky Horses" er et av de mest uttrykksfulle filosofiske motiver. Temaet er følelsen av å nærme seg døden og kjærlighet til livet til den lyriske helten.

Diktet bruker symbolikk: hester er et symbol på tid, en klippe er slutten på livet. Den lyriske helten, som innser at hans siste time er rett rundt hjørnet, klamrer seg til livet med all sin styrke, snur seg til tiden med en forespørsel om å stoppe, mens han innser at han selv fremskynder den skjebnesvangre timen. Etter å ha studert livet til forfatteren selv, kan vi si at diktet gjenspeiler selvbiografiske trekk. Vysotsky selv "drev hestene" av tiden med intenst arbeid, så vel som økt følelsesmessig stress, og nærmet seg "kanten av en klippe." Denne ideen gjenspeiles allerede i diktets første strofe. Allerede i begynnelsen av diktet setter epitetet "katastrofe" en dyster tone, som forsterkes av repetisjonen av verbet "Jeg er tapt."

Men hvis den lyriske helten i den første strofen selv "pisker hestene", så ber han dem allerede i refrenget, som uttrykker hovedideen, om ikke å skynde seg. Ordene "Jeg hadde ikke engang tid til å leve, jeg hadde ikke tid til å synge ferdig" understreker ikke bare fysisk død, men også slutten på hans kreative vei.

Videre i diktet forsterkes tragedien med ordene «Jeg vil gå til grunne», der det ikke lenger er et hint, men et utsagn. Metaforen «en orkan vil feie meg bort fra håndflaten på en fjær» uttrykker billedlig betydningen av menneskeliv, skjør som en fjær, før døden, kraftig som en orkan.

Diktet bruker religiøs terminologi assosiert med dødsmotivet: Gud, engler, gjennom hvilken den lyriske helten uttrykker sin triste idé om den andre verden, fordi englene ser ut til ham med "onde stemmer", og "klokken begynte å ring med hulk.»

I siste refreng ber den lyriske helten ikke bare om å forlenge livets vei, her blir appellen styrket av en bønn: "Jeg ber deg om ikke å fly."

Fra første til siste linje i diktet kan du spore spenningsøkningen. Til å begynne med føler den lyriske helten "med katastrofal glede" sin forestående død, men innser ennå ikke all tragedien. Det neste trinnet er bevisstheten om dødens uunngåelige. Og til slutt, følelsen av å være der allerede, «besøke Gud».

I dette diktet klarte Vysotsky å avsløre det filosofiske temaet for tragedien om skjebnen som er uunngåelig.

Diktet "Merry Pokoynitskaya" inneholder også dødsmotivet. Men her vises døden annerledes. Hvis «Finicky Horses» er mer hysterisk, tragisk, her føler man avvisningen av døden og ønsket om livet, så føler man her ydmykhet foran skjebnens uunngåelige.

Diktet "The Cheerful Pokoinitskaya" er skrevet i en leken form med et humoristisk preg. Men betydningen av sangen inkluderer et filosofisk spørsmål. Temaet for dette diktet er bevisstheten om den menneskelige naturens svakhet, og også at menneskelivet er "ingenting" sammenlignet med døden, som ingen kan unnslippe.

Selve navnet inneholder en oksymoron der det er en avsakralisering av kulturelle tradisjoner knyttet til begravelsesritualet. Leseren, som berører temaet død, er vanligvis i et trist, elegisk humør, men her gis tilnavnet "munter" sang. Denne teknikken vekker allerede motstridende følelser hos leseren.

Diktet er skrevet i et enkelt språk – forfatteren bruker bevisst en lavere stil. Dette legges også til rette ved bruk av dagligdagse uttrykk, som «du går rundt og drikker vin», «en tidligere sjef og en hemmelig røver», «naturkreftene bryr seg ikke om tale» osv. Altså, døden presenteres som noe vanlig, hverdagslig, naturlig.

Hovedteknikken som avslører betydningen av et dikt er antitese. Den døde står i kontrast til levende mennesker. Gjennom denne teknikken vises satire over menneskelige svakheter. Hykleriets last blir avslørt

"De innleide kvinnene gråt gjennom tennene, // Diakonen - og han traff ikke toppnoten,

// Kobberrør var høylytt ustemte...” Her er ikke bare diakonen og de innleide kvinnene som utfører sitt «arbeid» «falske», men også den livløse gjenstanden «kobberrør».

Den neste strofen fortsetter å utforske temaet uoppriktighet:

"Den tidligere sjefen - og hemmelige røver - // kysset pannen hans og spyttet med avsky, // Alle kysset ham, - men den ydmyke døde mannen // Har aldri kysset noen ..." Det vil si at den avdøde ikke trenger å observere, på en fariseisk måte, ytre tradisjoner som de levende er tvunget til å adlyde.

Teksten avslører spørsmålet om menneskelig avhengighet av naturlige og materielle omstendigheter, som kommer til uttrykk i ordene:

"Men torden slo - ingenting kan gjøres, // Naturkreftene bryr seg ikke om tale,"

// Alle løp under platene og takene...", og også: "Det kan være en separat, eller det kan være en felles - // Boligspørsmålet tar ikke de døde...".

I diktet, sammen med dagligdagse vokabular, brukes også kirketerminologi. Teksten inneholder følgende ord: kiste, diakon, avdøde, Gud. Sublimt og muntlig vokabular sameksisterer organisk i diktet, og skaper absurditeten ved å kombinere det hellige og det hverdagslige.

For å oppsummere meningen med diktet kan vi si at det filosofiske motivet her er unyttigheten i menneskelig hverdagsforfengelighet. Uansett hvor mye en person skynder seg for å gjøre alt, uansett hvor mye han oppnår i livet, før døden vil alle være like - "Uansett hvor mye du skynder deg, det kommer foran deg // En selvklebende etikett, som et merke på pannen...". Derfor er det verdt å stille spørsmålet: hvordan skal man fortsatt leve, forfølge materielle verdier og ha en fariseisk holdning til den åndelige verden, eller er det viktigere å ta hensyn til sin åndelige utvikling?

Nok et dikt der Vysotsky tar for seg dødsmotivet

- "Monument", som ikke bare lyder temaet ydmykhet før dødens uunngåelighet, det inneholder et forsøk på å forestille seg selv fysisk død, men det er også et trøstende håp om liv i minnet til etterkommere. Dermed blir temaet død og udødelighet avslørt i diktet.

"Monument" avslører temaet om uunngåelig fysisk død. Men ved å dø fysisk, kan du sette et merke på deg selv, takket være at en person forblir i live i hjertene til sine etterkommere.

Dette diktet kan sammenlignes med diktet med samme navn av A.S. Pushkin, som avslører samme tema. Men hvis dødstemaet i Pushkin presenteres i fremtidig tid, så avsløres dødsmotivet i Vysotsky i nåtid, og skaper dermed større spenning.

Diktet begynner så å si med en bakhistorie om hvordan den lyriske helten «var i løpet av sin levetid». Pronomenet "jeg", som hele den poetiske teksten begynner med, er i en sterk posisjon, derfor fanger det umiddelbart øyet i kombinasjon med datidens verb "var". Et forsøk på å forestille seg ens fysiske og mentale tilstand etter å ha gått bort er gjengitt i første person - dette er et trekk ved denne teksten. En person kan bare observere døden fra utsiden og gjøre gjetninger om hva som skjer i den andre verdenen, men folk har ikke en tendens til å forestille seg tilstanden deres, langt mindre prøver å uttrykke den, finne seg selv på den andre siden av livet.

Teksten avslører motsetningen til liv og død ved å bruke eksemplet på en persons fysiske forandring: "i løpet av mitt liv var jeg høy Og slank...", så etter døden: " halt meg og bøyd».

Sammenligningen av den lyriske helten med den eldgamle helten Akilles er slående. En slik sammenligning gir for det første mer betydning til kvalitetene til den lyriske helten, som mot og frekkhet, fordi Bildet av Achilles er et slags symbol på mot, og sammenligninger med denne helten må gjøres fortjent. For det andre indikerer referansen til det gamle plottet med "akilleshælen" at selv en halvgud ikke kunne jukse fysisk død. Dermed forsterkes følelsen av dødens uunngåelighet.

Ordforråd spiller en spesiell rolle i dette diktet. Bruken av "metalliske" epitet, som " granitt kjøtt", " jern rammeribber", "fanget av et lag sement”, hjelper fantasien til å gjenskape all håpløsheten: hvor «sterk» døden er på det fysiske nivået, og at det etter døden ikke er noe håp om oppstandelse: «Jeg kan ikke riste av meg granittkjøttet // Og jeg kan' ikke trekke denne akilleshælen ut av pidestallen...”.

Komposisjonen av diktet er bygget i skjæringspunktet mellom strofer som forteller om fortiden, da den lyriske helten levde, og nåtiden, som forteller om døden. I strofene om fortiden "husker" den lyriske helten at han ikke tenkte på døden:

Jeg så ikke for meg dette, jeg drømte ikke om det, og jeg tenkte at jeg ikke var i fare for å finne meg selv død.

Strofene «nåtid» og «fortid» krysser seg ikke bare, men er også motstridende. Døden ga den lyriske helten ydmykhet og lydighet:

Men jeg ble tvunget inn i de vanlige rammene - De drev meg inn i et veddemål,

Og den skråstilte, ujevne fatningen - Rettet ut..."

Her er "rammeverk" et symbol på ydmykhet (uttrykket "hold deg innenfor grenser"). Et annet tegn på ydmykhet er det "tannløse smilet", som kan kontrasteres med "gliset" som finnes i mange av Vysotskys poetiske tekster. Følgelig kan den lyriske helten nå ikke "snurre" og har blitt "trygg" og lydig.

Setningen "Og da jeg tok den og døde, // Dødsmasken ble raskt fjernet fra meg ..." er bemerkelsesverdig. Det er verdt å si at masken er et symbol på lek, unaturlighet. I denne sammenhengen har setningen, i tillegg til dens direkte betydning, også en overført betydning: hvis hver person i løpet av livet må ta på seg en eller annen rollemaske, så frigjør døden oss fra alle «roller».

I tillegg til kontrasten mellom fysisk liv og død, inneholder teksten også en kontrast mellom fysisk død og åndelig liv. På slutten av diktet er det linjene: "Fra de revne hornene, likevel // jeg kvekket, ser det ut til: "I live!". Hans "stemme revet av fortvilelse ... fra magnetiserte bånd" er det "mirakuløse monumentet" til den lyriske helten. De. den lyriske helten er i live fordi han er i minnet til sin samtid og etterkommere, takket være hans kreative bidrag til kulturlivet i landet.

Avsluttende analysen av dette diktet kan vi trekke hovedkonklusjonen at når vi avslører det filosofiske motivet til døden, berører det for det første temaet kontrast mellom liv og død som et fysisk fenomen, og for det andre ideen om muligheten for å fortsette livet i minnet til andre mennesker når fysisk oppstandelse er umulig etter døden.

For å oppsummere kan det bemerkes at Vysotskys dødsmotiv avsløres fra forskjellige vinkler. Etter å ha analysert de tre diktene, kan vi konkludere med at dikt med samme tema lyder i forskjellige stemninger: "Finicky Horses" er hysterisk, "Merry Pokoinitsa" er ironisk, i "Monument" er det et motiv av ydmykhet. Dødsmotivet i Vysotskys tekster er direkte relatert til det religiøse motivet om tro på Gud.

2.3 Patriotiske motiver

Temaet Russland, den russiske tvetydige karakteren, folkets skjebne er et tverrgående tema i Vysotskys verk. Patriotiske motiver avsløres i diktene "Kuppler", "Som på Mother Volga".

Lignende dokumenter

Motiv som en strukturell og semantisk enhet i den poetiske verden. Hovedmotivene til A.A.s tekster Akhmatova: gjennomgang av kreativitet. Løsningen på de evige problemene med menneskelig eksistens i tekstene til A.A. Akhmatova: motiver av minne, liv og død. Kristne motiver av dikterens tekster.

kursarbeid, lagt til 26.09.2014


Nikolai Gumilyov som grunnleggeren av Acmeism, stedet for hans arbeid i tekstene til sølvalderen. Grunnleggende prinsipper for akmeisme. Motiver og bilder i tekster. Poetens lyriske helt og hans spesielle energi. Den poetiske verdenens maleriske, særegenhetene til rytme og ordforråd.

test, lagt til 29.11.2015


Spesifisitet av kunstnerisk tale. Teknikken for å kontrastere antonyme pronominale par. Typer av personlige pronomen og deres hovedfunksjoner. Antonymi av par av pronomen. Hovedtrekkene ved bruken av par med pronominale antonymer i tekstene til V.S. Vysotsky.

kursarbeid, lagt til 25.12.2016


Rikdommen i det kunstneriske innholdet i Pushkins tekster er enorm, uforståelig, uuttømmelig. Filosofiske tekster av Pushkin. De høyeste filosofiske verdiene for en poet. For Pushkin er havet et symbol på frihet, kraften til de elementære naturkreftene, uavhengig av menneskelig vilje.

rapport, lagt til 01.05.2009


Vysotskys sanger om krig. Bildet av en patriotisk kriger. Memoarer fra faren til poeten S. V. Vysotsky. I V. Vysotskys mangefasetterte kreativitet inntar dikt om krig en viktig plass. Moralsk maksimalisme er Visotskys holdning til mennesker, men fremfor alt til seg selv.

artikkel, lagt til 20.09.2008


Forfatters sang i den litterære prosessen i andre halvdel av 1900-tallet. Stadier av dannelsen av en forfatters sang og rollen til Vladimir Vysotskys poesi i dannelsen. Den lyriske helten i Vysotskys poesi. Dannelse av et humanistisk konsept i verk om krig.

kursarbeid, lagt til 17.09.2009


Den kreative utviklingen av A. Akhmatova i poesiens verden. Studerer arbeidet hennes innen kjærlighetstekster. En oversikt over inspirasjonskilder for poetinnen. Troskap til temaet kjærlighet i Akhmatovas arbeid på 20- og 30-tallet. Analyse av uttalelsene fra litteraturkritikere om tekstene hennes.

sammendrag, lagt til 02.05.2014


Boris Pasternak - eventyrlige lyriske teknikker og metaforisk versrikdom. Temaet natur og menneske i dikterens tekster, ledende bilder og motiver som er relevante for ulike perioder av hans verk. Den første diktsamlingen "Tvilling i skyene": temaer og bilder.

avhandling, lagt til 24.04.2009


Eksempler på antiteser i russisk poesi. Generelle semantiske komponenter i betydningen av antonymord. Beskrivelse av de vanligste situasjonene med motsetning mellom kjærlighet og kreativitet i dikterens dikt. Funksjoner av synonymer, måter å implementere dem på i tekstene til M.I. Tsvetaeva.

abstrakt, lagt til 25.09.2016


Kjennetegn ved det naturfilosofiske verdensbildesystemet til F.I. Tyutcheva. Årsakene til uenigheten mellom menneske og natur i tekstene til F.I. Tyutchev, tragiske konflikter om den åndelige eksistensen til det moderne mennesket. Bruken av bibelske motiver i Tyutchevs verk.