Disiplin: Fremmedspråk
Type arbeid: Essay
Tema: Michelangelo

RENESSANSE. Perioden med høy renessanse.

Renessansen ga bidrag av enorm betydning for verdens kunstneriske kultur. Det var en periode med kriger og økonomisk svekkelse, men til tross for dette kreativt

skapelsen var det utrettelige behovet for den tidens mennesker. Kunstnerlivet opplevde en økning i tegning, gravering, skulptur og i alle dets andre manifestasjoner.

Høyrenessansen representerer renessansens apogee. Det var en kort periode som varte i ca 30 år, men på et kvantitativt og kvalitativt nivå er dette

lengden på tiden er som århundrer. Høyrenessansens kunst er en oppsummering av 1400-tallets bragder, men er samtidig et nytt kvalitativt sprang både i kunstteorien og

dens inkarnasjon. Den ekstraordinære "tettheten" i denne perioden kan forklares med det faktum at antallet briljante kunstnere som jobber samtidig (i en historisk periode) er en viss

en rekord selv for hele kunsthistorien. Det er nok å nevne slike navn som Leonardo da Vinci, Raphael og Michelangelo. Det er sistnevnte dagens historie skal handle om.

INTRODUKSJON

Det kan sies om mange mestere at arbeidet deres utgjorde en epoke. Disse har vært det lenge vanlige ord, blir uttrykt på adressen til Michelangelo, få en gyldig

fylden av dens betydning. I tillegg til det faktum at Michelangelos kreative vei ble preget av sin ekstraordinære kronologiske lengde, er det viktig at den fullstendig dekker to viktige utviklingsstadier

italiensk renessanse: perioden for høyrenessansen og perioden for senrenessansen.

Michelangelos aktivitet viste seg å være like storslått i omfang og fruktbar når det gjaldt tre hovedtyper av plastisk kunst - skulptur, maleri og

arkitektur. Gjennom hele sin kreative karriere forble Michelangelo en lys reformator og grunnlegger av renessansens avantgardekunst. Alt dette skaper et spesielt preg på

verdens kunstneriske kultur, som utmerker Michelangelo selv blant mange andre store mestere som Italia var så rik med i tiden med den høyeste blomstringen av sin kunst.

Denne spesielle posisjonen til Michelangelo i sin tids kunst blir oppfattet med ekstraordinær håndgripelighet i de to hovedsentrene i Italia som var arenaen for hans aktivitet - i

Firenze og Roma. I hver av disse byene, der et stort antall praktfulle monumenter har dannet en slags integrert kunstnerisk organisme, er de viktigste kreasjonene til Michelangelo

gi opphav til en følelse av udiskutabel dominans.

Michelangelo, i lys av hans tragisk skjebne, ligner heltene hans, og det er ikke for ingenting at livet hans tiltrakk seg oppmerksomheten til forfattere og poeter. Han var ikke et lærebokideal. Snakker inn

i sin kunst som skaper av bilder av monolitisk integritet, kan han som person virke full av svakheter og motsetninger. Handlinger preget av ekstraordinært mot

erstattes av svakhetsangrep. De høyeste kreative bølgene veksler med perioder med usikkerhet og tvil, med utallige pauser i arbeidet med mye mer

beskjeden skala. Uuttømmelig styrke, kreativ energi uten sidestykke - og så mye uferdig arbeid.

Etiske og borgerlige idealer var ikke noe ytre og forbigående for Michelangelo – det var som en del av hans sjel. Representerer legemliggjørelsen av læren til italienske humanister om

den perfekte mannen, i hvem fysisk skjønnhet og åndsstyrke er kombinert, har bildene til Michelangelo, mer enn verkene til noen annen kunstner, et visuelt uttrykk

en så viktig egenskap ved dette idealet som begrepet virtu. Dette

konseptet fungerer som personifiseringen av det aktive prinsippet i en person, hensiktsmessigheten av hans vilje, evnen til å realisere sine høye tanker til tross for alle hindringer. Nøyaktig

Derfor skildrer Michelangelo, i motsetning til andre mestere, heltene sine på et avgjørende øyeblikk i livet deres.

Like begavet på alle områder av den plastiske kunsten var Michelangelo fortsatt først og fremst en skulptør, som han selv gjentatte ganger understreket. Bortsett fra det...

Hent fil

Michelangelo Buonarroti (1475–1564)

Den tredje titanen fra renessansen levde langt liv. Han arbeidet både under høyrenessansen og under dens tilbakegang. Den største mesteren i sin tid, Michelangelo overgikk alle i styrken og rikdommen til hans pittoreske bilder, samfunnspatos og lidenskap. Maler, skulptør, arkitekt, poet Michelangelo bidro med en sjenerøs gave til verdenskulturens skattkammer.

Michelangelo Buonarroti ble født i byen Caprese, i Valtiberina, «den sjette dagen i mars 1475, fire timer før daggry», ifølge historien til biografen, studenten og vennen Ascanio Kindivi. På forespørsel fra faren Ludovico, som stammet fra den adelige familien til grevene av Canossa og var fungerende ordfører i Chiusi og Caprese, var Michelangelo bestemt for en litterær karriere.

Etter utløpet av hans periode som ordfører og døden i 1481 av hans kone Francesca di Neri di Minato del Sera, bosatte Ludovico seg i Settignano. Han sender brødrene til den fremtidige kunstneren til lauget av ull- og silkestoffer, og Michelangelo ender opp på skolen til Francesco da Urbino. Grammatikklærer. Det livlige sinnet til gutten, som bare var seks år gammel på den tiden, inspirerte stort håp, men som Vasari, en biograf og beundrer av Michelangelo, husker, "i ethvert øyeblikk da han ble alene, viet han seg til tegninger , som han ble ropt på for, og så slo faren og alle de eldste ham, kanskje i troen på at dette innfall, lite forstått av dem, var lavt og uverdig for dem eldgammel familie". Tiden går, men situasjonen, ifølge faren, blir ikke bedre: Michelangelo ble dessuten venn med en gutt på samme alder, Francesco Granacci, som besøkte verkstedet til Domenico Ghirlandaio. Han, ifølge Vasari, " daglig utviklet sitt unge talent så mange tegninger av mesteren at han var i stand til å kopiere dem." Og da faren, som ikke var i stand til å vende sønnen bort fra å tegne, bestemmer seg for å sende ham for å studere "Domenico Ghirlandaio. Da Michelangelo kom til den florentinske kunstnerens studio, var han tolv år gammel, men studietiden hans varte mindre enn forventet, siden maestroen satte pris på talentet til den unge traineen. Dessverre er det svært få igjen kunstverk denne perioden, hvor Michelangelo hovedsakelig måtte kopiere de store mesterne på 1400-tallet, og ikke bare italienske. Men det er en allment kjent sak, rapportert av både Condivi og Vasari, om hvordan en ung student kopierte litografien til den tyske kunstneren Martin Schongauer, «The Temptation of St. Anthony» med en penn. Vasari sier at opprettelsen av tegningen ga ham "tittelen på den største" fordi han, "imiterte verkene til forskjellige gamle mestere, gjorde dem så like at det var umulig å skille, siden han også farget og eldet papiret med røyk og andre stoffer […] , slik at tegningene virket eldgamle, og da han sammenlignet dem med sine egne, var det umulig å skille den ene fra den andre."

I 1489 bestemte Lorenzo de' Medici, herskeren over Firenze, å åpne en stor hage for unge kunstnere ved klosteret St. Mark på Larga Street, hvor en fantastisk samling av skulpturer og antikke perler ble oppbevart. I denne hagen organiserer Lorenzo de' Medici utdanningsinstitusjon, som kort kan kalles «Medici-akademiet». Lorenzos idé var å skape ekte skole, som ville bidra til dannelsen av nye talenter, hvis kunst ikke ville ha noen rivaler for Firenze. Holderen av samlingen og mentor for ungdommen var den eldre Bertoldo di Giovanni, en skulptur og medaljevinner som en gang hadde studert med Donatello. Det meste fremragende artister Florence måtte velge blant elevene på verkstedene de som verdig kunne gå inn på skolen unnfanget av Lorenzo "The Magnificent", som hans samtidige vanligvis kalte ham. Domenico Ghirlandaio valgte Francesco Granacci og Michelangelo Buonarroti blant studentene sine. Imidlertid intellektuelle og kunstnerisk evne sistnevnte blir snart pekt ut blant skoleelevene.

Unge Michelangelo forstår ikke bare kunst, men blir også kjent med filosofi og litteratur. I følge tradisjonen antas det at det var poeten Angelo Poliziano, som fortalte myten om kampen mellom kentaurene og Lapithene, som inviterte den unge kunstneren til å gjenskape den. Basrelieffet er bevart - dette er " "Kentaurenes kamp" fra Buonarroti-museet, skåret ut kort før Lorenzo de' Medicis død.

I utgangspunktet er de første verkene laget av kunstneren skulpturer, siden tegning tjente til undervisning, og gjennom skulpturer kunne han oversette ideene sine til form. Trening med gamle Bertoldo di Giovanni hjalp selvfølgelig Michelangelo til å oppdage hemmeligheten bak Donatellos lave relieff, det vil si evnen til å gi uvanlig dybde til smale marmorfliser.

En av de viktige ordrene til Michelangelo var opprettelsen av tre små skulpturer for å dekorere sarkofagen til St. Domenic fra 1400-tallet, som ligger i basilikaen med samme navn i Bologna. Han bidro til den stilistiske utviklingen til Michelangelo, som kombinerte studiet av Ferrara-maleri fra 1400-tallet med lærdom fra relieffene til dørene til Jacopo della Quercia i San Petronio-kirken i Bologna. Dødsfallet til Lorenzo den storslåtte og urolighetene som oppslukte Firenze på grunn av vanstyret til arvingen Piero de' Medici førte til at Michelangelo bestemte seg for å forlate byen og dra til Venezia og deretter til Bologna.

Etter et kort opphold i Firenze, sendte billedhuggeren, som var knapt tjueen år gammel, skrittene sine til Roma, til kardinal Riario, som nylig hadde anskaffet kunstnerens verk, solgt som antikvitet. Michelangelo slo seg ned i kardinalens palass og mottok en betydelig provisjon fra ham, som markerte begynnelsen på mange som fulgte i hans lange karriere, selv om statuen, som ikke ble verdsatt av Riario, senere ble anskaffet av Jacopo Galli. Påvirket av atmosfæren i Roma, skildret Michelangelo figuren til en beruset Bacchus, som var direkte inspirert av gammel skulptur

Resultatet av et direkte bekjentskap i august 1498 med bankmannen Jacopo Galli var en ordre som ble et av de mest kjente verkene til billedhuggeren fra Caprese: "Pieta" fra Vatikanets katedral, den eneste signert av mesteren. Den monumentale versjonen, som ga Mary utseendet til en veldig ung jente, understreket den evige betydningen av sorg og medfølelse. Sjarmen til den skulpturelle gruppen etablerte endelig berømmelsen til tjuetre år gamle Michelangelo: verket blir et forbilde for hans samtidige. Raphael fant i henne en inspirasjonskilde for hans Pala Baglioni. Og i de påfølgende århundrene så kunstnere på " Sorg" og studerte.

Endringer i politisk situasjon i Firenze og valget av Pietro Soderini som Gonfaloniere bidro til at Michelangelo returnerte til hjembyen. Dermed begynner den andre, svært fruktbare perioden av oppholdet hans i Firenze (fra 1501 til 1505). I løpet av denne perioden ble slike mesterverk laget som " David", "M adonna med barn", på oppdrag fra Muscoron-familien fra Brugge, som Michelangelo hadde nære kommersielle kontakter med. Samtidig skulpturerte Michelangelo Tondo Tadde og Tondo Pitti.

Historien om graven til pave Julius II, som skulle fullføres av Michelangelo, viste seg å være en lang og smertefull en som påvirket kunstnerens liv. Det er ingen tilfeldighet at Michelangelo selv ofte snakket om «begravelsens tragedie», og oppsummerte all bitterheten og skuffelsen som denne ordren førte til. Det pavelige mausoleet, som ble tatt i bruk i 1505, ble bygget opp som det siste monumentet som ble plassert inne i den renoverte Peterskirken i Vatikanet, og ble ferdigstilt først i 1547, og i en sterkt redusert versjon sammenlignet med den opprinnelige planen, og ble installert i San. Pietro i Vincoli. For å implementere prosjektet jobbet kunstneren i samarbeid med Rafaelo da Montelupo, Maso del Bosco og Scherano da Settignano, og den eneste statuen som ble fullstendig utført av mesteren var "Moses". Verken Julius II selv, som distraherte Michelangelo fra å fullføre oppgaven ved å betro ham å male taket i Det sixtinske kapell, eller hans arvinger oppfylte disse forpliktelsene.

Til tross for dette skapte Michelangelo en vakker serie med slaver, hvorav fire forble uferdige. Det siste skapte verket i denne perioden var statuen " Kristus, korsbærer", på oppdrag fra romerske kommissærer for kirken Santa Maria sopra Minerva (1518-1520).

Da blir all energien hans absorbert av utførelsen av ordren til Medici-gravene for det nye sakristiet til San Lorenzo-kirken i Firenze. I henhold til ønsker fra to kunder - pave Leo X og fetteren til kardinal Julius de' Medici, den fremtidige Clement VII, skulle bygningen huse begravelsene til Lorenzo den storslåtte og hans bror Juilan. Begravelsen av Lorenzo den storslåtte og hans bror består av en enkel sokkel, til høyre for inngangen, hvor Michelangelos Madonna og barn-statue, startet i 1521.

To uvanlige nyvinninger introdusert av Michelangelo i utførelsen av mausoleet var tillegget av to skulpturer av "Condottierres", som han kalte dem. Den arkitektoniske utformingen av rommet til veggene som de er plassert mot, avvisningen av enhver form for portrettlikhet og bruken av teknikken for "ufullstendighet" når du lager ansiktene til "Dag" og "Kveld". På den annen side innrømmet til og med Vasari at "skissen" ikke lukker seg for seg selv, og gir inntrykk av ikke et fullført verk, men av en kreativ impuls. I 1534 forlater Michelangelo Firenze og returnerer til Roma. Da sakristiet nesten var fullført, skulpturerte kunstneren også "David - Apollo" fra Bargello og deretter "Victory" opprettet for mausoleet til Julius II, senere installert i Pallazzo Vecchio. På den siste fasen av Michelangelos skulpturelle virksomhet skapte han en byste av Brutus, på oppdrag fra kardinal Niccolo Ridolfi, men i løpet av disse årene ble mesterens arbeid hovedsakelig dominert av temaet som opptok kunstneren i hans ungdom - temaet "Lamentation".

Det var følelsen av dødens nærhet som presset Michelangelo på denne veien, siden den såkalte "Pieta Bandini", som ble opprettet mellom 1550 og 1555, i henhold til planen hans, skulle dekorere sin egen begravelse, som mesteren ønsket å plass i den romerske kirken Santa Maria Maggiore. Den forble uferdig og til og med skadet. Michelangelo, som var misfornøyd med skulpturen, knuste Kristi hånd med en hammer.

Separat vil jeg fremheve verkene til Michelangelo, kunstneren. Den første offisielle muligheten for mesteren til å demonstrere sitt talent som kunstner var da Soderini, Gonfaloniere i Firenze, ga ham i oppdrag å lage en enorm freskomaleri for rådssalen i Palazzo Vecchio. Frontveggen skulle være malt av Leonardo da Vinci, som skildrer den berømte episoden av "Battle of Anghiari", hvorfra noen få skisser og senere kopier gjensto. Det er verdt å huske arbeidet til Leonardo for bedre å forstå fresken av Michelangelo, som også gikk tapt.

Leonardo valgte en militær episode, og Michelangelo ble inspirert av historien til 1300-tallshistorikeren Giovanni Villani. Under krigen mellom Firenze og Pisa bestemte de florentinske troppene seg for å slå leir i nærheten av byen Cascina og svømme i Arno for å kjøle seg ned. Men da de ble advart om fiender som nærmet seg, kledde de seg raskt og, etter å ha møtt fiendene sine, vant de. Michelangelo valgte øyeblikket da soldatene samlet klær og våpen på bredden av Arno, det vil si nettopp øyeblikket da alle styrker var konsentrert før slaget. Med andre ord, kunstneren fra Caprese ble tiltrukket av energien til spente kropper, nøyaktig det samme som tiltrakk ham til " "Kentaurenes kamp". Andre viktige verk fra den florentinske perioden var "Den hellige familie med døperen Johannes", bedre kjent som " Tondo Donny", "Descent from the Cross" og " Madonna og barn, døperen Johannes og fire engler" selv om kunsthistorikere anser dem for å være senere verk. Men, selvfølgelig, arbeidet som ble toppen av Michelangelos arbeid som kunstner og bekreftet hans berømmelse, var maleriet av taket i Det sixtinske kapell.

Julius II, etter forslag fra Bramante, som sannsynligvis ønsket å gi Michelangelo en vanskelig oppgave og distrahere ham fra arbeidet med graven, ba kunstneren om å lage et nytt maleri av taket, som tidligere var dekorert med et bilde av stjernehimmelen . Michelangelo, som ønsket å begynne arbeidet med graven til Julius II så snart som mulig, forsøkte å avslå oppgaven, og tilbød seg å involvere Raphael i arbeidet, men til slutt, for å blidgjøre den sta paven, som han allerede hadde kommet inn i. uenigheter mer enn én gang, takket han ja til tilbudet.

Arbeidet varte fra 1508 til 1512. - for fire år med kontinuerlig og utmattende arbeid, som et resultat av at mer enn tusen meter plass ble skissert med nesten tre hundre figurer. Han var så vant til å jobbe med hodet kastet bakover at da han gikk ned fra gangveien, ble han tvunget til å innta en lignende stilling for å kunne lese brevet. Det er ikke for ingenting at Michelangelo i en av de skisserte karikaturene i et brev fra den tiden er avbildet med hodet kastet opp igjen.

Michelangelo malte taket i to etapper og gjorde det ferdig 15. august 1511, på dagen for Vår Frues himmelfart, og det er grunnen til at kapellet ble viet til høytiden. Arbeidet forårsaket ikke bare universell beundring, men hadde også en direkte innflytelse på Raphael, som plasserte figuren til Michelangelo i form av Heraclitus i "Skolen i Athen"; han brukte temaet sibyllene i lunetten "Dyder" i maleriet av Stanza Segnatura og på den fremre delen av buen til Chigi-kapellet i Santa Maria della Pace. I løpet av arbeidsperioden, som varte i fire år, endret Michelangelos stil seg og ble kraftigere. En klar bekreftelse på dette kan være sammenligningen av Sakarias-figuren, bevisst sittende i en uvanlig stol, og Jona, presentert fra et perspektiv. Profeten ble en gigant, knapt i stand til å få plass på sin plass. Michelangelo kom tilbake for å jobbe på Det sixtinske kapell tjuefem år etter å ha fullført arbeidet med taket. Denne gangen skaper han det mest smertefulle verket i maleriets historie - "The Last Judgment".

Men denne fresken var ikke Michelangelos siste maleri. På oppdrag fra pave Paul III Farnese lager han igjen fresker i Paolina-kapellet i Vatikanet. Kapellet, bygget av Antonio la Sangallo i 1549, var et privat kapell, og dets fresker som skildrer St. Pauls omvendelse og St. Peters korsfestelse lignet på gigantiske ikoner som krevde meditasjon.

Med tanke på Michelangelos geni, kan man ikke ignorere hans arkitektoniske talent, som var det første som ble verdsatt av pave Leo X. Det var han som valgte, blant de mange presenterte prosjektene, det Buonarroti gjorde for fasaden til San Lorenzo, som Medici betraktet nesten som en husmenighet. I Michelangelos prosjekt ble han overrasket over originaliteten til den nye tilnærmingen til tolkningen av det klassiske arkitektoniske språket som brukes på en religiøs bygning, kombinert med en rekke skulpturelle dekorasjoner av bygningen.

Kunstneren fra Caprese arbeidet på komplekset San Lorenzo i ganske lang tid, siden paven betrodde ham arbeidet med det nye sakristiet i 1520, og deretter Giulio de' Medici, som ble etter hans død. fetter Leo X, pave under navnet Clement VII, betro ham i 1523 byggingen av Laurentian Library.

For å forlenge den flyktige drømmen om en republikk som hadde dukket opp to år tidligere, etter utvisningen fra byen Medici, gjorde byen et desperat forsøk på å motstå de overlegne styrkene til Charles V-hæren. Dette var et veldig delikat øyeblikk i kunstnerens liv, fordi han, som deltok i forsvaret av Firenze, kom i konflikt med representanter for familien som han lyktes med og ble berømt gjennom. Det er grunnen til at Michelangelo, etter det republikanske styrets fall (12. august 1530), gikk i skjul til han mottok en benådning fra Clement VII, hvoretter han igjen begynte arbeidet med komplekset San Lorenzo. Bygningene til komplekset ble den eneste arkitektoniske strukturen skapt av Buonarroti i den andre florentinske perioden. Deretter ble de endelig fullført av Vasari og Bartolomeo Ammanti.

Først i 1546 måtte kunstneren igjen løse arkitektoniske problemer. Det var i denne perioden, etter å ha fullført utsmykningen av Paolina-kapellet, at Paul III ba ham om å fullføre familiepalasset: Antonio da Sangallo, som nylig hadde dødd, hadde ikke tid til å fullføre det.

Michelangelos enorme bidrag til urbanismen i Roma var hans arbeid på Capitoline-høyden, startet i 1538, da kunstneren brukte, parallelt med scenografien av arkitektoniske strukturer, perspektivteknikker som skulle komme på moten hundre år senere.

Og likevel arbeidet som opptok ham frem til siste dag og det som ble hans besettelse var byggingen av en ny Peterskirken og dens praktfulle kuppel. Utnevnt til arkitekt for byggingen av katedralen i 1546, Michelangelo, tilpasset seg storslått prosjekt Bramante forenklet den og endret dens dimensjoner, og unnfanget en bygning med en sentralisert layout, hvis kuppel ble dens plastiske og symbolske fullføring. På 1600-tallet, på grunn av Madernos inngripen, mistet Peterskirken, unnfanget av Michelangelo, sin originalitet, og beholdt bare den viktigste delen av kuppelen innledende prosjekt arkitekt. Kunstneren kunne observere konstruksjonen til fundamentet ble reist. Sistnevnte periode inkluderer også byggingen av Porta Pia og rekonstruksjonen av Santa Maria degli Angeli.

De siste tretti årene av livet hans var preget av en gradvis retrett fra skulptur og maleri og en vending hovedsakelig til arkitektur og poesi. Michelangelos tekster utmerker seg ved deres dype tankegang og høye tragedie; Det tar opp temaer som kjærlighet, harmoni og ensomhet. Favoritter poetiske former Michelangelo - madrigal og sonett; De ble ikke publisert i løpet av forfatterens levetid, selv om de ble høyt verdsatt av hans samtidige. Michelangelo kom aldri tilbake til Firenze. Han døde i Roma i 1564. Etter kunstnerens død ble kroppen hans i hemmelighet hentet fra Roma og høytidelig gravlagt i graven til de berømte florentinerne - Santa Croce-kirken.

, Michelangelo Buonarroti, Titian - ga et uvurderlig bidrag til verdenskunsten. Blant disse artistene er det Michelangelo skapte titaniske, heroiske, modige bilder både i form og innhold, i indre åndelig styrke.

Michelangelo Buonarroti

«Michelangelos fortjeneste ligger i hvor mye lidenskap og impuls, hvor mye storm, smerte og styrke han la ned i verkene sine. Han ga kunsten enestående dynamikk og lærte å skildre det som faktisk er umulig å skildre - brenningen av den menneskelige sjelen, og generelt alt som er usynlig og immateriell."

Prest Georgy Chistyakov. oppslukt av brann

Det var ingen tilfeldighet at jeg kalte presentasjonen min dedikert til arbeidet til Michelangelo "Titan". Når vi nevner navnet Leonardo da Vinci, husker vi først og fremst hans intellektuelle evner. Rafaels navn er assosiert med harmoni. Michelangelo Buonarroti forbløffer først og fremst med kraften i sine kreasjoner. Menneskets skjønnhet og styrke gledet kunstneren og vekket ønsket om å legemliggjøre denne skjønnheten og kraften i bilder, både skulpturelle og billedlige.

Skjønnhet, styrke, kraft, energi

Styrke og kraft kjennetegnes selv av Michelangelos kvinnelige bilder. Se på hans madonnaer, sibyllene fra Det sixtinske kapell, morgen- og nattfigurene fra Medici-kapellet. Sammenlign dem med kvinnelige bilder Leonardo og Raphael. Hva kan vi si om mannlige bilder! Dette er titaner! Titaner er ikke bare ytre. Kunstneren var i stand til å uttrykke i disse kreasjonene styrken til ånd, energi som kan forandre verden. Michelangelo levde et veldig langt liv, og overlevde sine store landsmenn Leonardo og Raphael, flere paver som forholdet ikke alltid fungerte med. Han ble ofte tvunget til å adlyde paven og gjøre ting som ikke var det hans sjel krevde. Verden forandret seg rundt ham, barokktiden nærmet seg. Og i Michelangelos verk dukker det opp trekk som ikke er karakteristiske for klassisk kunst. Stormen som raste i sjelen til denne titanen kommer til uttrykk i hans titaniske bilder.

I presentasjonen min fokuserte jeg på det visuelle spekteret. Det vil hjelpe læreren å illustrere historien om Michelangelo. For de som ønsker å lære mer om livet og arbeidet til denne titanen, anbefaler jeg en liste med bøker.

• Argan J.K. Italiensk kunsts historie. – M.: OJSC Publishing House "Raduga", 2000
• Beckett V. Maleriets historie. – M.: Astrel Publishing House LLC: AST Publishing House LLC, 2003
• Vasari D. Livet til kjente malere, skulptører og arkitekter.– K.: Kunst, 1970
• Flotte artister. Bind 38. Michelangelo. – M.: Forlag “Direct-Media”, 2010
• Whipper B.R. Italiensk renessanse fra 1200- til 1500-tallet. – M.: Kunst, 1977
• Volkova Paola Dmitrievna. Bro over avgrunnen/Paola Volkova.– M.: Zebra E, 2013
• Julian Freeman. Kunsthistorie.– M.: Forlag "AST" Forlag "Astrel", 2003
• Emokhonova L.G. Verdenskunst. M.: Publiseringssenter"Akademi", 1998
• Kunder A. Michelangelo.– Moskva White City, 2003
• Cristofanelli Rolando. Dagbok til Michelangelo den rasende.– M.: "Rainbow", 1985
• Kushnerovskaya G.S. Titanium. (Michelangelo. Komposisjon)– M.: "Ung garde", 1973
• Makhov A. Michelangelo. Fjorten skisser til fresken "Den siste dommen".– Moskva "Stige", 1995
• Michelangelo. Serien «World of Masterpieces. 100 verdensnavn innen kunst."– M.: Forlagssenter "Classics", 2002
• Poesi av Michelangelo. Oversettelse av A.M. Efros– M.: "Iskusstvo", 1992
• Rolland R. Livet til flotte mennesker.– M.: Izvestia, 1992
• Samin D.K. Hundre store artister. – M.: Veche, 2004
• Hundre store billedhuggere/Auth.-komp. S. A. Mussky.– M.: Veche, 2002
• Stein I. Pinsel og glede.– M.: Pravda, 1991

Michelangelo Buonarroti (1475–1564) er den mektigste kunstnerisk personlighet som jorden noen gang har båret. Aldri, verken før eller etter ham, har noen kunstner øvet en så overveiende og varig innflytelse på sin samtid og etterkommere; og selv om han som modell viste seg å være fatal for neste generasjon, for hvem formspråket hans ikke var en indre nødvendighet for ham selv, kommer likevel, takket være dette, hans egen storhet frem for alle. jo mer seirende. Hans poetiske verk, som ikke har noen plass her, lar oss trenge dypt inn i kampen til hans lidenskapelige, krevende kjærlighet, ensomme sjel med seg selv, med sin Gud og med idealene i hans kunst.

Som arkitekt ble Michelangelo grunnleggeren av alle barokkstilens grandiose, unike særheter. Som skulptør og maler var han under renessansen en så eksepsjonell skildrer av mennesket som ingen andre, men vanlige mennesker som han tok for sine malerier og statuer, selv med deres iboende egenskaper, umerkelig i hendene forvandlet til supermenn og halvguder. Kraftige former for kroppen og kraftige bevegelser, eksternt forårsaket av dristige motsetninger av linjer, og internt omfavnet av nesten verdslige eller til og med helt verdslige ambisjoner, stammet fra hans mest intime opplevelser. Etter Phidias var ingen kunstner i stand til å oppnå det sublime så mye som Michelangelo.

Som en aspirerende maler gikk Michelangelo, i det trettende året av sitt liv, inn i læretiden til Domenico Ghirlandaio, som en aspirerende billedhugger et år senere, og ikke tidligere enn 1488 (som Frey viste) - til en viss Bertoldo, da vaktmester for Medisinsk samling av antikviteter ved San Marco, en student Donatello, sent i livet. Den videre utviklingen av den unge Buonarroti til en maler fant sted foran freskene til Masaccio i Brancacci-kapellet, og til en skulptør i de nevnte antikvitetene i Medici-hagen. Fra den tid av ønsket han å bli sett på utelukkende som en skulptør. Men skjebnen førte ham likevel til å male igjen. Hans mest betydningsfulle skulpturelle virksomhet har nådd oss ​​bare delvis fullført, mens han i maleriet, gjennomsyret av sin plastiske ånd, forlot de største, forent felles tilkobling virker. Han utviklet seg til en arkitekt, selv om han var i fjern avhengighet av Bramante og Giuliano da Sangallo, men i hovedsak uavhengig, takket være oppgavene som presenterte seg for ham.

Hans tidligste skulpturer viser klørne til en løve. Det flate marmorrelieffet «Madonna of the Stairs» i Casa Buonarroti i Firenze minner om den enda senere stilen til Donatellos skole, men med kraftige former hovedgruppe og barna som leker i trappen foran blir brått fjernet fra denne skolen. Et høyere marmorrelieff "Battle of the Centaurs" fra samme samling, som viser en voldsom kamp mellom sterke og slanke mennesker og kentaurer, hvis kropper og bevegelser er gjengitt med en perfekt forståelse av saken, avslører den direkte innflytelsen fra relieffene til gamle sarkofager.

Ris. 6. Maling av Madonna på trappa

I 1494 bodde Michelangelo i Bologna og her malte han en engel med en kandelaber på sarkofagen til St. Dominic i San Domenico, den gang skikkelsen til biskop Petronius, samt den nylig gjenutstilte gruppen til den halvnakne rytteren Proculus. Denne gruppen, tydeligere enn tidligere verk, avslører det dristige formspråket som er karakteristisk for den unge mesteren, fortsatt påvirket av de bolognesiske verkene til Jacopo della Querci. At Proculus er et verk av Michelangelo, insisterer Justi også på dette, i motsetning til Frey. Makovsky viste at modellen for engelen var den eldgamle seiersgudinnen som var bevart i Louvre. Da han kom tilbake til Firenze, henrettet han i marmor den unge John og den sovende Amor, som ble solgt samtidig for antikviteter. Det er fortsatt vanskelig å gjenkjenne førstnevnte sammen med Bode og Carl Justi i "Giovannino" på Berlin-museet, og sistnevnte sammen med Conrad Lange og Fabrizi i ett stykke av Torino-samlingen. Ganske pålitelig forblir imidlertid den nakne marmoren Bacchus av Michelangelo i nasjonalt museum i Firenze, det første verket han fremførte i 1496 i Roma. Det gamle og det moderne, karakteristisk for mesteren, er uatskillelig forent i denne svaiende skikkelsen, hvis nakne kropp formidles med så livsviktig varme.

I marmorgruppen til den lidende Guds mor med den avdøde Frelseren i barmen, preget av en slik indre storhet og nå dekorerer St. Peter, Michelangelo omfavnet med sitt personlige syn på naturen og sitt hjertes liv alt han skyldte Donatello-skolen i Firenze, verkene til Querci i Bologna og eldgamle skulpturer i Firenze og Roma.

Denne edle skapelsen er fortsatt litt omgitt av alvorligheten til det 15. århundre, men er allerede fullstendig gjennomsyret av ambisjonene som er karakteristiske for Michelangelo. Da han kom tilbake til Firenze for andre gang, mottok mesteren i 1501 en ordre fra byen om å skjære ut en statue av unge David fra en kolossal marmorblokk etterlatt av en av hans forgjengere i form av et fragment. Denne nakne kolossen av en ungdom, som siktet med en slynge, voktet inngangen til Palazzo Vecchio fra 1504 til 1873, og står nå fengslet i akademiets rotunde. Figuren til den modige ungdommen er utført med en fantastisk følelse av natur, alle individuelle deler, som armer og ben, er utført med ekstrem forsiktighet, og det storslåtte hodet er animert av et sint uttrykk. Begrensningen av bevegelser er bare delvis forklart av trangheten til denne blokken; Michelangelo klarte å trekke ut sterke, sterke, naturtro og originale former fra denne tilfeldige stumpen.

Etter disse majestetiske og strenge verkene viser den vakre marmorgruppen til Madonnaen med en naken gutt stående mellom knærne i Jomfrukirken i Brugge og det elegante runde relieffet med Madonnaen og to gutter i Nasjonalmuseet i Firenze det rolige. balansert og vakker stil fra 1500-tallet i plastverket til Michelangelo.

Men så falt den første store maleoppgaven på hans lodd. I 1504 ga hjembyen ham henrettelsen av et kampmaleri fra florentinsk historie på veggen i bystyresalen, som ligger overfor det påbegynte maleriet av Leonardo. Michelangelo valgte et uventet angrep på badende soldater i slaget ved Cascina. Han hadde ingen intensjoner om å late som kampforvirring. Han søkte tydelig å representere i de edleste bildene hver person, hver gruppe og å formidle variasjonen, naturligheten og spenningen i bevegelser. Alle disse sterke mennesker animert av bare én følelse av frykt for å nærme seg fare, ett ønske om å rømme. Michelangelos arbeid med papp ble avbrutt i 1505 av hans kall til Roma, men selv i sin uferdige form ble det en skole for hele verden. Bedre idé om separate grupper Dette forsvunne verket er gitt til oss ved kobberstikk av Mark Antony og Agostino Veneziano.

Det sjarmerende relieffet til Madonnaen i Academy of Arts i London og det runde maleriet i Uffizi, dette kanskje det eneste håndlagde staffelimaleriet av Michelangelo, antyder allerede tilstedeværelsen av papp med badende soldater. Madonnaen sitter på knærne foran Joseph og strekker armene tilbake for å motta babyen fra ham over høyre skulder, og hennes sterke medlemmer vises ved å plassere dem i motsatte retninger; det samme bør bemerkes angående den uferdige marmorstatuen av apostelen Matteus fra det florentinske akademiet, avbildet i en dristig, skarp sving. Linjens seier over den ubevegelige massen betyr i dette tilfellet åndens seier over kroppen, og allerede her begynner Michelangelos stil med å formidle bevegelse, som fanget hele verden.

RENESSANSE. Perioden med høy renessanse.
Renessansen ga bidrag av enorm betydning for verdens kunstneriske kultur. Det var en periode med kriger og økonomisk svekkelse, men til tross for dette var kreativ skapelse det utrettelige behovet for datidens folk. Kunstnerlivet opplevde en økning i tegning, gravering, skulptur og i alle dets andre manifestasjoner.
Høyrenessansen representerer renessansens apogee. Det var en kort periode, som varte i rundt 30 år, men i forhold til kvantitet og kvalitet var denne tidsperioden som århundrer. Høyrenessansens kunst er en oppsummering av bragdene fra 1400-tallet, men samtidig et nytt kvalitativt sprang både i kunstteorien og i dens gjennomføring. Den ekstraordinære "tettheten" i denne perioden kan forklares med det faktum at antallet strålende kunstnere som jobber samtidig (i en historisk periode) er en slags rekord selv for hele kunsthistorien. Det er nok å nevne slike navn som Leonardo da Vinci, Raphael og Michelangelo. Det er sistnevnte dagens historie skal handle om.

INTRODUKSJON
Man kan si om mange mestere at deres kreativitet

eksistensen utgjorde en epoke. Disse ordene, som for lenge siden har blitt vanlige, når de snakkes til Michelangelo, får den sanne fylde av deres betydning. I tillegg til det faktum at Michelangelos kreative vei var preget av sin ekstraordinære kronologiske lengde, er det viktig at den i sin helhet dekker to av de viktigste stadiene i utviklingen av den italienske renessansen: perioden med høyrenessansen og perioden av den italienske renessansen. Sen renessanse.
Michelangelos aktivitet viste seg å være like storslått i omfang og fruktbar i resultater innen de tre hovedtypene av plastisk kunst - skulptur, maleri og arkitektur. Gjennom hele min kreativ vei Michelangelo forble en lys reformator og grunnlegger av avantgardekunsten fra renessansen. Alt dette skaper et spesielt preg på verdens kunstneriske kultur, og utmerker Michelangelo selv blant mange andre store mestere som Italia var så rik med i tiden med den høyeste blomstringen av sin kunst.
Denne spesielle posisjonen til Michelangelo i sin tids kunst blir oppfattet med ekstraordinær håndgripelighet i de to hovedsentrene i Italia som var arenaen for hans aktivitet - Firenze og Roma. I hver av disse byene, der et stort antall praktfulle monumenter har dannet en slags integrert kunstnerisk organisme, gir Michelangelos viktigste kreasjoner opphav til en følelse av udiskutabel dominans.
Michelangelo, i lys av sin tragiske skjebne, ligner heltene sine og det er ikke uten grunn at livet hans tiltrakk seg oppmerksomheten til forfattere og poeter. Han var ikke et lærebokideal. Opptrer i sin kunst som en skaper av bilder av monolitisk integritet, som en person kan han virke full av svakheter og motsetninger. Handlinger preget av ekstraordinært mot blir erstattet av svakhetsangrep. De høyeste kreative oppturene veksler med perioder med usikkerhet og tvil, med utallige pauser i arbeidet med verk av mye mer beskjedent omfang. Uuttømmelig styrke, kreativ energi uten sidestykke - og så mye uferdig arbeid.
Etiske og borgerlige idealer var ikke noe ytre og forbigående for Michelangelo – det var som en del av hans sjel. Bildene til Michelangelo, som representerer legemliggjørelsen av læren til italienske humanister om den perfekte mannen, som kombinerer fysisk skjønnhet og åndsstyrke, bærer mer enn verkene til noen annen kunstner et visuelt uttrykk av en så viktig kvalitet ved dette idealet som begrepet virtu. Dette
konseptet fungerer som personifiseringen av det aktive prinsippet i en person, hensiktsmessigheten av hans vilje, evnen til å realisere sine høye tanker til tross for alle hindringer. Det er derfor Michelangelo, i motsetning til andre mestere, skildrer heltene sine på et avgjørende øyeblikk i deres liv.
Like begavet på alle områder av den plastiske kunsten var Michelangelo fortsatt først og fremst en skulptør, som han selv gjentatte ganger understreket. I tillegg til at skulptur, som ingen annen type kunst, åpner gunstige muligheter for å skape monumentale heltebilder, krever det spesielt høy grad kunstnerisk generalisering, på grunn av hvilken det kreative viljeprinsippet finner ekstremt levende uttrykk i det.

FØRSTE PERIODE: UNGDOMSÅR
La oss gå til en av stadiene som dekker Michelangelos ungdom - fra tidlig på 1490-tallet til hans første reise til Roma i 1496.
De første årene av mesterens dannelse gikk for ham under ganske gunstige forhold. Etter at en tretten år gammel gutt Michelangelo gikk på veien til en kunstner og ble sendt for å studere med Ghirlandaio, flyttet han et år senere til en kunstskole i Medici-hagene i Florentine
klosteret San Marco. "Akademiet" i Medici-hagene var en skole på høyere nivå. Ikke assosiert med utførelsen av offisielle og private ordrer, ble den fratatt et spesifikt verkstedmiljø. Ånden i håndverksverkstedet ga plass her til en mer fri og kunstnerisk atmosfære. Ledelsen av verkstedet av den erfarne billedhuggeren Bertoldo di Giovanni sørget for at studentene ikke bare skaffet seg dyp faglig kunnskap, men også oppfattet de beste tradisjonene for florentinsk skulptur på 1400-tallet. Til slutt betydde oppmerksomheten fra Lorenzo Medici og figurene fra florentinsk kultur gruppert rundt ham mye for skolen.
Allerede i en alder av femten år skilte Michelangelo seg tilsynelatende ut så mye for sitt talent at Lorenzo tok ham under sin spesielle beskyttelse. Etter å ha bosatt ham i palasset sitt, introduserte han ham for sin krets, blant hvilke lederen for den neoplatonistiske skolen, filosofen Marsilio Ficino og poeten Angelo Poliziano, skilte seg ut.
Begge de første skulpturverkene til Michelangelo som har kommet ned til oss er
lettelser. Kanskje er dette et resultat av innflytelsen fra Bertoldo, som følte seg mer hjemme i relieff enn i en rund statue, og samtidig en hyllest til tradisjonen: for 1400-tallet var relieff en av de viktigste delene av skulpturen. Om et av disse relieffene - om "Kentaurenes kamp" - kan vi med sikkerhet si at dette er et eksempel på den "reneste" skulpturen som 1400-tallet, så rik på monumenter av plastisk kunst, noensinne har kjent. Emnet for dette verket ble foreslått for billedhuggeren av poeten Angelo Poliziano; Som dens primære kilder innen plastisk kunst, navngir forskere Bertoldos "kamp" i Firenze nasjonalmuseum og relieffkomposisjoner av gamle sarkofager. Michelangelos "Battle of the Centaurs" åpnet egentlig ny æra i renessansekunsten, og for skulpturens historie var det en forvarsel om en sann revolusjon. Spesiell betydning"Battles of the Centaurs" ligger også i det faktum at dette relieffet allerede inneholder et unikt program for Michelangelos fremtidige arbeid. Ikke bare uttrykte det hovedtemaet for hans kunst - temaet kamp og heltedåder - det bestemte også i stor grad typen og utseendet til hans helter, og levendegjorde nye virkemidler for skulpturspråk.
Når det gjelder det første av disse to verkene, "Madonna of the Stairs" (Firenze, Casa Buonarroti), er Michelangelo i det nær skulpturene fra 1400-tallet, bortsett fra i selve teknikken med lavt, ekstremt finnyansert relieff, som krever mesteren til mesterlig mestring av arealplaner innenfor en svært liten forhøyning av plastmassene over bakgrunnsplanet.
Betydningen av Michelangelos to første verk må også vurderes i
kvalitet viktig milepæl i utviklingen av renessansekunst generelt, spesielt i dannelsen av prinsippene for høyrenessansekunst.
Michelangelo hadde ikke tid til å fullføre arbeidet med "Kentaurenes kamp" da Lorenzo Medicis død markerte begynnelsen på avgjørende endringer, ikke bare i skjebnen til den unge mesteren, som nå ble overlatt til seg selv.
De fire årene som skilte Michelangelos avgang fra Medici-hagene fra hans første tur til Roma, var en periode med hans videre åndelige vekst.
Men utviklingen av talentet hans gikk ikke så raskt som det kunne ha vært
ville forventes etter Michelangelos første eksperimenter i skulptur. Dessverre,
informasjon om verkene fra disse årene er ufullstendig, siden de fleste av dem, og de mest interessante, ikke har overlevd. Blant dem er statuen av Hercules, allerede
på 1500-tallet kom den til Frankrike og ble installert foran slottet Fontainebleau.
Både "Giovannino" (statuen av den unge døperen Johannes) og "Sover" har forsvunnet
Cupid", hvis anskaffelse av den romerske kardinal Riario var årsaken
for Michelangelos avreise til Roma i 1496.

ANDRE PERIODE: FRA DEN ROMERISKE "LAMATION" TIL "MATTHEW"
Den første romerske perioden, som begynte i 1496, innledet en ny fase i arbeidet til Michelangelo.
Kanskje for ingen betydde Roma like mye som for Michelangelo, skalaen kreativ fantasi som jeg fant et inspirerende eksempel på i de majestetiske monumentene i Den evige stad. Michelangelos lidenskap for eldgammel skulptur var så stor at den først tilslørte hans distinkte personlige preg i verkene hans. Et eksempel på dette er statuen av Bacchus opprettet i 1496-1497 (Firenze, Nasjonalmuseet).
Den virkelige Michelangelo begynner i Roma med sin første hovedstad
verk som glorifiserte mesterens navn i hele Italia - fra "Lamentation
Kristus" ("Pieta") i katedralen St. Petra. Denne gruppen ble opprettet i 1497-1501; noen forskere forbinder temaet og ideen til dette arbeidet med Savonarolas tragiske død, som gjorde et dypt inntrykk på Michelangelo.
I prinsippet Michelangelos klagesang i katedralen
St. Peter, som er et av de karakteristiske verkene i den første, "klassiske" fasen av høyrenessansen, okkuperer i renessansens skulptur omtrent samme plass som Leonards Madonna i grotten, fullført mellom 1490 og 1494, okkupert i maleri. Begge disse verkene er like i sin hensikt: både maleriet av Leonardo og gruppen av Michelangelo er komposisjoner beregnet på å dekorere alteret til en kirke eller et kapell. Som alltid tiltrekker Michelangelos typiske avvik fra den tradisjonelle tolkningen av temaet og dristige brudd på ikonografiske kanoner oppmerksomhet. Et uvanlig motiv for italiensk renessanseskulptur - bildet av Guds mor med kroppen av den døde Kristus på knærne - går tilbake til eksempler på nordeuropeisk skulptur på 1300-tallet.
Michelangelos Pieta er det første detaljerte programmatiske verket fra høyrenessansen innen skulptur, som representerer et virkelig nytt ord både i innholdet i bildene og i deres plastiske legemliggjøring. Her kan du føle sammenhengen med bildene av Leonardo, men likevel gikk Michelangelo sine egne veier. I motsetning til roen i den lukkede og ideelle bilder Leonardo og Michelangelo, på grunn av deres dramatiske talent, graviterte mot et levende uttrykk for følelser.
Riktignok var eksemplet på den harmoniske balansen i Leonardos bilder åpenbart så uimotståelig at Michelangelo i den romerske "Pieta" ga en uvanlig behersket løsning for seg selv. Dette hindret ham imidlertid ikke fra å gjøre her viktig skritt framover. I motsetning til Leonardo, i utseendet til karakterene man kan se trekk ved noen vanlige Ideell type Michelangelo introduserer et snev av spesifikk individualisering i bildene sine, så heltene hans, med all den ideelle høyden og skalaen til bildene deres, får et spesielt preg av en unik, nesten personlig karakter.
"Pieta" tilhører de mest ferdige verkene til Michelangelo - den er ikke bare fullført i alle sine minste detaljer, men også fullstendig polert. Men dette var en tradisjonell teknikk, som Michelangelo i dette tilfellet ennå ikke hadde bestemt seg for å flytte fra. Den romerske Pieta gjorde Michelangelo til Italias første billedhugger. Hun ga ham ikke bare berømmelse - hun hjalp ham virkelig å sette pris på hans kreative krefter, hvis vekst var så rask at dette arbeidet veldig snart viste seg å være et bestått stadium for ham; for dette var det bare nødvendig med en grunn.
En slik årsak ble funnet da i 1501, etter Michelangelos retur fra Roma til Firenze, offisielle representanter for laugskretsene henvendte seg til ham med en forespørsel om muligheten for å bruke en enorm blokk med marmor, som uten hell ble påbegynt av billedhuggeren Agostino di Duccio . Uansett hvor vansiret denne marmorblokken var, så Michelangelo umiddelbart sin "David" i den. Til tross for statuens uvanlige dimensjoner (omtrent fem og en halv meter) og de svært store komposisjonsvanskene knyttet til behovet for å passe figuren inn i marmorblokkens ekstremt upraktiske dimensjoner, fortsatte arbeidet uten forsinkelser, og litt over to år senere, i 1504, sto den ferdig.
Selve ideen til Michelangelo om å legemliggjøre i en kolossal statue bildet av David, som i henhold til allment akseptert tradisjon (som det fremgår av de berømte verkene til Donatello og Verrocchio) ble avbildet i skikkelse av en skjør gutt, oppfattes i denne saken ikke bare som et brudd på noen kanoniske regler, men som mesterens tilegnelse av fullstendig kreativ frihet i tolkningen av motiver innviet av århundregamle tradisjoner.
Michelangelo, allerede i den innledende fasen av høyrenessansen, gir i sin "David" et eksempel på sammenslåingen til en uløselig helhet av utseendet til ideell skjønnhet og menneskelig karakter, der det viktigste er den uvanlig lyse legemliggjørelsen av mot. og konsentrert vilje. Statuen uttrykker ikke bare beredskap for en grusom og farlig kamp, ​​men også urokkelig tillit til seier.
Stedet som Michelangelos "David" okkuperte i skulptur, burde vært okkupert i maleriet av hans "Battle of Cascina", som han jobbet på i 1504-1506. Selve skalaen til denne freskomposisjonen predisponerte, hvis denne planen ble realisert, for å skape et enestående bilde av monumentalt veggmaleri. Dessverre gikk ikke Michelangelo, i likhet med sin rival Leonardo, som jobbet med "Battle of Anghiari" på den tiden, utover papp.
Vasari vitner om hvordan selve pappen så ut, og bemerket at figurene i den ble utført "på forskjellige måter: en skissert i kull, en annen tegnet med strøk, og den andre skyggelagt og fremhevet med hvitt - så han [Michelangelo] ønsket å vise alt at han kunne i denne kunsten."
I 1505 ble Michelangelo innkalt av Julius II til Roma, hvor han tegnet den pavelige graven. Etter at paven mistet interessen for denne planen, forlot Michelangelo, som ikke var i stand til å bære den fornærmende behandlingen, frivillig Roma i april 1506 og returnerte til Firenze, hvor han ble til begynnelsen av november i år. Michelangelo begynte å utføre et veldig stort oppdrag som han hadde mottatt her tilbake i 1503, da han påtok seg å henrette tolv store statuer av apostlene til Firenze-katedralen. Men senere, uten å ha tid til å fullføre arbeidet med den første av statuene - "Matthew", ble Michelangelo tvunget til å forsone seg med paven. Dette ble fulgt av arbeid i Bologna med en bronsestatue av Julius II, og deretter avreise til Roma, som et resultat av at arbeidet med statuene av apostlene til Firenze-katedralen ikke lenger ble gjenopptatt.
"Matthew" tiltrekker seg oppmerksomhet ved sin store skala. Høyden (2,62 m) overstiger livets størrelse betydelig - dette er den vanlige standarden for renessanseskulpturer. Denne skalaen, kombinert med den store plastisiteten til former som er karakteristiske for Michelangelo, gir "Matthew" en veldig stor monumental uttrykksevne. Men det viktigste i det er en ny forståelse av bildet og de tilhørende egenskapene til et nytt plastisk språk, som lar oss vurdere denne skulpturen som et stort skritt fremover sammenlignet med den romerske "Pieta" og "David".
Når vi snakker fra "Matthew", som ikke en gang var halvferdig, kan vi si at den fanger seeren med et nytt, rasende drama. Hvis i "David" ble den dramatiske intensiteten til bildet rettferdiggjort av plottet - mobiliseringen av alle heltens styrker for en dødelig kamp, ​​så er det i "Matthew" ideen om en intern tragisk konflikt. For første gang i renessansekunsten skildrer mesteren en helt hvis åndelige impulser unnslipper kraften til menneskelig vilje.

TREDJE PERIODE: SISTINE PLAFOND
Oppgaven som Michelangelo måtte løse med å male det sixtinske taket var veldig vanskelig. For det første var det takmaling, og her var erfaringen til renessansemesterne mindre enn ved vanlig veggmaleri. Taket i Det sixtinske kapell, sammen med de tilstøtende lunettene, er omtrent seks hundre kvadratmeter! Utviklingen av en generell komposisjonsdesign for maleriet alene ga et svært vanskelig problem.
Her ble en enkel sparsom komposisjon med noen få isolerte figurer (som tidligere var vanlig) erstattet av et maleri som var svært komplekst i sin konstruksjon, bestående av mange episoder og individuelle bilder, som inkluderer et stort antall figurer. Michelangelo løste problemet som ble stilt for ham, fullt bevæpnet med sin mestring av det grunnleggende innen all plastisk kunst. I denne første majoren malerarbeid I hovedsak ble talentet hans som arkitekt avslørt for første gang. Siden avvisningen av den første versjonen av maleriet også betydde en avvisning av underordning til de arkitektoniske formene til Det sixtinske kapell - et langstrakt rom med
hvelvet tak av ugunstige proporsjoner for maleri, måtte Michelangelo bruke maleri for å skape sitt eget arkitektoniske grunnlag for maleriet sitt, som den viktigste organiserende funksjonen ble tildelt. Denne arkitekturen deler maleriet inn i separate komponentdeler, som hver har uavhengig fullstendighet, og danner i samspill med andre deler en helhet som er sjelden i sin klare struktur og logikk. Michelangelo brukte både midler til planimetrisk inndeling av maleri og midler for plastisk uttrykksevne, spesielt varierende grad av relieff eller dybde av et bestemt bilde.
I maleriet av det sixtinske tak finner vi en levende manifestasjon av den "etiske maksimalismen" som er karakteristisk for Michelangelo. Fylt med høy humanistisk patos er mesteren minst tilbøyelig til å inngå noen ytre kompromisser med offisiell kirkelighet.
I nær sammenheng med utviklingen av maleriets ideologiske og innholdsmessige prinsipper, skjedde det også en utvikling av maleriets figurativt språk. Det er kjent at komposisjonsstrukturen til hovedscenene - "historier" - ikke ble funnet av kunstneren umiddelbart, men i prosessen med selve arbeidet. Etter å ha fullført de tre første scenene i tide - "The Drunkenness of Noah", "The Flood" og "The Sacrifice of Noah" - demonterte Michelangelo stillaset, noe som gjorde at han kunne sjekke forholdene for seerens oppfatning av freskene. Samtidig ble han overbevist om at han hadde valgt en utilstrekkelig stor skala for figurene, og i «Flommen» og «Noahs offer» overmettet han komposisjonene med figurer - gitt hvelvets høye høyde, svekket dette. deres synlighet. I påfølgende episoder unngikk han denne ulempen ved å forstørre figurene og redusere antallet, samt introdusere viktige endringer i stilistiske virkemidler malerier.
Det sixtinske taket ble den omfattende legemliggjørelsen av høyrenessansen - dens harmoniske begynnelse og konflikter, ideelle mennesketyper og lyse karakterer smeltet sammen med dette ideelle grunnlaget. I påfølgende arbeider vil Michelangelo måtte observere prosessen med en jevn økning i datidens motsetninger, realiseringen av renessansens idealer som er umulige å gjennomføre, og deretter deres tragiske kollaps.

FJERDE PERIODE: JULIUS II'S GRAV
Stedet som maleriet av taket til Det sixtinske kapell okkuperte i Michelangelos maleri, i skulpturen hans kunne okkuperes av graven til Julius II. En rekke forskjellige forhold var imidlertid årsaken til at dette monumentet ikke ble realisert i sin opprinnelige plan. Mange tiår med arbeid med gravsteinen førte til opprettelsen av flere i det vesentlige heterogene skulpturelle sykluser, som på mange måter er av uavhengig verdi.
Den opprinnelige planen, som dateres tilbake til 1505, var preget av en så overdreven mengde skulpturarbeid at den vanskelig kunne realiseres. Michelangelo tenkte det som et to-lags mausoleum, dekorert med statuer og relieffer, og han hadde til hensikt å utføre alt arbeidet med egne hender. Men senere bestemte han seg for å redusere antall skulpturer og redusere størrelsen på graven, noe som var et nødvendig tiltak.
I 1513, etter å ha fullført malingen av det sixtinske taket, begynte Michelangelo arbeidet med skulpturene til den andre versjonen av graven - statuene av "fangene". Disse verkene, sammen med "Moses" som dateres tilbake til 1515-1516, markerer et nytt viktig stadium i Michelangelos verk.