Evgenia Obraztsova urodziła się 18 stycznia 1984 roku w Leningradzie w rodzinie tancerzy baletowych. Wybór zawodu, początkowo oczywiście dokonany przez rodziców, był z góry określony przez niepokój i energię w połączeniu z doskonałymi danymi dziewczyny i oczywistym kunsztem. Co więcej, od tego czasu świat baletu był znajomy i znany Evgenii wczesne dzieciństwo. Przewiązany szarfą ze stroju baletowego (w W przeciwnym razie dziecko z pewnością znalazłoby się na scenie, wśród uczestników akcji), dokonała przeglądu całego repertuaru klasycznego. Jednak zanim trzeba było dokonać wyboru, Żenia poważnie zainteresowała się teatrem dramatycznym. Miłość ta, która okazała się miłością życia, niemal pozbawiła świat baletnicy Evgenii Obrazcowej, ale mimo to balet swoją jednością teatru i muzyki, pięknem stylu i niepowtarzalną atmosferą przechylił szalę na swoją korzyść strona. Filharmonia w Petersburgu również odegrała znaczącą rolę w tym zwycięstwie tańca, pierwszym spotkaniu, które Evgenia zapamiętała do końca życia. Dyrygował Jewgienij Swietłanow – a jego sztuka tego wieczoru nauczyła Obrazcową słuchać i doceniać muzykę. Filharmonia włączona długie lata stał się jej trzecim domem, miejscem, do którego przychodziła każdego wieczoru po zajęciach w Akademii Baletu Rosyjskiego. A. Tak, Vaganova.
Lata spędzone w ARB to spotkania z kilkoma nauczycielami, którzy grali ważna rola w kształtowaniu stylu i charakteru baletnicy. Klasa, w której uczyła się Evgeniya, w inny czas znalazła się pod okiem L.N. Sofronowej, I.B. Zubkowskiej i M.A. Wasiljewej - i każda z nich wniosła coś własnego, co ostatecznie ukształtowało indywidualność młodej baletnicy. L. N. Sofronova, jedna z ostatnich uczennic Waganowej, zaszczepiła dziewczętom zasady i wyczucie stylu petersburskiego, I. B. Zubkowska nauczyła wewnętrznej siły i prawdziwej śmiałości baletnicy, M. A. Wasilijewa bardzo doświadczony nauczyciel, pomogło usystematyzować zdobytą wiedzę i dodało mi pewności siebie. Nie sposób nie wspomnieć o N. I. Tagunowie, pochodzącym ze szkoły moskiewskiej, który dzięki najsurowszej dyscyplinie uzyskał od swoich uczniów nienagannie czystą technikę tańca. Evgenia do dziś współpracuje z nauczycielem aktorstwa ARB A. A. Stepinem, chętnie zwracając się do niego o pomoc w przygotowaniu nowych ról.
W 2002 roku Evgenia ukończyła ARB i została przyjęta do jednego z nich najlepsze trupyświat - trupa Teatr Maryjski. Nawet w szkole Evgenia pojawiła się na scenie więcej niż raz, ale twórcza biografia solisty Teatru Maryjskiego Evgenii Obraztsovej sięga kilku ważne wydarzenia w życiu baletnicy, co wydarzyło się w sezonie 2002-2003. Po pierwsze, już w pierwszym roku pracy w teatrze została zaproszona do udziału w tournée po Teatrze Maryjskim w Paryżu. Po drugie, na prośbę dyrekcji teatru Ninel Aleksandrovna Kurgapkina objęła patronatem młodą baletnicę, genialna baletnica i nauczyciel od Boga. Strażniczka stylu petersburskiego Ninel Aleksandrowna przygotowała wraz z Evgenią role Shirin, Aurory, La Sylphide, Marii, Giselle, Kitri i wielu innych. Ale to wszystko było później, a tymczasem wydarzyło się trzecie, fatalne wydarzenie pierwszego sezonu pracy w Teatrze Maryjskim - debiut w sztuce Leonida Ławrowskiego „Romeo i Julia”. Evgenia przez sześć miesięcy przygotowywała rolę Julii, wciąż jednej z najbardziej ukochanych w repertuarze baletnicy, wraz ze swoim nauczycielem i przy pomocy nauczyciela aktorstwa ARB A. A. Stepina.
Rok 2004 rozpoczął się dla Evgenii drugą znaczącą rolą w rodzimym teatrze. Stała się tą, którą wielu teraz uważa wizytówka baletnice Evgenia i Ninel Alexandrovna przygotowały Sylfidę z udziałem S. Bereżnego, strażnika tradycji tego przedstawienia w Teatrze Maryjskim. Przygotowania do tej roli były bardzo żmudne, Evgenia i jej nauczyciele starali się, aby ta Sylfida była przykładem stylu petersburskiego. 
Ogólnie rzecz biorąc, miasto nad Newą wiele znaczy dla aktorki Obrazcowej. Nie bez powodu Petipa stworzył swoje słynne, półprzezroczyste zejście cieni w Bajaderze, inspirowane właśnie obrazami Sankt Petersburga, miasta przesiąkniętego muzyką, poezją, trochę odległego i zimnego, ale jednego z najbardziej romantycznych miast na świecie. Zwiewność i poezja bohaterek Obrazcowej wywodzi się z jej rodzinnego miasta.
W tym samym roku 2004 stał się rokiem kolejnej bardzo ważnej roli w karierze baletnicy - Shirin w balecie Y. Grigorowicza „Legenda miłości”. Ta gra była jedyną, o którą Ninel Aleksandrowna, która kiedyś otrzymała Shirin z rąk Grigorowicza, poprosiła swojego ucznia. Kurgapkinie bardzo podobała się ta część i wymagał od Evgenii najwyższej precyzji w obserwowaniu szczegółów.
Rok 2005 to kolejny bardzo poważny kamień milowy w karierze baletnicy. Evgenia zwyciężyła złoty medal na Międzynarodowym Konkursie w Moskwie. Przychodząc na zawody osamotniona, nie licząc na niczyje wsparcie, Obraztsova pokonała silnych rywali i wygrała. Medal ten, sformułowany jako cel już po ukończeniu studiów, otworzył Evgenii drogę na arenę międzynarodową. W 2005 roku Evgenia Obraztsova po raz pierwszy została zaproszona na osobistą wycieczkę. Pierwszym doświadczeniem był ówczesny debiutancki „Śpiąca królewna” pod redakcją K. Siergiejewa w USA. W tym samym roku pojawiło się zaproszenie z Opery Rzymskiej i kompleks, bardzo interesująca praca nad „Kopciuszkiem” Carli Fracci. Później w latach 2006 i 2010. Evgenia Obraztsova ponownie została gościnną solistką Opery Rzymskiej (2006 - Margherita w Fauście Luciano Cannito, 2010 - Giselle, poprawiona przez Carlę Fracci). Kontynuując rozmowę o Włoszech, nie możemy nie zauważyć jeszcze dwóch bardzo ważnych wydarzeń związanych z tym krajem w karierze baletnicy. W 2006 roku Evgenia została zaproszona do udziału w słynnym projekcie światowych gwiazd Roberto Bolle i przyjaciół i w ramach tego projektu zadebiutowała na scenie mediolańskiego teatru La Scala, a w 2007 roku po raz pierwszy wystąpiła w słynnym Arena di Verona, gdzie tańczyła na zaproszenie Marii Grace Garofoli. Rok 2005 przyniósł i ciekawe doświadczenie filmowanie - Evgenia próbowała swoich sił przed kamerą w filmie francuskiego reżysera Cedrica Klapischa Les poupees russes (Piękności).
Rok 2006 upłynął pod znakiem całego kalejdoskopu premier. Evgenia po raz pierwszy zatańczyła Marię w „Fontanna Bakczysaraja”, długo oczekiwaną rolę Aurory w „Śpiącej królewnie” i wypróbowała dla siebie zupełnie nową plastyczność, tańcząc Kopciuszka w choreografii Aleksieja Ratmańskiego. Wreszcie rok 2006 to rok premiery „Ondine” Pierre’a Lacotte’a, pierwszego spektaklu wystawionego bezpośrednio we współpracy z baletnicą. 
Znakomita francuska technika, nietypowa dla stylu rosyjskiego, problemy zdrowotne, które znacznie skomplikowały ostatnie próby i premierę – baletnicy udało się to wszystko pokonać tak łatwo i naturalnie, że niemający o niczym pojęcia widz mógł jedynie podziwiać wirtuozerię i zwiewność baletnicy i wraz z bohaterem Leonidem Sarafanovem przeżywają tragiczny koniec. Ta rola przyniosła Obrazcowej główną nagrodę teatralną w kraju - Złotą Maskę.
Rok 2007 dał Evgenii Obraztsovej i jej fanom spotkanie z Giselle. Nie tak często, jak by tego chciała publiczność, Evgenia pojawia się w tej roli, być może głównej roli w repertuarze romantycznym, ale za każdym razem, gdy zmienia się jej bohaterka, jej wewnętrzny świat staje się coraz głębszy, a widzom coraz trudniej jest się w nim odnaleźć. powstrzymuj łzy, przeżywając śmierć bohaterki w pierwszym akcie i później, podziwiając hart ducha jej nieśmiertelnej duszy.
A w 2008 roku - nieoczekiwana dla wielu i jeszcze bardziej radosna - rola Kitri w balecie Don Kichot. Nie często zdarza się, że nawet wesołym bohaterkom baletu udaje się przeżyć lub znaleźć szczęście pod koniec przedstawienia; Kitri jest jednym z nielicznych szczęśliwych wyjątków. Publiczność zobaczyła zupełnie inną aktorkę – zabawną, lekką, ale z silny charakter, klasyczna baletnica petersburska, ale z prawdziwym południowym temperamentem. Wkrótce po premierze Kitri na rodzimej scenie Evgenia otrzymała zaproszenie do tańca w „Don Kichocie” w wersji poprawionej przez Siergieja Wikhariewa z zespołem Tokyo ANB Ballet.
Japoński Don Kichot jest jednym z wielu wspólna praca Obraztsova i Wikharev. Tańczyła w jego wydaniach baletów Flora w Przebudzeniu Flory, Columbine w Karnawale i Aurora w Śpiącej królewnie.
Rok 2009 okazał się dla baletnicy zarówno radosny, jak i bardzo smutny. Tragiczna śmierć N.A. Kurgapkina położyła kres ośmioletniemu związkowi twórczemu, który przedstawił publiczności twórczość baletnicy, oszałamiającą głębią i dokładnością. Ale rok 2009 przyniósł także nowe role, przede wszystkim pierwszy duet w spektaklu „In the Night” Robbinsa oraz rolę Syuimbike w balecie „Shurale” R. Yakobsona, stał się także rokiem początku nowej twórczej współpraca - z nauczycielką Elvirą Tarasową. I kolejne bardzo ważne wydarzenie w życiu baletnicy miało miejsce w 2009 roku. Evgenia tańczyła Aurorę w Śpiącej królewnie - po raz pierwszy jako gościnna solistka na scenie Royal Opera House Covent Garden, gdzie wcześniej tańczyła wiele razy jako część gali i tournée po Teatrze Maryjskim. Pomimo tego, że Aurora od dawna znajduje się w repertuarze Obrazcowej, musiała opanować zarówno nowe wydanie, jak i styl baletu angielskiego, który znacząco różni się od rosyjskiego. Sądząc po recenzjach krytyków i widzów, Evgenia znakomicie poradziła sobie z tym zadaniem, dodając do swojej kolekcji kolejny podbity etap świata.
Wśród zdobytych szczytów nie sposób nie zauważyć sceny Berlińskiej Opery Narodowej, na której Evgenia dwukrotnie występowała jako uczestniczka ambitny projekt Małachow i przyjaciele, a także scena Moskiewskiego Teatru Muzycznego im. Stanisławskiego i Niemirowicza-Danczenki, którego Evgenia jest gościnną solistką od 2010 roku.
Efektem współpracy Obraztsowej z MAMT było w szczególności pierwsze spotkanie baletnicy z twórczością wspaniałego choreografa Jiri Kyliana: na scenie tego teatru Evgenia wykonała część swojego słynnego baletu „Mała śmierć”. Również w 2010 roku na scenie Moskiewskiego Teatru Muzycznego. Stanisławski i Niemirowicz-Danczenko Evgenia tańczyli balet „Giselle” w duecie z jednym ze swoich ulubionych partnerów: paryską Operą Narodową étoile Mathieu Ganiot. Zaproszenie to poprzedził projekt Etoiles Gala au Japon, podczas którego Evgenia po raz pierwszy zatańczyła (w duecie z Ganio) duet z baletu „Romeo i Julia” w inscenizacji K. MacMillana. W ramach tego samego projektu odbyła się premiera baletu Pierre'a Lacotte'a „Trzej muszkieterowie” do muzyki M. Legranda, w którym Evgenia wystąpiła w roli Konstancji. Partnerami Evgenii w przedstawieniu, które do tej pory mogli oglądać jedynie widzowie w Japonii, były takie gwiazdy światowego baletu, jak Mathias Eimann, Benjamin Pesch, Mathieu Ganiot, Alexander Ryabko, Jiri Bubenicek.
Rok 2011 niewątpliwie stał się dla baletnicy rokiem Jeziora Łabędziego. Obraztsova przygotowywała się do tej, prawdopodobnie najważniejszej i najtrudniejszej roli w repertuarze klasycznej baletnicy, przez ponad sześć miesięcy. Premiera odbyła się w kwietniu 2011 roku na scenie Moskiewskiego Teatru Muzycznego. Stanisławskiego i Niemirowicza-Danczenki, w którego repertuarze znajduje się sceniczna wersja Władimira Burmeistera, jedna z najciekawszych, a zarazem trudnych wersji tego baletu. W roli Odette-Odile Evgenia ponownie musiała walczyć z pomysłami na rolę - i wygrała. Jej Odeta, przy całej wzruszającej, kruchej i rozpaczliwej historii, jest postacią królewskiej krwi. Nie władcza, silna przywódczyni, ale delikatny kwiat, który w życiu znał tylko piękno i miłość i został bezlitośnie wyrwany ze swojego świata. Uderzającym kontrastem do tego ucieleśnienia czułości jest zimna, wyrachowana suka Odile. Jej lśniące spojrzenia są jak latanie promienie słoneczne w obojętnym i zimnym lustrze wygląda jak diament, zimny kamień, którego mistrzowski krój zachwyca i którego blask sprawia, że zapomina się, że kamień nie jest w stanie dać ciepła. I wydawało się, że baletnicy nie uda się już wystąpić w finale spektaklu w roli starej Odety. Nie była. Odeta z czwartego aktu to zupełnie inny rodzaj rozpaczy. To nie jest dziewczyna wyrwana ze znanego świata, to kobieta z ze złamanym sercem. W tej Odecie nie ma rozpaczliwych namiętności, jest los. Nie patrzy już na księcia jak na bohatera-wyzwoliciela. Akceptuje go takim, jakim jest. Oboje przeszli próbę lojalności. I trzymała się. I tak zaklęcie pękło. Nie potrzebuje już skrzydeł, zastępuje je miłość. Zmiana masek – między Odettą i Odylą oraz w obrębie wizerunku Odylii była po prostu niesamowita i być może głównym osiągnięciem aktorskim tego przedstawienia. Evgenia udało się osiągnąć to, co niewielu ludzi: stworzyła zupełnie inne obrazy i nie można z całą pewnością stwierdzić, który z nich jest bliższy pozornie oczywistej roli baletnicy.
Na scenie MAMT odbyła się także kolejna ważna premiera baletnicy w 2011 roku. Evgenia z radością kontynuowała wieloletnią współpracę z francuskim choreografem Pierrem Lacotte: w grudniu 2011 roku Obraztsova tańczyła podczas rosyjskiej premiery swojej wersji baletu La Sylphide. Francuskie „La Sylphide” jest oczywiście krewnym duńskiego „La Sylphide”, ale ogólnie rzecz biorąc, krewny jest dość odległy. Muzyka, tekst choreograficzny, a nawet wizerunek lotniczki w tym balecie są zupełnie inne. Francuska Sylfida to prawdziwa femme fatale, magiczna istota, za której delikatnym uśmiechem kryją się poważne namiętności. Te namiętności ostatecznie palą zarówno ją, jak i jej nieszczęsnego kochanka (partnerem Evgenii na premierze był Thiago Bordin z Baletu Hamburskiego), ale wcześniej udaje jej się utkać dla widza niesamowitą koronkę małych kroków, charakterystyczną dla francuskiego stylu tańca.
W październiku 2011 roku Evgenia Obraztsova po raz pierwszy próbowała roli baletnicy. Teatr Bolszoj, tańcząc na jego scenie jako gościnna baletnica. Na debiut wybrano rolę w chyba najbardziej moskiewskim balecie z repertuaru BT – Kitri. Bazylią Evgenii został solista Teatru Bolszoj Vladislav Lantratov.
Wreszcie w 2011 roku Obraztsova po raz pierwszy spróbowała swoich sił w gatunku programu telewizyjnego, biorąc udział w projekcie Channel 1 „Bolero”, który zrzeszał baletnice i łyżwiarzy figurowych. Partnerem Evgenii był słynny łyżwiarz figurowy Maxim Stavissky. Pomimo całej dwuznaczności projektu, okazał się on jednak przydatnym eksperymentem i dał baletnicy nowe koło komunikacja i nowi fani.
Pomimo tego, że rok 2012 dopiero się rozpoczął, już można go nazwać jednym z najważniejszych w karierze baletnicy. Od stycznia 2012 roku Evgenia Obraztsova jest primabaleriną Teatru Bolszoj. W ramach tego statusu tańczyła już Aurorę w Śpiącej królewnie (pod red. J. Grigorowicza), debiutowała rolą Anyuty w balecie pod tym samym tytułem oraz tańczyła Sylfidę (pod red. J. Kobborga).
Przed publicznością jeszcze wiele wspaniałych ról, nieoczekiwanych obrazów i prezentów.
Balerina nie stara się ograniczać do wąskiej roli, słuchać stereotypów i kierować się konserwatywnymi nawykami. Najważniejsze dla aktorki jest żyć i odgrywać rolę tak, aby widz wierzył w to, co widzi na scenie. Wśród bohaterek Obrazcowej są zarówno kobiety o silnej woli, jak i baśniowe, naiwne postacie, nie są one jednakowe. Dziś – wzruszająca Sylfida, jutro graficzny Terpsichore, pojutrze – figlarna Kitri, w jednym spektaklu zmieniająca się z dziewczynki w wielką damę – wszystkie te obrazy są od siebie tak odległe. Ale jeśli baletnica – aktorka – przekonuje w tych odległych od siebie historiach, czy nie jest to dowód na to, że rola nie jest stereotypem, ale rolami, które się czuje, którymi się żyje, które można przekazać widzowi?
Tekst Mayi Farafonowej
Evgenia Obraztsova urodziła się 18 stycznia 1984 roku w Petersburgu. Rodzice dziewczynki byli tancerzami baletowymi i oczywiście Żeńka od wczesnego dzieciństwa spędzała dużo czasu w teatrze. Oprócz baletu pociągał ją teatr dramatyczny, ale nadal wstąpił do Akademii Baletu Rosyjskiego Vaganova. Nauczycielami Obrazcowej byli Ludmiła Safonowa, Inna Zubkowska i Marina Wasiljewa.
Po ukończeniu Akademii w 2002 roku Evgenia została przyjęta do trupy Teatru Maryjskiego. Młoda artystka znalazła się pod kierunkiem Ninel Kurgapkiny i już w pierwszym sezonie wykonała główną rolę kobiecą w balecie „Romeo i Julia”, a także wzięła udział w paryskim tournée teatru. W 2004 roku Obraztsova zadebiutowała w baletach La Sylphide i The Legend of Love.
W Następny rok Obraztsova brała udział w Moskiewskim Konkursie Tancerzy i Choreografów Baletowych, gdzie zdobyła I nagrodę w swojej kategorii. Następnie koncertowała z teatrem w USA i Włoszech. W Ameryce Evgenia pełniła rolę Śpiącej Królewny oraz w Rzymie Opera Część Kopciuszka. Później pojawiała się na scenach więcej niż raz Teatry włoskie, w tym słynna La Scala.
W 2005 roku zagrała baletnicę i narzeczoną jednego z bohaterów francuskiego filmu Pretty Women. Następnie tańczyła role solowe w „Kopciuszku” i „Śpiącej królewnie” na scenie Teatru Maryjskiego. W tym samym roku francuski choreograf Pierre Lacotte wystawił Ondine, która przyniosła jej Złotą Maskę. Rok później wystąpiła w roli Giselle, a rok później Kitri w Don Kichocie, z którym odbyła tournée po Japonii. W 2009 roku, po śmierci Nineli Kurgapkiny, nauczycielką Evgenii została Elvira Tarasova.
Zadebiutowała w Covent Garden Theatre w Londynie rolą Aurory ze Śpiącej królewny. Od 2010 roku przez pewien czas była gościnną solistką Moskiewskiego Akademika Teatr Muzyczny, gdzie odbywała próby pod kierunkiem Margarity Drozdovej, współpraca ta została gwałtownie przerwana natychmiast po przyjęciu przez baletnicę zaproszenia do występu w Teatrze Bolszoj.
Od 2012 roku Obraztsova jest primabaleriną Teatru Bolszoj pod kierunkiem Ludmiły Semenyaki. W tym samym roku studiowała pod kierunkiem Nadieżdy Graczowej, a później rozpoczęła próby pod okiem Swietłany Adyrkhajewej.
Evgenia Obraztsova zadebiutowała w Paryskiej Operze Narodowej, wykonując tytułową rolę w balecie La Sylphide oraz wykonała tytułową rolę w balecie Romeo i Julia z Royal Ballet Covent Garden. W następnym roku zadebiutowała jako Nikiya w balecie Bajadera z Królewskim Baletem Duńskim w Kopenhadze. Wykonywała rolę Klary w balecie „Dziadek do orzechów” z zespołem Tokyo Ballet hala koncertowa Tokio Bunka Kaikan.
W 2015 roku Evgenia wykonała rolę Tatiany w balecie Oniegin do muzyki Piotra Czajkowskiego z Baletem Stuttgarskim. Wystąpiła także jako Odette-Odile w balecie Jezioro Łabędzie z Royal Ballet Covent Garden. Występowała jako Julia w balecie Romeo i Julia z American Ballet Theatre.
Rok 2016 był w życiu artystki bogaty w wydarzenia niezwiązane bezpośrednio ze występami scenicznymi. I tak w Moskwie i Sankt Petersburgu odbyła się wystawa zdjęć słynnego fotoreportera Wiktora Goryaczowa „Galatea”, poświęcony Eugenii Obraztsova, który prezentuje około trzydziestu prac poświęconych baletnicy.
W tym samym roku otrzymała długo oczekiwany przez fanów tytuł i została Honorową Artystką Rosji. I wreszcie w 2016 roku wydarzyło się jedno z najważniejszych wydarzeń w życiu Evgenii: ona i jej mąż, rzeźbiarz Andriej Korobcow, zostali rodzicami dwóch dziewcząt.
W 2017 roku, zaledwie sześć miesięcy po urodzeniu córek, Evgenia wróciła na scenę Teatru Bolszoj w jednej ze swoich ulubionych ról, roli Shirin z baletu „Legenda miłości” Jurija Grigorowicza. W tym roku do kolekcji ról baletnicy dołączyła kolejna premiera, nieoczekiwana i bardzo jasna: podczas trasy koncertowej po Japonii Evgenia Obraztsova po raz pierwszy wykonała rolę Joanny w balecie Aleksieja Ratmańskiego „Płomienie Paryża”. Uzupełniono także zbiór wydań głównego baletu klasycznego: podczas osobistej trasy koncertowej po Australii baletnica tańczyła Odette i Odile w Swan Lake w wersji poprawionej przez Bena Stevensona.
Od stycznia 2019 roku baletnica nie stara się ograniczać do wąskiej roli ani słuchać stereotypów. Najważniejsze dla aktorki jest żyć i odgrywać rolę tak, aby widz wierzył w to, co widzi na scenie. Wśród bohaterek Obrazcowej są zarówno kobiety o silnej woli, jak i baśniowe, naiwne postacie, które nie są do siebie podobne.
Nagrody i wyróżnienia dla Evgenii Obraztsovej
2002 - Nagroda Prezydenta Federacji Rosyjskiej w ramach programu „Zdolne Dzieci Rosji”
2005 - Laureat Międzynarodowego Konkursu Tancerzy i Choreografów Baletowych w Moskwie (I nagroda)
2005 - Nagroda Nowych Talentów Zegny Maryjskiej (Paryż, Francja)
2006 - Nagroda Leonida Massine'a (Positano, Włochy)
2007 - Nagroda Teatru Narodowego „Złota Maska” dla najlepszej aktorki baletowej (udział w balecie „Ondyna”, sezon 2005/06)
2008 - Gwiazda imienia Nino Ananiashvili (Tbilisi, Gruzja)
2009 - Znak klatki piersiowej Ministerstwo Kultury Republiki Tatarstanu „Za osiągnięcia w kulturze”
2009 - Nagroda magazynu „Balet” „Dusza Tańca” w nominacji „Gwiazda”
2012 - Nagroda International Ballet Dance Open w kategorii Miss Wirtuozerii
2016 - Czczony Artysta Rosji
Repertuar Evgenii Obrazcowej
Opera Maryjska
2003 - „Romeo i Julia”, choreografia Leonida Ławrowskiego - Julia
2004 - „La Sylphide”, choreografia Augusta Bournonville'a, pod redakcją Elsy-Marianne von Rosen - La Sylphide
2004 - „Legenda miłości”, choreograf Jurij Grigorowicz - Shirin
2004 - „Dziadek do orzechów”, choreograf Kirill Simonov – Masza
2006 - " Fontanna Bakczysaraju", choreografia Rostislava Zacharowa - Maria
2006 - „Śpiąca królewna”, choreografia Mariusa Petipy, poprawiona przez Siergieja Wikhariewa - Księżniczka Aurora
2006 - „Kopciuszek”, choreograf Aleksiej Ratmanski – Kopciuszek
2006 - „Ondine”, choreograf Pierre Lacotte - Ondine - pierwszy wykonawca
2007 - „Giselle”, choreografia: Jean Coralli, Jules Perrot i Marius Petipa - Giselle
2007 - „Przebudzenie Flory”, choreografia Mariusa Petipy, poprawiona przez Siergieja Wikhariewa - Flora - pierwszy wykonawca
2007 - „Ballet Imperial”, choreografia: George Balanchine – solista
2008 - „Don Kichot”, choreografia Aleksandra Gorskiego - Kitri
2008 - „Karnawał”, choreografia Mariusa Petipy, poprawiona przez Siergieja Wikhariewa - Kolombina - pierwszy wykonawca
2008 - „Symfonia C”, choreografia: George Balanchine – solista części IV
2009 - „Apollo”, choreografia: George Balanchine – Terpsichore
2009 - „Shurale”, choreografia Leonida Yakobsona, główne wznowienie - Syuimbike - pierwszy wykonawca
2009 - „In the Night”, choreografia Jerome Robbins – solista
2010 - „Pietruszka”, choreografia Michaiła Fokina - Balerina
2010 - „Mały garbaty koń”, choreograf Aleksiej Ratmanski - Car Maiden
2011 – „Symfonia C”, choreografia: George Balanchine – Solista III części
Moskiewski Teatr Muzyczny im. Stanisławskiego i Niemirowicza-Danczenki
2010 - „Pas de Quatre”, choreografia: Anton Dolin – Lucille Gran
2010 - „Chopiniana”, choreografia Michaiła Fokina - Walc jedenasty
2010 - „Giselle”, choreografia: Jean Coralli, Jules Perrot i Marius Petipa, poprawiona: Tatiana Legat - Giselle
2010 - „Mała śmierć”, choreografia Jiří Kylian – solista
2011 - „Jezioro łabędzie”, pod redakcją Władimira Burmeistera - Odette-Odile
2011 - „La Sylphide”, choreograf Pierre Lacotte - La Sylphide - pierwszy wykonawca
Teatr Wielki
2012 - „Don Kichot”, pod redakcją Aleksieja Fadeecheva - Kitri
2012 - „Śpiąca królewna”, choreografia Mariusa Petipy, nowa wersja choreograficzna Jurija Grigorowicza - Księżniczka Aurora
2012 - „Anyuta”, choreograf Władimir Wasiliew - Anyuta
2012 - La Sylphide, choreografia August Bournonville, montaż: Johan Kobborg - La Sylphide
2012 - „Giselle”, choreografia J. Coralli, J. Perrot, M. Petipa, poprawiona przez Yu Grigorovich - Giselle
2012 - „Klejnoty”, choreografia J. Balanchine'a - główna rola w „Szmaragdach” - uczestnik premiery
2012 - „Chopiniana”, choreografia M. Fokine – Preludium i Walc siódmy
2012 - „Córka faraona”, choreografia P. Lacotte - Aspiccia
2012 - „Apollo Musagete”, choreografia J. Balanchine - Terpsichore
2012 - „Dziadek do orzechów”, choreografia Yu Grigorovich - Marie
2013 - „La Bayadère”, choreografia M. Petipy, poprawiona przez Yu Grigorovicha - Nikiya
2013 - „Klejnoty”, choreografia J. Balanchine - Rola główna w „Diamentach”
2013 - „Oniegin”, choreografia J. Cranko - Tatyana
2013 - „Marco Spada”, choreografia P. Lacotta - Angela - pierwszy wykonawca
2014 - „Lost Illusions” w inscenizacji A. Ratmansky'ego - Coralie - debiut odbył się podczas tournée Baletu Bolszoj w Paryżu
2014 - „Dama z kamelią”, choreografia J. Neumeier – Marguerite Gautier
2017 - „The Legend of Love”, choreografia Yu Grigorovich - Shirin
2017 - „Płomienie Paryża” w inscenizacji A. Ratmansky'ego w choreografii V. Vainonena - Jeanne - debiut odbył się podczas tournee Baletu Bolszoj w Japonii.
Rodzina Evgenii Obrazcowej
Mąż - Andrey Korobtsov, młody rzeźbiarz. Para poznała się dzięki Internetowi. Matka baletnicy była bardzo zainteresowana pomnikiem Jewgienija Rodionowa. W rzeczywistości jego twórcą jest Andrey. Na prośbę matki baletnica napisała do niego w Internecie i zaprosił obie kobiety do obejrzenia pomnika. Po tym spotkaniu młodzi ludzie zaczęli ze sobą rozmawiać. Evgenia zaprosiła go do teatru na swój występ. A sześć miesięcy później Andrei oświadczył się baletnicy na scenie Teatru Bolszoj. Stało się to w dniu premiery spektaklu „Oniegin”. Wszedł na scenę, uklęknął, wręczył dziewczynie pierścionek i zaprosił ją, by została jego żoną.
W 2016 roku w rodzinie urodziły się dwie dziewczynki.
Balet to przede wszystkim sztuka fizyczna. Bez względu na to, co ktoś mówi, żaden talent dramatyczny nie zastąpi pary pięknych, wyszkolonych nóg i lekkich, śpiewających rąk. Ale jednocześnie, jeśli scena śmierdzi pustką i bezwartościowością, żadna ilość nóg z uszu z gigantycznymi podnośnikami tego nie zrekompensuje.
Z czego więc składa się „idealna baletnica” i czy takie rzeczy istnieją w przyrodzie?
W ciągu ostatnich dziesięcioleci całkowicie zrozumiały i przejrzysty zestaw parametrów, zgodnie z którym ścisła komisja selekcyjna wybiera do szkół baletowych odpowiednie zawodowo dziewczęta. Pomiędzy nimi:
Okazać się. A im więcej, tym lepiej. Frekwencja to podstawa tańca klasycznego, bez niej niektóre elementy będą nie tylko brzydkie, ale wręcz niemożliwe do wykonania. Frekwencję, czyli wygięcie nogi na zewnątrz, można rozwijać, ALE tylko wtedy, gdy od początku ma się do tego predyspozycje. Jeśli staw w panewce nie ma miejsca na obrót, żadna ilość „żab”, „motyli” i innych baletowych okrucieństw nie jest w stanie go obrócić - jedynie zwichnąć .
Elastyczność. Tutaj faktycznie wszystko jest jasne – wystarczy spojrzeć na współczesne baletnice i na wysokość, na jaką podnoszą nogi, i jak z wdziękiem wyginają plecy, dosłownie składając je na pół. Niektórym się to nie podoba, bo rzekomo podniesione do uszu nogi naruszają integralność i piękno prawdziwie klasycznego tańca. Niektórzy uważają, że nawet klasyka nie powinna stać w miejscu, a nowoczesne wysokie amplitudy jedynie je ozdabiają. Jestem raczej po stronie tego drugiego. Kiedy noga z łatwością unosi się w górę bez napięcia, łamiąc wszelkie prawa ludzkiego ciała, rozumiesz, że nie ma rzeczy niemożliwych. Najważniejsze, aby nie afiszować się swoim krokiem, jak „w górę, spójrz, jak mogę!”, Co jest grzechem niezapomnianej Anastazji Volochkovej, ale podnieść nogi, że tak powiem, ze znaczeniem.
Wysoki wzrost. I to nie tylko wysoki, ale z tak zwaną „zjeżdżalnią”. Pewnie zwykła osoba nieobeznana z baletem pomyśli, że z taką stopą ewidentnie jest coś nie tak, ale na scenie w pointach prezentuje się świetnie. Często stopy „podnoszące” przechodzą na obciążenie nóg „X” - czyli, jak już mówiłem, zapadniętych w kolanie. Z takimi nogami jest znacznie trudniej pracować, są potrzebne specjalne podejście, ale to właśnie oni są najbardziej cenieni. Ogólnie rzecz biorąc, stopa dla baletnicy jest bardzo ważna: palce duże i „wskazujące” powinny być idealnie tej samej długości, bez skłonności do płaskostopia i koślawości, z długim, miękkim ścięgnem Achillesa.
Długie kończyny. Nogi i ramiona są głównym instrumentem baletnicy. Im dłuższa i bardziej niekończąca się noga, tym łatwiej „zaśpiewać” nią ruchy. Krótkie nogi i ramiona są oczywiście wygodniejsze – szczególnie w tańcu szybkim, allegro. W długich łatwo się pomylić, ale w adagio są piękne! Istnieje nawet coś takiego jak „indeks długonogi”. Oblicza się ją przy przyjęciu do szkoły baletowej: mierzy się wzrost dziecka w pozycji stojącej i siedzącej (od czubka głowy do miękkiego miejsca), następnie wysokość w pozycji siedzącej dzieli się przez wysokość w pozycji stojącej i mnoży przez 100%. Norma baletowa: 49-52%. Im niższy %, tym lepiej. Właściwie ten osławiony wskaźnik można ocenić gołym okiem – nogi powinny być znacznie dłuższe niż tułów.
Niezły skok. Skoki, podobnie jak zwinność, pochodzą z natury. Można to poćwiczyć, można nauczyć się tworzyć na scenie jego iluzję, jak robi to na przykład Zakharova, ale skoki pod kratę z zawisem, tzw. „balonem”, należą do rzadkości. To dzięki fenomenalnemu skokowi młoda niegdyś Natalya Osipova zasłynęła – czasem wydaje się, że naprawdę umie latać!
Wszystko to mieści się w pojęciu „formy”.
Tutaj portret idealnej baletnicy: wysoki, niewiarygodnie szczupły, długonogi, z długimi ramionami, z długą szyją, chodzący, czyli potrafiący bez wysiłku obrócić nogę o 180 stopni, z wysokim podbiciem i miękko obracającymi się nogami. Waga dorosłej baletnicy, pomimo jej wzrostu, nie powinna przekraczać 50 kg. Podczas treningu zasady są jeszcze bardziej rygorystyczne - idealną wagę oblicza się za pomocą wzoru „wzrost minus 122”. Każdy, kto przekroczy te granice, jest wykluczony. Typ budowy ciała jest lepszy od ektomorfików, mają cienkie „żylaste” mięśnie, które praktycznie nie są w stanie „hodować mięsa”, wąskie stopy i dłonie oraz krótkie ciało. Łatwiej im utrzymać formę, nie muszą przestrzegać rygorystycznych diet – metabolizm jest dość szybki, wszystko, co zje, jest po prostu spalane.
Idealna baletnica to zdrowa baletnica. Balet nie wybacza problemów z sercem i wzrokiem, a tym bardziej chorób stawów. Tylko zdrowy człowiek dzięki bardzo dobrej odporności jest w stanie wytrzymać nieludzkie obciążenia baletowe, ciągłą presję psychiczną i rywalizację.
Co więcej, idealny baletnica musi być piękna. Scena nie jest podatna na poprawność polityczną: nie wybacza duży nos, żadnego wystającego podbródka, żadnych pulchnych policzków. Tak, makijażem można pomalować dowolną twarz i ukryć drobne niedoskonałości, ale dzisiaj mówimy o ideale. Bez pięknej lub przynajmniej ładnej twarzy trudno jest sportretować piękną Odetę lub delikatną Giselle.
Podsumowując „parametry techniczne” naszej idealnej baletnicy, nie mogę nie wspomnieć szkolenie. Nawet idealne nogi będą bezsilne bez dobrej szkoły i kompetentnego nauczyciela. W Rosji za najlepsze uważa się trzy szkoły - Akademię. Waganowej w Petersburgu w Moskwie Państwowa Akademia Choreografia (MGAC) i Szkoła Permska. Oczywiście nie gwarantują doskonałego wyszkolenia i filigranowej techniki. każdy absolwentów, ale nawet teraz, gdy poziom kształcenia nawet w tych instytucjach spadł, pozostają oni jakościowo lepsi niż wszyscy inni na świecie.
Podsumowując, nie mogę powstrzymać się od nazwania „mojej” baletnicy idealnymi parametrami - Swietłana Zacharow A. Jest niesamowicie piękna z baletowego punktu widzenia.
Która tancerka baletowa ma idealny wygląd z Twojego punktu widzenia? Co dodałbyś do listy parametrów technicznych?
*A o duchowości, energii i pełni - czyli o składnikach NIEfizycznych porozmawiamy następnym razem)
W lutym Teatr Bolszoj ogłosił powiększenie swojego zespołu baletowego. Na liście primabalerin znajduje się teraz Evgenia Obraztsova, która do niedawna tańczyła w Teatrze Maryjskim. W repertuarze Obrazcowej na scenie Bolszoj znajdują się balety Śpiąca królewna, Anyuta i Sylfida. Przez całą dobę baletnica Buro opowiadała o zwodniczym wyglądzie aktora, dziecięcych marzeniach i planach na przyszłość.
Evgeniya, przede wszystkim chciałbym zapytać Cię o przeprowadzkę do Moskwy. Jak się czujesz tutaj po St. Petersburgu?
Faktem jest, że stopniowo przyzwyczaiłem się do Moskwy. Przed przeprowadzką do Teatru Bolszoj przez około dwa lata pracowałem w teatrze muzycznym Stanisławskiego i Niemirowicza-Danczenki, więc nie muszę nagle przyzwyczajać się do Moskwy. Życie w stolicy, jego rytm bardzo mi odpowiada, dlatego nie odczuwam żadnego dyskomfortu, wręcz przeciwnie. Myślę, że to jest moje miasto.
Sceny z baletu „Pietruszka” w Teatrze Maryjskim
Już jako dziecko interesowałeś się teatrem dramatycznym, a nawet chciałeś zajmować się nim zawodowo. Ale nadal zostały baletnicą. Czy nadal interesuje Cię teatr?
Po pierwsze, oglądam wiele sztuk dramatycznych. Zarówno w Petersburgu, jak iw Moskwie. Zaprzyjaźniam się z wieloma artystami, chodzę na ich premiery. Na przykład jestem częstym gościem na występach wspaniałego petersburskiego aktora Danili Kozłowskiego. W Moskwie blisko komunikuję się z Alisą Grebenshchikovą: ją i mnie łączy także Sankt Petersburg, ale teraz spotykamy się tutaj. Zawsze ciekawie jest śledzić ich rozwój i repertuar. A możliwości pójścia do teatru w Moskwie jest więcej. Stąd moje niespełnienie z dzieciństwa teatr dramatyczny przejawia się w tym, że aktywnie śledzę wszystko, co dzieje się w tym środowisku i staram się wiele nauczyć z tego typu sztuki i przenieść to na swoją.
Czy to pomaga w pracy?
Oczywiście to wszystko bardzo mi pomaga, gdy przygotowuję się do roli, szukając rozwiązań w zakresie jej dramaturgicznej konstrukcji. Istnieją oczywiście balety rozrywkowe, w których nie są wymagane żadne zdolności dramatyczne. Co więcej, nie wszyscy artyści je mają. Wiele wspaniałych baletnic i tancerzy pozostaje wspaniałymi baletnicami i tancerzami, ale są całkowicie pozbawieni talentu aktorskiego, co w żaden sposób nie umniejsza jakości ich pracy. Ale jeśli oceniamy globalnie, balet jest taki złożony wygląd sztuka, w której artysta musi łączyć taniec, dramat i po części sport. Tyle, że nie ma śpiewu. Chociaż wiele też czerpię od moich operowych przyjaciół. Dla siebie osobiście staram się wybierać balety fabularne i główne pytanie, które zadaję sobie pytanie: jaka będzie moja bohaterka? Jak kreuję jej wizerunek? Rady, które mogę uzyskać od innych aktorów, bardzo mi pomagają w odpowiadaniu na tego typu pytania.
Evgenia Obraztsova w balecie La Sylphide teatr muzyczny Stanisławskiego i Niemirowicza-Danczenki
Czytasz jakąś specjalistyczną literaturę dotyczącą sztuki dramatycznej? Stanisławski na przykład?
Tak, zdecydowanie. Informacje te bardzo mi pomogły podczas mojego rozwój zawodowy jako baletnica. Zwłaszcza w momencie, gdy zacząłem pracować nad swoją pierwszą rolą dramatyczną w balecie Romeo i Julia. W takich przypadkach najkorzystniejszą opcją jest możliwość współpracy z reżyserem teatralnym. Na przykład w balecie „Romeo i Julia” pomogła mi aktorka, która ukończyła kurs reżyserski, więc pomoc była podwójna.
Czy baletnica o Twoim statusie ma możliwość odrzucenia roli, która Cię nie interesuje?
Oczywiście, że mam. Zawsze mogę powiedzieć, że nie widzę siebie w tej roli, nie widzę dla siebie żadnych perspektyw. To się zdarza i to dość często. Niektóre baletnice odmawiają części, w których wszystko jest - zarówno technikę, jak i grę. Ponadto dla osoby może to być całkowicie obcy obraz. I w takich sytuacjach oczywiście lepiej nie cierpieć i odmówić roli, której nie da się w pełni zagrać na scenie. Można odmówić w dowolnym statusie.
Jako Julia w balecie „Romeo i Julia” w Teatrze Maryjskim
Czy są jakieś gry, które są na Twojej liście ulubionych?
Z pewnością. Jedyną rzeczą, która utrudnia ich realizację jest to, że utworu tego nie można wystawić w Rosji, a konkretnie w Teatrze Bolszoj, gdyż polityka repertuarowa nie zakłada wprowadzenia tego dzieła w ciągu najbliższych pięciu lat, kiedy chciałbym opanować ten materiał. Mówiłam wiele, że bardzo pociąga mnie choreografia Kennetha McMillena i Rolanda Petita. Dwa balety, które bardzo chciałbym zatańczyć, to Manon McMillena i Carmen Petita. Te balety mam przed oczami już od kilku lat. Ale żeby je wystawić, trzeba albo być w innym zespole, albo poczekać, aż te spektakle pojawią się w repertuarze teatrów, w których pracuję.
Czy robisz coś, żeby zbliżyć się do celu?
Jeszcze nie rozumiem, jak można to wdrożyć. Była szansa zatańczyć „Manon” w Helsinkach, jednak z różnych powodów nie mogłam podjąć się tej roli. Swoją drogą już niedługo będę miała okazję zatańczyć Carmen, ale w wersji Alicii Alonso.
Zdjęcia do magazynu Dance
Szczerze mówiąc, w ogóle nie widzę cię w roli Carmen. Wydaje mi się, że bardziej odpowiadają Ci partie liryczne.
Wcale mnie nie zaskoczyłeś swoim punktem widzenia: od wielu osób słyszę o mojej liryczno-romantycznej roli. Wygląd ma z tym wiele wspólnego - Trudno sobie wyobrazić mnie na zdjęciu Femme fatale. Ale artysta - tak podstępną osobowość, że może wyglądać jak dmuchawiec, ale w sobie kryje otchłań namiętności. I tutaj pytanie leży w jego zdolnościach aktorskich.Podam przykład Lwa Dodina, pod którego przewodnictwem pracuje Danila Kozłowski. Bardzo lubi dawać artyście rolę, w której nikt go nie widzi. Zasada ta często daje nieoczekiwane ciekawy wynik. Jestem w 100% pewna roli Carmen, dlatego chcę ją zatańczyć. Nigdy nie założyłabym czegoś, w czym nie wyglądam świetnie, a jest ich milion, uwierz mi. Wszyscy postrzegają mnie jako księżniczkę, kwiat.
Na próbie Jeziora Łabędziego
Czyż nie jesteś kwiatem?
Jestem oczywiście kwiatem, ale jeśli chcę, potrafię być bardzo charakterystyczny. Pytanie tutaj dotyczy przygotowania, tego, jak interesujący jest ten proces. Ważne jest, aby zobaczyć, że rola ta może okazać się bardzo niezwykła, tak jak to widzi Dodin. Rozmawiał ze mną francuski reżyser, który wymyślił film, w którym główny bohater powinien wyglądać jak anioł, ale zachować wszystkie wady kobiety. Tego rodzaju eksperymenty wydają mi się interesujące.
Czy zdarzały się sytuacje, gdy wbrew stereotypom przyjąłeś rolę, a potem zdałeś sobie sprawę, że popełniłeś błąd?
To był balet „Jezioro łabędzie”. Rzeczywiście miałem sporo wątpliwości co do tego występu. Ale to najprawdopodobniej nie jest przypadek, w którym rozumiem, że ta rola mi nie pasuje, ale raczej rozbieżność z narzuconymi stereotypami. Ostatnio Istnieje opinia, że z łabędziem powinna tańczyć wysoka baletnica długie linie. Choć nigdy wcześniej coś takiego się nie zdarzało, wszystkie były bardzo miniaturowe, przypominające posągi. Przez głowę przelatywały mi myśli, że mnie nie zrozumieją, powiedzą, że nie jestem taka wysoka, nie taka długa i nie mam nadprzyrodzonej plastyczności. Rzeczywiście, kiedy widzimy na scenie ogromną baletnicę z długimi rękami i nogami, zapiera nam dech w piersiach. Ale ten balet tańczyły Ulanova i Makarova - bardzo miniaturowe baletnice. To uratowało mnie podczas przygotowań. Już się martwię punkty techniczne, nad czym musiałam popracować, żeby być przekonującym w tej roli. To chyba jedyny kontrowersyjny balet w moim repertuarze.
Jako Giselle na scenie Opery Rzymskiej
Czy zatem nie wiadomo, czy będziecie to tańczyć w najbliższej przyszłości?
Nie staram się często tańczyć tego baletu. Praca z nim zajmuje mi dużo czasu. Daję sobie przynajmniej miesiąc na przygotowanie. W sumie tańczyłam ją trzy razy w dwóch wersjach. Jeden z nich - w Teatrze Stanisławskiego i Niemirowicza-Danczenki, druga – w wersji Kremlowskiego Teatru Baletowego. Ofert jest wiele, ale jeśli rozumiem, że zostało niewiele czasu, odmawiam.
Wróćmy do ambicji aktorskich. Czy udało Ci się je częściowo wdrożyć w swojej pracy nad filmem „Matryoshka” Cedrica Klapischa?
Filmowanie było dziełem przypadku. Cedric Klapisch przyjechał do Rosji w poszukiwaniu aktorki, która mogłaby zagrać rolę baletnicy. Na casting zaproszono wiele dziewcząt, w tym mnie, ale nie mogłam wtedy przyjść ze względu na pracę. Tak się złożyło, że nikt do niego nie podszedł i zostałem sam. Znaleźli mnie w teatrze i poprosili, żebym spróbował osobno. Dzień później dyrektor mnie zatwierdził. Nie mogę powiedzieć, że to była poważna rola. To wszystko było dla mnie bardzo interesujące i nowe, ale bardziej przypominało wakacje, nic więcej. Na premierę w Paryżu pojechaliśmy ze wszystkimi konsekwencjami: sesjami zdjęciowymi, wywiadami, prezentacją w kinie. Wtedy zrozumiałem, że to kino - to bardzo interesujące i ekscytujące, ale czułem się pewnie tylko przed kamerą ostatnie dni strzelanie. Swoją drogą, niedawno zadzwonił do mnie Klapisch i powiedział, że jedzie na film Ostatnia część jego trylogia (pierwszy film „Hotel hiszpański”, drugi - „Lalki Matrioszki”. - Notatka red.), wyraziłem zgodę z góry. Myślę, że jeśli zagram w trzeciej części, znajdę szansę na poważniejszą realizację siebie w aspekcie aktorskim. Nie zdradzę jeszcze nic na temat fabuły, ale zdjęcia będą kręcone w Chinach.
W balecie Jiri Kyliana „Mała śmierć” na scenie Teatru Muzycznego im. Stanisławskiego i Niemirowicza-Danczenki
Teraz balet rosyjski przestał być tym, czym był w ZSRR, czyli skarbem narodowym. Jak myślisz, jaki jest tego powód?
Balet rosyjski nie przestał być numerem jeden, po prostu wielu tancerzy i nauczycieli, wyemigrując do innych krajów, zaczęło tam wykonywać swoje obowiązki z nie mniejszym profesjonalizmem. A w Rosji jakość szkolenia pogarsza się. Wcześniej w klasie liczącej 20 baletnic 10 mogło z łatwością tańczyć partie solowe. Teraz ciężko znaleźć 2-3 baletnice. Myślę, że proces ten wiąże się ze zmianą składu nauczycieli. Przychodzą młodzi ludzie, którzy nie zawsze są w stanie przeprowadzić uczniów dobry poziom. Moja nauczycielka Ludmiła Safronova mówi, że próbują ją usunąć z pracy. Nawiasem mówiąc, ona była uczennicą Waganowej i bardzo rozczarowujące jest to, że osoba, która potrafi przekazać bezcenne doświadczenie, nie ma takiej opcji.
Cóż, nasze teatry nie zawsze wiedzą, jak zatrzymać artystów. Na przykład była Larisa Lezhnina, ale odeszła, aby dołączyć do trupy baletu holenderskiego. A teraz mówimy już o pięknej rosyjskiej baletnicy jako artystce europejskiej. Ale nie mogę się zgodzić, że balet rosyjski przestał być pierwszy. Nasze baletnice wciąż mają coś, czego nie mają ani Francuzki, ani Angliki. Dla rosyjskich tancerzy dominuje semantyczne znaczenie tańca, choć technicznie rzecz biorąc, mogę się zgodzić, paryska szkoła produkuje bardzo dobrze przygotowane dziewczyny.
Na próbie Romea i Julii
Z powyższego jasno wynika, że jesteś dziewczyną z charakterem i jesteś gotowa przełamać stereotypy.
Oczywiście istnieje koncepcja roli. Ale aby ograniczyć artystów w przypadkach, gdy obiektywne powody nie, głupio. Życie artysty jest krótkotrwałe i bardzo rozczarowuje, gdy kierownictwo uniemożliwia mu podjęcie nowych, być może nieoczekiwanych ról. Dla mnie rola to to, do czego jesteś zdolny. Teraz nie widzisz we mnie Carmen, ale pójdę na przedstawienie i udowodnię ci, że się mylisz.
Tekst: Fiodor Wyzemski
Zdjęcie: evgeniaobraztsova.com
Prima baletnica Teatru Bolszoj, zdobywczyni nagrody Złotej Maski i zawody międzynarodowe, specjalnie dla Was odpowiedziała na nasze pytania dotyczące zawodu, a także ujawniła część tajników mistrzostwa baletu i urzekającego piękna tańca.
– Jak zdecydowałaś się zostać baletnicą? Czy rodzice mieli wpływ na twój wybór?
- Tak, moi rodzice brali w tym udział. Po pierwsze, oni sami są tancerzami baletowymi, tancerzami zawodowymi. Po drugie, naturalnie miałam wszystkie dane do baletu, więc moi rodzice raczej przejęli inicjatywę i zapytali mnie, czy chcę tańczyć. Nie byłem przeciwny, ale też nie byłem zwolennikiem. Sam zawód lubiłem, pociągał mnie swoim pięknem i łatwością, ale w rzeczywistości okazał się bardzo ciężką pracą...
Można powiedzieć, że mój pierwszy rok w szkole poszedł na marne, bo się nie starałam, byłam bardzo leniwa i nie rozumiałam swoich zadań. Dopiero rok później, kiedy mama, zapewne za radą kolegów, oddała mnie nauczycielowi, wszystko się zmieniło. Był bardzo surowy, pryncypialny i najwyraźniej jego twarde męskie wychowanie pomogło mi zrozumieć, czego się ode mnie wymaga i zostać fanem tego zawodu.
— Czy było ci trudno w szkole?
— Tak, to bardzo trudne, bo od pierwszych dni zdałam sobie sprawę, że nie należę już do siebie. Na przykład szkoła Vaganova uderzająco różni się od zwykłej szkoły, do której uczęszczałam przez pierwsze trzy lata. W nim o pierwszej lub drugiej po południu dziecko jest już wolne i bawi się z rówieśnikami na podwórku. Z Akademii Baletu Rosyjskiego im. A.Ya. Vaganova, wróciłem do domu, gdy już się ściemniało. Od dziesiątego roku życia zapomniałam, że poza baletem jest dwór i przyjaciele. Dzieciństwo się skończyło.
— Czy tęskniłeś za swoim dawnym życiem, czy byłeś zazdrosny o swoich rówieśników?
— Nie, od chwili, gdy uświadomiłem sobie, co chcę osiągnąć w swoim zawodzie, całkowicie pogrążyłem się w pracy. Stałem się prawdziwym fanatykiem, mogłem wykonywać dodatkową pracę i wcale mnie to nie męczyło. Nie myślałam już o lenistwie, raczej nawet mama mnie powstrzymała. Od dwunastego roku życia słyszałem od niej tylko: „Dość, zrób sobie przerwę. Jesteś zmęczony. Nadszedł czas, abyś odpoczął.” Nigdy nie było chęci i motywacji do pracy. Pracowałem ciężko fakultatywnie, moi rodzice martwili się nawet o moje zdrowie.
— Co oprócz surowego nauczyciela pomogło ci podjąć decyzję, że będziesz dalej uczyć się wyłącznie baletu?
„Uświadomiłem sobie, że mam wszystkie dane do tego zawodu. Bardzo wcześnie zdałem sobie sprawę, że trudno zostać dobrym tancerzem, gdy nie ma danych. Tacy ludzie muszą się łamać, zmuszać, pracować jeszcze ciężej, ale to nie jest gwarancja sukcesu. Mimo całej pracy i wysiłku możesz wyrosnąć na innego tancerza, niż byś chciał, ponieważ ciało jest dane przez naturę i nie można go radykalnie zmienić. Zdałem sobie sprawę, że jestem tym jedynym Szczęśliwy przypadek kiedy wszystko jest na swoim miejscu i trzeba to tylko rozwinąć.
To zrozumienie bardzo mnie pobudziło, ponieważ wiedziałem, że wybrałem właściwy zawód: z tymi danymi trzeba było iść dokładnie tam, nie uczyć się matematyki, nie uczyć się pływania synchronicznego, ale baletu. Nie pozwoliło mi zwątpić: „A co by było, gdybym wybrał coś innego?” Byłem pewien, więc nigdy nie wątpiłem. Bardzo ważne jest, aby zrozumieć, do czego masz dane i pracować w tym konkretnym obszarze.
— Czy zawsze wiedziałaś, że zostaniesz primabaleriną Teatru Bolszoj i będziesz tańczyć na najlepszych scenach, czy może każdy nowy sukces był niespodzianką?
- Nie, nie mogę powiedzieć, że zawsze wiedziałem. Zawsze rozumiałem, że życie i przeznaczenie nie układają się tak, jak ktoś sam określił i zdecydował. Człowiek proponuje, ale Bóg rozporządza. Przypomniałem sobie to i wszystkie moje późniejsze sukcesy: nagrody, najlepsze sceny, kreacje – wciąż za każdym razem były dla mnie niespodzianką. Ale jednocześnie miałam świadomość, że wystarczająco się napracowałam i zasłużyłam na zaproszenie do Grand Opera czy Covent Garden. Nie stało się to przez przypadek, ale dzięki moim wysiłkom i pracy.
Choć za każdym razem czułam się jak w bajce, to te historie nie dotyczyły mnie. To jak spełnienie marzeń Kopciuszka. (uśmiecha się). Nie mogę nazwać siebie osobą leniwą, która leży na kanapie i czeka, aż ktoś do mnie zadzwoni. Ale nigdy nie myślałem, że wszystko będzie tak jasne, takie sceny, kontrakty, występy, o których nawet nie marzyłem, ale wpadły w moje ręce. Jedyne, co musiałem zrobić, to je zaakceptować, przygotować się i pokazać, na co mnie stać.
- Co ci pomogło ścieżka zawodowa?
- Praca. Moja nauczycielka Ninel Kurgapkina zawsze powtarzała, że nieważne, kim jesteś: utalentowany czy nie, piękny czy straszny, jeśli będziesz pracować, na pewno zostanie to nagrodzone. Nawet jeśli pracujesz rok, dwa, trzy, próbujesz, wyczerpujesz się, ale nic się nie dzieje, to nie jest powód, aby się poddawać. Jeśli uczciwie pracujesz w swoim zawodzie, to tak czy inaczej odniesiesz sukces. Myślę, że to właściwe motto. Talent czy brak talentu – to nie ma znaczenia. Niektóre utalentowane dzieci bardzo szybko zapadają na gorączkę gwiezdną i nikt nie pamięta, że to dziecko było najbardziej utalentowane. Ale dzieci, które są na tyle inteligentne, aby nie ulegać pochwałom i nie zadzierać nosa, docierają do mety i wygrywają.
— Co uważa Pan za swoje główne osiągnięcie?
— Czego udało mi się nauczyć i przyswoić od moich nauczycieli. Jeśli usłyszę komplement skierowany do mnie, to szczerze dziękuję nauczycielom.
— Czy uważasz się za osobę w pełni samorealizującą się?
- Zawsze trzeba do czegoś dążyć. Powiedzieć, że osiągnąłem wszystko, znaczy dokończyć... Myślę, że gdybym teraz kończył, to w każdym razie byłbym w stanie wytyczyć jakąś granicę, bo wiele już zrobiono, ale granica jest jeszcze daleka z dala. Jest jeszcze wiele, wiele planów.
– Czy masz marzenie zawodowe?
— Jak dotąd wszystkie moje zawodowe marzenia to sztuki performatywne, spektakle, których jeszcze nie zrobiłem, ale chciałbym zrobić. Marzę zarówno o spektaklach istniejących, jak i tych, których nikt jeszcze nie wystawiał, ale chciałabym, żeby były wystawiane specjalnie dla mnie, żebym mogła ucieleśnić zupełnie nowy wizerunek. Na przykład zostałaby wcielona jakaś postać lub fabuła nietypowa dla baletu, a ja miałbym szczęście zostać pierwszym wykonawcą.
— Czy istnieje misja lub cel Twojej twórczości? Czy jest coś, co chciałbyś przekazać widzowi?
- Niewątpliwie. Gdybym nie chciała czegoś przekazać, nie uważałabym się za baletnicę. Jeśli nie ma super zadania, nie jest jasne, dlaczego warto wykonywać ten zawód. Jeśli nie o niczym, to dlaczego? Każdy wykonawca powinien zadać sobie to pytanie i ja zawsze zadawałem sobie to pytanie. Jeśli nie zada się tego pytania, a człowiek wychodzi na scenę tylko po to, żeby wyjść, to taka sztuka jest bezwartościowa, to bzdura i rzemiosło w złym tego słowa znaczeniu.
Dla mnie każda rola to historia, którą chcę opowiedzieć i moja główne zadanie- poprawnie przekazać to publiczności, aby zostało zrozumiane, a występ nie poszedł na marne. Każda sztuka powinna oświecać...
Jest też antysztuka, do której mam negatywny stosunek. Aby uniknąć jakiejkolwiek antysztuki, nie chcę zrobić nic złego. Są role i wątki, których nigdy się nie podejmę, bo uważam je za moralnie niskie i bezużyteczne. Nic nie dają człowiekowi i nie służą zły przykład, negatywna interpretacja życia. Dlatego jestem bardzo rozczarowany współczesnym teatrem dramatycznym, ponieważ pojawia się w nim wiele antysztuki. Swoją misję widzę w dostarczaniu czegoś jasnego i użytecznego.
Balet „Romeo i Julia” — Czy masz ulubioną rolę, w której odsłaniasz się w pełni?
- Nie potrafię wyróżnić jednego. Bez względu na to, jaką rolę pełnię, zwłaszcza z wielu ulubionych, kieruję się zasadą Stanisławskiego: „Jestem w oczekiwanych okolicznościach”. Całkowicie rozpływam się w tej postaci, czy to Margarita z „Pani kameliowej”, Julia, Tatiana z „Oniegina”. Za każdym razem żyję zupełnie nowym życiem i staram się być tym, o którym pisano tę pracę. Nawet nic własnego nie przynoszę, żyję tak, jakbym sama była Tatyaną Lariną. Wszystkie zalety i wady bohaterek budzą się we mnie, gdy przygotowuję się do roli, bo przygotowanie nie trwa dzień czy dwa, ale długo żmudna praca poza ścianami sali prób: w głowie, sercu, duszy. Każdego dnia żyjesz życiem nowej bohaterki. Rozpływam się w niej całkowicie i przedstawiam światu nie siebie, ale ją.
— Czy musiałeś coś poświęcić na swojej drodze zawodowej?
„Prawdopodobnie nie miałem żadnych ofiar jako takich”. Może i byli, ale nie postrzegam ich w ten sposób. Nie ma niczego tak wielkiego, czego bym żałował i powiedział, że ze względu na zawód tego nie posiada. Zawód jest mi bardzo bliski, ale dla kobiety najważniejsze jest to, żeby być kobietą i mieć rodzinę. Dzięki Bogu, nie musiałam tego poświęcać, więc niczego nie żałuję.
– Czy miałeś jakieś porażki w swojej karierze?
— Na pewno były awarie i to różne. Jestem osobą, która ma tendencję do wyolbrzymiania i wyolbrzymiania głównie negatywnych rzeczy. Wydaje mi się, że często posuwam się za daleko. Czasem zaliczałem do porażek to, co po odpowiednim namyśle i ocenie okazało się wielkim sukcesem. Dlatego uważam, że nie można sobie wyobrazić życia bez „upadków”. twórcze życie. Nie da się pomalować wszystkiego jednym białym kolorem. Jeśli błąd pojawi się raz, jest to powód, aby przemyśleć wszystko i zapobiec temu następnym razem.
– Co jest najprzyjemniejsze w Twojej pracy?
— Oczywiście reakcja publiczności. Ten sam zwrot energii, który następuje na końcu. Przez cały występ dajesz widzom swoją siłę, wydaje się, że dajesz całe swoje życie. Na koniec wszystko to wraca podwójnie z aplauzem, wdzięcznością ze strony publiczności, która następnie spotyka się przy wejściu nabożeństwowym lub staje się fanami. To chyba najpiękniejsza i najprzyjemniejsza rzecz.
— Jak się czujesz w tej chwili, gdy kłaniasz się, a cała Wielka Opera Ci klaska?
– Myślę, że można to nazwać euforią. (uśmiecha się).
– Co jest najtrudniejsze w Twojej pracy?
- Stanowisko. (Śmiech). Najtrudniej jest nie być leniwym. Bez względu na to, co się stanie, bez względu na to, jak źle lub dobrze się czujesz, czy jesteś chory, czy zmęczony, kontuzjowany lub bolą Cię nogi, nadal idziesz i pracujesz. Zawód baletu jest taki: jeśli opuścisz jakiś dzień, stracisz formę, jeśli opuścisz tydzień, uważaj się za wytrąconego z obiegu. Jeśli opuścisz miesiąc, ponownie rozbijasz organizm, aby wrócić do formy. Niezwykle trudno jest osiągnąć szczyt formy baletowej, a potem trzeba go stale utrzymywać.
Dwie godziny czystych prób dziennie, codzienne godzinne zajęcia, sala gimnastyczna, praca na siłowni – ciągłe zmęczenie ćwiczenia fizyczne, nie mówiąc już o emocjach.
Balet „Don Kichot” — Czyli masz co najmniej pięć godzin treningu dziennie?
- Tak, podsumowując, coś takiego. Zajęcia rozpoczynają się o godzinie 10-11, trwają godzinę, w niektórych teatrach półtorej godziny. Zajęcia są bardzo intensywnym ćwiczeniem. Potem następuje dwugodzinna próba. Potem jest dopasowanie, za którym musisz stanąć. Potem kolejna próba przez dwie godziny. A może wieczorem po tym wszystkim odbędzie się występ. Jeśli nie ma występu, w domu przed pójściem spać ponownie będziesz musiał wykonać serię ćwiczeń, aby zachować formę.
Miałem dwie poważne kontuzje - cały czas utrzymuję kolana w formie. Chodzę także do ośrodka rehabilitacyjnego, gdzie wykonuję gimnastykę i różne zabiegi na specjalnych maszynach. Bardzo często, kiedy wracam do domu, nie mam już ochoty ani czasu na nic innego. A mój każdy dzień wygląda dokładnie tak. Dla kogoś z zewnątrz może się to wydawać fizyczną torturą, ale dla nas jest to norma życia.
Jeśli mam dzień wolny, mogę leżeć cały dzień, a następnego dnia nawet nie zdaję sobie sprawy, że odpocząłem. Ciało nie odpoczywało, tylko po prostu dłużej leżało w pozycji poziomej, a ja po prostu spałem.
— Powszechne mity na temat ostrej, a nawet brutalnej rywalizacji baletnic – prawda czy fikcja?
— Prawdopodobnie nie ma zawodu bez kosztów. Zawiera zarówno światło, jak i ciemne strony. Wierzę, że w każdym zawodzie, w którym istnieje konkurencja, tak jest pracownik biurowy, baletnica, aktorka i ktoś inny, nie będzie najbardziej proste relacje. Być może rzeczywiście nie ma tu miejsca na szczerą przyjaźń, chociaż widziałem wiele przykładów, gdzie tak było. Ale prawdopodobnie zawsze jest miejsce na małą rywalizację.
Widzę mocne strony kolegi, dostrzegam je i nie jest to nawet powodem zazdrości, ale chęci pracy nad własnymi brakami. Ale jest mało prawdopodobne, że będę szczerze przyjaźnić się z tą osobą. Przyjaźń to sprawa intymna, przyjacielowi można powierzyć tajemnice, sekrety lub zadzwonić w nocy i poprosić o pomoc. W balecie nie mam przyjaciół, do których zadzwonię w środku nocy i podzielę się sekretami, ale jest to naturalny efekt rywalizacji. Jednak osobiście nie spotkałem się z jakąkolwiek podłością, podłością, okularami w pointach itp.
— Jak niebezpieczny jest balet?
— Balet to bardzo traumatyczny zawód. Istnieją urazy łagodne, złożone, bardzo złożone oraz choroby zawodowe. Często pod koniec kariery baletnice cierpią na artrozę, zapalenie stawów i podobne choroby. Wiele osób cierpi na problemy z plecami i kręgosłupem. Ale nawet zwykli ludzie je mają, ale baletnice mają wielokrotnie większy nacisk na swoje ciała.
Ale znowu - kto jak pracuje, kto o siebie dba. Niektórzy tak bardzo eksploatują swoje ciała, tak bardzo poświęcają się swojemu zawodowi, że w wieku czterdziestu lat stają się „starymi ludźmi”. Do każdego lekarza przychodzi baletnica, jeśli nie powie, że jest baletowcem, to lekarz jest przerażony zużyciem stawów, więzadeł i całego ciała. Jeśli uzna się, że jest to balet, wówczas wszystkie pytania zostaną usunięte.
— Jeśli dziecko marzy o baletach, jak mogę pomóc, co mam zrobić i gdzie iść na naukę?
„Jeśli dziecko chce tańczyć w balecie, musisz to zrozumieć przed dziesiątym rokiem życia, bo wtedy jest już za późno. Ale niezależnie od wieku możesz wysłać go do klubu tanecznego: nie do gimnastyki, nie do sportu, ale konkretnie do tańca, aby rozwijał umiejętności taneczne, gra aktorska, wyrazistość, muzykalność - to jest najważniejsze. Może lepiej wysłać dziecko do np Szkoła Muzyczna i sekcja taneczna. Ważne jest rozwijanie zdolności tanecznych i muzykalności.
Drugim krokiem jest rozpoczęcie studiów w wieku dziesięciu lat. Instytut profesjonalny. Można przyjść na wizytę, obejrzą dziecko i powiedzą czy ma dane czy nie. Jeśli nie ma absolutnie żadnych danych, lepiej nie próbować zmuszać dziecka do pójścia do szkoły, ponieważ grozi to obrażeniami i tragedią osobistą. Jeśli dziecko zostanie wydalone w trakcie studiów, jest to o wiele większa trauma, niż gdyby po prostu nie zapisało się. Uważam, że na balet należy chodzić tylko wtedy, gdy masz wszystkie dane i pragnienia dziecka.
Balet „Don Kichot” — Jaką radę dałabyś przyszłym baletnicom, które obecnie studiują i marzą o osiągnięciu Twojego sukcesu?
- Praca, praca i praca. Praca, praca i praca. Jeśli jest pragnienie, nie powinien to być tylko różowy sen, z którym dziewczyna biegnie i mówi, że będzie baletnicą. Za tymi słowami musi kryć się bardzo stanowcza decyzja, a nie żadna dziecinny charakter. W bardzo młodym wieku będziesz musiał być odpowiedzialny i dorosły. Jeśli podjąłeś tak poważną decyzję, teraz po prostu pracuj i idź do przodu.
— Jak baletnicom udaje się tak łączyć twardy temperament i oszałamiająca kobiecość?
„Być może w tym tkwi sekret tej sztuki.” Nauczyciele zawsze nam powtarzali, że widz nie powinien widzieć Twoich wysiłków. „Dużo pracujesz, wykonujesz niewyobrażalną aktywność fizyczną, ale dopiero na siłowni możesz pokazać, że jesteś zmęczony, oczy Ci się zamykają i po prostu nie możesz już nic więcej. Na scenie nikt nie powinien zgadywać, jak trudno jest uzyskać wszystko. Nieważne, jak trudny element wykonasz, żaden widz nie powinien podejrzewać, że jest on trudny.”
Dlatego widzowie często przychodzą i mówią: „Jesteś taki lekki, nieważki”. Wiele matek chce wysłać swoje dziewczynki na balet. Wydaje im się, że nie ma nic piękniejszego niż bycie baletnicą. Dziewczyny, które znają balet, rozumieją, jak trudne jest to wszystko.
Tego nas uczono. Musimy ukryć włożoną pracę i wysiłek. Dlatego uczą nas przez osiem lat – bardzo długo.
— Czy często płaczesz, mając tyle wytrwałości i determinacji?
- Kiedy będę musiał się powstrzymać, powstrzymam się w każdych warunkach. Ale jeśli jestem sama i nie muszę przed nikim ukrywać swoich emocji, to jestem bardzo sentymentalna i łatwo mi płakać. Szczególnie, gdy oglądam filmy wojenne lub słucham piosenek wojennych, gdy je usłyszę, mam ochotę płakać. Tutaj czasami nie mogę ukryć łez, nawet w środku miejsce publiczne. Na przykład w Dzień Zwycięstwa...
– Denerwujesz się przed wyjściem na scenę?
- Tak, oczywiście. Podniecenie cały czas się zmienia. Czasem jest tak, jak za pierwszym razem. Czasami w dobrym nastroju i z poczuciem całkowitej pewności siebie mogę zatańczyć serię przedstawień. Na dziesięć występów dziewięć będzie pewnych siebie, a na dziesiątym będę się trząść, jakbym nigdy nie tańczyła na scenie. To niesamowite, nie potrafię tego wytłumaczyć. Dzieje się to bardzo różnie.
— Gdyby Twoje dziecko przyszło do Ciebie i powiedziało, że marzy o tańcu w balecie, jak byś zareagował?
– Zareagowałbym pozytywnie. Jeśli dziecko chce, to czemu nie. Nie sprzeciwiłbym się temu. Ale zrobiłem wszystko, co możliwe, aby najpierw dziecko przeszło mała wycieczka w świat baletu, a po drugie, sam podjął tę decyzję. Poza tym jako rodzic opowiadałabym o wszystkich wadach tego zawodu i starałabym się przekazać całą odpowiedzialność, jaką on bierze na siebie.
— Gdybyś mógł za pomocą czarodziejskiej różdżki zmienić zawód, czy zrobiłbyś to i na jaki?
- Gdybym się zmieniła, to tylko na aktorkę dramatyczną, bo chciałam nią zostać.
Baletowe Jezioro Łabędzie” — Czy chciałbyś w przyszłości grać w filmach lub grać w teatrze?
- Tak, byłoby miło. (uśmiecha się). Z pewnością.
- Kto?
- Prawdopodobnie... Zawsze pociągała mnie Tatiana Larina. Bardzo chciałbym nią zagrać. (uśmiecha się).
– Gdzie widzisz siebie za pięć lat?
— Za pięć lat przede wszystkim chcę zostać mamą. Po drugie, chciałabym jeszcze bardziej odnieść sukces w swoim zawodzie, grać role, których jeszcze nie ma w repertuarze. Występować w niezbadanych jeszcze miejscach i występować ponownie w miejscach, w których już byłem: Paryżu, Londynie, Nowym Jorku, Mediolanie.
— Kilka pożegnalnych słów do wszystkich miłośników baletu, teatru i Waszych fanów...
— Życzę wszystkim udanego sezonu teatralnego. Aby wybór przedstawień był zawsze właściwy, aby wywoływały przyjemność i przekazywały coś jasnego i pożytecznego. I po prostu najcudowniejsze emocje z teatru. Prawdziwi widzowie teatru to ludzie bardzo subtelni. Ważne, żeby takich ludzi było więcej, ludzi bardziej kulturalnych, nie ze snobizmem, ale ze zrozumieniem sztuki.
- Jak można go rozwinąć?
- Musisz zrozumieć, co lubisz. Kiedy byłam mała, próbowałam kultywować ten smak. Robiłem nagrania wideo, uczestniczyłem w przedstawieniach i porównywałem je. Na przykład lubiłem młodego Rudolfa Nurejewa, podziwiałem go. Ale Nurejew w podeszłym wieku nie zrobił na mnie wrażenia. Nie mogłam o tym powiedzieć, było mi wstyd, bo to wybitny tancerz. Później zrozumiałem, że wszystko mi się zgadza, nauczyłem się oceniać, porównywać, rozumieć różnicę i rozwinąłem swoje podejście do sztuki.
Irina Zamotina rozmawiała z Evgenią
Zdjęcie: z archiwum osobiste Ewgienia