Esej jako rodzaj aktywności twórczej studentów. Esej: „Twórczość, która przynosi radość Czym jest esej o kreatywności

Już od najmłodszych lat zauważamy w sobie tę zdolność. Być może dziecko jeszcze ledwo umie mówić, ale już siedzi i wysuwając język, rysuje na papierze dom, drzewo i człowieka. Oczywiście nadal tylko kopiuje to, co widzi wokół siebie w otaczającym go świecie. A jednak rysunki dzieci to nie tylko imitacja. Nie są one jednakowe, każdy z nich wyraża duszę i charakter tego konkretnego dziecka. To samo widać w innych rodzajach twórczości dzieci - modelowaniu, śpiewaniu, tańcu, graniu prostych melodii na instrumentach muzycznych.

Wierzący widzą mądrą i kochającą rękę Boga we wszystkim, co ich otacza. Uważają, że cały świat został stworzony przez potężnego i życzliwego Stwórcę. Nie byłoby to możliwe, gdyby nie poczuli w sobie daru kreatywności. Zdając sobie sprawę z tego daru w sobie, dochodzą do wniosku, że cały świat został stworzony przez jakiś potężny twórczy umysł. Z drugiej strony, czując się częścią tego świata, rozumieją, że dar twórczy, który posiadają, jest jedynie odbiciem tego Najwyższego daru twórczego, który powołał do istnienia cały świat i ich samych. W ten sposób osiąga się holistyczne, harmonijne zrozumienie wzajemnych relacji Boga, świata i człowieka.

Dziecko rośnie. Wykonywane przez niego działania stopniowo stają się coraz bardziej złożone. Jego twórczość staje się również bardziej złożona. Teraz nie są to już proste bazgroły, ale złożone rysunki i obrazy. Tworząc takie dzieła naprawdę rozumie świat. Rozwijają się także jego zdolności muzyczne. Teraz nie są to już proste melodie dla dzieci, ale bardziej złożone utwory. Przy nich potrafi już coś komponować i improwizować. Rozwijają się także jego zdolności w zakresie innych umiejętności i sztuk, w szczególności tańca.

Tutaj porozmawiamy bardziej szczegółowo o jednej wyjątkowej, unikalnej zdolności człowieka - zdolności mowy werbalnej. Oczywiście to ona jest najważniejsza w życiu małego człowieka. Teraz zapamiętuje już coraz więcej nowych słów, teraz uczy się jaśniej i dokładniej wyrażać swoje myśli... W końcu dochodzi do kolejnej wyjątkowej ludzkiej zdolności - umiejętności pisania. Teraz może wyrażać bardziej złożone wrażenia i myśli i udostępniać je innym osobom. Od zwykłego zapisywania wrażeń i przemyśleń może przejść do pisania, czyli tzw. kreowanie nowej, wyjątkowej rzeczywistości, z konkretną ideą i celem. W tej nowej rzeczywistości może w sposób szczególny wyrazić swój stosunek do życia, swoje wewnętrzne przeżycia, a także przekazać potencjalnym czytelnikom złożone uczucia i przemyślenia. Tak powstaje nowy, bardziej złożony rodzaj sztuki – twórczość literacko-artystyczna. Oczywiście ten rodzaj twórczości jest typowy dla dojrzałych, dojrzałych ludzi.

Spróbujmy rozważyć niektóre cechy takiej „dorosłej”, „dojrzałej” twórczości. Być może przynajmniej będziemy tu rozmawiać o muzyce. Muzyka to sztuka bardzo szczególna, niezwykła, pozornie trudna do wyrażenia słowami. Jest mało prawdopodobne, abyśmy początków muzyki doszukiwali się w szumie wiatru, szumie strumienia i śpiewie ptaków. Wszystkie te dźwięki są praktycznie pozbawione melodii, która stanowi zasadniczą treść muzyki. Podstawą muzyki jest oczywiście śpiew, ludzki głos. Ale to, czym jest śpiew, jest także wielką tajemnicą. Oczywiście muzyka, dzięki swemu powiązaniu ze śpiewem, ma pewien związek ze słowami. Współczesne formy muzyczne, takie jak piosenka, kantata, opera, mogą mieć własną treść słowną i fabułę. Ale to nic nam nie mówi o naturze muzyki „czystej” – np. utworu instrumentalnego, symfonii. Istota tej muzyki wciąż pozostaje tajemnicą. Tymczasem kompozytorzy w dalszym ciągu komponują, konstruują złożone dzieła, wyrażają w nich złożone idee, koncepcje, uczucia w pewnym stopniu zrozumiałe dla słuchaczy. Być może w końcu muzyka jest językiem specjalnym, w przeciwieństwie do naszego zwykłego języka werbalnego. Dokładne „tłumaczenie” między tymi dwoma językami nie zawsze jest możliwe. Wiele osób zapewne zauważyło, jakie dziwne wrażenie wywołują artykuły i książki, których celem jest opisanie lub „wyjaśnienie” treści dzieł muzycznych. Rzeczywiście, muzykę należy postrzegać bezpośrednio. Być może jakiś „klucz” do jej zagadki dadzą nam niektóre jej powiązania ze sztuką tańca. Ale to, czym jest taniec, jest z kolei nie mniejszą zagadką. A połączone razem robią też niezwykłe wrażenie na widzach i tutaj też może zrodzić się jakaś treść, fabuła - ale to znowu nie powie nam nic o naturze „czystej” muzyki, którą kompozytor spekulacyjnie komponuje w myślach, a słuchacze równie spekulatywnie postrzegają, wsłuchując się w brzmienie instrumentów. Dlatego o muzyce nie będziemy tu prawie nic mówić.

W przypadku malowania sytuacja jest prostsza. Oczywiście jego podstawą jest obraz obiektów faktycznie istniejących w świecie. Człowiek jest obdarzony zdolnością widzenia, za jego pomocą poznaje przede wszystkim otaczający go świat - dlatego takie obrazy są jednym ze sposobów takiego poznania. Kopiujemy przedmioty oczywiście nie obojętnie, ale dlatego, że w taki czy inny sposób odnosimy się do nich. Na przykład żywność i powiązane z nią przedmioty służą naszemu życiu – i dlatego istnieją martwe natury. Lubimy zdjęcia natury, ponieważ jesteśmy z nią ściśle związani - i dlatego istnieją krajobrazy. Ogromną rolę w naszym życiu odgrywają inni ludzie – dlatego malujemy portrety bliskich. Bardziej złożone myśli i pomysły można przekazać poprzez malarstwo. Na przykład pewna kombinacja scenerii i postaci osób w różnych pozach, wzajemnych relacji między sobą, z różnymi wyrazami twarzy, może dać widzowi wyobrażenie o określonym wydarzeniu lub akcji. Na tej zasadzie zbudowane jest malarstwo historyczne lub gatunkowe. Jednocześnie artysta oczywiście przekazuje swoje doświadczenie życiowe, swój stosunek do życia, swoje wyobrażenie o tym, co jest dobre, a co złe. Dlatego jego obraz wywołuje reakcję w sercach widzów. Jednocześnie umiejętność artysty polega na tym, że różnymi środkami – za pomocą ogólnej kompozycji lub poszczególnych szczegółów – przekazuje ludziom to doświadczenie, postrzeganie życia, to, co uważa za dobre, a co złe. Aby tego dokonać, koncepcje te muszą być przede wszystkim mocne i jasne w samym artyście.

Źródłem naszych wyobrażeń o dobru i złu, o tym, co jest dobre, a co złe, jest Bóg. Dobrym, dobrym (a także prawdziwym, doskonałym, pięknym) nazywamy to, co jest zgodne z Jego wolą. Artysta musi zatem przede wszystkim dążyć do poznania woli Bożej i żyć zgodnie z nią. Wtedy jego myśli i uczucia, oceny otaczającego go życia, to co stara się wyrazić w swoich obrazach, w jakiś sposób przybliżą ludzi do Boga. Obrazy te nie muszą mieć koniecznie charakteru jawnie moralistycznego czy dydaktycznego. Wystarczy, jeśli po prostu wyrażają piękno i harmonię, poczucie spokoju i wyciszenia. Wystarczy, jeśli artysta przedstawiając różne zjawiska życiowe, wzbudzi w widzach sympatię do tego, czemu należy współczuć, radość do tego, z czego należy się cieszyć, wstręt do tego, od czego należy się odwracać. Wtedy jego twórczość właściwie orientuje ludzi w otaczającym ich świecie, mówi im coś prawdziwego, a przez to przybliża ich do Boga.

Jeśli artysta nie ma żywego poczucia Boga, nie pracuje nad swoją duszą, nie stara się oczyścić swoich myśli i uczuć, to jest rzeczą zupełnie naturalną, że wpadnie pod wpływ prawa grzechu, któremu podlega cała rasa ludzka podlega. Wtedy wszystkie jego myśli i uczucia zostaną zaćmione, jego oceny moralne staną się niepewne i nie będzie już w stanie prawidłowo orientować ludzi w otaczającym go świecie ani powiedzieć im czegoś prawdziwego. Może wpaść we władzę tego materialnego świata i po prostu kopiować otaczające go przedmioty, bez poczucia jakiegokolwiek moralnego, wyższego znaczenia. Owoce jego wyobraźni artystycznej nie zetkną się z Prawdą Najwyższą, a w najlepszym przypadku będą wytworem działalności jego ograniczonej ludzkiej świadomości. Zamiast holistycznej, harmonijnej wizji życia, będzie widział otaczający go świat, rozbity na odrębne części. Tak naprawdę bez szczerej, głębokiej wiary w Boga nie jest możliwa prawdziwa twórczość. Ale niestety wszyscy utalentowani, ale niewierzący artyści znajdują się w takiej sytuacji.

Do tej pory mówiliśmy o tzw. malarstwie realistycznym, czyli tzw. taki, w którym postacie ludzkie, zjawiska naturalne i różne przedmioty są wyraźnie i wyraźnie przedstawione. Istnieją jednak inne nurty w sztuce pięknej, zwłaszcza ostatnich stuleci, w których realistyczne przedstawienie otaczających obiektów i zjawisk nie jest na pierwszym planie. Weźmy na przykład impresjonistów. Można powiedzieć, że najważniejsze jest dla nich przedstawienie niezwykłych, nieuchwytnych stanów natury, subtelnych, nieuchwytnych stanów ludzkiej duszy. Sam pogląd na świat zależy od tego, w jakim stanie wewnętrznym znajduje się artysta. Wspominając swoje wczesne dzieciństwo, zdajemy sobie sprawę, że wtedy patrzyliśmy na cały świat zupełnie inaczej. W ten sam sposób różni dorośli w różnych momentach swojego życia, w zależności od swojego stanu wewnętrznego, mogą inaczej widzieć świat. Różnice te można w pewnym stopniu wyrazić za pomocą malarstwa. Zatem Van Gogh malując swoje obrazy niewątpliwie widział w otaczającym go świecie coś niedostępnego dla większości ludzi. Ocena duchowa i moralna takich dzieł nastręcza jednak pewne trudności. Faktem jest, że tak niezwykłe stany psychiczne mogą być spowodowane wpływem niektórych duchów na ludzi. Nie zawsze da się szybko określić, jakie siły duchowe oddziaływały na artystę – bliskie Bogu, czy dalekie od Boga. Dlatego też przy odbiorze takich dzieł sztuki należy zachować pewną ostrożność. Wydaje się konieczne uważne obserwowanie, czy takie obrazy wywołują poczucie spokoju i harmonii, czy odsłaniają nam coś ważnego na temat otaczającego nas świata - czy wręcz przeciwnie, budzą uczucia bolesne i niepokojące, zniekształcają nasze wyobrażenia o świecie i odciągnąć nas od rzeczywistości.

Zatrzymajmy się także na dziełach sztuki, które przedstawiają coś, czego w ogóle nie ma w naszym świecie lub znajome przedmioty wydają się zniekształcone, w dziwnych i nietypowych kombinacjach. Takie są na przykład obrazy abstrakcjonistów, którzy przedstawiają otaczający świat w postaci figur geometrycznych - i w ten sam sposób najwyraźniej starają się przekazać wewnętrzne stany i nastroje człowieka. Innym przykładem są obrazy Hieronima Boscha, pełne niezwykłych i przerażających stworzeń. Podobny przykład zdają się dawać niektóre obrazy Salvatora Dali. Obrazy Marca Chagalla i ich latających ludzi M.K. Ciurlionisa, przedstawiające dziwne zjawiska i przedmioty, „matematyczne” obrazy i ryciny Maurice’a Eschera są na swój sposób niezwykłe. Można przypuszczać, że w takich przypadkach mamy do czynienia z czystym dziełem ludzkiej wyobraźni. Ale fantazja, podobnie jak świadomość, również jest stworzona przez Boga i jest całkiem możliwe, że człowiek może sobie tylko wyobrazić to, co już naprawdę istnieje w świecie obrazów i idei, co zostało już stworzone przez Boga. Oprócz naszego istnieją inne światy i w niektórych momentach ludzka świadomość może dotknąć tych światów. Możliwe, że takie „dziwne” obrazy przedstawiają fragmenty lub obrazy innych światów, których w pewnym momencie świadomość artysty była w stanie dotknąć. „Klasycznym” przykładem są wizerunki aniołów i demonów na średniowiecznych, klasycznych obrazach. Stworzenia te nie istnieją w naszym świecie - ale widziało je wiele osób, dlatego rozwinęła się nawet pewna „tradycja” ich przedstawiania. To samo dotyczy dość „tradycyjnych” obrazów nieba lub piekła. W tym przypadku duchowe i moralne znaczenie takich obrazów jest jasne - ale najwyraźniej możliwe są inne, mniej tradycyjne zetknięcia ludzi z inną rzeczywistością. Z takimi dziełami sztuki należy obchodzić się jeszcze ostrożniej.

Oto kilka myśli na temat najbardziej rozpowszechnionej i „wizualnej” ze wszystkich rodzajów sztuki - malarstwa. Tutaj oczywiście nie postanowiliśmy opisać wszystkich jego stylów i odmian. Istnieje wiele sposobów i technik, którymi posługują się artyści, których nie sposób omówić w tym krótkim omówieniu. Poza tym jest wiele „złych” filmów, w których autor albo nie miał nic do przekazania widzom, albo próbując im coś przekazać, nie zrobił tego. Mieliśmy tu na myśli sytuację, gdy artysta miał pewien pomysł i potrafił go w jakiejś mierze zrealizować, a jego malarstwo pozostawiło jakiś ślad w historii sztuki – i nie było istotne, w jaki sposób, w jakiej technice zostało to wykonane namalowany. Celem nie było wyciągnięcie ostatecznych wniosków, ale zachęcenie czytelnika do zastanowienia się, przyjrzenia się bliżej słynnym dziełom sztuki i postawienia pytania: „Jaki jest ich zamysł, pomysł? Co autor chciał powiedzieć? Jakie uczucia, stany duchowe się w nich wyrażają?”

Fikcja. Co motywuje autora do pisania?

Przejdźmy teraz do głównej i najbardziej rozpowszechnionej formy twórczości - literatury. Nazywamy to podstawowym, ponieważ główną zdolnością człowieka, która faktycznie czyni go osobą, jest zdolność myślenia i wyrażania swoich myśli słowami. Porozumiewamy się głównie nie za pomocą dźwięków muzycznych czy obrazów wizualnych, ale poprzez mowę. Domy współczesnego człowieka wypełnione są przede wszystkim nie zbiorami nut i malowniczymi reprodukcjami, ale książkami. Wszystko to wskazuje na szczególne znaczenie słowa mówionego i pisanego w naszym życiu.

Powodem tego jest szczególna, pierwotna zdolność człowieka, wszczepiona mu przez samego Boga. Każdemu przedmiotowi lub zjawisku otaczającego świata możemy przypisać słowo, które zgodnie z pewną umową między ludźmi będzie je dla nas oznaczać. To samo dotyczy wszelkich działań, wydarzeń, znaków, a także naszych własnych wewnętrznych wyobrażeń, dążeń, myśli i uczuć. Dzięki temu możemy użyć określonej sekwencji słów, aby opisać prawie wszystko, co dzieje się w świecie zewnętrznym lub w naszym świecie wewnętrznym. Jednocześnie świat jako całość jest niezwykle złożony, a ludzka świadomość zwykle pojmuje jedynie małe fragmenty rzeczywistości, które wyraża za pomocą pojedynczych zwrotów i pewnych kombinacji wyrażeń. Zwroty zawierają przedmioty, działania i znaki – tj. wszystko, co istnieje w naszym prawdziwym świecie. Za pomocą pewnych reguł gramatycznych wszystkie te elementy są łączone - tak jak ma to miejsce w prawdziwym świecie. W ten sposób uzyskuje się dokładną zgodność pomiędzy naszą mową a rzeczywistością i tym samym okazuje się, że nasza mowa opisuje rzeczywistość.

Zagadnienia ludzkiego myślenia, świadomości, mowy najbardziej bezpośrednio wiążą się z podstawowymi pytaniami egzystencji - o strukturę naszego świata, o miejsce w nim człowieka, o sens istnienia wszystkiego, co istnieje. Poza tym ujawniają nam coś na temat samego Stwórcy – jeśli te właściwości przypisane są jedynej duchowej istocie w naszym świecie – człowiekowi, to znaczy, że w jakimś innym, głębszym sensie przypisane są także duchowemu Stwórcy naszego świata na którego obraz i podobieństwo dana osoba jest. To jest dokładnie to, co mówi nam Kościół. Ale tutaj mamy do czynienia ze skromniejszym zadaniem - rozważeniem czysto ziemskiej, werbalnej, a przede wszystkim pisemnej, twórczości literackiej.

Rozpoczyna się oczywiście także od twórczości ustnej. Bajka opowiadana dziecku, przemówienie przed ludźmi to najprostsze przykłady takiej kreatywności. Innym przykładem jest prosta rozmowa między ludźmi. Nie ma co myśleć, że sztuka nie jest tu w ogóle potrzebna. Są dobrzy i źli mówcy, dobrzy i źli mówcy. Każda mowa, ponieważ wiąże się z ruchem myśli i wysiłkiem zrozumienia rzeczywistości, jest sztuką, której można się nauczyć. A jednak tak naprawdę o sztuce zaczynamy rozmawiać wtedy, gdy ludzie pragną zapisać na piśmie określoną sekwencję myśli i wyrażeń.

Tutaj znajdziesz także najprostsze formy takiej kreatywności. Zarys przyszłego przemówienia lub notatka z wykładu są najlepszymi przykładami. W obu przypadkach trzeba się zastanowić, aby podkreślić to, co najważniejsze. Następnie następuje pisemny zapis niektórych wydarzeń – kronika lub pamiętnik. W takich przypadkach mamy do czynienia ze zrozumieniem zachodzących wydarzeń, swego rodzaju „wewnętrzną rozmową” z samym sobą lub z docelowym czytelnikiem. Szczególne miejsce zajmuje gatunek epistolarny, będący w istocie pisemną „rozmową” pomiędzy osobami oddalonymi od siebie, która toczy się według nieco innych praw niż zwykła rozmowa „twarzą w twarz”. „Kino domowe” odgrywa ważną rolę, gdy ludzie „odgrywają” określone sceny i zdarzenia oraz gdy mają ochotę zapisać na piśmie określony ciąg uwag, aby później go ponownie wykorzystać. Czymś szczególnym jest poezja, która polega na pragnieniu człowieka wyrażenia szczególnie bliskich mu myśli w formie rytmicznej (i często rymowanej), a która ze względu na pracochłonność takiej twórczości polega zwłaszcza na spisaniu. Można tu dodać gatunek refleksji, czy badań, w jakim w szczególności te strony zostały napisane. I teraz, z tych najprostszych zasad, najwyraźniej wszystko, lub prawie cała różnorodność słownych dzieł sztuki znanych nam w czasach chwili obecnej, powstaje.

Umiejętność tworzenia takich dzieł nie rozwija się w człowieku od razu. W pierwszych latach życia dziecko nie potrafi nawet mówić. Potem, gdy nauczył się mówić, przez długi czas nie mógł pisać. Potem uczy się pisać pierwsze litery i słowa na papierze - ale do prawdziwej kreatywności jeszcze daleko. Pierwsze podobieństwo pojawia się, gdy dziecko pisze do kogoś swój pierwszy list lub pisze swoje pierwsze szkolne eseje na temat „jak spędziłem lato”. W starszym wieku pojawia się możliwość napisania opowiadania. Niektóre nastolatki próbują prowadzić pamiętnik. W młodości wielu zaczyna pisać wiersze. Zwykle także tworzenie „syntetycznych” dzieł sztuki – piosenek z akompaniamentem muzycznym.

Wszystko to dzieje się w dużej mierze dlatego, że człowiek od dzieciństwa jest zanurzony w różnorodnej kulturze ludzkiej. Odbiera ze słuchu i bezpośrednio treść już powstałych książek, czyta poezję, słucha bezpośrednio i w nagraniach różnych piosenek. W ten sposób uzyskuje wyobrażenie o różnorodności form artystycznych rozwiniętych przez ludzkość, które istnieją, ponieważ są charakterystyczne dla człowieka w ogóle, a zatem oczywiście charakterystyczne dla niego samego.

Tutaj szczegółowo rozważymy rozwój zdolności artystycznej prozaicznej kreatywności człowieka. Nie jest tajemnicą, że większość książek istniejących na świecie jest pisana prozą, a wśród nich dzieła literackie, czyli cieszą się największym zainteresowaniem czytelników. takie, w których obecne są pewne postacie i ma miejsce jakaś akcja. Można bez przesady powiedzieć, że proza ​​literacka jest głównym rodzajem pisanej twórczości werbalnej. (Jednocześnie najwyższym z tych typów będziemy niewątpliwie nazywać poezję – ale za sprawą b O Ponieważ tworzenie dzieł poetyckich jest bardziej pracochłonne, ich łączna objętość w porównaniu z prozą okazuje się stosunkowo niewielka.)

Najwyraźniej potrzeba takiej kreatywności pojawia się u człowieka w młodości, kiedy wyrusza na ścieżkę niezależnego życia, a krąg jego wrażeń życiowych niezwykle się rozszerza. W tym czasie po raz pierwszy staje przed prawdziwymi trudnościami życiowymi; staje przed pytaniami o sens życia, o swój cel, o swoje miejsce wśród innych ludzi. Rodzi to w nim potrzebę zrozumienia nowych doświadczeń życiowych, której ostatecznym celem jest znalezienie odpowiedzi na pytanie: „Jak żyć?”

Młody człowiek nie czuje się jednak odizolowany od reszty społeczeństwa. Widzi wokół siebie wielu ludzi, którzy borykają się z mniej więcej takimi samymi problemami jak on sam. Może zrodzić się w nim chęć zapisania w jakiś sposób swoich doświadczeń życiowych, szczególnie w zakresie doświadczanych problemów i poszukiwania ich rozwiązań. To, niezależnie od wiary, jest przejawem naturalnej ludzkiej solidarności. Jednocześnie przed jego oczami stają próbki gotowych dzieł literackich, które zdążył już przeczytać. Pamięta ich charakter, ogólnie rzecz biorąc, jak są zbudowani i jak zapisane doświadczenia innych ludzi pomogły mu w pewnym stopniu w rozwiązaniu własnych problemów. Wszystko to razem najwyraźniej może zmotywować osobę do podjęcia próby twórczości literackiej.

W tym przypadku główną formą zapisu tego doświadczenia będzie proza. W końcu mówimy o zrozumieniu pewnych wydarzeń, sytuacji, postaci - i do tego najbardziej odpowiedni jest styl narracji opowieści, obejmujący opisy, różne odcinki, niektóre postacie, rozmowy między nimi, trochę akcji, przemyślenia autora i jego bohaterowie - tj. wszystko, co jest charakterystyczne dla prozy. Nie pasuje tu wysoki nastrój charakterystyczny dla poezji, gdyż nie da się przedstawić w formie poetyckiej tak dużej liczby scen i wydarzeń, a w samej treści opisywanych wydarzeń z reguły nie ma nic inspirującego.

Główną treścią będzie to samo pytanie o to, „co jest dobre, a co złe”, ukazanie różnych sytuacji cierpienia i możliwości wyjścia z nich. Głównym wrodzonym poczuciem człowieka jest to, że cierpienie jest złe, a brak cierpienia jest dobry, a główną treścią dzieł literackich jest opis różnych problemów i sytuacji niekorzystnych, z których człowiek znajduje wyjście. Jeśli na końcu nie zostanie wskazane wyjście, być może sam autor o tym nie wiedział - ale czytelnik nie będzie miał wątpliwości co do bolesności i nienormalności wszystkiego, co zostało opisane, i on sam poczuje, że wciąż istnieje sposób na zewnątrz. Jeśli opisano szczęśliwe życie, w którym nie ma problemów, czytelnik potraktuje to z niedowierzaniem i w ogóle nie jest jasne, po co to zostało napisane, więc problemy i tak muszą się pojawić. Mamy tu na myśli ważną właściwość wszelkiej prozaicznej twórczości artystycznej w ogóle - jest to właśnie twórczość „problematyczna”, musi być poświęcona pewnemu problemowi i jego rozwiązaniu. Nie udajemy jednak, że uwzględniliśmy tutaj wszystkie możliwe formy i style fikcji.

Ważną cechą tego rodzaju dzieła jest to, że sam autor jest wyraźnie lub pośrednio wliczony w liczbę znaków. Czasem wydaje się to pewne – jeśli historia jest opowiadana w pierwszej osobie. W tym przypadku czytelnik jest niemal pewien, że autor mówi po prostu o sobie. W rzeczywistości wszystko jest bardziej skomplikowane. Autor oczywiście także rozpoznaje siebie jako jedną z osób, dlatego może „przebrać się” za jednego z bohaterów, opowiadając o sobie historię w trzeciej osobie. Z drugiej strony interesują go inni ludzie, łączą go z nimi więzy sympatii, dlatego może próbować „utożsamić się” z innym bohaterem, opowiadając historię w jego imieniu, jak od „ja”. Potrafi już w pewnym stopniu „wznieść się” ponad opisaną przez siebie sytuację, osiągnąć jej nowe zrozumienie – a wtedy stworzeni przez niego bohaterowie, niezależnie od tego, czy pisane są w pierwszej, czy trzeciej osobie, będą owocem jego aktualnej twórczości, a nie po prostu wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia z życia. Ale w każdym razie cały esej będzie owocem jednej, bardzo specyficznej świadomości, pojmującej otaczającą rzeczywistość i jej ścieżkę życiową, dlatego też sam autor będzie w nim w ten czy inny sposób, bezpośrednio lub pośrednio, obecny swoimi myślami , uczuć, szuka swojego miejsca w życiu, z problemami i cierpieniami, które musiał znosić, i próbuje je przezwyciężyć.

Z biegiem czasu charakter takiej kreatywności może się zmienić. Przecież od samego początku służyło zrozumieniu własnego doświadczenia wewnętrznego - a doświadczenie człowieka stopniowo rośnie. Zmienia się jego podejście do życia, pokonuje pewne wewnętrzne problemy, jego spojrzenie staje się głębsze i bardziej całościowe, odkrywa nowe obszary życia. W związku z tym zmienia się treść jego dzieł literackich. Ogólnie można powiedzieć, że taka twórczość rozwija się wraz z jego osobowością, wyraża jej aktualny stan i sama służy jako środek jej rozwoju.

Zastanówmy się teraz, na czym polega umiejętność, czyli sztuka, twórców dzieł sztuki. Przypomnijmy raz jeszcze, że taka sztuka to przedstawianie za pomocą słów zdarzeń z życia zewnętrznego i wewnętrznego. Być może dzieje się tak dlatego, że każdy przedmiot, czynność, znak, a także różne ich kombinacje, wewnętrzne myśli i uczucia człowieka można skojarzyć z określonymi słowami, co pozwala za pomocą różnych ciągów słów opisać niemal wszystko, co istnieje na tym świecie. Większość wyrażeń, które możemy wypowiedzieć lub napisać, powie nam, że tam jest to a takie miejsce, że tacy a tacy ludzie tam byli i robili tamto, że ktoś coś powiedział, pomyślał lub poczuł, że w takim a takim miejscu było takie a takie takiej sytuacji, że taka a taka osoba miała do czegoś taki a taki stosunek. Zasadniczo to wszystko, co dzieje się na tym świecie. W ten sposób możliwe staje się użycie zwrotów do opisania dość dużych sekwencji zdarzeń, przekazania sobie czegoś ważnego oraz wywołania w sobie różnych myśli i uczuć. Jak to się stało?

Przede wszystkim niezwykle ważne jest, co dokładnie autor ma na myśli. Możesz opisać najbardziej niezwykłe wydarzenia i działania, wybrać do tego najbardziej wyraziste słowa - ale to w ogóle nie wpłynie na czytelnika, jeśli nie dotknie ważnych myśli i uczuć w jego duszy. Konieczne jest, aby to, co się mówi, odnosiło się do życia i dotykało czegoś ważnego w duszach ludzi.

Przyjęliśmy założenie, że głównym powodem motywującym taką twórczość jest przedstawienie sytuacji pewnego rodzaju kłopotów, problemów, z których bohater znajduje wyjście. I w tym przypadku historia ma oczywiście sens, ponieważ opisuje ruch w kierunku b O większe szczęście, harmonia, czyli ostatecznie to, co podoba się Bogu.

W tym przypadku zadaniem autora jest stworzenie sekwencji działań, scen, w których można opisać tę sytuację. Tutaj wchodzimy bezpośrednio w obszar opisu słownego konkretnej sytuacji, osób i ich działań. Faktem jest, że karykatury, sceny dzieł sztuki najwyraźniej nie mogą istnieć „przezabawnie”, „abstrakcyjnie”, niezależnie od ich słownego wyrazu. Nawet jeśli dopiero powstają w umyśle autora, już w jakiś sposób zostały ubrane w słowa. Jeżeli dzieła sztuki lub jego poszczególnych scen nie da się w jakiś sposób utrwalić, a przynajmniej opowiedzieć w sposób ogólny, to jest to równoznaczne z ich całkowitym nieistnieniem. Treść dzieła sztuki, jego poszczególnych scen i epizodów pojawia się więc bezpośrednio ubrana w słowa. Może oczywiście nastąpić wstępny etap przemyślenia pomysłu, wyjaśnienia głównych myśli i idei - a jednak dzieło sztuki naprawdę rodzi się w swojej werbalnej formie.

Na wczesnych etapach twórczości (w młodości, o której teraz mówimy) często nie ma mowy nawet o poważnym rozważeniu tego pomysłu. Kreatywność bierze się raczej z wrażeń zewnętrznych, z wydarzeń i epizodów, które były szczególnie uderzające. Dopiero wtedy można z nich skompilować pewną sekwencję działań i dodać trochę przemyśleń. Następnie, wraz z gromadzeniem doświadczenia, sekwencje te stają się coraz bardziej złożone, do prawdziwych wrażeń dodaje się coraz więcej wyobraźni, co ostatecznie może doprowadzić do pozornie najwyższego etapu twórczości artystycznej - stworzenia własnego „ światy artystyczne” (przynajmniej z „materiału” realnie otaczającego świata), po twórczość „od projektu i pomysłu”, a nie od wrażeń zewnętrznych.

Ale w każdym razie pomysł należy zrealizować za pomocą słów. To, obok tworzenia fabuły, jest jednym z głównych zadań autora. Trzeba wyrazić wszystko, co wymyślono, słowami, a jednocześnie wybrać najlepsze słowa, aby przedstawić niezbędną sytuację, postacie, ich cechy, myśli, słowa i działania. Jednocześnie, jak już powiedzieliśmy, okazuje się, że wiele z tego nie jest wymyślonych z góry, ale rodzi się bezpośrednio w procesie twórczym. Praca nad słowem przebiega równolegle z tworzeniem samej „tkaniny” dzieła sztuki, wyborem tych sytuacji, przedmiotów, działań, cech, które powinny się w nim zawrzeć. W tym – tj. w ostatecznym wyborze tego, co dokładnie jest opisywane, jest kolejnym ważnym zadaniem autora. Jeśli ma się pewne doświadczenie, zazwyczaj pojawia się chęć zadbania o to, aby każdy szczegół dzieła sztuki – jakikolwiek przedmiot, wydarzenie, działanie – był powiązany z ogólną koncepcją, z całością dzieła sztuki, tak aby istniały nie ma w nim „pustych”, „przypadkowych” obiektów ani zdarzeń. Na wcześniejszych etapach (dla niedoświadczonych autorów) może to nie być do końca prawdą - niemniej jednak w tym przypadku można osiągnąć pewną integralność wrażenia artystycznego. W każdym razie „kryterium” doboru szczegółów może stanowić główny bohater, który do czegoś dąży, myśli, czuje i którego oczami autor może „widzieć” otaczającą sytuację. Wtedy „ważne”, „istotne” w dziele sztuki staje się to, na co pada wzrok głównego bohatera, co wydaje mu się ważne, co odpowiada niektórym jego wewnętrznym stanom, myślom i uczuciom. Jednocześnie autor stara się „wyselekcjonować” te szczegóły, które najlepiej oddają stan głównego bohatera i wybór ten okaże się udany, jeśli rzeczywiście mu się to uda.

Praca nad samym słowem opiera się na „wielowariantności” naszego języka. Tak naprawdę niemal każdą treść możemy wyrazić na kilka różnych sposobów. Co więcej, metody te nie są całkowicie identyczne, ale wprowadzają pewne różnice w opisie tej treści. Zadaniem autora jest wybranie najbardziej odpowiednich opcji. Różne opcje różnią się z reguły emocjonalnym, wartościującym podejściem do opisywanych obiektów i zjawisk. Tym samym autor dobierając odpowiednie słowa tworzy pewien klimat narracji, kształtuje pewną ocenę, pewien stosunek czytelnika do opisywanych zjawisk. Jednocześnie widać, że autor nie tworzy „od zera”. Do jego dyspozycji pozostaje całe bogactwo jego ojczystego języka, całe doświadczenie zgromadzone przez jego lud w poprzednich stuleciach – w takim stopniu, w jakim on sam był w stanie je opanować w ciągu swojego życia. Autor tworzy w już istniejącym „elementzie językowym” swojego ludu. A najlepszym rezultatem, jaki może osiągnąć, jest wybranie najbardziej jasnych, prostych i zrozumiałych słów dla jak największej liczby swoich rodaków, aby wyrazić najbardziej jasne, zrozumiałe i drogie tym ludziom obrazy i idee.

Konkretne przykłady – dzieła Tołstoja i Dostojewskiego

Rozważmy teraz dla przykładu kilka konkretnych dzieł konkretnych autorów. Weźmy dwóch największych pisarzy rosyjskich – Lwa Tołstoja i Fiodora Dostojewskiego. Są one najbardziej odpowiednie dla naszych celów, ponieważ są to poważni pisarze, których praca poświęcona była formułowaniu i rozwiązywaniu głębokich problemów, a na ich przykładzie niektóre wzorce będą lepiej widoczne.

Obaj ci wielcy artyści posługiwali się w swojej twórczości zwykłymi środkami twórczości literackiej, tj. używając słów swojego ojczystego języka, opowiadali nam, że tacy a tacy ludzie coś zrobili, poszli gdzieś, coś powiedzieli, coś pomyśleli lub poczuli, a jednocześnie znajdowali się w takim a takim środowisku. Jak jednak odmienne jest wrażenie od dzieł tych dwóch pisarzy, jak różna jest sama „atmosfera” ich dzieł!

Dzieła Tołstoja niewątpliwie takie są O większa „materialność”. Opisują sytuację bardziej obiektywnie, b O Większe znaczenie mają przedmioty materialne, widzialne. Oczywiście ważny jest także świat wewnętrzny bohaterów – ale w ogóle istnieje chęć zachowania samego obiektywizmu, ukazania człowieka na tle otaczającego go świata, w jego relacjach z ludźmi i z tym światem.

U Dostojewskiego wszystko wydaje się bardziej „subiektywne”. Wiele opisów scenerii wynika z postrzegania jego postaci. Zaskakujące jest jednak, że w ten sposób uzyskuje się niesamowitą „widoczność” i „efekt obecności”. Faktem jest, że główna uwaga skupiona jest tutaj na wewnętrznym świecie bohaterów, na ich wewnętrznych stanach, myślach i uczuciach. Większość z nas wciąż ma poczucie, że prawdziwa rzeczywistość to nasza wewnętrzna rzeczywistość. A kiedy natrafiamy na mistrzowskie, trafne przedstawienie tej rzeczywistości, jesteśmy gotowi przyznać, że przedstawiony jest tu prawdziwy, realny świat. Jednocześnie opis sytuacji schodzi na dalszy plan i kierując się prawdziwością wewnętrznego, psychologicznego opisu, jesteśmy gotowi go „odtworzyć” w oparciu o drobne, nieistotne szczegóły. Najważniejsze są wewnętrzne portrety ludzi, z ich aspiracjami, uczuciami, pasjami, wzajemnymi powiązaniami tych uczuć i pasji oraz ich wzajemnymi wewnętrznymi przejściami.

Sugeruje to, że samo podejście do przedstawiania świata rzeczywistego w różnych dziełach i u różnych autorów może być odmienne. Wynika to z faktu, że prawdziwy świat jest nieskończenie złożony i każdy człowiek w dowolnym momencie lub okresie swojego życia widzi i rozumie tylko jego część. To samo dotyczy złożonych działań wewnętrznych związanych z tworzeniem dzieł sztuki. Tworząc fabułę, zastanawiając się nad pomysłami eseju, dobierając szczegóły obrazu, autor nieuchronnie opisuje tylko część rzeczywistości - dokładnie tę, którą był w stanie zobaczyć ze swojego punktu widzenia. Te „punkty widzenia” mogą być różne w różnych okresach życia, od pracy do pracy. Zasadniczo autor, wybierając ten „punkt widzenia” i przedmioty, które przedstawi, kreuje w każdym nowym dziele swój własny „nowy świat”. I taki „świat wyjątkowy” istnieje w każdym nowym dziele każdego poważnego autora.

Tutaj mamy do czynienia z kolejną cechą - że „światy” dwóch różnych autorów, które już dla każdego z nich zmieniają się z dzieła na dzieło, mogą być dla nich zasadniczo różne. Właściwie jest to tak zwana „indywidualność artystyczna”. W ten sposób rozróżniamy różnych autorów.

I tak z tego punktu widzenia można zauważyć, że dzieła Tołstoja, przy całej swojej harmonii i harmonii, ze wszystkimi zdrowymi i jasnymi uczuciami, które często się w nich wyrażają, mają pewną skłonność do „materialności”, do ukazania tego zewnętrzny świat widzialny. Obecna jest w nich idea Boga – a mimo to często przedstawia się człowieka jako stojącego przed światem, przed społeczeństwem, „przed samym sobą”.

Jednocześnie w dziełach Dostojewskiego, pozornie tak bolesnych, pełnych ponurych i ciężkich uczuć, centralne miejsce zajmuje dusza ludzka, jej odwrót od Boga i powrót do Boga, jej poszukiwanie Prawdy i pragnienie Prawda. Można powiedzieć, że głównym tematem twórczości Dostojewskiego jest człowiek wobec Boga. Z tego punktu widzenia twórczość Dostojewskiego jest bardziej duchowa - i to ostatecznie może przesądzić o przyszłych losach twórczości tych dwóch pisarzy.

Rozważmy teraz w najbardziej ogólny sposób ich drogę twórczą. Obydwa zaczynali od stosunkowo niewielkich dzieł („Dzieciństwo” i „Dorastanie” Tołstoja oraz powieść „Biedni ludzie” Dostojewskiego). Można śmiało powiedzieć, że podstawą wszystkich tych pism były wrażenia z prawdziwego życia. W przypadku „dzieciństwa i dorastania” jest to oczywiste – choć oczywiście nie brakuje w tych utworach uogólnień, fikcji artystycznej, poetyki rzeczywistości. Możemy być jednak pewni, że autor w bardzo dużej mierze korzysta z autentycznych wrażeń z wczesnych okresów swojego życia. Powieść Dostojewskiego „Biedni ludzie” jest napisana zupełnie inaczej – a mimo to niewątpliwie opiera się także na rzeczywistych wrażeniach autora. Daje obrazy z życia różnorodnych ludzi, z różnych warstw społecznych, których Dostojewski mógł spotkać w młodości. Co ciekawe, uwaga Tołstoja skupiona jest przede wszystkim na nim samym, podczas gdy Dostojewskiego zajmują głównie inni ludzie, ich radości, kłopoty i cierpienia. Punkt ten może mieć istotne znaczenie dla zrozumienia twórczości obu autorów. Ciekawe jest również to, że Dostojewski nie unikał w swojej twórczości tematu „dzieciństwa i dorastania” – wspomnienia Varenki są mu poświęcone w powieści. Obydwa dzieła stanowią zatem pewne uogólnienie wrażeń z wczesnego życia ich autorów. Jest to w pełni spójne z wyrażoną wcześniej koncepcją, że tego typu eseje rodzą się jako pierwsza próba młodego człowieka zrozumienia i uogólnienia swoich doświadczeń życiowych. Odpowiada temu również wiek pisarzy – obaj autorzy w chwili publikacji swoich pierwszych dzieł mieli około 24 lat.

Tę tendencję – opierania się w swojej twórczości na wrażeniach z życia codziennego – kontynuują obaj autorzy. Jest to oczywiste w „Opowieściach sewastopolskich” Tołstoja i innych jego wczesnych utworach krótkometrażowych. Przy całej ich poezji i kunszcie wszędzie ukazana jest pewna sceneria, sytuacja, wydarzenie z życia bohatera, które niewątpliwie i chętnie jesteśmy gotowi uznać za „bezpośrednio wzięte z życia”. A więc aż do opowieści „Kozacy”, która przy całym swoim kunszcie wygląda jak „bezpośredni opis wrażeń życiowych”.

I dopiero później taki „bezpośredni” opis życia ustępuje miejsca dziełom na dużą skalę, w których ważne jest coś innego – pomysł autora, holistyczne rozumienie życia, całego wszechświata. Oczywiście autentyczność życia również tutaj została zachowana, ale byłoby to znacznie więcej O Największym elementem jest kreatywność autora, która polega na stworzeniu złożonej kompozycji, zawierającej szczegółową fabułę i wielu bohaterów. Takie są powieści „Wojna i pokój” oraz „Anna Karenina”. W nich autor nie opiera się raczej na wrażeniach z prawdziwego życia, ale na ogólnej idei, tworząc holistyczny obraz życia. Czytając je, nie powiemy, że najważniejszy jest w nich opis konkretnych osób i konkretnych sytuacji życiowych - ale że zawierają ogólne zrozumienie otaczającej rzeczywistości.

Coś podobnego widzimy u Dostojewskiego. Jego wczesne prace nadal noszą piętno tej samej „żywej konkretności”. Zarówno „Białe noce”, jak i „Netochka Nezvanova”, mimo całego swojego kunsztu i poezji, wciąż sprawiają wrażenie historii z życia wziętych. Dotyczy to także powieści „Upokorzony i znieważony”, a nawet „Notatek z domu umarłych”, które w pełni oddają rzeczywiste wrażenia człowieka ciężko pracującego.

Ale później pojawiają się wielkie „powieści idei”, w których odkrywamy bardziej złożony związek z rzeczywistością. Nikomu nie przyszłoby do głowy, że jakiś student mógłby zrobić to samo, co Raskolnikow, a jednocześnie doświadczyć tych samych wydarzeń i przeżyć te same uczucia, lub że jakakolwiek osoba mogłaby zachować się dokładnie w ten sam sposób, jak Nikołaj Stawrogin. Postacie te zostały stworzone, aby wyrazić jakąś autorską ideę, aby zrozumieć otaczające życie i jego wzorce. Duże znaczenie mają złożone interakcje bohaterów, idei religijnych i filozoficznych, rzeczywistość często mylona jest z fantazją – tj. autor z pewnością tworzy swój własny „świat”. Jednocześnie zachowana jest pewna autentyczność i zgodność z rzeczywistością. W każdym razie nie ulega wątpliwości, że powieści te stanowią wyższy poziom w twórczości autora. Dla Dostojewskiego wszystkie jego powieści są takie, począwszy od Zbrodni i kary.

Nie należy sądzić, że pomiędzy tymi dwoma okresami twórczości – „wczesnym” i „dojrzałym” – istnieje jakaś „granica nieprzekraczalna”. A we wczesnych pracach obu autorów są dość głębokie idee i uogólnienia – podobnie jak w ich dojrzałych dziełach – „materiał faktyczny życia”, co nadaje im realizmu i autentyczności. Mówimy raczej o stopniowym dojrzewaniu, kształtowaniu się duszy autora. Świadomość rośnie, staje się bardziej dojrzała - i zachodzi potrzeba głębszych uogólnień, wyjścia nie „od faktu”, ale „od idei”, chęci zrozumienia świata „jako całość”. Jednocześnie sam kierunek rozwoju najwyraźniej odpowiada planowi Stwórcy, który polega na wychowaniu duszy, „wzniesieniu się” z wrażeń zewnętrznych, aby zrozumieć istotę rzeczy, ten pierwotny plan, który ostatecznie został ułożony we wszechświecie, sam. Nad tym pracuje świadomość autora. Dążąc do zbliżenia się do Boga, upodabnia się w pewnym stopniu do Niego, nabywa dar swobodnej twórczości, umiejętność tworzenia „własnych światów”. Jednocześnie twórczość ta nie może być całkowicie niezależna – człowiek został stworzony przez Boga, aby żyć w tym świecie, dlatego autorzy wciąż tworzą „swoje własne światy” z elementów tego świata.

Możesz zwrócić uwagę na jeszcze jeden szczegół. Najnowsze powieści obu pisarzy („Zmartwychwstanie” L.N. Tołstoja i „Bracia Karamazow” F.M. Dostojewskiego) wyróżniają się oczywiście głębią treści i są ważnymi wydarzeniami w literaturze światowej – a jednocześnie, według recenzje wielu czytelników, czytanie ich nie jest tak interesujące. Istnieje opinia, że ​​​​pod względem artystycznym są one słabsze od poprzednich dzieł tych pisarzy. Można to oczywiście wytłumaczyć naturalnymi, „fizycznymi” przyczynami. Na starość świadomość człowieka nie jest już tak jasna, jego wyobraźnia nie jest tak żywa i ogólnie jego wydajność jest zmniejszona. Dlatego też twórczość artystyczna jest mu dana z b O z większym wysiłkiem. Tworzenie jasnych, pełnokrwistych obrazów jest już trudniejsze. Na starość następuje naturalne „zanikanie talentu”.

Ale można do tego podejść od drugiej strony. W tych pracach znaczenie idei staje się jeszcze większe niż w poprzednich. W istocie jest to kolejny krok w ewolucji pisarzy na drodze podporządkowania rzeczywistości ideom. Dochodzi do tego, że obrazy stają się mniej żywe i pełnokrwiste, służą bowiem wyrażaniu pewnych idei. Zatem Niechludow, pomimo wielu zachodzących wydarzeń i złożoności jego doświadczeń, pozostaje w naszej świadomości jako wyraz idei grzechu i pokuty. W odróżnieniu od księcia Andrieja, Nataszy Rostowej czy Anny Kareniny nie mamy pojęcia, jakim był człowiekiem, w naszym mniemaniu okazuje się on niemal pozbawiony specyficznych, indywidualnych cech.

Podobnie bohaterowie powieści Dostojewskiego - Alosza, Dymitr, Iwan - okazują się raczej nie prawdziwymi ludźmi, ale wyrazem pewnych ludzkich właściwości - szczerej wiary, życia pod wpływem namiętności, pewności siebie i polegania na rozumie . Oni także są w dużej mierze pozbawieni specyficznych cech ludzkich. Można nawet powiedzieć, że powieść ta nie ukazuje różnych osobowości ludzkich, lecz cechy (lub aspekty życia) tej samej osobowości, „ucieleśniane” w postaciach różnych bohaterów. To w istocie przenosi powieść „Bracia Karamazow” poza zakres zwykłej literatury.

Obydwaj autorzy robią zatem „kolejny krok” na drodze „abstrakcji od rzeczywistości”, na drodze podporządkowania wykreowanych w ich powieściach „światów” swoim wyobrażeniom. Jednocześnie wyrazistość i przekonująca szczegółowość sprawiają, że obraz jest wciąż żywy i realistyczny. Jednak według wielu czytelników powieści te nie są już tak interesujące w czytaniu. O co chodzi? Najwyraźniej faktem jest, że w dziele literackim koniecznie muszą być jakieś poszukiwania, element poznania nieznanego, trzeba stawiać nowe pytania i szukać na nie odpowiedzi. Dzieło literackie to pewien proces poznawania otaczającego nas świata, który dokonuje autor wraz z czytelnikiem. Jeśli autor ma już „wszystko jasne”, jeśli zna już wszystkie odpowiedzi i swoim pismem wyraża idee, które są dla niego już oczywiste, to zostaje naruszona sama istota literatury i nic dziwnego, jeśli takie dzieło staje się okazała się mało interesująca dla czytelnika. Kogo właściwie trzeba przekonywać, że trzeba wierzyć w Boga, kochać innych ludzi, troszczyć się o nich, żałować za swoje grzechy, czynić dobro – i inne tym podobne rzeczy, które w istocie stanowią treść obu powieści? Obydwaj autorzy pod koniec życia doszli do tych naturalnych wniosków, do których dojdzie każdy szczerze poszukujący Prawdy – ale czy prawdy te potrzebują twórczego, artystycznego wyrazu? Czy nie lepiej po prostu żyć zgodnie z nimi – lub, jeśli wydaje się to konieczne, napisać bezpośrednio o nich?

I takie aspiracje widzimy w życiu obu autorów. Nie mówmy już o tym, że oboje starali się prowadzić godne, moralne życie i starali się, na ile to możliwe, urzeczywistnić w swoim życiu zasady Ewangelii. Nawet jeśli nie wykracza się poza granice ich twórczości, to u schyłku życia oboje wykazują wyraźnie tendencję do bezpośredniego wyrażania swoich myśli, do pisania bezpośrednio na tematy duchowe i moralne. U Tołstoja przejawiało się to w jego dziełach filozoficznych i publicystycznych, u Dostojewskiego – w jego artykułach i w „Dzienniku pisarza”. Czym była dla nich twórczość artystyczna w tym okresie życia? Jest to raczej umiejętność nabyta, nawykowy, „wyćwiczony” sposób wyrażania myśli. Nie jest to już dla nich takie ważne – ale czasami można do tego wrócić „ze względu na dawne czasy”. A ten drugi interesuje się już innymi sprawami, duchowymi i moralnymi, i chętnie wyraziłby swoje myśli bezpośrednio - choć czasami wciąż próbuje je wyrazić w zwykłej, starej formie. Ale ta forma nie odpowiada już nowej treści, a eseje nie są tak przekonujące i jasne. W istocie widzimy tu przejście do nowego, trzeciego okresu twórczości, który polega na bezpośrednim wyrażaniu idei. To nie przypadek, że Dostojewski podczas pracy nad „Braciami Karamazow” był stale rozproszony - albo „Dziennikiem pisarza”, albo przemówieniem poświęconym Puszkinowi, a Tołstoj po zmartwychwstaniu pisał tylko krótkie dzieła, a jednocześnie uważał je za „pobłażliwość” - a on od siebie i jego uczniowie oczekiwali teraz od niego bezpośredniego nauczania moralnego. Zatem ten trzeci, końcowy okres to czas poszukiwania odpowiedzi, wyrażania najważniejszych, ostatecznych idei, a jednocześnie w istocie czas porzucenia twórczości artystycznej.

Skłania to do postawienia pytania o „cykl życia i twórczy” pisarza. Niewątpliwie można tu dostrzec pewne prawidłowości. Pisarz „dojrzewa” już w młodości, po ukończeniu 20. roku życia. Zaczyna się kreatywność oparta na prawdziwych doświadczeniach życiowych. Oczywiście jest tu fikcja artystyczna i uogólnienia - ale ogólnie twórczość wygląda jak obraz i zrozumienie otaczającej rzeczywistości. Następnie autor stopniowo nabywa nowe cechy - zaczyna nie od rzeczywistości, ale od pomysłu, tworzy holistyczne obrazy na dużą skalę i buduje własne „artystyczne światy”. Zbiega się to z dojrzałym i najbardziej aktywnym okresem jego życia. A potem przychodzi starość, kiedy człowiek zdaje sobie sprawę z bliskości śmierci, kiedy myśli o sensie własnego życia i jego skutkach, kiedy coraz bardziej interesują go zagadnienia filozoficzne, religijne i moralne, odkrywa w sobie coraz większe pragnienie bezpośredni wyraz swoich myśli. W tym okresie kreatywność może stać się „moralistyczna”. Jednocześnie następuje naturalne obumieranie sił twórczych, a dzieła autora stają się mniej żywe. Twórczością artystyczną zajmuje się raczej „inercyjnie”, bo przywykł do takiego wyrażania swoich myśli. Ogólna intensywność twórczości maleje, prace stają się krótsze.

Tym samym to drugi okres okazuje się najbardziej efektywny i efektywny. I nie chodzi tu o kreatywność, pisanie, ale o „cykl życia” samej osoby. Wiek średni, „dojrzały” okazuje się „szczytem” w każdym życiu. Osiąga największy rozwój i wyraz tego, nad czym człowiek pracował i do czego dążył przez całe życie. Jeżeli był pisarzem, tj. starał się zrozumieć otaczające go życie i wyrazić je słowami, wtedy właśnie tutaj zostaną osiągnięte najwyższe wyniki w tym zrozumieniu i wyrażeniu. Poprzedni okres był do tego przygotowaniem, a kolejny okresem zakończenia. Dlaczego? Tutaj już zbliżamy się do tajemnicy samego człowieka, tego czym jest życie, dlaczego człowiek umiera, dlaczego przechodzi właśnie takie etapy w swoim życiu. Nie ulega wątpliwości, że w życiu każdego człowieka istnieje jakiś plan, że jest on powołany do jego realizacji i że realizacja ta w największym stopniu następuje właśnie w środkowym, dojrzałym okresie życia. Dlaczego po tym człowiek z jednej strony zaczyna tracić siły, a z drugiej coraz mniej potrzebuje kreatywności, zwraca się do „wiecznych” pytań i odpowiedzi na nie i coraz częściej zaczyna dążyć do bezpośredniego wyrażenia siebie ich myśli? To jest tajemnica planu Boga wobec człowieka, jego przejścia do innego świata, jego przygotowania do wieczności. Zresztą nie jest tu aż tak istotne, że ta osoba była pisarzem, autorem. Po prostu żył człowiek, który starał się zrozumieć otaczający go świat i siebie, starał się zrozumieć swój cel i spełnić go – a jakąś część tego, co rozumiał, potrafił wyrazić pisemnie, słowami. Sama kreatywność staje się drugorzędna. Ważny staje się sam człowiek, jego dusza, dążąca do poznania Prawdy.

Właśnie taką refleksję mogliśmy tutaj przedstawić na temat naszych dwóch wielkich pisarzy. Być może niektórym będzie się to wydawać niekompletne i powierzchowne. Ale tutaj nie postawiono zadania poważnej analizy twórczości tych autorów, ich indywidualnych dzieł. Jeśli potraktujesz to zadanie poważnie, niewątpliwie możesz zauważyć znacznie więcej. Celem było jedynie bardzo ogólne spojrzenie na ich twórczość, dostrzeżenie tylko niektórych z najbardziej ogólnych prawidłowości. Należy pamiętać, że autor nie jest zawodowym literaturoznawcą i nie zna twórczości tych dwóch pisarzy lepiej niż większość zwykłych ludzi. Można jednak mieć nadzieję, że ten apel do tych dwóch autorów i ich dzieł dodał jeszcze konkretu naszym przemyśleniom na temat werbalnych zdolności człowieka i natury twórczości artystycznej.

Kwestia języka. pisarz i kultura współczesna.

Można postawić jeszcze jedno pytanie. Obydwaj brani pod uwagę autorzy (jak i autor tego artykułu) należą do tych samych, bardzo specyficznych osób – dlatego ich tu sprowadziliśmy. Oznacza to, że myśleli, mówili i wyrażali swoje myśli na piśmie w bardzo specyficznym języku. Ale tak naprawdę na świecie jest wiele języków - i w każdym z nich jest to możliwe, a w wielu z nich faktycznie istnieje twórczość literacka. Oznacza to w każdym razie, że autor jest zależny od swojego języka. Każdy z nich może wyrazić tylko te sytuacje, idee, uczucia, koncepcje, które mają wyraz w jego języku. Nawet nie znając wielu języków, wiemy, że każdy z nich jest w pewnym stopniu inny. Każdy z nich zawiera pojęcia, zwroty i wyrażenia, których nie można z absolutną dokładnością przetłumaczyć na inne języki.

Trzeba to uwzględnić w naszym myśleniu. Każdy autor występuje jako przedstawiciel swojego narodu, własnej kultury, choćby dlatego, że pisze w swoim ojczystym języku. Nosi pewne cechy swojego ludu, ich światopoglądu – odkąd wychował się w tym środowisku. Można powiedzieć, że od urodzenia jest przedstawicielem swojego „świata narodowego” - mówi bowiem w swoim ojczystym języku i ma te same myśli, koncepcje, uczucia, co ludzie posługujący się tym językiem. Jaka jest jednak wartość jego dzieła? Może pozostaje jedynie w ramach swojego „narodowego świata” i nie może już nic powiedzieć przedstawicielom innych narodów i państw? To pytanie nie pojawia się, gdy pozostajemy w naszym własnym języku, ale pojawia się natychmiast, gdy tylko przypomnimy sobie, że na świecie są inne narody i języki.

Z doświadczenia wiemy, że tak nie jest. Rasa ludzka jest jedna. Wszyscy ludzie mają tę samą naturę. Podział na różne języki, pozornie tak znajomy i naturalny, jest w istocie nienormalny – mówi nam o tym 11 rozdział Księgi Rodzaju. Każdy człowiek, będąc niewątpliwie przedstawicielem swojego „świata narodowego”, jest jednocześnie przedstawicielem zasadniczo integralnej i zjednoczonej, choć zewnętrznie podzielonej, ludzkości. Tak naprawdę wszyscy ludzie mają te same myśli i uczucia – chociaż oczywiście wychowanie, cechy charakteru i środowisko pozostawiają na tym ślad. Przedstawiciele różnych narodów mogą się ze sobą porozumiewać i mówić innymi językami. Potrafią dostrzec dzieła literackie stworzone przez autorów innych narodów – istnieje sztuka przekładu literackiego.

Wszystko to podkreśla i potwierdza jedność kultury ludzkiej, nawet jeśli jest podzielona na kultury narodowe, a zwłaszcza przenosi znaczenie twórczości niektórych pisarzy poza granice ich kultur narodowych. Jeśli twórczość pisarza okaże się jasna i interesująca, wzbudzi miłość jego rodaków i jeśli nie porusza wąskich tematów narodowych, ale uniwersalnych ludzkich sytuacji i uczuć, wówczas można ją przełożyć na inne języki i wzbudzić takie same lub podobne interesy wśród przedstawicieli innych narodów i upraw W tym sensie autor musi tworzyć nie tylko dla swoich rodaków, ale „dla całej ludzkości”. Inna sprawa, że ​​często po prostu nie ma pojęcia o życiu innych narodów. Przed oczami ma własne doświadczenia, sytuacje z własnego życia, na podstawie których tworzy dzieło sztuki. Ale życie wszystkich ludzi na Ziemi jest w istocie na tyle podobne, sytuacje życiowe, myśli i uczucia są tak powszechne wśród przedstawicieli różnych narodów, że pozostając w ramach jedynie swoich doświadczeń życiowych, tworząc w ramach swego „narodowego świecie”, pisarz może równie dobrze powiedzieć coś, co będzie interesujące dla innych ludzi na Ziemi. Oczywiście nie dotyczy to wszystkich autorów. Są autorzy, którzy nie potrafią wzbudzić głębokiego zainteresowania przedstawicieli swojej kultury, swojego narodu. Jeśli esej nie może wzbudzić zainteresowania w swojej ojczyźnie, to kto będzie marnował wysiłek na jego tłumaczenie! Jednak tutaj dotykamy innego tematu - istoty prawdziwego talentu, tego, czym są „dobre” i „złe” prace – i oczywiście nie możemy tutaj w pełni rozstrzygnąć tych pytań.

W związku z tymi refleksjami ponownie pojawia się pytanie: do kogo właściwie autor kieruje swoje dzieła? Twój krąg bliskich przyjaciół? Do swoich rodaków? Na cały świat? Może się zdarzyć, że zwracając się w istocie do ludzi o podobnych poglądach, ludzi o podobnym światopoglądzie i wyrażając swoje myśli tylko w swoim ojczystym języku, wielu autorów wewnątrz, zgodnie ze swoimi uczuciami, pisze tak, jakby zwracali się do mieszkańcy całej Ziemi.

Istnieje jeszcze inny zakres kwestii, które częściowo również tutaj poruszyliśmy. Jakie są motywacje jego twórczości? Dlaczego autor tak naprawdę bierze pióro do ręki? Czy on zawsze potrzebuje czytelnika? Czy twórczość artystyczna możliwa jest tylko „dla siebie”? Dlaczego nadal podejmuje się tej pracy, wymagającej dużego wysiłku duchowego i fizycznego, skoro nie wie z góry, czy wynik będzie pomyślny i czy znajdzie odzew w sercach?

Na te pytania oczywiście nie będziemy w stanie udzielić tutaj precyzyjnych, wyczerpujących odpowiedzi. Możesz tylko spróbować o nich pomyśleć. Powiedzieliśmy już, że autorzy „poważni” (czyli ci, którzy starają się zrozumieć siebie i otaczające ich życie, rozwiązać jakiś poważny problem społeczny lub wewnętrzny) tworzą z pobudek wewnętrznych, z głębokiej wewnętrznej potrzeby. O takich osobach nie da się powiedzieć, że piszą cokolwiek „dla rozrywki czytelnika”. A jednak – gdyby nie było tych potencjalnych czytelników, gdyby nie było wokół niego ludzi podobnych w myślach i przeżyciach wewnętrznych – czy w ogóle zacząłby pisać? W naszej kulturze zapisanie czegoś prawie na pewno oznacza chęć przekazania tego innym. Nawet jeśli ktoś pisze pamiętnik, to zazwyczaj ma na myśli siebie, ale po kilku latach – tj. osoba, którą w pewnym sensie można nazwać „inną osobą”. Być może ktoś czasami pisze coś „dla siebie” - ale zwykle mają one charakter całkowicie prywatny, a w każdym razie szczegółowe zapisanie myśli, a tym bardziej jakiejkolwiek fabuły, działań jest tutaj niemożliwe. Jeśli chodzi o twórczość artystyczną, możemy śmiało powiedzieć, że nie można jej realizować bez myślenia o innych.

Poza tym autor podejmując się takiej twórczości niewątpliwie na czymś polega. Przed jego oczami stoi wiele książek napisanych w różnych epokach, które niewątpliwie wywarły wpływ na czytelników, w tym na niego samego. Widząc zainteresowanie i korzyści, jakie dla ludzi przyniosły już napisane książki, może spróbować zrobić coś podobnego, wykorzystując materiał swojego własnego życia.

Ale skąd wzięła się cała ta mnogość pisanych książek, co skłoniło ich autorów do stworzenia? Tu dochodzimy do pytania o genezę literatury w ogóle. Niewątpliwie źródłem wszystkiego, co napisane, jest twórczość ustna. Cała literatura zawdzięcza swoje pochodzenie prostej sztuce opowiadania historii. Najprostszym przykładem takiej sztuki jest opowieść ludowa. Podobny charakter mają wiersze Homera – ich niewidomy autor ich nie napisał, a po prostu opowiedział i dopiero dzięki głębokiemu oddziaływaniu na słuchaczy zostały spisane.

Innym przykładem takiej twórczości ustnej jest teatr. Tutaj w zasadzie mamy to samo – fabułę, akcję, wypowiedzi aktorów – ale tylko to wszystko jest przedstawione osobiście. Akcja rozgrywa się na oczach widzów, a tekst spektaklu jest dla niej jedynie podstawą. W dziedzinie muzyki i mowy kantata i opera są zbudowane w podobny sposób (w operze, podobnie jak w dramacie, akcja rozgrywa się na oczach publiczności, ale w kantacie ograniczają się one jedynie do arie bohaterów).

I tak od tych realnych, widzialnych form twórczości trzeba zrobić krok w stronę książki, którą czytelnik będzie mógł po prostu przeczytać w domu, w całkowitej samotności! Co to jest - krok do przodu czy krok do tyłu? Niewątpliwie nie ma już tej widzialności, widzialności i co najważniejsze, nie ma już momentu jednoczenia ludzi. Ale z drugiej strony jest to bardziej zgodne z rzeczywistymi warunkami naszego nowoczesnego społeczeństwa. Nie ulega wątpliwości, że mniejszość może uczestniczyć w realnych, widocznych przedstawieniach. Ogromną rolę odgrywa „życie prywatne” ludzi, ich własne, wewnętrzne refleksje i wysiłki zmierzające do zrozumienia czegoś. A teraz, oprócz widocznych, „jednoczących” form twórczości, pojawia się nowy rodzaj komunikacji między ludźmi - poprzez słowo pisane, przeznaczone do „indywidualnej percepcji”. Autor z reguły długo myśli o swoim dziele, wkłada w nie wiele bliskich mu myśli, tworzy całą długą sekwencję działań – tak, aby inna osoba, także indywidualnie, wyrzekając się innych wrażeń i skupiając się na tym pracy, mogę to dostrzec. Oczywiście jest to kolejny krok w kierunku podziału ludzi. Społeczeństwo ludzkie zamienia się w indywidualnych czytelników siedzących w swoich pokojach. A jednak, na innym poziomie, to właśnie zbliża ludzi. Można dyskutować o przeczytanej książce. Aby to było możliwe, musi zostać przeczytana przez odpowiednio dużą liczbę osób i wywrzeć na nich głębokie wrażenie. Są miłośnicy konkretnego autora lub konkretnej książki. Wokół książek tworzy się cała kultura komunikacji. Tym samym twórczość literacka, będąc krokiem w kierunku „indywidualizacji świadomości”, jednocześnie na tym nowym poziomie jednoczy ludzi w nowy sposób.

Warto chyba pokrótce poruszyć kwestię sposobów rozpowszechniania książek. Obecnie jest to głównie druk. Ale były oczywiście czasy, kiedy książki można było pisać wyłącznie ręcznie. Wtedy oczywiście można było wykonać tylko niewielką liczbę kopii. Przepisanie ich było zadaniem pracochłonnym i tylko wąski krąg ludzi mogła z nich korzystać. Czasem zdarza się, że gdzieś znajduje się tylko jeden egzemplarz danej książki, do którego dostęp mają tylko nieliczni. Wiadomo jednak, że w takim stanie rzeczy ludzie zapisywali i przechowywali tylko to, co najpotrzebniejsze, to, co naprawdę liczyło się w ich życiu.

Wraz z pojawieniem się druku sytuacja zaczęła się zmieniać, choć nie od razu. Książek jest więcej, ale ich liczba jest nadal ograniczona. Ważne jest również to, że tak jak poprzednio, nie wszyscy umieli czytać i pisać. Pisana kultura „książkowa” była dostępna jedynie dla najwyższych, „intelektualnych” warstw społeczeństwa. W tym sensie sytuacja pozostała niezmieniona: słowo pisane i umiejętność posługiwania się nim były własnością „elity intelektualnej”.

Stopniowo, wraz z rozwojem druku i sukcesem powszechnej umiejętności czytania i pisania, wpływ słowa drukowanego rozprzestrzenił się na coraz szersze warstwy społeczne. Ogromnie wzrosła liczba osób czytających, a co za tym idzie piszących. Rozwinęła się cała branża wydawnicza i księgarska, obejmująca dosłownie cały świat. Teraz dosłownie każdy może wziąć udział w tej „komunikacji intelektualnej”, która odbywa się za pomocą książek. Jednocześnie doprowadziło to do ogromnego wzrostu masy materiałów drukowanych, do pojawienia się wielu książek o niezbyt wysokiej jakości i niezbyt głębokiej treści. Ludzie nie starają się już, jak dawniej, zapisywać i przekazywać innym tylko to, co najważniejsze. Teraz prawie każda osoba, która ma do tego skłonność i pragnienie, może napisać i wydać książkę. Ta „nadprodukcja” w dziedzinie literatury, obecność w świecie wielu książek, które w ogóle nie mogłyby zostać napisane, skłania do pewnych przemyśleń.

Ale mówimy o procesie twórczości literackiej z punktu widzenia autora. Nie ulega wątpliwości, że sytuacja współczesnej kultury, która pozornie łączy ludzi, a jednocześnie jest tak bardzo wyobcowana, odciska piętno na procesie twórczym. Przede wszystkim autor jest odseparowany od czytelnika. Nie widzi go, nie wie, jaki jest. Zawsze musi „przedstawić” swojego czytelnika. Nie sposób jednak wyobrazić sobie niczego konkretnego – i dlatego okazuje się, że autor siedząc przy biurku i komponując swoje dzieło, komponuje je „jakby dla siebie”.

Gdyby jednak skomponował ją tylko dla siebie, w ogóle by jej nie napisał. Nie ma wątpliwości, że ma kogoś na myśli, chce komuś przekazać swoje myśli. Stąd zapewne wziął się ten sposób pisania, jakby „dla całego świata”. Literatura w procesie swego długiego rozwoju niewątpliwie rozwinęła się w ten sposób. Autor „poważny” (czyli taki, który w swoich pismach stawia poważne problemy, stara się zrozumieć siebie i otaczające go życie) pisze dokładnie w tym samym tonie i z takim uczuciem, jakby zwracał się do wszystkich ludzi na Ziemi . Nie adresował swojej twórczości do nikogo konkretnego. Byłoby to również niemożliwe, aby jakakolwiek warstwa lub grupa ludzi mogła tego dokonać. Jedynym możliwym adresatem jest cały świat.

Ale być może właśnie to powoduje pewne trudności w samym procesie twórczym. Niewątpliwie wiele z tych trudności wiąże się z samym pomysłem i zadaniem jego realizacji. Ale pewien zakres problemów wiąże się właśnie z niepewnością adresata, z tym, że autor tworząc, „nie widzi” swojego czytelnika. Czy nie jest to związane z „wielowariantnością” planu, z tym, że autor często przez długi czas nie wie, jaką formę prezentacji materiału wybrać? Gdybyśmy mówili o prostym spektaklu teatralnym, który został wystawiony i pokazany w gronie przyjaciół, to niewątpliwie wszystko byłoby znacznie prostsze. A co z różnymi wewnętrznymi udrękami, które często towarzyszą autorowi podczas pracy? Czy znaczna ich część nie wynika z tego, że autor nie wie, do kogo się zwraca i jak na to zareaguje? Proces pracy nad książką trwa często kilka miesięcy lub lat. I przez cały ten czas pisarz okazuje się całkowicie zamknięty w sobie, pracujący „jak gdyby” dla siebie. Zaczął oczywiście pracować dla innych ludzi, ale pojawia się pytanie – czy naprawdę potrzebuje czytelnika? Czy nie ma to związku z pytaniami, które pojawiają się na końcowym etapie pracy nad książką – publikować czy nie publikować? A jeśli książka się ukaże, czyż nie stąd biorą się wysiłki wielu autorów, aby pokazać, że jest im to zupełnie obojętne, że w ogóle nie interesuje ich zdanie swoich czytelników? Rzeczywiście, książkę będą teraz czytać różne osoby, stosunek do niej może być bardzo różny - a tak ważne jest pokazanie, że autor napisał ją tylko „dla siebie”, że poddaje ją ocenie wyłącznie swoim własne sumienie! Czy nie ma to związku z powtarzającymi się stwierdzeniami Puszkina, najbystrzejszego i najbardziej harmonijnego z naszych poetów (przejdźmy na chwilę do sfery poezji!), że poeta jest swego rodzaju istotą szczególną, przeciwstawioną „tłumowi”, i że nie uznaje nad sobą „sądu tłumu”?, a swoje pisma ocenia jedynie na podstawie tego, na ile jest z nich zadowolony? To chyba ujawnia niedoskonałość każdego dzieła literackiego w ogóle - w tym, że autor z jednej strony tworzy dla ludzi, czego inaczej by nie tworzył, a z drugiej strony stara się wszelkimi możliwymi sposobami oddzielać się i „odcinać” od tych ludzi, pokazywać, że tworzy „tylko dla siebie”.

To być może ujawnia niedoskonałość całej naszej współczesnej kultury - w tej ogólnej alienacji ludzi, których jednak łączą jakieś wtórne, dodatkowe środki - a jednym z tych wtórnych, dodatkowych środków jest fikcja. W zasadzie nie jest w stanie w pełni rozwiązać problemów jednoczenia ludzi. Aby napisać książkę, pisarz musi zerwać wszelkie więzi społeczne, „wejść głębiej w siebie” i przez kilka miesięcy lub lat pracować nad podsumowaniem myśli, które przychodziły mu do głowy przez długi czas. A czytelnik, aby te myśli dostrzec, musi dojść do podobnego stanu, zagłębić się w tę książkę, „dostroić się” do myśli autora. Za „wielkiego” (literackiego) człowieka uważamy osobę, która potrafiła „odciąć się od wszystkich” i wyrazić na kilkudziesięciu, setkach stron niektóre nurtujące go myśli. Jednocześnie, jak już powiedziano, często nie interesuje go, czy oni to czytają, ani kto to dokładnie czyta. A wszystko to jest naprawdę zupełnie nieznane, ponieważ nie wiemy, do kogo dokładnie trafi jego książka, a ponieważ każda książka „zaczyna mówić” dopiero wtedy, gdy zdejmie się ją z półki - i dopóki jej nie weźmie się do ręki, stoi i jest "cichy." I tak tylko wtedy, gdy tę książkę przeczyta wystarczające grono ludzi i jeśli wyda się im bliska i interesująca, wówczas w pewnym stopniu spełni swoje zadanie jednoczenia ludzi.

Wszystko to, jak można przypuszczać, jest wynikiem ogólnego rozłamu i alienacji ludzi we współczesnej kulturze – m.in. alienacja autora od czytelnika, proces powstawania książki od jej publikacji i dystrybucji, jej postrzeganie od żywej komunikacji. A jednocześnie trzeba oddać hołd – w tych warunkach zniekształconej, zniszczonej kultury książka może nadal służyć zapisowi niektórych najważniejszych myśli, upowszechnieniu ich wśród ludzi i utrwaleniu ich na długi czas.

Cóż można „przeciwstawić” temu ogólnemu zniekształceniu, co przynajmniej w pewnym stopniu może nadać twórczości literackiej cechy bardziej naturalne i harmonijne? Wspomnieliśmy już powyżej, że dawniej taka twórczość była możliwa jedynie w wyższych warstwach społeczeństwa, jedynie wśród „elity intelektualnej”. Autor, zwracając się do tak stosunkowo wąskiego kręgu ludzi wykształconych, niewątpliwie wiedział, do kogo i po co pisze. Wydaje mi się, że widać tutaj wskazówkę dotyczącą „wyjścia”. Jeśli autor należy do pewnego kręgu „twórczych miłośników”, którzy starają się wymieniać między sobą przemyśleniami i dorobkiem twórczym, to jego poszukiwania literackie niewątpliwie zyskają głębszy grunt i solidniejszą podstawę. Będzie wiedział dla kogo pisze i będzie uczestniczył w jakimś ogólnym procesie poznawania ludzkiej duszy i otaczającej ją rzeczywistości. Wystarczy mu, że tutaj, w tym kręgu, jego twórczość budzi pewne zainteresowanie – ale to, czy będzie ciekawa poza tym kręgiem, dla niego w zasadzie może nie mieć znaczenia. W ten sposób zostaje przezwyciężony główny problem twórczości literackiej - atrakcyjnej „dla wszystkich”, a jednocześnie „dla nikogo”. Literackie poszukiwania takiego autora zyskują solidniejszy grunt.

Zastanówmy się na koniec jeszcze jedno, być może najważniejsze pytanie – kim jest autor? Co to za osoba, jaki sposób postrzegania otaczającego życia, jaki typ charakteru? Pierwsza uwaga, że ​​jest to osoba pisząca książki, okazuje się oczywiście błędna – nie dotyka istoty problemu, a jedynie wyraża szkodę i zniekształcenie naszej kultury. Autor, pisarz, to oczywiście osoba prowadząca złożone życie wewnętrzne, a pisanie książek jest tylko jednym ze sposobów jego wyrażenia. Istotą tego życia wewnętrznego, jak już powiedzieliśmy, jest chęć zrozumienia wszystkiego, co nas otacza – i podzielenia się wynikami tego zrozumienia z innymi. Ale dlaczego w człowieku jest tak silne pragnienie zrozumienia otaczającej rzeczywistości? Dlaczego poświęca tyle wysiłku i czasu, aby wynikom tego zrozumienia nadać harmonijną i skończoną formę książki? Nie możemy tego tutaj wyjaśnić. To jedne z głównych właściwości, jakimi obdarzył człowieka Bóg, których obecność możemy zauważyć nie tylko u pisarzy. Najogólniej jest to chęć wiedzy i pewne poczucie „solidarności” między ludźmi, które zachęca do dzielenia się wynikami tej wiedzy z innymi. I tak u pisarzy obie te cechy są obecne w jakimś szczególnym, skrajnym stopniu. Bez wątpienia jest to część Najwyższego Planu; jest on wszczepiany takim ludziom przez Samego Boga.

Jeśli poszukamy analogii historycznych, to autora poważnych dzieł literackich najlepiej porównać do starożytnego proroka. Prorokiem nie w sensie „przedstawiciela przyszłości” (nikt nie ujął tego znaczenia w tym słowie), ale w sensie osoby, która ma coś do powiedzenia innym ludziom i która ludziom to wyraża. Starożytni prorocy biblijni obserwowali otaczające ich życie, rozumieli je – i zwracali się do swojego ludu, potępiając go przed czymś, ostrzegając przed czymś lub wzywając do czegoś. Interesowały ich kwestie dobra i zła, tego, jak ludzie powinni żyć prawidłowo, zgodnie z Wyższą Wolą i co dzieje się z ludźmi, jeśli odstąpią od tej woli. Zauważali odchylenia i wypaczenia w otaczającym ich życiu i wzywali swoich rodaków, aby żyli w taki sposób, aby swoim życiem wypełnić jakiś Wyższy plan.

Coś podobnego dzieje się ze współczesnym poważnym pisarzem. To osoba, która uważnie obserwuje życie i stara się zrozumieć jego wzorce. Zajmuje się kwestiami dobra i zła, prawdy i nieprawdy, pierwotnego, wyższego porządku, któremu życie musi być podporządkowane, i tego, jak odbiega od tego porządku. W swoich pismach stara się ukazać rozmaite odchylenia i zniekształcenia, jakim poddawane jest życie, oraz sposoby ich korygowania. Oczywiście w tym przypadku nie można mówić o absolutnej prawdzie tego, co pisze taki autor. W odróżnieniu od starożytnych proroków nie można o nim powiedzieć, że głosi nieomylnie wolę Bożą. A jednak może wpłynąć na czytelnika, zachęcić go do zastanowienia się nad życiem, a nawet skorygować coś w tym życiu. Motywacje ich kreatywności są takie same, jak motywacje kaznodziejów i nauczycieli moralności. Przecież autorem jest osoba, która zrozumiała coś o otaczającym ją życiu, która ma na ten temat coś do powiedzenia – i robi to poprzez twórczość literacką. Oczywiście jego głos nie dotrze do wszystkich, a on sam nawet nie wie do kogo dokładnie. Ale takie są „zasady” oferowane nam przez współczesną kulturę. Motywacje każdego, kto bierze pióro w jakimś poważnym celu, są zawsze w przybliżeniu takie same.

Pozostaje nam rozważyć, dlaczego autorzy wybierają tę właśnie formę swoich dzieł, tj. wyrazić swoje obserwacje życia w formie dzieł sztuki? Z pewnością dałoby się bezpośrednio wyrazić te same myśli? Jednak w kulturze rozwinęła się i utrwaliła pewna forma opowieści, która ma swoich bohaterów, własne otoczenie i własną fabułę.

Najwyraźniej chodzi tu o ogólne warunki życia człowieka na Ziemi. My, ludzie, rodzimy się na tym świecie, aby żyć w otoczeniu pewnych przedmiotów i pewnych ludzi. Wszystkie nasze przejawy na tym świecie polegają na tym, że gdzieś idziemy, coś robimy, coś mówimy - a jednocześnie osoba sama wciąż wie o sobie, że coś myśli i coś czuje. Inaczej po prostu nie jesteśmy w stanie wyobrazić sobie ludzkiego życia. Dlatego twórczość literacka składa się z dokładnie tych samych elementów. Nadajemy sens życiu poprzez pewne wydarzenia życiowe. Jest to charakterystyczne zarówno dla autora, jak i dla wszystkich ludzi w ogóle, tj. i jego czytelników. Czekamy na zbudowanie, przeniesienie doświadczeń życiowych poprzez konkretne historie życiowe. Dlatego jest całkowicie naturalne, że doświadczenie życiowe autora ucieleśnia się właśnie w tej formie. Autor, jak już powiedzieliśmy, rozpoczyna swoją pracę od opisu prawdziwych wydarzeń i historii z życia wziętych. Dopiero później jego talent może dojść do pewnych uogólnień, aż do stworzenia „swojej własnej, szczególnej rzeczywistości”, „własnego świata artystycznego”. Ale i w tym przypadku będzie tworzył „z materii tego świata”, bohaterami jego opowieści będą ludzie, a przynajmniej istoty posiadające ludzką świadomość, a sceneria jego dzieł będzie w głównych cechach podobna do ustawienia tego świata. Poza tym rozważana tutaj kreatywność jest po prostu niemożliwa.

Zatem „subiektywność” i „treść fabularna” fikcji są konsekwencją samych warunków życia człowieka na Ziemi danych przez Boga. W dziełach artystycznych obrazy tego świata przedstawiane są za pomocą słów. Ale ten świat, zgodnie z nauką Kościoła, jest zniszczony przez grzech. Wszelkie działania, słowa i czyny ludzi, a co za tym idzie, ich „obrazy” – bohaterowie literaccy – również ulegają zniszczeniu przez grzech. A to oznacza, że ​​fikcja skupia się głównie na przedstawianiu upadłego świata, zniszczonego przez grzech.

Istota tych szkód dla ludzi polega głównie na pewnej zależności od obiektów tego świata, środowiska i różnych okoliczności życiowych. Ale to właśnie przedstawia głównie fikcja! W miarę jak człowiek dąży do Boga i zaczyna żyć życiem duchowym, zależność ta stopniowo, aż w końcu dość mocno słabnie. Nic dziwnego, że tacy ludzie przestają interesować się twórczością artystyczną! I pośrednio potwierdzamy to na przykładach tych autorów, którzy na pewnym etapie życia zaczęli odczuwać potrzebę rezygnacji z kreatywności. Widzieliśmy to na przykładzie L.N. Tołstoja, kolejnym uderzającym przykładem jest ostatni okres życia N.V. Gogola. Obaj pisarze wyraźnie woleli bezpośrednie nauczanie moralne i religijne od żmudnej i niewdzięcznej twórczości artystycznej. I tutaj widzimy wyraźny wzór - twórczość artystyczna reprezentuje pewien etap w życiu takich ludzi - mianowicie odpowiadający okresowi życia, w którym człowiek jest jeszcze w wystarczającej „niewoli” świata materialnego.

Następnie może rozpocząć się okres bezpośredniego wyrażania prawd moralnych, duchowych i religijnych. Niektórzy autorzy nie mieli nawet „etapu artystycznego” w swoim życiu, pozostawiając dzieła jedynie w tego typu literaturze. Rozpoczynając głębokie życie duchowe, bezpośrednio zaczęli opisywać wewnętrzne życie duszy, strukturę ludzkich myśli i uczuć oraz udzielać duchowych rad prowadzących do zbawienia. Dla osoby, która również stara się żyć duchowo, czytanie takich książek jest o wiele bardziej przydatne. Jednak takie książki są dostępne tylko dla stosunkowo wąskiego kręgu osób. Większość ludzi prowadzących zwyczajne „materialne” życie po prostu nie jest gotowa, aby je dostrzec. A żeby do takich ludzi dotrzeć i przekazać im coś pożytecznego, potrzebne są bardziej zwyczajne, „materialne” środki.

Można zatem stwierdzić, że artystyczna twórczość literacka jest jedynie pewnym etapem na drodze do zrozumienia świata, a jednocześnie etapem niezbędnym. Odpowiada rzeczywistym warunkom bytowania człowieka na tym świecie, w otoczeniu innych ludzi i przedmiotów, w warunkach czasoprzestrzennych. Niektórzy jednak przejawiają nowe, duchowe zainteresowania, dzięki którym pędzą bezpośrednio do poznania praw budowy tego świata i ludzkiej duszy. Tutaj kreatywność artystyczna nie pomoże. Do takich celów bardziej odpowiednia jest bezpośrednia prezentacja myśli filozoficznych i religijnych. Należy zauważyć, że zainteresowania duchowe są również ważne dla rozwoju pełnoprawnej twórczości artystycznej. Osoba dążąca do lepszego poznania Boga dostrzega wzorce budowy otaczającego świata i własnej duszy, co pozwala mu tworzyć głębsze i doskonalsze dzieła sztuki. Zatem na pewnym etapie wiara i twórczość artystyczna mogą współistnieć – jednak wówczas twórczość artystyczna, jako czynność mniej istotna życiowo, „wycofuje się”.

Człowiek nie może spełnić swojego przeznaczenia jedynie patrząc na siebie i otaczające go życie i szukając w tym pewnych wzorców. Jedynym sposobem na taką realizację jest bezpośrednie poznanie Boga. Ponadto umiejętność wyrażania swoich myśli na piśmie nie jest najważniejszą umiejętnością człowieka. Chrystus w ciągu swojego życia w ogóle nic nie napisał, ale wywarł większy wpływ na całą kulturę ludzką niż którykolwiek z pisarzy. Dla zwykłego człowieka, który podąża za Chrystusem, nie jest tak ważne, aby coś napisać, ale aby wdrożyć zasady ewangelii w swoim życiu. Może, Może, jeśli zdobędzie na tej ścieżce rzeczywiste doświadczenie, wówczas jakąś część tego uda się zapisać – w formie artystycznej lub innej. Zadania artystyczne i twórcze okazują się podporządkowane realnym, życiowym zadaniom.

Wniosek

Zbadaliśmy pewne zagadnienia związane z najważniejszą dla współczesnej kultury zdolnością człowieka – zdolnością twórczości literackiej. Te refleksje są jeszcze niepełne. W ogóle nie uwzględniliśmy tutaj form twórczości literackiej, które niewątpliwie cieszą się zainteresowaniem czytelnika, takich jak literatura „lekka”, literatura dla dzieci i literatura humorystyczna. Nie poruszaliśmy takich form literatury jak science i science fiction. Ograniczywszy nasze rozważania jedynie do prozy artystycznej, nie powiedzieliśmy nic o poezji.

Skupiliśmy naszą uwagę wyłącznie na literaturze „poważnej” – tj. taki, w którym stawiane i rozwiązywane są poważne problemy życiowe.

Ale i tutaj nie poruszyliśmy zbytnio kwestii autorów i dzieł, w których pytania te stawiane są „bezpośrednio”, w formie poważnych refleksji i badań, a ograniczyliśmy się do rozważenia tylko tych, którzy wybierają fascynującą formę „fabuły” do przedstawienia ich myśli. Dzieje się tak dlatego, że ta forma przyciąga największą liczbę osób i to właśnie w ten sposób można im przekazać coś pożytecznego. Udało nam się zadać kilka pytań, które najwyraźniej mają jakieś powiązanie z tematem. Co dokładnie motywuje autorów do tworzenia? Dlaczego wybierają formę sztuki, aby wyrazić swoje myśli? Co odróżnia „dobrych” autorów od „złych” Dlaczego niektórzy autorzy rezygnują z kreatywności na pewnym etapie swojego życia? Wszystkie te pytania są najwyraźniej dość istotne dla lepszego zrozumienia istoty fikcji.

Ważnym wnioskiem było to, że taka twórczość to tylko pewien etap w życiu autora, po którym mogą nastąpić kolejne etapy. Na tych kolejnych etapach osoba może stanąć przed innymi, głębszymi i bardziej ogólnymi pytaniami. Czym jest osoba? Dlaczego on istnieje na tym świecie? Jaki dokładnie jest mój własny cel i jak mogę go osiągnąć? Na te pytania tylko częściowo rozwiązują metody obserwacji i refleksji charakterystyczne dla etapu twórczości artystycznej. Aby rozwiązać je pełniej, potrzebne są nowe wysiłki religijne i duchowe.

W ogóle nie poruszyliśmy tej wyjątkowej formy fikcji, która ma na celu przedstawienie życia duchowego wierzących, a nawet ich życia kościelnego. W opinii autora literaturę taką można nazwać „przejściową”, a nawet nieco „podrzędną”. Istotą duchowego życia kościelnego jest właśnie jego przeżywanie, a nie artystyczne przedstawianie. To wyższy „poziom” w porównaniu z fikcją. Takie „eksperymenty” podejmują zwykle autorzy, którzy nabrali wiary i chcą wykorzystać swój talent artystyczny w służbie nowych celów. Ale to nie tworzy pełnoprawnych dzieł sztuki. Najwyraźniej istotą prawdziwej fikcji jest dążenie do jak najbardziej holistycznego obrazu otaczającego nas świata, doprowadzenie człowieka do wiary, do poznania Boga. Życie i wiara Kościoła mogą być wspominane w dziełach sztuki, ale nie mogą być w nich przedstawiane. Widzimy to na przykładzie naszych największych klasyków – Tołskiego i Dostojewskiego. Jeśli zaczyna się sama wiara, życie duchowe, fikcja musi „odejść”.

Można sformułować jeszcze kilka pytań dotyczących człowieka w ogóle, a w szczególności uprawianej przez niego twórczości literackiej. Jak przebiega poznanie otaczającego świata? Jaką rolę odgrywa w tym tak wyjątkowa i charakterystyczna umiejętność mówienia? Jaką rolę odgrywa język pisany w życiu współczesnego człowieka? Przez jakie etapy przechodzi człowiek w swoim życiu, na jakich etapach potrzebuje zrozumienia otaczającego go świata i podzielenia się wynikami tego zrozumienia z innymi ludźmi? Jaką rolę odgrywa to w jego życiu?

Ogólnie rzecz biorąc, zaproponowane tutaj refleksje są dalekie od pełnych i kompletnych. Jeżeli ktoś pragnie zrozumieć istotę twórczości literackiej i zbudować jej „teorię”, to wysiłki te można kontynuować.

Esej na temat „Kreatywność” aktualizacja: 22 października 2017 r. przez: Artykuły naukowe.Ru

Dlatego w swoim eseju chcę poruszyć kilka kwestii. Czy nauczyciel powinien wykorzystywać kreatywność, czy powinien ją odrzucić? A do czego tak naprawdę potrzebne jest to podejście? I najważniejsze, jak się tego nauczyć? ...

Aby nauczyć się kreatywnego podejścia, trzeba mieć potrzebę tworzenia. Konieczne jest posiadanie cech twórczych, a także ich rozwijanie.

Akademik V.A. Engelhardt pisał, że twórczość jest potrzebą fizjologiczną „wynikającą z pewnego instynktu, odczuwaną z taką siłą, jak potrzeba śpiewu ptaka”. Oznacza to, że kreatywność jest bardzo realną potrzebą tkwiącą w każdym człowieku. A wielki rosyjski pisarz Iwan Aleksandrowicz Gonczarow przekonywał, że „technik twórczych nie można się nauczyć. Każdy twórca ma swoje własne techniki. Można jedynie naśladować najwyższe techniki, ale to prowadzi donikąd i nie można wniknąć w dzieło ducha twórczego. Oznacza to, że musisz rozwinąć swoją potrzebę tworzenia. Wymaga to codziennej pracy i poszukiwania nowych kreatywnych pomysłów w pracy. Klasyk literatury rosyjskiej XIX wieku nie zalecał dążenia do zrozumienia natury twórczości. Ale teraz, w XXI wieku, nauka poszła nieco dalej. Zbadano naturę kreatywności. Cechy wymagane w tym podejściu do pracy nazywane są bardzo różnymi. Wśród nich jest umiejętność myślenia nieszablonowego i odrzucenie klasycznego spojrzenia na rzeczy znane. Jest wiele takich cech. Ale każdy kreatywny nauczyciel powinien mieć swój własny.

Twórcze podejście do pracy nauczyciela pozwala mu nie tylko przekazać uczniom swoją wiedzę, ale także zainteresować ich swoim przedmiotem.

Jako przykład podam nauczycieli, którzy twórczo uczą swojego przedmiotu. Efektem ich pracy jest zamiłowanie uczniów do przedmiotu. Wykazują zainteresowanie. Kreatywność tworzy motywację. Dzięki temu uczniowie osiągają doskonałe wyniki. Twórcze podejście do pracy nauczyciela polega na wykorzystaniu twórczych środków w rozwiązywaniu problemów pedagogicznych. Może to obejmować zastosowanie znanych narzędzi w nowy sposób lub stworzenie zupełnie nowych sposobów zachowania w różnych sytuacjach. Takie podejście pozwala na świeże spojrzenie na znane sytuacje i znalezienie nowego, genialnego rozwiązania. Jednak kreatywne podejście to nie tylko rozwiązywanie problemów pedagogicznych. Aktywność twórcza to poznawcze, emocjonalne i motywacyjne elementy osobowości nauczyciela. Dzięki temu nauczyciel może rozwijać nie tylko swoich uczniów, ale także siebie. Dzięki kreatywnemu podejściu nauczyciel doskonali swoją osobowość. Nauczyciel Ludowy ZSRR Władimir Abramowicz Karakowski argumentował, że „kreatywność nauczyciela jest najważniejszym przejawem kultury pedagogicznej”.

Obecnie powszechnie przyjmuje się stwierdzenie, że działalność dydaktyczna ma charakter twórczy. Kreatywny nauczyciel to ten, który otwiera, czyni mądrym i zachęca. Nauczyciel w swojej pracy tworzy nie przedmiot, ale osobowość i wiedzę człowieka, który jest zawsze wyjątkowy, niepowtarzalny.

Po rozważeniu aspektów podejścia twórczego w pracy nauczyciela potrafię odpowiedzieć na pytania postawione we wstępie eseju. Uważam, że nie sposób odmówić zastosowania twórczego podejścia. W końcu każdy uczeń jest wyjątkowy. A podejście do każdego z nich musi być wyjątkowe i kreatywne. Takie podejście jest potrzebne, aby pomóc uczniom w rozwoju i doskonaleniu się. Ale tego nie można się nauczyć, można go jedynie rozwinąć. I każdy z nas ma taką możliwość.

Ostateczny cel kreatywności nie jest materialny.
Kreatywność tworzy ducha.

Życie zadaje nam wiele pytań. Ale czy na wszystkie są łatwe odpowiedzi? Tutaj na przykład pojawia się pytanie: „czym jest życie?” Można na to odpowiedzieć w języku słownika: życie to zespół zjawisk zachodzących w organizmach... itd. itd., albo... - to jest fizjologiczna egzystencja ludzi, zwierząt... itd. Ale czy takie odpowiedzi będą chociaż w miarę wyczerpujące? Oczywiście, że nie.

Niewyczerpaność odpowiedzi znajduje rozwiązanie w rozszerzeniu pojęcia do abstrakcyjnej definicji, która obejmuje całość tych zjawisk: życie jest ruchem. A ruch to wieloaspektowy, wielopoziomowy, rozwijający się proces. Jednocześnie rozwój przejawia się zarówno w kierunku poszerzania ilościowego zróżnicowania przejawów (ruch wszerz), jak i w kierunku ich jakościowej, wewnętrznie istotnej treści (ruch w głąb).

Świat idealnie wyraża te zasady i sposoby istnienia w Naturze. Jego stały rozwój opiera się na proporcjonalnie weryfikowanej jedności parametrów ilościowych, jakościowych, funkcjonalnych i celowych, przejawiających się w świecie obrazów, w każdym z których zasady te łączą się w harmonię istnienia. Nazywamy ten świat po prostu Naturą, nie zawsze okazując właściwe zrozumienie faktu, że cały ten wspaniały świat jest przykładem boskiej twórczości, nauczanej nas jako ideału naszego istnienia.

A jednak są ludzie, którzy są bardziej od innych obdarzeni zdolnością rozumienia praw takiej egzystencji. Ponadto wyróżnia ich chęć samodzielnego uczestniczenia w tym uniwersalnym procesie twórczym. Często to pragnienie jest tak nieodparte, że samo w sobie staje się ideałem istnienia, podporządkowując wszystkie inne aspiracje życiowe. A wtedy twórczość staje się ich życiem, ich duchową pożywką, przemieniając człowieka ze zwykłego stworzenia materialnych sił natury w boskiego stwórcę jego nieśmiertelnego ducha. W ten sposób idea nieśmiertelności istnienia, jako jej najwyższe znaczenie, realizuje się w ludzkim stwórcy.

W różnorodności dążeń twórczych człowiek zdaje się konkurować z samym Najwyższym Stwórcą, przemieniając świat zgodnie ze swoimi myślami i doświadczeniami duchowymi. Jednak nie zawsze ta rywalizacja prowadzi człowieka do sukcesu, zaśmiecając świat nadmiarem niepotrzebnych rzeczy, koncepcji i obrazów, zakłócając w ten sposób harmonię świata. Czym zatem jest kreatywność? Czy wszystko, co człowiek „tworzy”, można nazwać tym wzniosłym słowem?

Człowiek naprawdę żyje, gdy myśli. A człowiek myśli obrazami, ucieleśnionymi zarówno w formach materialnych, jak i abstrakcyjnych symbolach graficznych. Twórczość można porównać do procesu tworzenia nowych form i sposobów życia, czyli procesu jego rozwoju. A każdy rozwój ma swoje etapy i etapy wcielenia, które w odniesieniu do kreatywności nazywamy poziomem doskonałości. Stworzenie jest zewnętrznym odzwierciedleniem wewnętrznego stanu twórcy, a o stopniu jego doskonałości w tej roli decyduje poziom jego zrozumienia praw stworzenia, które idealnie ucieleśniają Naturę. Wraz ze wzrostem zrozumienia wzrasta zainteresowanie twórczością zarówno ze strony twórcy, jak i koneserów jego twórczości. Jeśli to rozumienie jest zbieżne w swoich dążeniach, to co stworzone tworzy niewidzialne duchowe połączenie, które harmonizuje świat wewnętrzny i zewnętrzny, podnosząc twórcę stworzenia do rangi boskiego stwórcy.

Każdy z rodzajów twórczości ma swoją szczególną, tkwiącą w niej w większym stopniu naturę generowania tych powiązań. Muzyka buduje je na poziomie percepcji emocjonalnej, sztuki plastyczne łączą z tym procesem skojarzenia figuratywne i mentalne, dramaturgia aktywnie wprowadza w ten proces samego człowieka, zmuszając go do empatii podczas akcji. I tylko literatura ma najbardziej wrodzoną zdolność wznoszenia wszelkich przejawów na najwyższy poziom zrozumienia, poprzez przekonanie o atrakcyjności tego poziomu. Oznacza to, że literatura jest w stanie nie tylko zaspokoić istniejące wymagania powstałe na tym czy innym poziomie rozwoju, ale także tworzyć nowe poziomy, przyciągając do nich myśli i uczucia. Zdolność twórcy do kształtowania nowych poziomów rozumienia praw harmonii świata podnosi jego twórczość do rangi Sztuki Wysokiej.

Dla twórczo rozwiniętej osoby nie ma religii wyższej niż Literatura Wysoka, zdolna do przemówienia duszy do duszy. Ona jest dla niego: drogą poszukiwań – myśli, schronieniem – dla zranionej duszy i pokarmem dla spragnionego, jest konfesjonałem i pocieszającą matką oraz Księgą Wielkich Objawień i gwiazdą przewodnią, która jest zawsze z tobą.

Esej jest wyjątkowym gatunkiem literackim. Zasadniczo jest to dowolna krótka praca napisana prywatnie na dowolny temat. Kluczową cechą eseju jest jego autorski projekt – w przeciwieństwie do stylów naukowych i publicystycznych, które mają rygorystyczne specyfikacje stylistyczne. Jednocześnie eseje są niżej oceniane niż dzieła sztuki.

Terminologia

Możemy krótko sformułować następującą definicję eseju: jest to uzasadnienie osobistego punktu widzenia danej osoby w formie pisemnej. Niemniej jednak warto wziąć pod uwagę, że dzieło tego gatunku literackiego nie rości sobie prawa do bycia podstawą rozważanego zagadnienia ani jego wyczerpującym źródłem informacji. Esej taki zawiera wnioski i wnioski autora. Dlatego próbka jej napisania i wymagania są jedynie zaleceniami lub zbiorem zasad (dotyczy tego drugiego), a główną część powinny zajmować Twoje przemyślenia.

Odniesienie historyczne

Esej pochodzi od francuskiego „próba”, „próba”, „esej”. Gatunek ten również narodził się w tym pięknym kraju, jeszcze w okresie renesansu. Francuski pisarz i filozof najpierw próbował pisać „o wszystkim i o niczym, nie mając wstępnego tematu ani planu działania”. Twierdził, że lubi łagodzić śmiałość swoich myśli, dodając do swoich zdań łagodne pytania „może” i „prawdopodobnie”. Zatem „być może” stało się w zasadzie wyrazem formuły eseju. Epstein z kolei określił ten gatunek jako swego rodzaju metahipotezę, mającą swoją pierwotną rzeczywistość i sposób jej ukazywania.

Różnice w stosunku do powieści

Gatunek eseju rozwijał się równolegle z gatunkiem powieści. Ten ostatni jest jednak bardziej oswojony z literaturą rosyjską, zwłaszcza literaturą klasyczną. Esej z kolei wywarł ogromny wpływ na prozę zachodnią.

W przeciwieństwie do powieści esej jest monologiem i reprezentuje indywidualność autora. Zawęża to jej zakres gatunkowy, a obraz świata przedstawiony jest w sposób niezwykle subiektywny. Jednocześnie esej jest niewątpliwie interesujący, ponieważ ukazuje wewnętrzny świat konkretnej osoby, nie fikcyjny, ale całkowicie realny – z jego zaletami i wadami. Styl takiego dzieła literackiego zawiera zawsze piętno ludzkiej duszy. Powieść ukazuje charaktery wszystkich postaci i bohaterów, którzy wyszli spod pióra autora, nie mniej interesujących, ale wirtualnych, nierealnych.

Po co pisać eseje?

W przeddzień egzaminów studenci i kandydaci często mają pytanie, jak napisać esej. Często poszukiwana jest także próbka pisarstwa tego typu pracy, a warto dodać, że jej znalezienie nie jest trudne. Ale po co to pisać w zasadzie? Na to pytanie też jest odpowiedź.

Pisanie esejów rozwija kreatywne myślenie i umiejętność wyrażania się w piśmie. Człowiek uczy się identyfikować związki przyczynowo-skutkowe, konstruować informacje, formułować to, co chciałby wyrazić, argumentować swój punkt widzenia, ilustrując go różnymi przykładami i podsumowywać przedstawiony materiał.

Zazwyczaj eseje poświęcone są zagadnieniom filozoficznym, intelektualnym, moralnym i etycznym. Ten ostatni jest często używany do przypisywania uczniom esejów - nie podlegają one rygorystycznym wymaganiom, powołując się na niewystarczającą erudycję i nieoficjalną prezentację pracy.

Klasyfikacja

Tradycyjnie eseje są dzielone według następujących kryteriów:

• Według treści. Obejmuje to dzieła artystyczne i artystyczno-publicystyczne, historyczne i filozoficzne, duchowe i religijne itp.
• Według formy literackiej. Mogą wśród nich znaleźć się listy czy pamiętniki, notatki czy recenzje, miniatury liryczne.
• Według formularza. Takich jak: opisowe, narracyjne, refleksyjne, analityczne, kompozycyjne i krytyczne.
• Ze względu na formę opisu rozróżniają subiektywny i obiektywny. Pierwsze odzwierciedlają cechy osobowości autora, drugie mają na celu opisanie przedmiotu, zjawiska, procesu i tak dalej.

Cechy charakterystyczne

Esej można „zidentyfikować” po następujących cechach:

• Mała objętość. Zazwyczaj do siedmiu stron drukowanego tekstu, chociaż różne szkoły mogą mieć w tym zakresie własne wymagania. Na niektórych uniwersytetach esej jest pełnoprawnym dziełem składającym się z 10 stron, podczas gdy inne cenią sobie krótkie podsumowanie wszystkich swoich przemyśleń na dwóch stronach.
• Konkrety. Esej zazwyczaj odpowiada na jedno konkretne pytanie, które często jest sformułowane w temacie zadania. Interpretacja odpowiedzi jest subiektywna i zawiera wnioski autora. Ponownie, w zależności od specyfikacji eseju, konieczne może być rozważenie problemu ze wszystkich stron, nawet jeśli połowa opisanych opinii nie jest w żaden sposób bezpośrednio związana z autorem.
• Dowolna kompozycja. Esej wyróżnia się narracją skojarzeniową. Autor zastanawia się nad logicznymi powiązaniami, kierując się własnym myśleniem. Pamiętajmy, że esej odsłania jego świat wewnętrzny.
• Paradoksy. Co więcej, zjawisko paradoksów ma miejsce nie tylko w samym tekście, ale także w założeniach samego eseju: wszak ten gatunek literacki, choć prezentowany w swobodnej narracji, musi mieć integralność semantyczną.
• Spójność tez i twierdzeń autora. Nawet jeśli autor jest osobą sprzeczną, ma obowiązek wyjaśnić, dlaczego nie może wybrać jednego punktu widzenia i nie stracić wątku narracji, ani go zrywając, ani rozpoczynając od nowa. Ostatecznie nawet strony pamiętnika zamienione na eseje są objęte normami literackimi. Przecież końcowy esej będzie czytał nie tylko sam autor.

Jak napisać esej?

Próbka pracy może być myląca dla początkującego: jeden lub kilka przykładów będzie mało pomocne dla autora, który nie może zrozumieć, czego tak naprawdę się od niego wymaga.

Na początek warto wspomnieć, że aby napisać tzw. esej, trzeba biegle poruszać się w temacie. Jeżeli w trakcie pisania trzeba sięgnąć po informacje z wielu źródeł, esej przestaje nim być. Zasada ta wynika z tego, że autor w swoim „teście” wyraża swój prawdziwy punkt widzenia, choć oczywiście może go podkreślić cytatami wielkich ludzi itp. Oczywiście, aby dane były wiarygodne, konieczne jest konieczne, aby to sprawdzić. Ale esej nie jest pisany na podstawie materiału, ale od niego, dochodząc do własnych wniosków i wyników.

Dlaczego masz problemy z pisaniem?

Wielu uczniów ma trudności ze znalezieniem przykładowego eseju, gdyż szkoły nie poświęcają wystarczającej ilości czasu na pisanie tego typu prac. Szkolne eseje, choć klasyfikowane do tego gatunku i niektórzy nauczyciele formułują zadania, posługując się tą konkretną terminologią, wciąż nie mają określonej specyfikacji. Jak wspomniano wcześniej, eseje szkolne nawet nie zawsze są jako takie oznaczone. W szkołach średnich dzieci dopiero zaczynają uczyć się formułowania swoich myśli w formie literackiej. Dlatego wiele osób podchodzi do testu ze strachem – muszą w krótkim czasie wyrazić swój punkt widzenia, a zupełnie nie są w stanie tego zrobić.

Struktura eseju

Tematyka esejów jest zwykle przedstawiana w formie cytatów znanych osób, z którymi pisarz może się zgodzić lub nie, argumentując swoje zdanie.

Dlatego też zaleca się rozpoczynanie eseju słowami „zgadzam się z tą opinią” lub „nie mogę powiedzieć, że myślę tak samo jak autor” lub „to stwierdzenie wydaje mi się kontrowersyjne, chociaż w niektórych punktach się z tym zgadzam tę opinię”.

Zdanie drugie powinno zawierać wyjaśnienie, jak wypowiedź została zrozumiana. Trzeba napisać od siebie – co, zdaniem pisarza, autor chciał powiedzieć i dlaczego tak uważa.

Zasadniczą część eseju stanowi szczegółowe przedstawienie punktu widzenia autora, w myśl zasady „Myślę tak, ponieważ…”. Możesz szukać pomocy w innych cytatach i aforyzmach, z którymi zgadza się pisarz.

Zakończenie eseju – wyniki pracy. Jest to element obowiązkowy, który dopełnia pracę.

Przyjrzyjmy się głównym tematom, na które pisane są eseje.

Nauki społeczne

Nauki społeczne - przedmiotem badań jest zespół nauk społecznych. Rozważany jest ścisły związek nauk społecznych, a nie każda z nich z osobna.

Zatem kurs nauk społecznych może obejmować:

• socjologia;
• politologia;
• filozofia;
• psychologia;
• gospodarka.

Badane są podstawy tych dyscyplin.

Przy pisaniu ujednoliconego egzaminu państwowego absolwentom często potrzebny jest przykładowy esej z nauk społecznych. Struktura niniejszego eseju w pełni odpowiada strukturze podanej powyżej. Podczas sprawdzania wiedzy uczniom można podać jako temat wypowiedzi znanych filozofów, socjologów i innych osobistości nauk społecznych.

Poniżej znajduje się przykładowy esej z nauk społecznych (w skrócie).

Temat: „Prawo milczy podczas wojny. Lucan”

„Po przeczytaniu tego stwierdzenia po raz pierwszy zdecydowałem, że całkowicie się z nim zgadzam. Jednak nieco później dotarło do mnie, że ten cytat, jak prawie wszystko w naszym świecie, nie jest taki prosty.

Z wypowiedzią Lucana kojarzę inny znany aforyzm: „W miłości i na wojnie wszystkie środki są sprawiedliwe”. Pewnie dlatego, że wielu bezwarunkowo trzyma się tej zasady, uważając ją za prawdziwą, a okazuje się, że w czasie wojny wszelkie prawa wolą milczeć.

Ale jest też druga strona medalu: podczas wojny obowiązują same prawa wojenne. "Zabij lub zgiń." A chwalebni bohaterowie postępują zgodnie z prawami, które podpowiada im ich serce. W imieniu bliskich, krewnych i przyjaciół.

Okazuje się więc, że wojna tworzy nowe prawa. Twarde i bardziej bezkompromisowe niż w czasie pokoju.

Oczywiście rozumiem Lucana: wszystkie jego cytaty sugerują, że ten człowiek miał pacyfistyczne poglądy. Uważam się również za osobę miłującą pokój. Jednak to konkretne stwierdzenie nie przechodzi z mojej strony logicznej weryfikacji, zatem nie mogę powiedzieć, że się z nim zgadzam.”

W samym egzaminie ujednoliconym obowiązuje ograniczenie liczby słów w formie interwałowej. Bardzo ważne jest ich przestrzeganie, w przeciwnym razie nawet wyraźnie zweryfikowana konstrukcja eseju nie przejdzie weryfikacji egzaminatora.

Fabuła

Historia jest uważana za jedną z nauk o społeczeństwie i przyrodzie. Pomimo tego, że wyznają podział tej dyscypliny na dwie odrębne: światową i krajową, w której studiują, podstawy pisania esejów z obu przedmiotów są do siebie podobne.

Wybierając tematy do napisania eseju historycznego, często mogą one odbiegać od aforyzmów i cytatów. Z równym powodzeniem mogą to być refleksje na temat globalnych konsekwencji wojen, ocena działań osławionych dekabrystów czy dysydentów, czy też autorska opinia na temat dowolnej postaci lub zjawiska historycznego. Aby napisać esej z historii, student (lub kandydat, lub student) musi posiadać solidną wiedzę na zadany temat. Jednocześnie przykładowy esej z nauk społecznych nie nadaje się jako przykład, ponieważ dyscyplina ta często porusza kwestie moralne i etyczne. Choć napisanie eseju na ten temat wymaga wystarczającej erudycji w wielu dziedzinach.

Ale ważnym pytaniem jest, jak sformatować esej. Przykładowy esej historyczny w swojej strukturze również nie odbiega od podanych zasad. Można jednak nałożyć na nią dodatkowe wymagania w postaci spisu literatury i strony tytułowej.

Napisanie eseju na temat historii

Nawet jeśli w danej chwili nie masz pod ręką przykładowego eseju historycznego, możesz napisać doskonały esej, przestrzegając następujących zasad:

• Na początek poszukuje się informacji na dany temat: nawet jeśli jest on znany, nie zaszkodzi powtórzyć materiał.
• Następnie musisz to ustrukturyzować, zidentyfikować związki przyczynowo-skutkowe i z grubsza nakreślić plan, zgodnie z którym rozumowanie będzie postępować.
• Ważne jest, aby przemyśleć argumenty i kontrargumenty.
• Jeśli chodzi o styl: lepiej zapytać nauczyciela, który styl jest zalecany. W rzadkich, ale możliwych przypadkach konieczne jest pisanie w stylu naukowym.
• Nie zapomnij o zakończeniu (waga wyników pracy jest opisana w opisie struktury eseju).

Język rosyjski

Esej w języku rosyjskim jest nieco podobny do szkolnego eseju argumentacyjnego, ale w testach wiedzy, takich jak Unified State Exam, zawiera większą liczbę zasad pisania. Na tym polega jego złożoność.

Esej musi być napisany według tekstu zaproponowanego przez egzaminatorów, dlatego konieczne jest:

• Wskaż problemy tego tekstu.
• Opisz aspekty tego problemu.
• Uzasadnij swój punkt widzenia na temat tego, co autor chciał powiedzieć.
• Wyciągać wnioski.

Jak widać, do zwykłej struktury eseju dodano wyjaśnienie: temat (w tym przypadku problematyczny) jest identyfikowany przez pisarza i przez niego formułowany. Ponadto podczas sprawdzania eseju w języku rosyjskim większą uwagę zwraca się na błędy ortograficzne, gramatyczne i interpunkcyjne. Dodatkowych punktów na korzyść autora w oczach egzaminatora dodaje użycie argumentów literackich, znanych przykładów itp. W tym przypadku również konsekwencja odgrywa ważną rolę. Próbka eseju w języku rosyjskim musi ściśle spełniać wszystkie powyższe wymagania.

język angielski

W języku krajów poradzieckich, gdzie nie jest on rodzimy, odchodzi się całkowicie od zasady podawania wypowiedzi lub cytatu jako tematu. Przetłumaczone na język rosyjski są często bardzo proste, a samo pisanie eseju ma na celu sprawdzenie użycia języka obcego przy wyrażaniu swoich myśli.

Dużą uwagę należy zwrócić na gramatykę, różne czasy, złożone konstrukcje i synonimizację prostych słów.

Esej w języku angielskim: klasyfikacja

Eseje w języku angielskim dzieli się zazwyczaj na trzy typy:

• „za” i „przeciw” dowolnemu zjawisku stanowiącemu temat eseju;
• esej poglądowy, w którym bardzo ważne jest spojrzenie na temat z różnych perspektyw;
• propozycja rozwiązania problemu (często dają coś globalnego).

Pisanie eseju w języku angielskim

I tak dostałem konkretne zadanie: napisać esej po angielsku. Przykład tego, jak można to zrobić, przedstawiono poniżej.

• Użyj słów wprowadzających: ponadto rzeczywiście, ogólnie, głównie, zwykle, ostatnio, poza tym.
• Wstaw frazy szablonowe, od których możesz rozpocząć akapit: na początek niewątpliwie przemawia jeden argument.
• Używaj angielskich klisz, zestawiaj zwrotów, idiomów, jednostek frazeologicznych i powiedzeń: krótko mówiąc, nie można zaprzeczyć, nie można po prostu gwóźdź wybija gwóźdź.
• Nie zapominaj, jak można sformułować wniosek po angielsku: podsumowując, mogę powiedzieć, że chociaż , więc decyzja należy do każdego, czy… czy nie.

Dekoracje

Powyżej szczegółowo opisaliśmy, jak poprawnie napisać esej. Próbka, choć formalnie przekazano tylko jedną, oddaje istotę tego, co się dzieje i co inspektor chce zobaczyć w przekazanym mu dziele.

Jednak po napisaniu eseju pojawia się problem z jego zaprojektowaniem.

Zazwyczaj specyfikację tę wyjaśnia nauczyciel. Przeszkoda polega właśnie na tym, jak zaprojektować stronę tytułową eseju.

Poniżej przedstawiono próbkę.

Na górze strony, pośrodku, wiersz po wierszu:

Ministerstwo Edukacji i Nauki (nazwa kraju),

pełna nazwa uczelni,

Wydział,

Na środku arkusza:

dyscyplina,

temat eseju.

Po prawej stronie:

uczeń(zy) grupy (nazwa grupy),

Pełne imię i nazwisko.

Dół strony, środek:

miasto, rok powstania dzieła.

Z tego wynika, że ​​zaprojektowanie strony tytułowej eseju nie jest trudne (przykład doskonale to pokazuje). Wymagania są zbliżone do tej samej abstrakcyjnej specyfikacji.

Przykładowo, jeśli spojrzysz na przykładowy esej historyczny, możesz się upewnić, że w tym przypadku praca jest napisana w oparciu o wykorzystane źródła. Czasami więc potrzebna jest bibliografia. Ale nawet to nie powoduje szczególnych trudności w sposobie sformatowania eseju. Wzór do spisania wykorzystanej literatury jest taki sam jak w przypadku raportów, abstraktów i innych podobnych prac.

Na przykład:

Ratus L. G. „Filozofia w nowym wieku”. - 1980, nr 3. - s. 19-26.

Mishevsky M. O. „Historyczny wpływ psychologii”. - P.: Myśli, 1965. - 776 s.

Kegor S. M. „Przerażenie i strach”. - K.: Republika, 1983 - 183 s.

Yarosh D. „Osobowość w koncepcji społeczeństwa”. - M.: Roslit, 1983. - 343 s. (Wszystkie podane źródła są fikcyjne i stanowią jedynie przykład ich projektu.)

Wniosek

Na początku artykułu podano szczegółową klasyfikację typów esejów. Podsumowując, możemy wyróżnić jego uproszczony odcinek, biorąc pod uwagę wszystkie wymienione tutaj. Warunkowo wyróżnijmy więc:

• Eseje pisane przy zdaniu Unified State Exam (mają wyraźne granice objętości, co do liczby słów, są pisane w ściśle określonych ramach czasowych, mierzonych w godzinach lub nawet minutach, nie mają określenia w postaci strona tytułowa i bibliografia są z kolei podzielone tematycznie, w zależności od dyscypliny akademickiej).
• Eseje pisane przez studentów różnych uczelni (objętość określana jest na stronach od drugiej do siódmej, terminy przydzielane są na podstawie częstotliwości zajęć, seminariów, wykładów i sporządzane są zgodnie z powyższymi informacjami wraz ze stroną tytułową oraz wykaz wykorzystanych źródeł).

Artykuł zawiera: terminologię, historię, projekt eseju, przykładową pracę, strukturę i wymagania. Wszystko to pomoże Ci pomyślnie napisać i sformatować tę pracę.

„Gdy tylko człowiek się nauczy
postrzegać otoczenie
objawi wiele darów,
otaczając go wszędzie”
I. Ilyin

W jaki sposób dzieci mogą rozwijać wiarę w siebie, w swoje możliwości i mocne strony?

Jak uwolnić potencjał twórczy dziecka?

Jak uczyć wczuwania się w Słowo i odkrywania jego prawdziwego znaczenia?

Jak nauczyć dziecko myśleć i wyrażać swoje myśli na piśmie?

Jak rozwijać kreatywne myślenie?

Jak rozwijać wyobraźnię, percepcję, obserwację?

W dzisiejszych czasach te pytania i problemy z nimi związane są szczególnie aktualne. Ostatecznie to od ich prawidłowego rozwiązania zależy, jaki rodzaj osobowości wychowamy. Poszukiwanie odpowiedzi na te ważne pytania skłoniło nas do innego spojrzenia na rozwój potencjału twórczego dziecka.

Działalność twórcza w szkole podstawowej wychodzi naprzeciw warunkom nowych czasów, gdyż pozwala być nie tylko kontemplatorem piękna, ale uczy także posiadania własnych myśli, zarządzania nimi i tworzenia piękna własnym sercem.

A wszyscy dorośli wiemy, jak trudno, kropla po kropli, dzień po dniu, napełniać duszę dziecka życzliwym podejściem do otaczającego go świata. Tylko wtedy nauczy się rozumieć i doceniać piękno swojej rodzimej natury. I właśnie w tych momentach ważne jest, aby poprawnie nauczyć się opanowywać słowa, wykorzystując całe piękno myśli.

Dzięki różnym kreatywnym zadaniom, osobistym i zbiorowym, uczniowie mają możliwość uzyskania realnych, widocznych rezultatów. Na przykład tworzenie odręcznych książek, w których znalazły się ich dzieła: bajki, wiersze, opowiadania, szkice. A żmudna, głęboko przemyślana praca nad odręcznie napisaną książką daje każdemu dziecku możliwość wyrażenia swojego wewnętrznego świata. Jest to jedna z najskuteczniejszych form pracy z dziećmi w szkole podstawowej. Zajęcia takie przyczyniają się do rozwoju i kształtowania światopoglądu oraz postawy moralnej dzieci wobec otaczającej ich rzeczywistości.

Zatem twórczość myślowa stanowi doskonałą podstawę dla kreatywności manualnej. Dziecko, zaakceptowawszy w dzieciństwie piękno i dobro, będzie nadal starało się to wszystko stworzyć, wnieść je do swojego życia i życia otaczających go osób.

Bardzo ważne jest, aby wychować w dziecku odważnego twórcę, dla którego twórcze myślenie będzie wielką radością.

Kreatywność to pojęcie wieloaspektowe. I jak wyznaczyć linię, która stanie się fundamentalna w pracy z dziećmi? Każdy nauczyciel sam decyduje o tym pytaniu. Jednocześnie rozwiązuje inny ważny problem: jak znaleźć ciekawą, dynamiczną formę pracy z dziećmi, aby rozwijać ich zdolności twórcze. W końcu tylko jasne, niezapomniane obrazy i wrażenia pozostawią trwały ślad w pamięci dziecka i zaczną kształtować się twórczą osobowość.

Pięć lat temu zapoznałam się z nowym programem edukacyjnym „Piórem służyć Ojczyźnie”, który stał się nie tylko podstawą mojego systemu wychowawczego, ale także rozwijania zdolności twórczych dzieci poprzez piękno myśli. Autorami programu jest kreatywny zespół nauczycieli edukacji dodatkowej z miasta Tomsk (T.V. Gorchakova, L.N. Budarina, T.V. Korosteleva).

Program ten przykuł moją uwagę oryginalnością i nowatorstwem. Łączy w sobie różne aspekty pracy z dziećmi: edukację duchową i moralną, rozwój zdolności twórczych młodszych uczniów oraz naukę dziennikarstwa w ramach współczesnego procesu informatyzacji.

Jedna starożytna przypowieść ukazuje wartość najważniejszych zasad w człowieku.

Jakie „światło” posiada człowiek?

Pewien mądry człowiek rozmawia z królem:

Jakie światło ma człowiek?

Światło słońca, o królu!

Jakie światło ma człowiek, kiedy zachodzi słońce?

Księżyc służy mu jako światło.

Kiedy zaszło słońce i księżyc?

Ogień służy jako światło.

A gdy zaszło słońce, zaszedł księżyc i ogień zgasł, jakie jest jego światło?

Mowa jest dla niego światłem... Zaprawdę, proszę pana, człowiek idzie tam, gdzie się mówi.

A kiedy zajdzie słońce, zajdzie księżyc, zgaśnie ogień i ustanie mowa, jakie światło będzie mieć człowiek? Co pozostaje człowiekowi w całkowitej ciszy, bez migających obrazów rzeczy, bez nawet słów, sam na sam ze sobą? Czy kryje się w nim twórcze źródło życia, czy też jest całkowicie zależny od otoczenia i nie ma w sobie oparcia?

Problem tego, jak nauczyć dzieci biegłości w słowie, języku i mowie, niepokoi każdego nauczyciela szkoły podstawowej. Jak tę wiedzę wykorzystać, aby ulepszyć wewnętrzny świat dziecka, jak nauczyć go kreatywnego myślenia?

Zeszyty ćwiczeń w ramach programu „Piórem służyć ojczyźnie” pomagają w kompetentnej i celowej pracy nad słowem, zdaniem, tekstem i mądrymi myślami. Wiele zadań ma charakter twórczy.

Nie było łatwo rozpocząć pracę ze słabymi dziećmi, które stanowiły połowę klasy. I każdy musi się uczyć!

Dla takich dzieci już na pierwszych zajęciach kreatywnych wymyśliłam „promienie myśli”, które wymykały się z wesołego słońca umieszczonego w prawym górnym rogu prześcieradła. Na „promieniach myśli” dzieci zapisały najpiękniejsze przemyślenia na ten temat. Potem te myśli zamieniły się w piękny tekst, poprawili błędy, wymyślili tytuł, który wystawili na „słońce” i bez problemu zapisali swój esej w czystym egzemplarzu.

Zauważyłam, że dzieci zaczęły coraz lepiej radzić sobie z każdą pracą twórczą. W ich utworach nie było nudnych fraz, było mniej błędów językowych i gramatycznych.

A co najważniejsze, moi uczniowie pokochali twórczą pracę. Rzeczywiście program „Piórem służyć ojczyźnie” stwarza ogromne dodatkowe możliwości rozwoju dzieci. Wraz z kształtowaniem podstaw moralności studenci aktywnie rozwijają się na kierunku filologicznym. Obserwacje wykazały, że dzieci rozwijają mowę, zmysł ortografii, kładą podwaliny pod zrozumienie języka rosyjskiego, dbanie o niego, rozwijają zdolności twórcze. Czy nie jest to cenne teraz, gdy analfabetyzm staje się zjawiskiem powszechnym w naszym życiu, które już nikogo nie szokuje?

Dzięki temu programowi udało mi się stworzyć życzliwy, jasny i wzruszający świat egzystencji dla dzieci w najzwyklejszej szkole. A cała praca pomaga organizować życie dzieci z wiarą w obowiązkowe zwycięstwo ich kreatywności umysłowej. Czasem w ich pracach pojawiają się refleksje na temat ważnych kwestii moralnych, które śmiało można nazwać „próbą pióra…”

A teraz budujemy nasz Dom Kreatywności przez całe pięć lat. Nasz dom zbudowany jest ze specjalnych materiałów: Dobroci, Piękna, Miłości i Duszy. Każde z dzieci włożyło swoją cegiełkę do budowy tego domu. A Piękno Myśli było prawem szczególnym.

Szczególne miejsce zajmuje tworzenie ręcznie pisanych książek przez studentów. Każdy stara się zostać autorem nowej książki. Na przestrzeni lat powstało ponad 30 książek, które z dużym sukcesem zostały zaprezentowane w Międzynarodowym Konkursie Książki Rękopisowej.