Genre balada menampilkan sejarah pengajian. Puisi balada asli V.A

Dalam artikel ini kita akan bercakap tentang genre sastera seperti balada. Apakah balada? Ini adalah karya sastera, ditulis dalam bentuk puisi atau prosa, yang sentiasa mempunyai plot yang jelas. Selalunya, balada mempunyai konotasi sejarah dan di dalamnya anda boleh belajar tentang watak sejarah atau mitos tertentu. Kadangkala balada ditulis untuk dinyanyikan dalam produksi teater. Orang ramai jatuh cinta dengan genre ini, pertama sekali, kerana plot yang menarik, yang sentiasa mempunyai tipu daya tertentu.

Apabila mencipta balada, pengarang berpandukan sama ada peristiwa sejarah yang memberi inspirasi kepadanya atau cerita rakyat. Genre ini jarang menampilkan watak yang dicipta khas. Orang suka mengenali watak yang mereka suka sebelum ini.

Balada seperti genre sastera mempunyai ciri-ciri berikut:

• Kehadiran komposisi: pengenalan, bahagian utama, klimaks, denouement.
• Ketersediaan jalan cerita.
• Sikap pengarang terhadap watak yang disampaikan.
• Emosi dan perasaan watak ditunjukkan.
• Gabungan harmoni titik plot sebenar dan hebat.
• Penerangan tentang landskap.
• Kehadiran rahsia, teka-teki dalam plot.
• Ketersediaan dialog watak.
• Gabungan harmoni lirik dan epik.

Oleh itu, kami mengetahui secara spesifik genre sastera ini dan memberikan definisi tentang apa itu balada.

Daripada sejarah istilah

Untuk pertama kalinya, istilah "balada" digunakan dalam manuskrip Provençal purba pada abad ke-13. Dalam manuskrip ini, perkataan "balada" digunakan untuk menggambarkan pergerakan tarian. Pada zaman itu, perkataan ini tidak bermaksud sebarang genre dalam kesusasteraan atau bentuk seni lain.

Sebagai bentuk sastera puitis, balada mula difahami dalam zaman pertengahan Perancis hanya pada akhir abad ke-13. Salah seorang penyair pertama yang cuba menulis dalam genre ini ialah seorang Perancis bernama Jeannot de Lecurel. Tetapi, pada masa itu, genre balada bukanlah puitis semata-mata. Puisi sedemikian ditulis untuk produksi muzik. Para pemuzik menari mengikut balada, dengan itu menghiburkan penonton.

Pada abad ke-14, seorang penyair bernama Guillaume fe Machaut menulis lebih daripada dua ratus balada, akibatnya dia dengan cepat menjadi terkenal. Dia menulis lirik cinta, menafikan sepenuhnya genre "kebolehan menari." Selepas karyanya, balada menjadi genre sastera semata-mata.

Dengan kedatangan mesin cetak, balada pertama yang diterbitkan dalam akhbar mula muncul di Perancis. Orang ramai sangat menyukai mereka. Orang Perancis suka berkumpul dengan seluruh keluarga pada penghujung hari kerja yang sukar untuk menikmati plot balada yang menarik bersama-sama.

Dalam balada klasik dari zaman Machaut, dalam satu bait teks, bilangan ayat tidak melebihi sepuluh. Seabad kemudian, trend berubah, dan balada mula ditulis dalam rangkap persegi.

Salah seorang balada yang paling terkenal pada masa itu ialah Christina dari Pisa, yang, seperti Machaut, menulis balada untuk cetakan, dan bukan untuk menari. Dia menjadi terkenal dengan karyanya "The Book of a Hundred Ballads".

Selepas beberapa lama, genre ini mendapat tempatnya dalam karya penyair dan penulis Eropah yang lain. Bagi kesusasteraan Rusia, balada muncul di dalamnya hanya pada abad ke-19. Ini berlaku kerana fakta bahawa penyair Rusia diilhamkan oleh romantisme Jerman, dan sejak orang Jerman pada masa itu menggambarkan pengalaman lirik mereka dalam balada, genre ini dengan cepat tersebar di sini juga. Antara penyair Rusia yang paling terkenal yang menulis balada ialah Pushkin, Zhukovsky, Belinsky dan lain-lain.

Antara penulis yang paling terkenal di dunia, yang lagu baladanya sudah pasti tercatat dalam sejarah, seseorang boleh menamakan Goethe, Kamenev, Victor Hugo, Burger, Walter Scott dan penulis cemerlang lain.

Di dunia moden, sebagai tambahan kepada genre sastera klasik, balada juga telah menemui akar muzik utamanya. Di Barat terdapat keseluruhan pergerakan muzik dalam muzik rock yang dipanggil "balada rock". Lagu-lagu genre ini dinyanyikan terutamanya mengenai cinta.

Istilah "balada" berasal daripada perkataan Provençal dan bermaksud "lagu tarian." Balada timbul pada Zaman Pertengahan. Mengikut asal usul, balada dikaitkan dengan tradisi, legenda rakyat, dan menggabungkan ciri-ciri cerita dan lagu. Banyak balada tentang wira rakyat bernama Robin Hood wujud di England pada abad ke-14 dan ke-15.

Balada merupakan salah satu genre utama dalam puisi sentimentalisme dan romantisme. Dunia dalam balada kelihatan misteri dan misteri. Mereka menampilkan wira yang cerah dengan watak yang jelas.

Pencipta genre balada sastera ialah Robert Burns (1759-1796). Asas puisinya ialah seni rakyat lisan.

Seseorang sentiasa berada di tengah-tengah balada sastera, tetapi penyair abad ke-19 yang memilih genre ini tahu bahawa kuasa manusia tidak selalu memberi peluang untuk menjawab semua soalan dan menjadi tuan mutlak nasib seseorang. Oleh itu, sering kali balada sastera adalah puisi plot tentang nasib, contohnya, balada "Raja Hutan" oleh penyair Jerman Johann Wolfgang Goethe.

Tradisi balada Rusia dicipta oleh Vasily Andreevich Zhukovsky, yang menulis kedua-dua balada asli ("Svetlana", "Aeolian Harp", "Achilles" dan lain-lain), dan menterjemah Burger, Schiller, Goethe, Uland, Southey, Walter Scott. Secara keseluruhan, Zhukovsky menulis lebih daripada 40 balada.

Alexander Sergeevich Pushkin mencipta balada seperti "The Song of the Prophetic Oleg", "The Groom", "The Drowned Man", "The Raven Flies to the Raven", "Dahulu kala hiduplah seorang ksatria yang miskin..." . Kitarannya "Songs of the Western Slavs" juga boleh diklasifikasikan sebagai genre balada.

Mikhail Yuryevich Lermontov mempunyai beberapa balada. Ini ialah "Airship" dari Seydlitz, "The Sea Princess".

Alexei Konstantinovich Tolstoy juga menggunakan genre balada dalam karyanya. Dia memanggil baladanya pada tema epik kuno asalnya ("Alyosha Popovich", "Ilya Muromets", "Sadko" dan lain-lain).

Seluruh bahagian puisi mereka dipanggil balada, menggunakan istilah ini dengan lebih bebas oleh A.A Fet, K.K. Bryusov. Dalam "Eksperimen"nya, Bryusov, bercakap tentang balada, hanya menunjuk kepada dua baladanya daripada jenis lirik-epik tradisional: "The Abduction of Bertha" dan "Divination."

Sejumlah parodi balada komik ditinggalkan oleh Vl Soloviev ("The Mysterious Sexton", "The Autumn Walk of Knight Ralph" dan lain-lain)

Peristiwa abad ke-20 yang bergelora sekali lagi menghidupkan genre balada sastera. Balada E. Bagritsky "Tembikai", walaupun ia tidak menceritakan tentang peristiwa revolusi yang bergelora, lahir dengan tepat revolusi, percintaan pada masa itu.

Ciri-ciri balada sebagai genre:

kehadiran plot (ada klimaks, permulaan dan denouement)

gabungan yang sebenar dan yang hebat

landskap romantis (luar biasa).

motif misteri

plot boleh digantikan dengan dialog

singkatnya

gabungan prinsip lirik dan epik

Cuba untuk memberikan definisi yang jelas dan lengkap tentang istilah balada dalam bahasa Inggeris, seseorang mungkin menghadapi kesukaran yang ketara. Mereka disebabkan oleh hakikat bahawa julat maknanya sangat luas. Sebab-sebab ini terletak pada sejarah tertentu dan perkembangan genre puisi yang ditetapkan oleh perkataan ini.

Istilah balada berasal daripada kata kerja Latin ballare (menari). Oleh itu, lagu yang mengiringi tarian itu dipanggil balada di Provence, dan balata di Itali (abad XIII). Dari masa ke masa, istilah balada mengubah maknanya: pada abad ke-14. Balada Perancis adalah genre puisi mahkamah yang memerlukan kemahiran canggih daripada pengarang. Ini adalah puisi tiga kerat dengan tiga rima berterusan (biasanya mengikut skema ab ab bc bc) dengan pantang wajib dan diikuti dengan "premis" (envoi) yang lebih pendek, mengulangi rima separuh kedua setiap rangkap. Bilangan rangkap dalam rangkap perlu sepadan dengan bilangan suku kata dalam satu baris (8, 10 atau 12). Sajak lelaki terpaksa bergantian dengan sajak perempuan. Sangat sukar untuk mematuhi semua peraturan ini.

Sudah pada abad ke-14. British meminjam genre balada daripada kesusasteraan Perancis. Charles of Orman (abad XV), yang menghabiskan 25 tahun dalam kurungan Inggeris, bebas menulis balada dalam bahasa Perancis dan Inggeris. Sememangnya, bersama-sama dengan genre, perkataan yang menunjukkan ia juga dipinjam. Ia dieja secara berbeza: balada, balat, balet, balet, balet, balada.

Pada abad XIV-XVI. istilah balada tidak digunakan untuk menunjuk genre lisan puisi rakyat Inggeris dan Scotland, yang kini dipanggil dalam kajian sastera Inggeris: balada popular, balada purba, balada tradisi, balada tradisional. Balada rakyat purba ini pada masa itu (dalam abad XIV-XVI) dikenali sebagai lagu (kadang-kadang tales atau ditties). Para penghibur tidak membezakan mereka daripada jisim lagu lain dalam himpunan mereka.

Pada masa yang sama, bermula dari abad ke-16. perkataan balada digunakan secara meluas untuk merujuk kepada puisi yang berfikiran sederhana, biasanya tanpa nama mengenai topik hari itu, yang diedarkan dalam bentuk risalah bercetak di jalan-jalan bandar. Genre ini dipanggil: balada jalanan, balada gerai, broadside atau broadsheet.

Dalam kamus Kamus Bahasa Inggeris Longman. Longman Group UK Limited 1992 Perkataan broadside dan broadsheet biasanya dianggap sinonim, tetapi dalam terminologi bibliografi yang sangat khusus, broadside ialah teks yang dicetak pada satu sisi helaian, tanpa mengira saiznya, dan broadsheet ialah teks yang diteruskan pada bahagian belakang helaian. Dalam kritikan sastera Rusia, istilah "lubokaya" dicadangkan untuk balada jalanan bandar ini.

Sukar untuk membayangkan dua lagi berbeza daripada balada gelanggang Perancis yang halus dan kompleks dari segi gaya dan balada jalanan yang kasar di London. Para saintis telah lama terpesona dengan misteri yang berkaitan dengan pemindahan nama dari satu genre ke genre yang lain. Penjelasan yang dicadangkan oleh beberapa sarjana untuk pemindahan ini oleh fakta bahawa kedua-dua balada Perancis dan Inggeris dikaitkan dengan tarian kini diiktiraf sebagai tidak boleh dipertahankan.

Ahli cerita rakyat D.M. Balashov menulis tentang balada Inggeris: "Adalah salah untuk mengaitkan asal genre lain dengan nama" balada "dengan genre ini. Balada rakyat - M., 1983. Ada kemungkinan pernyataan ini terlalu kategoris. Saintis Amerika A.B Friedman menawarkan penjelasan yang meyakinkan untuk paradoks yang dipersoalkan. Dia fikir pautan antara balada jalanan Perancis dan Inggeris yang dipanggil "balada semu", yang merupakan salah satu genre utama puisi Inggeris abad ke-15. (Gasparov M.L., 1989, 28). Hakikatnya ialah di England balada Perancis sedang mengalami perubahan yang ketara. Mewajarkan diri mereka sendiri dengan kekurangan perkataan berima yang sama dalam bahasa Inggeris, penyair meningkatkan bilangan rima dan juga meninggalkan "premis" (envoi). Bilangan rangkap bertambah daripada tiga kepada 10-20.

Bentuk yang ketat adalah kabur. Dengan peningkatan bilangan pembaca, balada semu didemokrasikan. Gayanya dipermudahkan. "Bantun balada" (bait balada), yang tersebar luas dalam puisi rakyat Inggeris, semakin digunakan. Ini ialah kuatrain di mana garisan tetrameter iambik dan trimeter iambik berselang-seli dengan skema sajak ab ac (beberapa pilihan lain mungkin). Ia adalah ciri bahawa salah satu balada jalanan bercetak pertama yang telah diturunkan kepada kita, "The Ballade of Luther, the pope, a cardinal and farmman", kira-kira 1530, menunjukkan kesan kaitan dengan pseudo-balada.

begitulah caranya cara yang mungkin menukar balada gelanggang Perancis menjadi balada jalanan Inggeris.

Semasa abad XVI-XVII. terdapat pengembangan makna kata balada secara beransur-ansur. Jadi, pada tahun 1539, dalam apa yang dipanggil terjemahan “bishop” bagi Bible (Bishop’s Bible), “Song of Songs” King Solomon telah diterjemahkan: “The ballet of bollets,” walaupun beberapa ketidaksesuaian istilah “ballet” telah dirasai. berhubung dengan teks tulisan suci Dan pada tahun 1549 penyair-penterjemah pertama William Baldwin menerbitkan "Canticles or Balades of Salomon, phraslyke declared in English Metres".

Selepas abad XVI balada Perancis telah dilupakan untuk masa yang lama di England. Walau bagaimanapun, menjelang akhir abad ke-19 - permulaan abad ke-20. tiruan genre ini boleh didapati dalam karya sesetengah orang penyair Inggeris(A. Lang, A. Swinburne, W. Henley, E. Goss, G.K. Chesterton).

Balada jalanan Inggeris wujud dari abad ke-16 hampir hingga abad ke-20, apabila ia digantikan oleh akhbar boulevard, yang meminjam daripadanya tema, cara penyampaian bahan yang lantang dan juga beberapa butiran reka bentuk (penggunaan fon Gothic dalam nama akhbar Inggeris berasal daripada balada) (Balad rakyat Inggeris, 1997, 63).

Tema balada jalanan sangat pelbagai. Ini, pertama sekali, semua jenis berita sensasi: pelbagai keajaiban, petanda, bencana, cerita jenayah, penerangan terperinci mengenai pelaksanaan penjenayah. Sejenis balada jalanan yang dipanggil "Selamat malam", yang merupakan perihalan malam terakhir penjenayah sebelum hukuman mati, sangat popular. Dia mengingati semua dosanya dan menyeru orang Kristian yang baik supaya tidak mengikuti teladan yang buruk. Pada tahun 1849, edaran dua balada tersebut berjumlah 2.5 juta naskhah.

Balada jalanan tidak mempunyai kekurangan plot, meminjamnya dari mana-mana: dari novel chivalric, kronik sejarah (contohnya, balada T. Deloney), fabliaux, dll. Markah peribadi boleh diselesaikan dalam balada: Falstaff dalam Shakespeare "Henry IV" (1596) mengancam teman minumnya untuk mengarang untuk setiap "balada dengan muzik, supaya ia akan dinyanyikan di semua persimpangan jalan" (Bahagian I, Akta II, Sc. 2, baris 48 -49). Balada boleh menceritakan kisah cinta yang menyentuh hati. Komik balada pun ada, kurang ajar sampai tahap lucah.

Sikap terhadap balada jalanan adalah ambivalen. Ben Jonson, penyair dan penulis drama kontemporari Shakespeare menulis: "Seorang penyair harus membenci penulis balada." daripada bahasa Inggeris/ed. I.A. Aksenova - M. Academy, 1931. Dan pada masa yang sama, balada adalah penting bahagian integral budaya bandar pada masa itu. Drama Elizabethan penuh dengan kiasan kepada balada kontemporari. John Selden (1584-1654), seorang sarjana dan rakan Ben Jonson, menyatakan: “Tiada apa pun yang menyampaikan semangat zaman sebagai balada dan lampoon” (Questions in English Contextology, isu 1).

Balada jalanan berfungsi sebagai senjata perjuangan yang kuat dan sentiasa mengiringi segala-galanya. krisis politik abad XVI-XVIII Semasa tahun revolusi dan perang saudara(40-60an abad ke-17) percetakan balada dilarang oleh parlimen, dan pengintip khas memantau pematuhan larangan ini. Pada tahun 1688, Raja James II dibuang negeri dengan iringan balada Lilliburleo. Pada tahun 1704, penyair J. Fletcher dari Salttown menulis: "... jika sesiapa dibenarkan menulis semua balada di negara ini, dia tidak akan peduli lagi siapa yang membuat undang-undang" (Questions in English Contextology, isu 2).

Bilangan balada meningkat secara berterusan. Menurut data yang jauh daripada lengkap daripada Daftar Penjual Buku London, lebih 3,000 judul diterbitkan dari 1557 hingga 1709. Balada bercetak juga menakluki luar bandar England, menggantikan lagu-lagu lisan purba. Pada masa yang sama, kebanyakan puisi lisan ini berakhir dalam cetakan.

Pada abad XVII-XVIII. perkataan balada membawa maksud apa-apa lagu yang dinyanyikan di kalangan orang ramai, sama ada ia dicetak atau dihantar secara lisan. Oleh itu, lagu-lagu kuno yang bersifat naratif yang telah wujud selama berabad-abad juga mula dipanggil balada. Pengkritik sastera domestik M.P. Alekseev memahami balada Inggeris dan Scotland sebagai cerita lirik-epik atau lirik-drama, mempunyai bentuk stropik, bertujuan untuk menyanyi, sering diiringi dengan bermain alat muzik (Alekseev, 1984, 292).

Ulama betul percaya bahawa balada tradisional kuno dan balada cetakan jalanan diklasifikasikan sebagai genre. Ciri utama yang pertama ialah, sebagai hasil daripada proses penghantaran lisan yang panjang, ia memperoleh beberapa merit artistik yang tinggi: singkat, ekspresif, drama, penceritaan dinamik, dll. dia sistem kiasan, motif, plot, nada serius, kedalaman perasaan secara mendadak membezakannya daripada balada jalanan nakal-sinis, cetek, bertele-tele, yang terikat dengan teks bercetak dan tidak dapat diperbaiki dalam proses penghantaran lisan.

Walau bagaimanapun, kedua-dua genre mempunyai banyak persamaan. Kedua-duanya milik rakyat biasa dan dirasakan sebagai sesuatu yang berbeza daripada fiksyen golongan atasan. Selama empat abad mereka saling berkait rapat dan mempengaruhi satu sama lain. Kedua-duanya mewakili gabungan unsur naratif, lirik dan, kadangkala, dramatik (dengan dominasi yang pertama). Mereka berkongsi bait balada biasa (dengan beberapa pengecualian). Dan akhirnya, semua balada berkait rapat dengan muzik dan sering dinyanyikan dengan lagu lama yang sama.

Seperti yang dinyatakan di atas, balada ialah lagu rakyat pendek dengan kandungan naratif. Plot inilah yang menjadi keistimewaan yang membezakan balada daripada genre puisi yang lain. Sumber untuk plot balada ialah lagenda Kristian, roman chivalric, mitos purba dan karya pengarang Yunani dan Rom dalam penceritaan semula zaman pertengahan, plot yang dipanggil "kekal" atau "mengembara", serta peristiwa sejarah tulen, digayakan berdasarkan skema lagu yang sudah siap.

Perkembangan plot balada berjalan dalam dua arah utama: plot genre heroik-sejarah ternyata sangat produktif; Selari dengan mereka, plot yang berkaitan dengan tema cinta berkembang secara intensif. Pada hakikatnya, tidak ada garis tajam antara kedua-dua kumpulan ini. Plot heroik dan cinta sering dijalin dalam kerangka satu balada, motif cerita rakyat dongeng yang diserap, kadangkala ditafsirkan dengan cara komik, memperoleh beberapa ciri khusus yang berkaitan dengan tempat asal atau kewujudan balada ini atau itu, tetapi di luar sempadan dua plot yang dinamakan -kumpulan tematik rakyat Inggeris dan balada Scotland tidak pernah diterbitkan.

Balada heroik, yang kebanyakannya bersifat epik, berdasarkan peristiwa sejarah tertentu, yang boleh dikesan pada tahap yang lebih besar atau lebih kecil dalam setiap daripadanya, yang memberikan hak untuk memanggilnya heroik-sejarah.

Tetapi bukan sahaja peristiwa sejarah yang mendasari plot balada tersebut. Lagu-lagu rakyat purba bukan sahaja menambah fakta sejarah yang tidak seberapa dengan maklumat tentang peristiwa yang tidak diketahui oleh kronik, tetapi memberikan gambaran yang jelas tentang hubungan manusia, bagaimana mereka berfikir dan bercakap, apa yang dialami dan dirasai oleh nenek moyang jauh orang Inggeris dan Scotland moden. Dari sejarah, pembaca pertama sekali mempelajari apa yang orang lakukan, dan dari balada - bagaimana mereka. Setelah mengenali secara langsung cara hidup, akhlak dan adat resam generasi lama melalui balada, kita dapat lebih memahami tulisan penulis sejarah.

Balada rakyat bersejarah yang heroik menggambarkan peperangan antara Inggeris dan Scotland, perbuatan kepahlawanan dalam perjuangan untuk kebebasan peribadi dan negara. Balada "sempadan" berkembang di jalur sempadan antara England dan Scotland semasa era pertembungan yang kerap antara negara-negara ini. Beberapa balada boleh diberi tarikh yang agak tepat, kerana ia mungkin muncul sejurus selepas peristiwa yang mereka ceritakan, membawa pendengar dan pembaca kembali ke abad ke-14.

Seperti itu, sebagai contoh, adalah balada "The Battle of Durham", yang menceritakan bagaimana Raja David Scotland ingin mengambil kesempatan daripada ketiadaan raja Inggeris, yang berperang di Perancis, dan menakluk England; dia mengumpulkan tentera dan memimpinnya ke sempadan Inggeris. Pertempuran berdarah Durham berlaku (1346); orang Scotland dikalahkan, raja mereka ditangkap; dia dibawa ke London, dan di sini dia bertemu bukan sahaja Raja Inggeris Edward, tetapi juga Raja Perancis, yang ditangkap oleh Putera Hitam dan juga dibawa ke London: menurut komposer balada, Pertempuran Cressy (campuran di sini dengan Pertempuran Poitiers) di Perancis dan di Durham di utara England berlaku pada hari yang sama. Kecenderungan balada "tentera" ini mengkhianati asal bahasa Inggerisnya.

Satu lagi episod berdarah dari sejarah konflik Inggeris-Scotland, sejak 1388, ditangkap dengan ketepatan hampir kronik dalam balada "The Battle of Otterbourne". Orang Scotland, yang diketuai oleh Douglas yang berjaya dan tidak gentar, membuat serbuan berani di sempadan tanah Inggeris. Sekali, dalam pertempuran dengan detasmen orang Inggeris yang diperintahkan oleh Percy, Douglas ditangkap sepanduk pertempuran. Percy berikrar untuk membalas dendam terhadap Douglas dan memulangkan sepanduk itu. Tidak jauh dari Otterburn, pertempuran sengit berlaku antara mereka. Seperti dalam kebanyakan pertempuran seperti ini, tiada pemenang: Douglas meninggal dunia dan Percy telah ditangkap. Tetapi balada (kerana ia berasal dari Scotland) mendakwa bahawa kemenangan kekal bersama Scotland.

Balada "The Hunting of Cheviot" (dalam edisi "Chevy Chase") telah diketahui secara meluas (dilihat oleh banyaknya varian yang telah diturunkan kepada kami), watak utama balada adalah Douglas yang sama dan Percy . Yang terakhir ini pernah memburu berhampiran Bukit Cheviot, yang terletak di sepanjang garis sempadan Anglo-Scotland yang sentiasa berubah-ubah. Douglas merasakan bahawa Percy telah menceroboh wilayahnya dan memutuskan untuk mempertahankan haknya. Satu lagi pertempuran sengit berlaku: Douglas mati, Percy mati. Berita kematian pahlawan gemilang itu sampai ke London dan Edinburgh. "Orang Scotland tidak lagi mempunyai pemimpin tentera seperti Douglas," keluh raja Scotland itu. "Tidak ada pahlawan yang lebih baik di kerajaan saya daripada Percy," kata raja Inggeris itu. Dan, dengan logik yang wujud pada masa itu, dia mengumpulkan tentera kepunyaan pencerita, kemenangan tentera dan moral terakhir ditegaskan sama ada untuk Inggeris atau Skotlandia.

Bersama-sama dengan "Memburu di Cheviot Hills" pada abad XIV-XV. Terdapat juga balada lain yang dikaitkan dengan jalur sempadan antara England dan Scotland; kebanyakan mereka didedikasikan untuk serbuan berdarah yang sama, pertempuran, perjuangan dan mempunyai sifat epik yang sama. Seperti itu, sebagai contoh, adalah "Pertempuran Garlo" (Pertempuran Hag1aw). Kebanyakan balada sejarah lain merujuk kepada peristiwa abad ke-15, perang Inggeris-Perancis, pertelingkahan feudal baron Inggeris, dll. Semua peristiwa ini tertakluk kepada idealisasi, generalisasi epik, dan pengaruh tradisi lagu tradisional mereka, motif epik yang mengembara telah dilampirkan, mungkin, juga dipengaruhi oleh buku Dalam balada "The Conquest of France by King Henry V" (King Henry the Fifth's Conquest of France), sebagai contoh, terdapat motif yang juga dikenali. dari legenda Alexander the Great: raja Perancis tidak memberi perhatian kepada ancaman Henry; untuk menyindir menekankan masa mudanya dan kurang pengalaman dalam pertempuran, dia menghantarnya tiga bola dan bukannya penghormatan; perkara yang sama diceritakan dalam pseudo-Callisthenes "Alexandria" tentang Raja Darius, yang menghantar Alexander beberapa mainan kanak-kanak bersama dengan surat mengejek.

Beberapa pertelingkahan antara Inggeris dan Scotland, yang telah lama diselesaikan ingatan orang dan tidak penting dalam diri mereka, berfungsi sebagai asas untuk balada seperti "Kinmont Billy", "Katherine Johnston", "Lady Maisry" dan beberapa yang lain. Alasan yang mendalam Pengarang balada tanpa nama tidak menyentuh tentang pertembungan antara Inggeris dan Scotland, dan mereka hampir tidak memahaminya. Dalam fikiran mereka, setiap pertembungan mempunyai sebab tersendiri dan satu-satunya: seseorang mengembara ke dalam hutan yang bukan milik mereka untuk diburu, seseorang menculik pengantin perempuan, seseorang hanya mahu "menggembirakan tangan kanan mereka" dan melakukan rompakan ke atas jiran berdekatan, dan lain-lain.

Mungkin daya tarikan puitis yang paling hebat telah dikekalkan oleh balada-balada itu yang tidak menceritakan tentang eksploitasi ketenteraan, tetapi tentang akibat menyedihkan mereka terhadap takdir manusia. Balada "Bonnie George Campbell" adalah luar biasa dalam hal ini. Seorang lelaki muda yang muda dan berani pergi bertarung tanpa siapa yang tahu mengapa dan tiada siapa yang tahu di mana (namun, dari mood umum balada tidak sukar untuk meneka bahawa kita bercakap tentang sempadan Anglo-Scotland yang sama). Tetapi tidak lama kemudian kuda itu kembali tanpa penunggang:

Tinggi di Dataran Tinggi

Dan rendah pada Tay,

Bonnie George Campbell

Bersiar-siar pada satu hari.

Dipelana dan dikekang

Dan glade gagah;

Hame cam kuda pemandunya,

Tetapi jangan pernah datang kepadanya.

Si ibu menangis teresak-esak, pengantin perempuan menangis. Tetapi begitulah nasib wanita di kedua-dua belah sempadan Inggeris-Scotland. Salah satu balada Scotland yang paling terkenal, "Seorang janda papan atas", juga didedikasikan untuk topik ini.

Balada heroik-sejarah yang bersifat epik termasuk balada tentang Robin Hood, yang telah menikmati populariti terbesar selama berabad-abad. Robin Hood dengan skuad orang gagahnya, seorang "penjahat" dan musuh raja feudal, tetapi rakan dan pembela orang miskin, balu dan anak yatim, menjadi pahlawan rakyat yang disayangi. Dia dinyanyikan dalam sejumlah besar balada, yang membentuk salah satu kitaran yang paling penting, yang diwakili oleh empat dozen karya berasingan yang menceritakan tentang pelbagai pengembaraan wira dan rakan-rakannya.

Robin Hood berdiri di hadapan ratusan penembak bebas, yang dengannya tentera kerajaan tidak berdaya untuk mengawal. Dia dan Gengnya hanya merompak orang kaya, menyelamatkan dan memberi ganjaran kepada orang miskin, dan tidak membahayakan wanita; perbuatan dan pengembaraan lelaki ini "semua Britain menyanyi dalam lagu mereka" ("The Ballads of Robin Hood", 1987).

hidup peringkat awal dalam perkembangan mereka, balada tentang Robin Hood tidak memberikan cerita yang koheren tentang hidupnya; mereka hanya menceritakan tentang beberapa pengembaraan beliau. Tempat yang bagus Mereka terutama prihatin dengan cerita tentang pembentukan skuadnya. Banyak balada didasarkan pada skema plot yang mudah: beberapa tukang, contohnya, tukang samak, pembuat dandang, tukang periuk atau rimbawan, atas perintah raja, sheriff, atau atas dorongannya sendiri, cuba menangkap Robin Hood sebagai "penjahat" , bertarung dengannya, tetapi, setelah mengalami kekuatan dan keberaniannya secara sukarela menyertai skuadnya. Maka bermulalah perkenalan dan persahabatan Robin dengan rakan-rakan dan pembantunya yang paling setia - "Little John", seorang pemberani dan orang kuat, yang nama panggilannya - "kecil", "kecil" - adalah ironis, kerana ketinggiannya tujuh kaki. Pertempuran hebat bermula di antara persahabatan Robin Hood dengan sami yang dicabut, Brother Tuck, yang tidak menanggalkan jubahnya, walaupun selepas menyertai skuad pemberani, dan tidak menggunakan senjata lain dalam pertempuran dengan musuh kecuali tongkat beratnya. Balada juga menamakan ahli skuad yang lain (Scath-locke, Mutch, dll.), hidup bebas dan ceria di Hutan Sherwood. Mereka disatukan oleh kebencian terhadap tuan feudal dan semua penindas rakyat.

Dalam banyak balada seseorang dapat mengenali ciri-ciri masa ini - sentimen anti-feudal rakyat jelata, kebencian yang teruk terhadap pihak berkuasa tertinggi gereja, pentadbiran wilayah, dll. Situasi sosio-sejarah abad ke-15, dengan wabak pemberontakan petani, perang feudal, cukai ketenteraan yang semakin meningkat, dsb. d., menggalakkan perkembangan selanjutnya legenda yang sama, akhirnya mengkristal mereka, melengkapkan proses idealisasi epik watak utama.

Berbesar hati, murah hati, penganiaya yang berani terhadap semua ketidakadilan, Robin Hood menghulurkan bantuan kepada semua orang yang memerlukannya; dia tidak kenal lelah, tangkas, mahir mengelak segala perangkap yang menantinya, melarikan diri dari sebarang pengejaran, tahu bagaimana untuk keluar dari sebarang masalah dan membalas dendam dengan baik terhadap musuhnya.

Kisah Robin Hood telah meninggalkan kesan yang ketara pada fiksyen dunia. Di England, rakan seangkatan Shakespeare: Robert Greene, Monday dan Chettle menggarap motif balada dalam karya dramatik mereka. Balada ini telah dikenali dalam kesusasteraan Rusia sejak 30-an abad ke-19; sebahagian daripada mereka wujud dalam terjemahan Rusia oleh N. Gumilyov, V. Rozhdestvensky dan lain-lain.

Balada yang didedikasikan untuk tema cinta dan mempunyai sifat lirik-dramatik membentuk kumpulan terbesar antara semua kitaran balada. Mereka bercakap tentang kesedihan cinta, tentang bahaya dan halangan yang tidak terkira banyaknya yang menanti kekasih pada masa yang jauh itu. Seseorang mungkin boleh mengumpulkan kisah cinta berdasarkan jenis kemalangan dan halangan yang sama. Hasilnya akan menjadi satu daftar: permusuhan antara Scots dan Inggeris, permusuhan antara puak, permusuhan antara keluarga, permusuhan dalam keluarga, cemburu, iri hati, penculikan, salah faham. Banyak balada terdengar tragis, contohnya dalam "Annie of Loch Royan".

...Seorang wanita muda bergegas ke kekasihnya, bapa kepada anaknya, tetapi dia tidak dibenarkan masuk ke dalam istana: kekasih sedang tidur dan tidak mendengar panggilan, dan ibunya menghalau wanita muda itu. Dia memulakan perjalanan pulang dan mati di kedalaman laut bersama-sama dengan kanak-kanak itu. Merasakan sesuatu yang buruk, si ayah bergegas ke pantai... ombak yang mengamuk membawa mayat kekasihnya berdiri di kakinya.

Mungkin kesedaran tentang kemustahilan cinta bahagia pada tahun-tahun yang diracuni oleh darah dan kebencian menimbulkan banyak motif untuk cinta dunia lain. Balada "Billy" menegaskan kesetiaan tanpa syarat dan tidak tergoyahkan yang walaupun kematian tidak boleh goyah. Ini, nampaknya, idea cinta dan kesetiaan yang paling penting untuk kesedaran moral era itu, direalisasikan dalam balada Inggeris dan Scotland bukan sahaja dalam plot yang hebat, tetapi juga dalam plot yang sangat nyata, dalam beberapa kes ditambah dengan pengakhiran simbolik. . Beginilah plot tentang cinta dan kesetiaan berakhir dalam balada "Lady Maisry" yang telah disebutkan ("Lady Maisry", William melemparkan dirinya ke dalam api untuk mati seperti kekasihnya) atau dalam balada "Clyde waters" ("Clyde waters" , gadis itu mencampakkan dirinya ke dalam air yang memusnahkan kekasihnya untuk binasa bersamanya).

Dalam balada "Edward", "Putera Robert", "Lady Isabel", wanita tidak kalah dengan lelaki dalam kebencian, permusuhan atau dendam; balada menggambarkan ibu yang jahat, ibu tiri, isteri, perempuan simpanan, gila dengki, cemburu, dan putus asa.

Dalam beberapa balada purba, motif sumbang mahram sedar atau tidak sedar sering dijumpai, mungkin gema plot lagu dari era hubungan suku purba, seperti misalnya dalam balada "Sarung dan Pisau" dan "Lizie Wan".

Tragedi cemburu adalah perkara biasa dalam balada. Tetapi lebih kuat daripada cemburu adalah perasaan cinta yang spontan dan tidak berkesudahan, yang membawa bukan sahaja kesedihan yang tidak terbatas, tetapi juga kebahagiaan terbesar. Dalam balada "Child Waters," yang Byron merujuk dalam kata pengantar kepada "Child Harold," Ellen mengikuti kekasihnya, menyamar sebagai muka surat, menahan semua kesusahan kempen, menjaga dan membersihkan kudanya, dan bersedia untuk menerima malah perempuan simpanan barunya dan mengemas katilnya; pada waktu malam, di kandang kuda, dalam penderitaan yang dahsyat, ditinggalkan dan diejek, dia melahirkan seorang bayi, dan kemudian hanya cintanya yang menerima ganjaran: Waters mengahwininya. Jika takdir mengejar pasangan kekasih hingga ke akhir hayat, maka mereka bersatu melepasi alam kubur; simbol cinta, yang tidak mengenal halangan walaupun dalam kematian itu sendiri, menjadi mawar, rosehip atau bunga lain yang tumbuh di kubur mereka dan menjalin dahan mereka.

Oleh itu, kebanyakan balada mempunyai rasa yang tidak menyenangkan dan berakhir dengan hasil yang membawa maut. Drama situasi dan dialog, keterujaan lirik mencapai ketegangan yang hebat di sini. Perasaan dendam, cemburu dan cinta mengamuk di hati watak; darah mengalir dalam aliran; kegilaan, jenayah, pembunuhan adalah kerap seperti kebangkitan lirik cinta yang paling hebat dan menawan sepenuhnya.

Dalam fikiran kebanyakan orang, balada hampir sinonim dengan syaitan: peristiwa ghaib bertimbun di atas satu sama lain, keranda tercabut dari rantainya, hantu bergegas melalui istana, hutan dan padang rumput didiami oleh jembalang dan peri, perairan itu penuh dengan ikan duyung. Idea-idea ini, yang diilhamkan oleh balada sastera romantis, tidak sepadan dengan kandungan sebenar balada rakyat. Daripada lebih 300 balada rakyat Inggeris dan Scotland yang diketahui pada masa ini, hampir 50 - iaitu kira-kira satu daripada enam - mengandungi peristiwa ghaib.

Agak sukar untuk menjelaskan perkara ini, memandangkan kesedaran zaman pertengahan secara literal diserap dengan kepercayaan kepada mukjizat dan menerima kewujudan syaitan, jembalang dan jembalang sebagai unsur yang jelas dalam kehidupan seharian.

Mitologi sebagai pandangan dunia hanya dipelihara dalam balada asal yang paling kuno, dan juga dalam balada di mana asas kuno mereka muncul dalam satu bentuk atau yang lain Dalam kebanyakan balada "ajaib", motif yang hebat bukan dari pandangan dunia, tetapi suka bermain alam semula jadi, iaitu digunakan sebagai alat puisi atau untuk tujuan alegori.

Dalam balada "The Boy and the Cloak" terdapat motif ajaib - mantel yang mempunyai sifat ajaib untuk mengesan perselingkuhan wanita; kepala babi hutan, di mana pisau pembual itu pecah; tanduk ajaib yang menyimbah wain ke pakaian seorang pengecut - semua ini digunakan oleh pengarang balada tanpa nama untuk penilaian moral yang lebih jelas dan meyakinkan tentang maksiat manusia yang sebenar.

Motif ajaib terutamanya sering digunakan sebagai metafora puitis lanjutan dalam cerita tentang menguji kesetiaan, keberanian, dan bangsawan. Dalam balada "The Young Templane" pengantin perempuan pahlawan, setia kepada cintanya, dengan berani melalui ujian yang sukar.

Dengan menyemak kualiti moral wira mungkin mengalami bukan sahaja penderitaan fizikal semata-mata, tetapi juga penderitaan moral yang dikaitkan dengan emosi estetik negatif. Sebagai contoh, Evain yang mulia terpaksa melalui ujian sedemikian apabila dia menyelamatkan seorang gadis yang telah berubah menjadi binatang hodoh oleh ibu tirinya yang jahat (“The Knight Avain”). Variasi unik motif hebat "menguji kesetiaan" juga merupakan plot seorang pengantin perempuan mengikut kekasihnya ke kubur. Satu lagi variasi motif yang sama adalah plot di mana, sebagai tindak balas kepada panggilan seorang wanita (biasanya ikan duyung), seorang lelaki dengan keberanian yang tidak terbatas bergegas mengejarnya ke kedalaman laut (balada "The Mermaid" - Kemp Oweyne).

Balada hebat yang akan menarik perhatian golongan romantik Eropah, termasuk yang Inggeris (Coleridge, Southey, Scott), yang akan membawa mereka ke barisan hadapan di kalangan seluruh warisan balada; namun, pada zaman kegemilangannya kreativiti balada cerita dongeng, balada yang hebat tidak menduduki tempat yang eksklusif dan fantasi mereka tidak mempunyai kesan yang tidak menyenangkan.

Dalam kesedaran popular, tragis dan komik sentiasa seiring. Dalam cerita komik yang paling kelakar, seseorang selalunya dapat mencari unsur tragedi yang tersembunyi. Tidak ada gunanya untuk mengetahui balada mana - tragis atau komik dalam bunyi - muncul lebih awal: asal-usul kedua-duanya hilang dalam kedalaman masa dan boleh dikatakan tidak dapat diakses oleh penyelidikan yang teliti. Mereka mungkin muncul hampir serentak, walaupun mungkin dalam persekitaran sosial yang berbeza. Sudut pandangan mengikut mana balada komik muncul lebih lewat daripada yang tragis, dalam perjalanan evolusi balada ke arah "pemudahan" plot dan penembusan unsur harian ke dalamnya, adalah tidak adil. Butiran setiap hari juga merupakan ciri balada terawal; Hakikat bahawa orang dapat melihat lucu dan ketawa pada setiap masa dibuktikan dengan banyak komedi, satira, dongeng, lagu komik, sandiwara zaman pertengahan dan fabliaux.

Ambil, sebagai contoh, "Ballad of the Miller and His Wife" yang terkenal. Dialog komik yang main-main jelas bersifat kelakar. Seorang pengisar yang mabuk, pulang ke rumah pada waktu petang, masih tidak terlalu mabuk sehingga tidak menyedari beberapa tanda ketidaksetiaan isterinya: but lelaki dengan taji tembaga, jubah, dsb. Tetapi "tuan rumah" yang lincah dan licik itu sama sekali tidak cenderung untuk berputus asa dan, dengan kepintaran yang dicemburui, cuba untuk menghalang "pemilik" syak wasangkanya. Tetapi pengilang bukanlah orang asing: dalam setiap penjelasan isterinya, bukan tanpa jenaka, dia mendapati beberapa perincian yang memusnahkan semua binaan liciknya; dan akhirnya, pengilang menemui seorang lelaki di atas katil.

Sama sifat komiknya ialah dialog antara suami dan isteri dalam balada "Wanita Tua, Tutup Pintu" ("Bangun dan Bar Pintu"), "Jubah Tua" atau dialog antara kesatria dan gadis petani dalam balada "The Deceived Knight".

Balada komik mempunyai kandungan yang berbeza-beza dan sama sekali tidak terhad kepada subjek harian. Mereka mempengaruhi sfera sosial, hubungan psikologi yang kompleks antara orang, tema cinta("The Tramp", "The Shepherd's Son", "Perjalanan ke Pameran"). Dalam beberapa balada, yang dari segi kandungannya adalah tidak betul untuk diklasifikasikan sebagai komik "semata-mata", unsur komik adalah sangat kuat ("Raja dan Bishop", "Dua Ahli Sihir", dll.)

Genre balada, yang memainkan peranan penting dalam pembentukan estetika romantis, telah berulang kali menarik perhatian penyelidik. “Namun, faham kekhususan genre balada, yang menyedari sepenuhnya potensi genre mereka dalam era romantisme, masih belum menyeluruh, "kata S.I. Ermolenko dan mengatakan bahawa "fenomena balada" tidak dapat difahami tanpa kembali kepada asal-usul genre, asal-usulnya - balada rakyat , diketahui oleh semua orang Eropah.

Penyelidik mentakrifkan kandungan dan kesedihan balada rakyat di Rusia secara berbeza. Putilov B.N. dalam karyanya "Slavic Historical Ballad" mengatakan bahawa balada rakyat adalah seni yang tragis, mencerminkan aspek-aspek pandangan dunia seseorang pada Zaman Pertengahan yang dikaitkan dengan kesedarannya tentang "gangguan tragis, kehancuran, dan masalah kehidupan”2.

Idea ini diteruskan oleh S.I. Ermolenko, dengan mengatakan bahawa balada rakyat memberi tumpuan kepada nasib manusia individu, diambil pada saat yang tidak dijangka, tiba-tiba, dengan akibat tragis, pecah yang disebabkan oleh peristiwa tertentu (sosio-awam, sejarah atau keluarga -setiap hari. ), tetapi sudah tentu melalui prisma perhubungan peribadi.

Pada masa yang sama, semua penyelidik genre bersetuju bahawa sebelum menjadi milik fiksyen, balada mengalami evolusi yang pelik sebagai genre cerita rakyat, yang diwakili secara meluas di kalangan pelbagai negara Eropah.

Setelah berhijrah ke sastera bertulis, ia terus kekal sebagai genre yang fleksibel dan ekspresif untuk masa yang lama. Bilangan bait bertambah, gubahan menjadi lebih kompleks, ayat itu terbentang (seperti balada Charles of Orleans, Villon, Deschamps, Machaut). Pada abad ke-17 dan ke-18, mereka melupakannya, balada secara praktikal tidak lagi wujud sebagai genre sastera, kerana estetika klasik yang mendominasi pada masa itu tidak memerlukan bentuk genre sedemikian.

Perkembangan romantisme menimbulkan minat terhadap balada rakyat di semua negara Eropah kerana kebangkitan minat terhadap sejarah dan masa lampau rakyat di kalangan masyarakat terpelajar. Penyair romantis mengumpul dan menerbitkan koleksi balada rakyat (koleksi Arnim dan Brentano "The Boy's Magic Horn" dan koleksi Uhland di Jerman sangat terkenal). Dalam kebanyakan penerbitan, balada digabungkan dengan lagu lain, yang membawa kepada kehilangan pemahaman yang kukuh tentang intipati genre balada.

Kebangkitan balada sastera juga bermula beberapa dekad sebelum permulaan abad ke-19. Prinsip perwakilan baharu, perlanggaran plot khas dan wira yang luar biasa(pembawa nafsu yang kuat) - terbentuk dalam karya mereka dan meramalkan penemuan artistik romantisme. Di jalan ini, puisi Rusia abad ke-18 dan awal abad ke-19 ternyata bersedia untuk menerima tradisi balada sastera Jerman dan Inggeris yang lebih maju dan lebih awal.

"Mengiringi romantisme sepanjang perkembangannya, balada sebagai genre puisi Rusia "terbaru" akhirnya terbentuk dalam kerangka arah ini berdasarkan estetika romantis yang muncul, menjadi, bersama-sama dengan elegi, dan kemudian puisi lirik, satu. daripada bentuk genre yang paling berciri untuk romantisme." Dan proses memahami kekhususan genre balada adalah pada masa yang sama proses penguasaan kreatif bentuk genre ini dan transformasinya dalam fikiran kita terutamanya dengan nama V.A seorang pembaharu genre balada pada awal abad ke-19.

Mari kita beralih kepada ciri utama genre balada. S.I. Ermolenko dalam karyanya "Lirik Lermontov: Proses Genre" mentakrifkan genre balada berkaitan dengan kehadirannya dalam karya Lermontov. Dia beralih kepada sejarah balada rakyat, mendedahkan ciri utamanya:

Tumpuan balada adalah pada nasib manusia individu (ini telah dibincangkan di atas), yang dianggap pada saat yang tragis, momen yang tidak dijangka, perubahan drastik yang disebabkan oleh sebarang sebab, peristiwa (selalunya sosial, sejarah atau keluarga-rumah), " tetapi semestinya melalui prisma perhubungan peribadi”;

Wira menghadapi percanggahan yang tidak dapat diselesaikan dalam kehidupan. Dia ditunjukkan sebagai makhluk yang lemah, tidak mampu berjuang aktif "dan penentangan yang tegas, tetapi menarik dalam ketabahan moralnya dan semacam rasa tidak selamat kebudak-budakan";

Penentuan awal hasil yang tragis mendedahkan dalam perlanggaran dan percanggahan balada yang, di atas kehendak mereka, ditarik oleh beberapa kuasa yang benar-benar maut, wira ditarik, makna maut tertentu;

Di sebalik situasi balada yang bercirikan drama keluarga dan sehari-hari, ketidaksamaan sosial, penawanan - kekurangan kebebasan, dsb., pesawat yang lebih tinggi dan kekal muncul, yang mana balada rakyat tertarik, berusaha untuk mengurangkan pelbagai konflik dan perlanggaran kehidupan kepada yang paling umum, konfrontasi generik, tidak berubah: cinta - kebencian, kebaikan - kejahatan, kehidupan - kematian;

Satu lagi ciri penting dalam genre balada rakyat ialah kekurangan motivasi untuk kejahatan. Seperti yang ditulis oleh S.I. Ermolenko: "Kejahatan dalam balada rakyat tidak disebabkan oleh apa-apa, tidak mempunyai sebab, namun ia berlaku dengan beberapa jenis yang tidak dapat dielakkan yang suram."

Oleh itu, seseorang berada dalam kuasa kuasa misteri yang mengawal nasibnya - dalam kuasa Takdir;

Oleh itu, dunia dwi balada: dunia nyata, nyata dan tidak nyata, dunia lain, hubungannya dirasai dalam saat-saat tegang.

Pusat penganjuran dunia balada, asas epiknya, adalah peristiwa di mana tindakan kuasa mistik dan maut bagi manusia didedahkan.

Pendedahan watak balada dilakukan tanpa campur tangan langsung pengarang, penilaian di pihaknya, dalam proses tindakan.

Oleh itu, lirik balada adalah hasil daripada pengaruh peristiwa epik tertentu pada subjek, reaksi jiwa yang mengalami penemuan dunia balada. Detasmen acara balada daripada subjek persepsi menimbulkan pengalaman lirik yang tidak sama dengan - pengalaman, dengan - penyertaan. Balada itu mempunyai lirik yang berbeza: orang itu seolah-olah berhenti di hadapan gambar dunia balada yang secara tidak diduga terbuka kepadanya dan terkaku, kagum dengan apa yang dilihatnya, setelah bersentuhan dengan rahsia kewujudan mistik.

Dalam artikel "Genre balada romantis dalam estetika sepertiga pertama abad ke-19," S.I. Ermolenko, menggunakan contoh balada sastera, membezakan antara kualiti balada epik dan lirik, dan juga beralih kepada kategori daripada keajaiban dalam balada dan datang kepada kesimpulan berikut: balada - lirik - genre epik, tetapi yang menentukan struktur genre bukanlah epik (peristiwa), walaupun tanpanya tidak ada balada, tetapi apa yang berkaitan dengan ciri liriknya : "pemahaman", "persepsi" acara balada, sikap terhadapnya; Kategori keajaiban dalam balada juga penting. Keajaiban mendedahkan dirinya bukan sahaja dalam epik, sebagai peristiwa atau kejadian ajaib, fenomena kesan emosi balada kepada pembaca juga dikaitkan dengan keajaiban. Keajaiban bukan sahaja hebat, ghaib, tetapi secara umum segala-galanya yang luar biasa, luar biasa, dan tidak sesuai dengan kerangka idea harian.

L.N. Dushina membincangkan pendedahan konsep "indah" dalam balada dalam artikel "Peranan "Hebat" dalam Puisi Balada Rusia Pertama", "indah" ternyata menjadi salah satu prinsip di mana orang Rusia balada pergantian abad ke-18 - ke-19 menemui yang baru, kandungan romantik, ciri-ciri puisi romantik baharu. Ini misteri, indah, termasuk secara meluas dalam plot balada, membantu untuk membezakan antara percintaan dan balada, yang sehingga masa itu telah dianggap sebagai satu keseluruhan, tidak dibezakan. Ini juga disahkan oleh pengarang kajian teori awal abad ke-19 (N. Grech, N. Ostolopov, A. Merzlyakov), mentakrifkan keajaiban sebagai kuasa tertentu yang membawa balada menjauhi puitis lagu tradisional percintaan yang biasa. kepada jenis penceritaan baharu yang “romantik”.

T.I. Silman, menganalisis 4 balada Goethe: "The Forest King", "Wild Rose", "Nakhodka", "May Song", menganggap "pergerakan dari satu kutub puisi ke yang lain" - dari balada ke puisi lirik. Apa yang penting bagi kami di sini ialah definisi Silman tentang bentuk balada, ciri-ciri utama balada. Hasil daripada membandingkan karya-karya ini, penulis membuat kesimpulan berikut mengenai balada:

Balada menggambarkan peristiwa dan hubungan antara orang secara objektif dan dalam perkembangan berurutan semula jadi mereka ( pantun lirik menggantikan urutan fakta semula jadi ini dengan logik pengalaman dalaman mereka);

Detik penilaian emosi terhadap bahan naratif dalam balada sangat dinetralkan, kerana ia hanya memanifestasikan dirinya secara tidak langsung, terutamanya melalui reaksi emosi watak-watak, manakala dalam puisi lirik keseluruhan persembahan diserap dengan unsur penilaian emosi yang berpunca daripada penyair, wira lirik;

Sehubungan dengan ilusi objektiviti persembahan dalam balada, ilusi lain dicipta - kehadiran pengarang (dan pembaca) secara langsung dan jauh semasa peristiwa yang digambarkan, kerana pengarang mengikutinya tanpa pertimbangan dari awal hingga akhir, tanpa membuat generalisasi. atau menilai mereka bagi pihaknya sendiri, seolah-olah " tidak mempunyai masa untuk melakukan ini (Sementara itu, dalam puisi lirik, terima kasih kepada penilaian emosi yang berterusan terhadap fakta yang digambarkan, fenomena, hubungan, kesan menjauhkan wira lirik dari bahan realiti dicipta);

Ini menghasilkan perspektif masa yang berbeza dalam kedua-dua genre: balada, disebabkan oleh ilusi keserempakan apa yang berlaku dan penceritaan mengenainya, kelihatan sepenuhnya dalam tegang sekarang (sebenarnya, bahagian epik balada paling kerap dipersembahkan dalam preterite; hanya adegan dramatik diberikan dalam kala sekarang). Dalam puisi lirik, semua masa seolah-olah "dialihkan" dari saat imej;

Oleh itu, Silman mengatakan bahawa dalam bahagian naratifnya balada, seperti mana-mana karya yang benar-benar epik, melaporkan tentang orang dan peristiwa sebagai wujud dan berkembang secara objektif, tanpa campur tangan dan juga tanpa penilaian langsung terhadap pengarang. Di samping itu, Silman menarik perhatian kita kepada fakta bahawa apabila ia tidak terlalu isipadu yang besar, balada mesti mengandungi eksposisi ringkas dan mesej tentang perkembangan aksi, dan menunjukkan perkembangan watak pada saat perlanggaran maut mereka, dan, akhirnya, melaporkan tentang denouement, kebanyakannya tragis (namun begitu, balada mesti kekal sebagai puisi, tanpa berkembang menjadi puisi).

"Romantisme eksotik, komitmen kepada "muse" perjalanan jauh", estetika pertempuran, bahaya, risiko dan gaya berjalan berani secara teater, dibayar secara tragis oleh nasib akmeis pertama, disewa oleh lebih kurang pembawa berbakat percintaan totalitarian yang dilemahkan secara dalaman: dari N. Tikhonov dan V. Lugovsky ke K Simonov dan A. Surkov" - ini adalah pendapat pengkritik sastera yang diiktiraf ini, bagaimanapun, kami tidak berhak menilai ketepatan atau ketidaktepatannya secara mutlak, kerana ia mencerminkan idea penting: tiada apa-apa dalam kesusasteraan muncul entah dari mana dan tidak hilang. mana-mana tanpa jejak. Tetapi adalah tidak betul untuk mengaitkan sepenuhnya kemunculan balada penyair Soviet hanya kepada pengaruh N. Gumilyov. Era baharu, masa baharu membawakan bunyi tersendiri kepada genre romantik yang biasa.

Dalam era kejutan yang kuat untuk negara kita - Perang Saudara, genre balada dihidupkan semula. Merit utama dalam ini adalah milik Tikhonov, yang mencipta genre balada heroik. Ini adalah cerita penuh aksi tentang kejayaan demi tujuan bersama. Karya beliau secara langsung berkaitan dengan tema umum Perang Saudara, wira, plot, dan struktur kiasan mudah dibandingkan dengan titik rujukan sejarah "1918-1921." Di sini terdapat orientasi sedar terhadap idea-idea tentang pahlawan yang berani, gagah perkasa dan adil, tentang pertarungan fananya dengan musuh, yang telah lama dicetak dalam kesedaran kebangsaan, diambil dari pelbagai karya romantik lalu. Balada-baladanya mengandungi pernyataan tentang keberanian keberanian revolusioner, pengorbanan diri, dan pernyataan kultus kesetiaan kepada tugas.

Adalah penting untuk diperhatikan di sini bahawa balada zaman Perang Dunia Kedua sebahagian besarnya berasal daripada balada pembentukan negara Soviet. Sekarang mari kita beralih terus kepada balada Perang Dunia Kedua. Kuzmichev I.K. menarik perhatian kita kepada fakta bahawa balada tahun perang berbeza daripada balada romantik atau rakyat yang biasa kepada pembaca.

Pertama, balada Rusia Perang Dunia Kedua bukan sekadar puisi naratif, tetapi kisah heroik tentang eksploitasi rakyat Soviet biasa.

Kedua, kandungan utama balada kepahlawanan masa ini bukanlah lagenda zaman dahulu, bukan lagenda masa lampau, tetapi perjuangan sebenar. orang Soviet. Wira balada adalah sezaman dengan pengarang. Plot plot adalah gambaran kehidupan sebenar dalam bentuk segera. Akibatnya, balada perang dari sudut pandangan ini adalah fenomena baru. Balada jenis lama secara amnya, khususnya epik, sentiasa berpaling ke masa lalu dan disuapkan pada plot separa legenda atau hebat.

Ketiga, wira tunggal balada romantik lama abad ke-19 digantikan oleh wira rakyat. Para penyair menekankan dalam setiap cara yang mungkin bahawa kejayaan rakyat dikaitkan dengan perjuangan nasional dan dicapai atas nama rakyat.

Di samping itu, penulis bercakap tentang perbezaan yang tidak begitu ketara, tetapi masih penting antara balada zaman perang, seperti: kesederhanaan komposisi, watak realistik (Kuzmichev menyatakan bahawa penyair dalam balada mereka sengaja mengelak keaslian fakta dan berusaha untuk menghasilkan semula watak umum dalam yang paling dramatik. , tetapi tidak bermakna dalam keadaan yang hebat dan luar biasa), bilangan watak adalah kecil - satu atau dua, bilangan jalan cerita dikurangkan kepada minimum; Selalunya, balada dibina berdasarkan satu jalan cerita yang dikaitkan dengan satu episod. Akhirnya, ciri ciri ialah, disebabkan oleh kekhususan genre, orang digambarkan dalam balada secara am dan berat sebelah, terutamanya dari sudut pandangan manifestasi perbuatan heroik mereka.

Tema Perang Patriotik Besar tidak pergi ke mana-mana dari karya penyair tahun 50-an.

"Keseluruhan" dalam kesusasteraan terdiri daripada biografi individu, dan "sumbangan peribadi" ini berharga dengan cara mereka sendiri. Tetapi pada masa yang sama, ternyata penemuan peribadi yang unik berkorelasi antara satu sama lain dan membentuk gambaran pelbagai warna, tetapi masih bersatu tentang proses sastera. Kami melihat dengan jelas bagaimana masa itu sendiri memasuki buku, nasib artis, bagaimana mereka, seterusnya, memperkayakan kehidupan dengan imej yang mereka cipta di bawah pengaruh pengalaman kreatif peribadi yang berbeza-beza. Laluan penyair generasi hadapan adalah contohnya.

Adalah mustahil untuk tidak melihat keadaan istimewa di mana penyair generasi itu mendapati diri mereka, yang sudah berkembang dalam masa aman, tetapi mengingati Perang Patriotik Besar yang lalu. "Apa yang diperlukan di sini ialah kesabaran, tumpuan, dan kewaspadaan psikologi untuk menembusi lapisan luar fakta harian dan mengenali ketegangan yang mendalam," tulis I. Grinberg. Oleh itu keperluan untuk menaakul, berpaling ke masa lalu, kepada kenangan seseorang. "Keyakinan lahir bahawa ingatan bukan sahaja "campuran, perpindahan negara dan orang yang dilihat sebelum ini," tetapi juga "pemulangan dan pampasan untuk hari-hari yang hilang yang tidak dapat dikembalikan Penyair mula merenungkan soalan: adakah perang mengajar sesuatu." , adakah ia memberi sesuatu kepada seseorang. Itulah sebabnya mereka tidak takut untuk melihat masa depan. Dalam "esok" "motif masa lalu yang diperbaharui akan jelas terdengar, yang telah menerima hak untuk menjadi sebahagian daripada kerja dan pencapaian masa depan."

Inilah yang dikatakan oleh I. Grinberg tentang masa itu dan generasi penyair tahun 50-an dalam kajiannya: “Ini adalah nilai-nilai yang cuba difikirkan, dirasakan, dan bertindak oleh puisi muda kita. Perkataan puitis memerlukan keamatan pencarian kognisi; ia berkuasa bukan dengan penerangan cetek fakta, tetapi oleh pencapaian luas keperluan dan pencapaian zaman kita. Dan puisi-puisi penyair muda benar-benar meneruskan gerakan yang dimulakan oleh pendahulu mereka, memperkenalkan ke dalamnya mereka sendiri, baru, kebaharuan, lahir dari peredaran tahun, peristiwa, urusan manusia dan motif. Dan juga kenangan masa lalu - saya ingin menambah.

Itulah sebabnya penyair beralih kepada genre balada. Pada tahun 50-an dan awal 60-an, konsep balada lebih kerap dikaitkan "dengan konvensyen semantik dan plot yang istimewa daripada dengan plot yang tajam. Ini disebabkan oleh pengaktifan prinsip naratif lirik dan bukannya epik." Ini mencerminkan pengaruh genre dominan puisi lirik, ode dan elegi pada masa itu (contoh balada tersebut boleh dianggap sebagai buku oleh V. Lugovsky "Blue Spring"). Ketegangan dan kedinamikan balada telah banyak memberi sumbangan kepada puisi kita. "Apa yang unik adalah ayat yang rapat, rapat, tidak dapat dipisahkan menyatukan keadaan fikiran penyair dengan nasib orang lain, dengan pencapaian sejarah - ayat di mana perasaan menyerang plot dan plot memasuki perasaan."

Bukan rahsia lagi bahawa semasa tempoh "cairan" di negara kita, pendapat tentang kepentingan dan keperluan peranan sastera, dan terutama puisi, dalam kehidupan masyarakat telah ditubuhkan. Sudah tentu, balada tidak menarik perhatian kritikal seperti puisi lirik, ode dan elegi (sepadan dengan "tertib sosial"), tetapi dalam beberapa artikel seseorang boleh mendapat galakan untuk penyair untuk beralih kepada genre ini. Penyelidik moden mengaitkan ini dengan lirik-episme dan plot balada, yang menyumbang kepada keserupaan hidup (keperluan utama kesusasteraan), dan oleh itu bertindak sebagai jaminan kejayaan "penguasaan puisi realiti. "Pertama sekali, balada yang berorientasikan tradisi tahun 1920-an digalakkan (kemudian balada itu mengalami pembaharuan dan berbunga pesat), dan bukan kebetulan bahawa dalam fikiran penyair tahun 20-an dikaitkan dengan genre ini (balada Tikhonov. ). Sebaliknya, pada masa yang sama, selaras dengan orientasi majalah "Dunia Baru", kecenderungan untuk menafikan konvensyen dalam balada berkembang, tetapi penolakan itu membawa kepada penolakan balada secara umum; diubah menjadi cerita puitis, esei, laporan. Contohnya adalah puisi B. Slutsky, yang Greenberg, dalam karya saintifiknya "Tiga Aspek Lirik: Kewujudan Odes, Balada, dan Elegi di Dunia Moden," menganggap dan mentafsirkan sebagai balada.

Dari pertengahan 60-an hingga 70-an terdapat peralihan dalam kesedaran sastera. Puisi mula difahami bukan sebagai "seruan berpidato untuk bertindak", tetapi "sebagai bentuk pengakuan, sebagai cara untuk mengingatkan orang tentang rohani tertinggi, nilai moral"(S. Chuprin). Persoalan kesinambungan, tradisi yang masuk jauh ke dalam sejarah Rusia, kepada asal usul moral negara, muncul di hadapan. “...dalam hal ini, satu keperluan untuk balada “kebangsaan” timbul, yang mungkin terdiri daripada menilai balada dari sudut kejayaan menjelmakan tema dan isu kebangsaan, atau dalam menjemput pengarang balada untuk beralih ke bahasa Rusia. tradisi cerita rakyat.” Menjawab permintaan pertama mengenai tema dan masalah kebangsaan, para penyair mengukuhkan prinsip falsafah dalam balada, terus membawanya lebih dekat kepada elegi. Kecenderungan untuk menggabungkan genre ini telah diperhatikan oleh ramai penyelidik. Sebab-sebab ini boleh dipanggil, pertama, bahawa kedua-dua balada dan elegi dalam puisi Rusia berkembang pada awal abad ke-19, di bawah romantisme, dalam karya Zhukovsky. Kedua, mereka mendedahkan persamaan pada tahap semantik (semuanya atas sebab penampilan yang sama) - selalunya masa pilihan untuk acara adalah petang, bulan sebagai peserta dalam acara dan pengalaman, dsb. Elegi dan persesuaian dengannya membuka kemungkinan untuk mendalami dan mengembangkan sfera ideologi dan estetik untuk balada. Contoh balada jenis ini ialah "Novoarbatskaya Ballad" oleh V. Sokolov.

Anehnya, terdapat maklum balas terhadap cadangan untuk beralih kepada tradisi balada rakyat Rusia. Chumachenko V.K. memeriksa lirik 70-80-an, dia sampai pada kesimpulan bahawa dalam puisi Kuznetsov contoh yang cemerlang pewarisan tradisi balada rakyat ialah “The Balada Arwah” dan “The Atomic Tale”. Balada ini hampir kepada perumpamaan; plot mereka terutamanya mengenai tema keluarga dan harian.

Oleh itu, balada pada tahun 60-70an wujud sebagai genre yang dicirikan oleh ciri khas, yang tidak menduduki kedudukan pusat V proses sastera, tetapi tidak berhenti mengambil bahagian di dalamnya, bertindak balas terhadap perubahan dalam alirannya dan, akibatnya, berkembang.

Kepelbagaian tema dan kepelbagaian balada tidak membiarkan Perang Patriotik Besar hilang dari pandangan mereka; penyair terus merujuknya dalam karya mereka. N.L. Leiderman mengatakan bahawa kesusasteraan tentang Perang Patriotik Besar “...dilahirkan secara literal pada 22 Jun 1941 dan masih membawa suaranya kepada kita. Kini jelas sekali bahawa kesusasteraan tentang Perang Patriotik yang membentuk lapisan paling berkuasa, paling berbakat dalam sejarah kesusasteraan Rusia sejak tujuh puluh tahun yang lalu. Memori perang telah menyemarakkan kreativiti penulis dan penyair sepanjang tahun lalu.

Penyair generasi enam puluhan memperkenalkan masa lalu ke dalam puisi mereka untuk lebih memahami masa kini, menerangi sebab dan keadaan kemunculannya, dan pada masa yang sama mengukuhkan tradisi yang paling berharga dan berdaya maju.

Bagaimana balada tentang perang diubah oleh penyair tahun 40-an, 50-an, 60-70an, apa yang menyatukan karya-karya ini, bagaimana ia rapat dan bagaimana ia berbeza - kami akan menangani soalan-soalan ini dalam bab-bab berikut karya ini.

V. Lifshits menulis "Ballad of a Stale Piece" pada tahun 1942.

Peperangan sedang rancak, keputusannya jauh dari jelas. Oleh itu, ciri utama fiksyen semasa Perang Dunia Kedua - kesedihan patriotik dan kebolehcapaian sejagat - disahkan sepenuhnya di sini (bukan rahsia lagi bahawa balada ini sangat popular semasa perang).

"The Ballad of a Stale Piece" ialah sebuah karya lirik-epik. Ia berdasarkan plot; ia sangat dinyatakan, lengkap, dan boleh difahami. Kisah seorang leftenan yang secara tidak sengaja tiba di kampung halamannya - Leningrad, melihat rumahnya, memutuskan untuk singgah, dan anaknya bertemu dengannya di sana. Leftenan itu menyerahkan makanan kepada anaknya - sekeping roti basi - satu-satunya perkara yang boleh diberikan kepada budak itu. Wira melihat isterinya...Tetapi dia perlu pergi lebih jauh, mereka menunggu di hadapan. Askar itu mengucapkan selamat tinggal kepada keluarganya. Dan sudah di jalan dia mendapati di dalam poketnya sekeping roti basi, yang baru-baru ini dia berikan kepada anaknya. Ternyata anak lelaki itu, melihat ibunya sakit, membawakannya sekeping roti tanpa disedari oleh bapanya, dan isteri pula mengembalikan makanan itu kepada suaminya.

Keseluruhan balada kedengaran ikhlas, menyedihkan, berani, berbeza, ringkas - cara semua kesusasteraan yang bertujuan menyokong rakyat semasa tempoh perang yang sukar sepatutnya berbunyi.

Ramai yang akan berkata: apakah sebenarnya puisi di sini? Semua yang disenaraikan di atas juga sesuai dalam teks lain. Tetapi inilah liriknya: setiap imej balada sangat psikologi, walaupun bukan individu, tetapi patut diberi perhatian dengan tepat kerana kebiasaannya (dia seperti semua orang, tetapi ini penting). Di samping itu, saiz balada juga menarik perhatian: anapes tetrameter yang mempesonakan, sering pecah menjadi anapaest dua kaki (saiz ini juga boleh dilihat di Balmont). Maksudnya, dari segi melodi, balada ini kedengaran merdu, klausanya terutamanya perempuan - yang meningkatkan lagi kemerduan balada.

Motif nasib yang maha melihat, maha mengetahui lebih awal dapat dikesan dalam karya ini. Oleh itu konflik - perlanggaran manusia dan nasib yang ditakdirkan, imej nasib manusia.

Dua rangkap pertama seolah-olah "memperkenalkan" kita ke dalam plot utama. Rangkap pertama ialah imej kenderaan bergerak - trak tiga tan, membawa kargo "indah" (julukan) - makanan kepada tentera di hadapan. Imej kereta ini nampaknya dari dunia lain, sesuatu yang luar biasa, tidak wajar: jalan itu "sunyi", sunyi, tetapi trak tiga tan itu bergemuruh "dengan kuat memekakkan telinga," memecahkan kesunyian yang menindas ini. Kereta itu bergemuruh pada "campuran syaitan". Metafora ini membuat anda berfikir: ia seolah-olah menjadi fakta setiap hari, tetapi nasib ratusan orang, askar bergantung padanya - pengarang menyentuh masalah manusia sejagat - adakah kereta boleh sampai ke sana dengan "syaitan?" campuran”?

Seterusnya muncul imej pemandu, beku pada stereng dan senyap, seperti semua jalan, jalan. Tetapi ini tidak bermakna dia "mati". Dia "mengutuk cuaca" - sejuk, salji, angin, sejuk, kerana dia memahami betapa pentingnya membawa makanan kepada tentera tidak kira apa. Iaitu, pertama sekali, dalam mengutuk cuaca - menjaga orang lain, keupayaan untuk merasa - satu lagi masalah universal yang disentuh oleh Lifshitz.

Dalam rangkap ketiga muncul watak utama balada - leftenan muda. Kami tidak menjumpai potretnya, tetapi satu-satunya ciri luarannya menarik perhatian - kurusnya. "Dia kelihatan seperti burung lapar" adalah metafora yang mencirikan watak utama (kita akan melihat metafora yang sama kemudian dalam bait ketujuh, dengan penampilan pertama anak lelaki leftenan).

Askar itu tidak perasan pemandu trak duduk di sebelahnya - sekali lagi motif keduniawian: "trak itu merayau ke planet lain" - hakikat bahawa kereta yang penuh dengan makanan, penuh dengan kargo penting untuk kehidupan, tidak mahu menyambung fikirannya, memandu di sepanjang jalan yang benar-benar lengang, pupus dan beku.

Dalam rangkap keempat, "keduniawian" hilang dan pudar ke latar belakang. Imej perang global muncul - sebuah rumah yang rosak akibat kebakaran. Rumah di sini adalah "hidup", dipersonifikasikan, ia merasakan kengerian perang (api) dan oleh itu "berjalan" ke arah hanya "bergetar" - hidup, mencari lampu kereta. Oleh itu, dunia lain tampil ke hadapan untuk bertemu dengan trak "damai" yang membawa kehidupan kepada orang - rumah, perapian, kemesraan. Dunia boleh terbuka kepada dunia, muncul tanpa rasa takut.

Dan melalui cahaya lampu yang hangat dan "bergetar", salji tidak lagi begitu kuat, fros tidak begitu mengerikan apabila anda melihat sebuah rumah di mana kehidupan menuntut kedamaian di bumi. Salji dibandingkan dengan tepung, makanan - aliterasi adalah penting, rasa kenyang dicapai dengan mengulangi "l", "n" ("lancar, perlahan"). Perkataan "perlahan-lahan" itu sendiri bercakap untuk dirinya sendiri - tanpa tergesa-gesa ke mana-mana, tanpa takut apa-apa, tanpa rasa takut, iaitu, rasa lambat dan kenyang dicapai pada tahap sintaksis.

Tetapi penulis mengganggu pemikiran ini dengan jeda. Baris seterusnya berbunyi seperti letupan (bait kelima): "Berhenti!" - dengan seruan ini leftenan memasuki pertempuran terbuka dengan nasib - dia pergi ke rumahnya, keluarganya. Askar itu "berlari" menaiki tangga, perasaan tergesa-gesa, menjangkakan pertemuan.

Jeda dalaman dalam rangkap keenam membuatkan kita berfikir tentang apa yang ingin disampaikan oleh pengarang: keperitan seorang bapa yang melihat APA yang telah dilakukan oleh peperangan terhadap anaknya. Perbandingan dengan burung - "tulang rusuk burung pipit", metafora "seorang lelaki berumur tujuh tahun" - dan satu lagi imej Perang Dunia Kedua muncul di hadapan kami - seorang kanak-kanak berambut kelabu, seorang lelaki yang, pada usia 7, mengalami semua kengerian perang bersama-sama dengan orang dewasa, dan kami tidak lagi berani memanggilnya seorang kanak-kanak... tepatnya "lelaki tua" - dengan penuh kasih sayang, kebudak-budakan, tetapi bukan sebagai seorang yang kecil, tetapi sebagai seorang yang sama. .

Dalam rangkap ketujuh kita mendengar bapa bercakap kepada anaknya. Baginya, bukan untuk pengarang, dia bukan "orang tua", tetapi orang sayang, “budak,” bapanya menuntut kejujuran daripadanya: “jawab tanpa penipuan...”. Plot bermula dalam rangkap yang sama - bapa mengeluarkan sekeping roti basi dari poketnya dan memberikannya kepada anaknya - satu-satunya perkara yang dia boleh lakukan pada masa ini.

Dalam bait kelapan terdapat satu lagi imej perang, yang dikepung Leningrad - "tangan bengkak di atas selimut" - kelaparan dan kematian sudah dekat, dan badan yang bengkak adalah tanda kematian yang akan berlaku. Dan wira memahami ini: "takut menangis" kerana dia tidak dapat mengubah apa-apa, "dia mendekati isterinya." Tetapi kematian berbeza dengan kehidupan, "tangan bengkak" dan pada masa yang sama "mata berkedip-kedip seperti lilin" (metafora). Oleh itu, kita melihat konflik antara lelaki dan nasib dalam imej isteri leftenan. Kematian sudah dekat, tetapi wanita yang bermata hidup itu tidak mahu dan tidak berani untuk membiarkannya dekat, lebih-lebih lagi kini suaminya berada berdekatan.

Dan dalam bait kesembilan, seorang dewasa - seorang anak lelaki berusia tujuh tahun, memutuskan nasibnya sendiri - memberikan sekeping roti kepada ibunya yang sakit, menentang kematian. Rangkap ini kedengaran menyedihkan, tetapi mustahil sebaliknya: seorang bapa harus berbangga dengan anaknya, itulah yang Lifshits ingin beritahu orang ramai.

Askar itu pergi, tetapi ia adalah "Mari!" dari mulut anaknya dia mengatakan bahawa mereka sentiasa menunggunya, menunggu seperti mana-mana keluarga pada masa itu menunggu saudara mereka dari hadapan. Pengulangan dalam bait ke-10 baris akhir keempat tidak disengajakan - cincin tertentu terbentuk, di mana terdapat pulangan singkat ke rumah, pertempuran dengan nasib leftenan yang ditakdirkan. Dan kemudian - penerusan laluan kereta.

Tetapi rima juga berubah, ini menunjukkan bahawa denouement acara semakin hampir. Jika rangkap kesepuluh ditulis berpasangan, maka kini ia sudah menjadi rima silang, tempo berubah, dan ketegangan meningkat. Dan dalam rangkap kesebelas denouement yang diharapkan: "Saya merasakan bahagian yang sama dalam poket yang sama." Tetapi tidak ada cara untuk kembali, sekeping roti adalah seperti simbol Takdir, yang melakukan segala-galanya sesuka hati, tidak kira berapa banyak leftenan itu sendiri mengganggunya. Dan beberapa keputusasaan terdengar dalam baris ini...

Dan Lifshits menjelaskan tindakan isteri leftenan itu, dia "tidak mungkin sebaliknya" - secara rasional, mustahil sebaliknya. Baris terakhir balada berbunyi berani, heroik, dan menyedihkan. Tetapi kesombongan ini dibenarkan - penyair itu dekat dengan rakyat, menulis untuk rakyat, dan negara itu memerlukan kesusasteraan seperti itu.

Dalam "The Ballad of Friendship" oleh Semyon Gudzenko, plotnya sangat mudah: dua askar dalam perang diikat oleh persahabatan yang kuat, tetapi salah seorang daripada mereka akan mati semasa misi seterusnya. Dan acara utama balada ialah kematian rakan protagonis.

Balada bermula dengan perihal persahabatan dalam peperangan: kuat, memberi inspirasi, perlu, kadang-kadang naif kebudak-budakan, tetapi pada masa yang sama agresif.

Kisah itu sendiri tentang kisah dua askar bermula dengan elipsis:

Saya mempunyai seorang kawan baik

Nampaknya ini hanya sebahagian daripada cerita, panjang cerita tentang kehidupan seharian seorang askar. Dan baris seterusnya mencirikan sikap wira terhadap rakannya: "Dan saya secara senyap menghargai persahabatan" - mereka secara senyap menghargai dan tidak memberitahu tentang perkara yang paling rahsia, hanya perkara yang paling suci, tepatnya apa yang mereka tidak mahu dan tidak boleh berkongsi. Baris-baris berikut hanya melengkapkan gambaran persahabatan yang kuat dan lembut ini:

Kami adalah persahabatan kami

Jaga diri

Bagaimana pasukan infantri menjaga

Tanah berdarah

Apabila mereka membawanya dalam peperangan.

Perhatikan bahawa tindakan itu berlaku pada masa perang, dan perbandingan persahabatan yang terpelihara dengan tanah berdarah hanya mengesahkan kekuatan dan keikhlasan perasaan itu. Tetapi kawan-kawan dihadapkan dengan soalan: yang mana antara mereka akan hidup?

Iaitu, kita sekali lagi berhadapan dengan konflik antara seseorang dan nasibnya, ciri genre balada. Hanya ia diselesaikan dengan cara yang unik.

Apa yang menarik perhatian segera ialah tiada "pandangan luar" keadaan ini di sini. Kisah dan pengalamannya didedahkan oleh wira lirik itu sendiri. Kemungkinan besar, ini adalah wira lirik yang umum, boleh dikatakan, pada masa itu - ini berlaku atau boleh berlaku kepada semua orang, mungkin itulah sebabnya tiada orang lain dalam balada; atau sebaliknya, mereka wujud, baris ini mengesahkan fakta ini:

Di ruang istirahat

Mereka memberitahu saya...

Maksudnya, orang lain hadir dalam balada hanya sebagai sumber maklumat untuk watak utama (seperti kapten yang memberi arahan), tetapi dua memilih hidup atau mati. Dan pilihan sedemikian berlaku kepada semua orang dalam perang, nampaknya saya, itulah sebabnya saya ingin memanggil jenis wira ini secara umum, kolektif. Setiap askar membuat pilihan sendiri. Salah satu variannya ditunjukkan kepada kita oleh S. Gudzenko dalam balada. Keraguan wira lirik, malah sejenis egosentrisme, naluri memelihara diri, naluri untuk terus hidup:

Walaupun terpisah

Jangan kita berkawan.

Perkara yang penting ialah dia tetap jujur ​​kepada dirinya sendiri, kepada hati nurani yang dia "disiksa": wira mahu hidup. Adakah ini betul? Dan tanpa mementingkan diri sendiri, dia bagaimanapun memutuskan untuk mati, dan sebaliknya, ia bukanlah heroik dalam pilihan ini, tetapi putus asa: semua hujah alasan menunjukkan bahawa rakannya lebih layak untuk terus hidup:

Dan dia mengingatkan saya lagi

Apa yang menanti anaknya di Tyumen.

Setiap pejuang mendapati dirinya sendirian dalam situasi ini, persahabatan seolah-olah hilang, semua orang hanya memikirkan dirinya sendiri...

Namun, wira lirik meninggalkan kematian yang telah diramalkan, tetapi takdir menentukan segala-galanya secara berbeza: seorang kawan yang lebih tua mati, yang juga memutuskan untuk menerima kematian untuk membiarkan rakannya hidup. Garis-garis ini terdengar menyedihkan:

Jadi dialah

Daripada semua anugerah

Saya memilih satu -

cinta askar!

Mungkin juga terlalu menyedihkan, tetapi bagaimana lagi untuk menjelaskan perbuatan hero ini?

Takdir memutuskan bahawa bukan wira lirik yang harus mati, tetapi kawannya. Kekuatan dunia lain ini meninggalkan seseorang dalam keadaan yang lebih dahsyat dan keadaan yang tiada harapan daripada, katakan, dalam balada Drunina. Di sana gadis-gadis itu mengekalkan ingatan mereka, memahami bahawa sekarang hanya mereka yang mempunyai hak untuk menjalani kehidupan mereka untuk orang mati, mereka tidak membuat pilihan antara persahabatan dan "tidak bersahabat", mereka yang terselamat bersama, mereka tidak bersendirian.

Di Gudzenko, wira itu ditinggalkan sendirian, dia kehilangan perkara yang paling berharga: dan ini bukan kehilangan nyawa, seperti yang dilihatnya pada permulaan cerita, tetapi kehilangan seorang kawan:

Dia tidak kembali.

Berada dalam senarai.

Tetapi dengan siapa saya akan bersama?

Berkongsi nasib

Dengan risiko ketenteraan?

Soalan ini tetap terbuka... hero telah kehilangan barang yang paling berharga, kawannya tidak dapat dikembalikan. Mungkin ini adalah sejenis hukuman daripada kuasa yang lebih tinggi kerana fakta yang difikirkan oleh wira, boleh dikatakan, mengkhianati rakan sebelum pilihan terakhir:

Saya mahu hidup seperti neraka -

Walaupun terpisah

Jangan kita berkawan.

Sejenis hukuman, senyuman jahat pada keegoisan hero? Jadi mereka menjadi "berpisah"... tetapi hanya perkataan "Saya DIANGGAP hidup, dikira dalam senarai" mengatakan banyak: wira hanya secara rasmi dianggap hidup, tetapi dalam jiwanya, dengan kematian rakannya, dia juga mati, dia tidak memerlukan hidup tanpa persahabatan. Pengajaran ini diberikan oleh Takdir kepadanya, ini adalah tragedi watak utama. Kematian tetap menang pada akhirnya, hanya untuk satu ia adalah fizikal, dan untuk yang lain ia adalah rohani, dikaitkan dengan kehilangan makna kehidupan.

Yulia Drunina, seorang penyair yang melalui keseluruhan Perang Patriotik Besar, menulis bilangan yang besar bekerja tentang pengalaman 4 tahun yang mengerikan ini untuk orang kita. Dan tidak kira apa pun, puisinya cerah, diarahkan ke masa depan, ia seolah-olah meresap dengan kehidupan seperti itu dan dalam semua manifestasinya. Adalah mustahil untuk tidak mempercayai puisi barisan hadapannya - keasliannya menarik. Pemikiran tentang orang yang berperang, tentang rakan seperjuangan yang mati, sentiasa didengari dalam karya Drunina. "The Ballad of the Landing" adalah salah satu daripada pendedahan pengarang ini.

Plot ini berdasarkan cerita tentang gadis - pasukan payung terjun, tentang kematian tiga daripada mereka dan pengalaman kehilangan ini oleh mangsa yang terselamat. Keseluruhan balada itu boleh dibahagikan kepada 2 bahagian: sebelum kematian tiga gadis itu, dan selepas kematian mereka.

Saya mahu ia menjadi setenang dan kering yang mungkin

Kisah saya tentang rakan sebaya saya ialah...

Beginilah bunyi baris pertama balada. Pengarang memulakan cerita, pastinya cuba menahan emosi dan ingatan yang datang menerjah kembali. Tetapi dia juga tidak boleh tidak menceritakannya sama sekali: dia mahu cerita ini didengar, didengar dan difahami oleh semua orang. Bunyinya, tetapi tidak kuat, tidak ribut dan menentang, tetapi "lebih tenang dan kering." Beginilah cara kita mendengar balada: dengan tenang, terukur, selalunya dengan jeda yang panjang, berhenti pada saat yang paling sukar (seperti yang ditunjukkan oleh elips yang kerap di hujung baris dan rangkap). Saiz balada, amphibrach tetrameter, berselang-seli dengan bimeter dengan kaki yang tidak lengkap, menyumbang kepada naratif yang tenang. Tetapi "lebih kering" - tidak. Karya ini bukan sekadar fakta, cerita, yang tidak jarang pada masa itu, ia adalah sesuatu yang dialami, dirasai, sesuatu yang masih menyakitkan. Itulah sebabnya, tidak kira apa sikap terhadap "kekeringan" yang diberikan oleh pengarang sendiri dalam baris pembukaan balada, dia akhirnya memecahkannya, dan dengan cepat, dalam baris seterusnya: heroin - gadis untuknya bukan hanya pelajar sekolah, mereka adalah "penyanyi, pembicara" - tulen terdapat kelembutan dalam kata-kata ini. Tetapi baris ini, dengan suara yang lembut, berubah menjadi satu yang mengancam:

Bahagian belakang tercampak ke dalam

(intensifikasi bunyi "b", "o") - imej kesakitan dan tidak dapat dielakkan muncul dalam orkestrasi.

Dalam rangkap kedua perasaan terancam dirasai lebih kuat. Lompatan dari kapal terbang yang dibuat oleh kanak-kanak perempuan - pelajar sekolah - adalah seperti tanda jahat tetapi jujur ​​​​tentang kesalahan apa yang berlaku, tidak bermakna, kerana ini adalah perempuan, dan mereka, bersama-sama lelaki, terpaksa melompat dengan payung terjun:

Dalam Crimea Januari beku

Dan di tengah-tengah kesejukan dan keterasingan ini, seruan terdengar: "Oh, ibu!" Ia mengandungi segala-galanya: ketakutan, nafas terakhir masuk dan keluar, keinginan untuk hidup. Dan ini adalah "Oh, Ibu!" Tangisan Drunina bukanlah tangisan, tetapi "hembusan nafas yang nipis," tetapi terdapat begitu banyak kesakitan dalam "hembus nafas" ini: kedengarannya seperti menangis, tangisan semua wanita. Oleh itu, perkataan negeri dengan tepat menyampaikan perasaan manusia melalui perincian ini - tangisan (Ungkapan "Oh, Mommy!" boleh dilihat kemudian dalam R. Rozhdestvensky dalam "Balad Penembak Anti-Pesawat"nya. Oleh itu, saya nampaknya masuk akal untuk bercakap tentang beberapa jenis tradisi di sini).

Tetapi suara ini juga dilindungi dan dibawa oleh "kegelapan bersiul kosong." Gadis-gadis itu mendapati diri mereka berada di tengah-tengah cincin kelabu yang tidak bermaya: kehidupan mereka, suara mereka, disekat di satu pihak oleh kedinginan dunia sekeliling ("Crimea dingin"), di sisi lain oleh "kegelapan bersiul." Iaitu, kita boleh perhatikan di sini yang sangat pelik, tetapi masih balada dunia dwi, ​​yang akan berkembang pada masa akan datang. Di satu pihak - hidup, merasakan orang, di sisi lain - alam semula jadi yang tidak bernyawa, langit yang tidak berkesudahan yang dahsyat, kekosongan.

Imej juruterbang kapal terbang bukan secara kebetulan. Juruterbang berasa bersalah. Rasa bersalah kerana dia adalah seorang lelaki, melakukan tugasnya, tugasnya, dengan itu menghantar gadis-gadis mati. Ternyata di antara semua dunia yang tidak bernyawa ini, kehidupan bukan sahaja gadis-gadis, tetapi juga juruterbang yang tahu bagaimana merasakan dan bimbang (julukan "diputihkan" memberitahu kita tentang ini) masih bersinar, yang tidak dapat mengatasi kesedaran rasa bersalah. , kemungkinan besar bukan miliknya sendiri, tetapi mereka yang menghantar gadis di belakang barisan musuh. Perincian Drunin adalah penting di sini - "atas sebab tertentu", mengesahkan jiwa yang hidup, hati juruterbang. Sesungguhnya, bukan dia yang menolak gadis-gadis keluar dari pesawat, dia memahami ini, tetapi juruterbang tidak dapat mengatasi kekuatan super peribadi ini, nasib nasib ini, dia tidak lagi dapat memperbaiki apa-apa (sifat konfrontasi yang tidak dapat diselesaikan ini , soalan itu ditekankan oleh pengarang dan pada tahap sintaks - elips, gangguan pemikiran bercakap tentang perkara ini).

Dan 2 baris seterusnya adalah pusat, kemuncak plot:

Dan tiga payung terjun, dan tiga payung terjun

Mereka tidak membuka sama sekali pada malam itu...

Di sinilah imej Nasib nasib manusia terserlah semula. Gadis-gadis mati. Jadi Takdir memutuskan. Pengulangan dua kali "dan tiga payung terjun" adalah perincian tentang ketidakbolehbaikan apa yang berlaku, meningkatkan drama keseluruhan bunyi balada. Nampaknya kematian telah mengambil tol - kehidupan telah menang, tetapi Drunina tidak menamatkan cerita di sini - sesuatu yang lain penting baginya; apa? - dia memberitahu kami tentang perkara ini dalam bahagian kedua balada.

Rangkap keempat hanyalah permulaan bahagian kedua balada, yang menceritakan tentang nasib pasukan payung terjun yang masih hidup. Mereka sekali lagi mendapati diri mereka dalam dunia yang bermusuhan dan tidak bernyawa - "padang pasir hutan yang membimbangkan" (metafora) - hutan dengan ratusan dan ribuan pokok ternyata menjadi padang pasir bagi mereka. Lebih-lebih lagi, hutan itu "bermusuhan"; tidak ada kehidupan atau perasaan di dalamnya. Sekali lagi garis antara hidup dan dunia mati, dan adalah menarik bahawa alam semula jadi muncul sebagai realiti yang tidak bermaya, tidak berjiwa dan bermusuhan kepada manusia.

Kemudian segala macam perkara berlaku kepada partisan:

Kadang-kadang dalam darah dan debu

Merangkak dengan lutut bengkak untuk menyerang -

Mereka tidak dapat bangun dari kelaparan.

Lutut bengkak, kelaparan - imej simbolik hujung ke hujung sepanjang tempoh Perang Dunia Kedua, muncul dalam bait 5, saling berkaitan dengan imej heroik yang lain - imej serangan. Lutut bengkak melambangkan kesakitan, siksaan manusia yang menimpa kanak-kanak perempuan. Tetapi heroin mengatasi kesakitan, kotoran, debu, mereka terus berjuang dan menyerang tidak kira apa. Hidup dan mati terus berdepan di sini, tetapi ada harapan hidup akan tetap menang dalam perjuangan ini.

Apakah yang mendorong mereka? Apa yang membuatkan anda bergaduh? Pengarang dengan jelas bercakap tentang ini dalam rangkap 6:

Boleh membantu partisan

Hanya ingatan gadis-gadis yang payung terjun

Tak bukak langsung malam tu

Ingatan adalah bantuan dalam perjuangan yang sukar, kejam, dan tidak feminin. Memori ini adalah insentif untuk tidak berputus asa, untuk melakukan segala-galanya untuk menyelamatkan nyawa semua orang, untuk memenuhi kewajipan anda kepada Tanah Air.

Rangkap ketujuh terdengar seperti kesimpulan, beberapa kebenaran yang tidak dapat dipertikaikan:

Tiada kematian yang sia-sia di dunia...

Gadis-gadis - pasukan payung terjun mati, ia berlaku atas kehendak Takdir. Tetapi mereka juga menjadi "bintang" yang membantu rakan mereka masuk saat sukar. Mereka menjadi sejenis tanda hidup. Tanda untuk memenuhi kewajipan seseorang, untuk mengatasi ketakutan, kemalangan, tanda untuk menghargai ingatan orang... Permulaan yang cerah, tenang, sedikit sedih mendedahkan Drunin kepada pembaca: ingatan orang mati sebagai ukuran tertinggi kemanusiaan dalam perang yang tidak berperikemanusiaan.

"Tiga bintang yang dibakar secara senyap-senyap ..." adalah metafora untuk Drunina, yang pada akhir balada sekali lagi kembali ke permulaan bahagian kedua balada: "tiga payung terjun" - "tiga bintang yang dibakar dengan senyap." Terbentuklah sebuah cincin yang menjadi makna kehidupan gadis-gadis itu, baik yang meninggal maupun yang masih hidup. Kematian gadis-gadis itu bukanlah satu tragedi; konfrontasi antara hidup dan mati akhirnya diselesaikan bukan dengan kemenangan kematian, seperti yang kelihatan pada pandangan pertama, tetapi oleh kemenangan hidup dan ingatan yang tenang dan cerah tentang arwah.

Oleh itu, setiap pengarang menyelesaikan konflik utama balada secara berbeza - konfrontasi antara manusia dan rock: dalam balada V. Lifshitz wira cuba menghalang kuasa dunia lain, mahu sekurang-kurangnya entah bagaimana membantu isteri dan anak lelakinya di Leningrad yang dikepung, tetapi sekeping. roti basi menjadi simbol bukan kekuatan seorang leftenan tentera, dan simbol Takdir - cincin terbentuk, roti itu kembali ke poket wira, dia tidak lagi dapat memperbaiki apa-apa, jadi kekuatan maut terkandung di sini dalam sekeping basi. Mungkin anda tidak merasakan ini selepas bacaan pertama, kerana penghujungnya kedengaran menyedihkan: “Isteri itu tidak boleh menjadi apa-apa lagi, dan dia memberinya sekeping ini lagi, kerana dia adalah isteri sejati, kerana dia menunggu, kerana dia disayangi,” tetapi ia adalah perlu, orang memerlukan kepahlawanan sedemikian. Tetapi sebenarnya, nasib watak utama sangat tragis, sejenis konfrontasi dengan nasib, pertempuran dengannya tidak berakhir: takdir kuasa yang lebih tinggi menang.

Pada pandangan pertama, balada Drunina, dengan denouement acara utamanya, nampaknya paling dahsyat dari segi kandungan. Tetapi ini adalah ilusi: di sini gadis-gadis melawan kuasa jahat nasib dan, yang paling penting, menang. Tiga payung terjun tidak dibuka, tiga pasukan payung terjun mati, tetapi mereka menjadi "bintang" untuk gadis-gadis yang masih hidup, ingatan mereka, dan tidak menjalani hidup mereka untuk orang mati, membuat keajaiban: pasukan payung terjun memenangi kemenangan ke atas pasukan Takdir. Balada inilah yang menjadi lambang kemenangan iman dan ingatan manusia atas segala pukulan hidup.

“The Ballad of Friendship” oleh S. Gudzenko adalah lebih tragis daripada balada oleh V. Lifshits. Kuasa yang lebih tinggi dengan tepat menguji keupayaan protagonis untuk berkawan dalam peperangan. Berdepan dengan pilihan untuk mati, tetapi meninggalkan kawan untuk hidup, atau terus hidup sendiri, tetapi tanpa persahabatan, askar itu ragu-ragu: apa yang dia perlukan lagi? Sejenis hukuman daripada kuasa yang lebih tinggi kerana fakta yang difikirkan oleh wira, boleh dikatakan, mengkhianati rakan sebelum pilihan terakhir adalah kematian rakan yang lebih tua. Di S. Gudzenko, wira ditinggalkan sendirian, dia kehilangan perkara yang paling berharga: kawannya, kehidupan baginya kehilangan semua makna, dia mati dalam jiwa. Itulah sebabnya penyelesaian konflik antara manusia dan nasib nampaknya paling tragis dalam balada ini. Lebih-lebih lagi, dari balada ini, pada pendapat kami, pemahaman falsafah konflik bermula (dalam dalam kes ini pilihan seseorang), yang akan dikembangkan sedikit kemudian, dalam balada penyair tahun enam puluhan.

Walau bagaimanapun, ciri umum balada zaman perang - orientasi heroiknya - boleh dilihat dalam setiap karya ini.

Konstantin Yakovlevich Vanshenkin, hampir tidak menamatkan gred kesepuluh sekolah menengah, "melangkah" ke dalam tahun perang 1942. Dia melangkah dari muda ke dewasa, seperti kebanyakan lelaki yang dilahirkan pada tahun 1925. Semasa perang, Vanshenkin tidak menulis puisi, tetapi sudah pada akhir Perang Patriotik Besar, di Hungary, hobi ini menyala. Perang berjalan melalui karya buku pertamanya; tema ketenteraan dan motif ketenteraan tidak meninggalkan puisi dan prosa Vanshenkin pada masa hadapan. Penyelidik mencatatkan kedekatan puisinya dengan lirik penyair "tentera" generasinya (Vinokurov, Gudzenko, Drunina dan lain-lain). Keakraban ini terletak pada kesederhanaan dan kesederhanaan, kejelasan pemikiran.

Konstantin Vanshenkin dikenali di seluruh negara terutamanya untuk lagu-lagunya (seperti "Alyosha", "I love you, life", "Zhenka", dll.), Tetapi, sudah tentu, karyanya tidak terhad kepada genre ini. Kami dapati dalam penyair kedua-dua elegi dan lagu pengantar tidur Vanshenkin tidak memintas genre balada. Marilah kita memikirkan "The Ballad of Spilled Blood" dan lihat bagaimana ia menyelesaikan konflik balada utama, apakah persamaan balada ini dengan balada zaman perang, dan juga apakah perbezaannya.

Gubahan "Balada Darah Tumpah" adalah tiga bahagian. Kami mengenal pasti tiga komponen balada, analisis setiap satunya akan membolehkan kami membuat kesimpulan mengenai penyelesaian kepada konflik utama balada - konfrontasi antara seseorang dan nasibnya.

Di tengah-tengah bahagian pertama balada (lima kuatrain pertama) adalah peristiwa biasa yang telah menjadi biasa dalam kehidupan seharian tentera: seorang askar cedera, kehilangan banyak darah, tetapi semua doktor bersedia untuk membedahnya. dan berikan pemindahan darah. Transfusi telah dilakukan, askar itu mula pulih.

Sudah dalam bahagian pertama "The Ballad of Spilled Blood" dunia dibahagikan kepada dua bahagian: dunia yang dahsyat, seolah-olah tidak nyata - dunia pertempuran tentera, kehidupan seharian tentera; dan dunia sebenar, perasaan, pemikiran - dunia orang yang bersedia untuk berjuang untuk kehidupan orang lain, doktor yang

“...tahu apa itu,

Semuanya sudah siap"

Dunia askar itu sendiri; di sini kita juga boleh memasukkan dunia orang lain yang berkongsi darahnya.

Konflik antara seseorang dan nasibnya dalam bahagian pertama balada diselesaikan memihak kepada orang itu. Balada "ajaib" di sini adalah darah yang ditransfusikan kepada askar oleh doktor. Kami menemui motif yang benar-benar hebat - air hidup - mampu menyembuhkan orang sakit, menghidupkan orang mati. Darah orang lain benar-benar menyelamatkan tentera yang nazak dengan bergabung dengan darahnya. Vanshenkin menggunakan teknik penggredan untuk menunjukkan betapa kuatnya pengaruh "darah ajaib" ini terhadap kehidupan seorang askar sekarang sama ada dia akan hidup atau tidak bergantung kepadanya;

Darah mempunyai watak yang hampir spontan: "Darah ini bercampur," "Dan darah mengalir lebih cepat, Ia mengalir melalui urat dengan tersentak-sentak," "Dan darah sudah mengalir dalam aliran yang tidak dapat dibayangkan." Dan terima kasih kepada kekuatan ini, ketidakupayaan "Hidup telah merampas kuasa," kematian dikalahkan.

Konfrontasi antara hidup dan mati, dan kemenangan hidup juga disampaikan melalui imej penampilan askar. Dalam bait pertama dia "Dengan wajah seperti kapur" - wajah yang terletak bayang-bayang kematian, capnya. Tetapi keajaiban berlaku, doktor adalah orang biasa, dan darah orang lain, yang ditransfusikan oleh tangan doktor ini, mengalahkan kematian: "Kegelapan surut," "Kening bergerak, Ya, dia menggerakkan kening," "Pipi menjadi merah jambu.” Kematian wajah askar, yang dibentangkan dalam bait pertama, digantikan dengan kehidupan, kesihatan yang kembali, seperti yang ditunjukkan oleh "pipi merah jambu" ini.

Bahagian kedua balada adalah yang paling pendek, hanya tiga kuatrain. Ia menceritakan bagaimana seorang askar kembali ke barisan hadapan dan mati dalam pertempuran. Dan jika dalam bahagian pertama kehidupan menang dalam konflik hidup dan mati, maka di sini kemenangan kematian sudah berlaku:

“...Di sebelah jauh

Bunga di alas"

Askar itu mati, menumpahkan darahnya untuk kemenangan masa depan, tetapi bersama dengan darah ini juga darah tumpah orang yang tidak dikenali yang pernah menyelamatkan seorang askar. Lebih-lebih lagi, darah ini tidak dipanggil orang lain, ia "sudah menjadi miliknya, seorang askar," dalam baris ini seseorang sudah dapat melihat dalam bahagian kedua ini idea bahawa setiap orang melaburkan kekuatannya dalam kemenangan, masing-masing mengorbankan dirinya untuk kebaikan bersama. .

Tetapi mari kita kembali kepada konflik antara manusia dan nasibnya. Kuasa maut batu menakluki kehidupan dan masih tidak memberi peluang kepada askar untuk hidup, walaupun pada hakikatnya pada bahagian pertama balada kita melihat kejayaan hidup manusia mengatasi kematian. Dengan konflik ini, pembangkang, yang, seperti yang kita lihat, dapat dikesan pada peringkat komposisi, adalah penting bagi penulis untuk menunjukkan bahawa dalam peperangan hidup dan mati sentiasa berdekatan, anda tidak boleh lari dari takdir jika anda ditakdirkan untuk mati.

Tetapi adakah semuanya begitu jelas? Mari kita beralih kepada bahagian ketiga balada. Ia berbeza daripada dua yang pertama dalam tonalitinya - lebih lirik, penuh perasaan. Di hadapan kami adalah gambaran kehidupan seorang wanita di sebuah perkampungan kecil di Siberia. Dan perihalan kampung ini dan landskapnya tidak boleh membuat anda acuh tak acuh:

“Pada musim sejuk ada salji sehingga ke bumbung,

Tumpukan pokok Krismas.

Matahari terbit membara pada waktu pagi

"Jalur beku" - alam semula jadi megah, berlimpah: jika ada salji, maka "ke bumbung," jika ada cemara, kemudian "timbunan".

Kehidupan ini sudah pun pasca perang, aman, dengan aliran terukur: “... it’s barely light,

Kelihatan pada puncak pokok Krismas.

Selesai makan, kemas rumah,

Pergi kerja"

Adalah penting bagi Vanshenkin untuk menunjukkan kehidupan selepas perang ini, untuk menunjukkan untuk apa tentera mati, semua keindahan dan keagungan alam semula jadi, kesederhanaan dan ketertiban hidup. Dan perkara yang paling penting ialah pemikiran akhir balada:

“Darah dia tumpah

Untuk kebahagiaan dan kebebasan"

Walaupun fakta bahawa askar itu meninggal dunia dalam bahagian kedua kerja, manusia masih menang dalam konflik antara manusia dan nasib - dan manusia di sini adalah konsep yang luas, seseorang mungkin berkata "kemanusiaan": setiap orang menyumbang sebahagian daripada dirinya kepada punca kemenangan yang sama, yang bermaksud semua orang boleh dipanggil pahlawan - kedua-dua mereka yang memberikan nyawa mereka dalam pertempuran, dan mereka yang, berada di belakang, membantu mendekatkan masa aman. Itulah sebabnya Vanshenkin melukis untuk kita di bahagian ketiga imej seorang wanita yang tidak tahu perang:

“Dia tak dengar

logam bersiul.

gelombang udara

Dia tidak terkejut.

Dan tiada saudara mara

Jenis yang berada dalam pertempuran ... "

Tetapi darah wanita ini mengalir melalui urat askar, menjadi darahnya, askar, yang bermakna ia memberi kehidupan kepada orang lain, kehidupan yang damai. Iaitu, kita boleh mengatakan bahawa dalam konflik balada, manusia dan nasib dikalahkan oleh lelaki yang menumpahkan darahnya sendiri dan orang lain untuk "kebahagiaan dan kebebasan" orang lain, seluruh rakyat.

Sergei Sergeevich Orlov adalah seorang penyair yang melalui Perang Patriotik Besar.

"Enam Belas Tahun Lalu" adalah karya yang termasuk dalam buku puisi "Kelajuan Ketiga". Orlov, seperti kebanyakan penyair zaman perang dan pasca perang, beralih kepada genre balada. Mari kita jejaki transformasi genre dalam karya beliau.

Balada adalah genre lirik-epik, di tengah-tengahnya sentiasa ada acara; jika ia adalah balada tentang peperangan, maka acara itu biasanya bersifat heroik. Sesungguhnya, "Enam Belas Tahun Lalu" oleh Sergei Orlov menceritakan tentang peristiwa enam belas tahun yang lalu: tentang kemaraan kereta kebal Jerman di Leningrad, tentang keberanian satu-satunya askar biasa yang masih hidup yang mampu menentang mesin besi. Lebih-lebih lagi, adalah menarik bahawa Orlov menunjukkan peristiwa ini (konfrontasi antara seorang lelaki dan mesin yang tidak berjiwa), satu peristiwa yang kami anggap sebagai heroik, sebagai sesuatu yang biasa, bahkan mungkin dikatakan setiap hari. Dan askar itu sendiri, wira balada, muncul di hadapan pembaca seorang yang biasa: "Bukan tuhan, bukan raja, mahupun pahlawan" ("bukan pahlawan" - kebiasan perbuatannya sekali lagi ditekankan, tidak ada heroik dalam dirinya). "Kebiasaannya" juga disahkan oleh pengarang dalam baris: "Tetapi yang paling berani tidak ada: mereka masih di atas katil pada waktu pagi ...", iaitu, ia secara langsung mengatakan bahawa askar kita bukan yang paling berani, dia hanyalah "askar", seperti majoriti mereka yang mempertahankan Leningrad. Kita akan kembali kepada persoalan keaslian wira sedikit kemudian, apabila kita beralih kepada rangkap akhir balada, tetapi buat masa ini mari kita beralih kepada dua dunia balada.

Dunia balada terbahagi kepada dua bahagian: dunia askar manusia yang mampu perbuatan kepahlawanan mampu berkorban untuk tujuan kemenangan bersama:

“Di bawah peluru, bom dan peluru

Terdapat seorang askar berdiri berhampiran Ligov”;

Dan dunia tidak sensitif, besi, dunia mesin, kereta kebal, memusnahkan segala-galanya di laluannya:

“Dengan salib di menara, dengan pistol di jiwa

Ia seperti pergi ke perarakan

Menggoncangkan daratan hingga ke laut,

kereta kebal Jerman di Leningrad"

Dunia kedua ini - dunia yang jahat, tidak berperikemanusiaan, tidak sensitif, kekejaman, impunitas dan keyakinan diri ("seolah-olah sedang berbaris"), ditunjukkan sebagai wujud mengikut undang-undangnya sendiri, tidak tertakluk kepada manusia, pemikirannya, logiknya. Ini adalah dunia musuh - mesin yang diselaraskan dengan baik, beroperasi secara automatik, di mana tidak boleh berlaku pertindihan - "pengiraan tidak dapat dipertikaikan."

Dan mesin ini akan berhadapan dengan seorang askar tunggal, yang, menurut pengiraan musuh, "dibunuh tiga kali pada hari itu" (pengulangan hebat "tiga": dibunuh tiga kali, dan masih dibiarkan hidup sepanjang masa). "Salah satu syarikat, persendirian" - dia memutuskan untuk menghadapi mesin yang boleh memusnahkannya pada bila-bila masa:

“Dia berdiri di atas tembok parit,

Pegang bom tangan di penumbuk awak"

Dan dia tidak peduli dengan kehidupannya sendiri pada masa ini, perkara yang paling penting ialah mempertahankan bandar, untuk mengelakkan kereta kebal Jerman daripada memecah masuk ke Leningrad, askar itu tidak memikirkan dirinya sama sekali:

“Tanpa menyesali masa muda saya,

Di sebuah bandar desa yang rosak"

Lelaki itu berjaya memecahkan mesin tanpa jiwa "Tiga langkah dari Leningrad," kereta kebal itu "tercekik di atas batu." Dan Orlov sekali lagi menunjukkan keadaan ini sebagai benar-benar biasa, seolah-olah berkata, "Mungkinkah sebaliknya? Tiada perkara ghaib berlaku":

"Deruan besi senapang menjadi senyap...

Askar itu mengesat peluh dengan topi juruterbangnya...”

Semuanya begitu semula jadi dan mudah, "Dan dunia berfikir: satu keajaiban berlaku Enam belas tahun yang lalu." Di sini kita menemui satu lagi komponen balada - keajaiban balada. Hanya keajaiban di sini dicipta oleh tangan manusia, ini bukan keajaiban kuasa yang lebih tinggi, tetapi keajaiban fizikal, tetapi ini menjadikannya tidak kurang, dan mungkin lebih penting: sama ada ia berlaku atau tidak bergantung pada pilihan orang itu sendiri .

Oleh itu, dalam konflik utama balada - konflik antara manusia dan nasib, Orlov memenangi lelaki yang mampu menentang kuasa takdir, yang mampu melakukan keajaiban dengan tangannya sendiri, sendirian mempertahankan seluruh bandar. , menghalang musuh daripada memecahkan sekatan, dan memusnahkan Leningrad.

Dan di sini kita kembali ke permulaan refleksi kita: di Orlov, yang tinggi (dalam kes ini, pencapaian) muncul sebagai setiap hari, jelas; dan pada masa yang sama, dalam biasa (hero balada, askar sederhana) kita menemui heroik. Pengarang memperkenalkan kita kepada wiranya pada awal karya dan pada akhirnya sebagai orang biasa yang sama, seperti sejuta:

"Dan siapa dia - tiada siapa yang tahu,

Dia tidak mengatakannya sendiri."

Walaupun mereka tidak mengenalinya secara penglihatan, jangan panggil dia pahlawan, jangan berikan dia perintah atau pingat, yang paling penting ialah kejayaannya tidak dilupakan, dan sememangnya, menjadi tidak penting sama sekali siapa ini. askar sebenarnya - dia hanya seorang askar, terdapat banyak daripada mereka, mampu melakukan keajaiban demi kemenangan dan demi kehidupan masa depan di bumi.

“Tetapi hanya pada '45 pada bulan Mei

Guruh kemenangan bergemuruh mengenainya.

Dan kemuliaan berjalan di seluruh Kesatuan,

Dan pencapaian ini tidak dilupakan" -

Sama seperti beribu-ribu lagi kejayaan rakyat biasa, yang secebis demi secebis mengumpul kemenangan dalam Perang Patriotik Besar, tidak dapat dilupakan.

Dan askar "Dia masih hidup, dia di sebelah kita, ini dia!", seperti orang lain, tidak berbeza dan oleh itu sangat difahami dan dekat dengan semua orang:

"Dia mungkin sekarang

Dia pergi bekerja di trem,

Minum bir di kiosk semasa bercuti"

Satu imej kemenangan roh manusia terdiri daripada "butiran", "sumbangan peribadi" semua orang. Oleh itu, Sergei Orlov menghubungkan yang biasa dan tidak dapat dilihat dengan pergerakan sejarah secara keseluruhan, dengan nasib seluruh rakyat. Dia gigih mendedahkan makna yang hebat dan penting dari perkara dan tindakan yang paling kelihatan mudah. Seseorang itu mampu melawan nasib selagi dia bertindak atas nama tanah airnya, atas nama rakyat, dan bukan kemuliaan dirinya.

"Generasi puitis yang saya miliki dilahirkan dari Perang Patriotik Besar dan tidak memilih, tetapi mengambil posisi menembaknya, sama seperti pasukan askar mengambilnya apabila ia telah mengalami serangan yang tidak dijangka. Di sini tiada masa untuk memilih rupa bumi dan kemudahan melihatnya: ambil sebidang tanah di hadapan anda dan balas tembakan dengan api. Tetapi ternyata sebidang tanah ini, dengan rumput yang dihitamkan oleh api saya, ternyata seluruh Rusia yang luas, "- beginilah cara Sergei Narovchatov secara puitis mentakrifkan nasibnya dan nasib seluruh generasi puisi tahun 50-an dengan tepat. .

Penyair-penyair ini memahami panggilan mereka dengan baik dan bahkan mempunyai pandangan yang jelas peristiwa tragis yang menimpa mereka.

Sergei Narovchatov sendiri dilahirkan pada tahun 1919, dengan bunyi perang saudara. Pada tahun 1939 tahun berlalu sukarelawan untuk barisan hadapan (perang dengan Finland). Terkejut dengan apa yang dilihat dan dialaminya, Narovchatov kembali dari sana dengan kesedaran tentang ujian baharu yang tidak dapat dielakkan. Inilah yang dia katakan di salah satu kelas di kelab puisi beberapa bulan sebelum bermulanya Perang Dunia Kedua: "Sangat jelas bahawa generasi kita adalah generasi tentera yang akan berjuang hingga akhir hayatnya." Dan begitulah ia berlaku: pada bulan Jun 1941, Sergei Narovchatov, bersama D. Samoilov, B. Slutsky, N. Mayorov, menawarkan diri untuk Perang Patriotik Besar.

Jelas sekali bahawa tema ketenteraan, motif perang tidak dapat dipisahkan "berkaitan" dengan nama penyair - perang tidak meninggalkannya sehingga hari terakhir, penggera, mengingatkan semua yang dialami: kematian rakan seperjuangan, kecederaan, bantuan rakan dan rakan sekerja.

Penyelidik mencatat bagaimana mood penyair berubah ketika dia memahami Perang Patriotik Besar: puisi pertama tentang perang menyampaikan kejutan tentang apa yang dia lihat, tragedi manusia, alam semula jadi, kehidupan seperti itu; peranan yang menentukan dimainkan oleh kejayaan sekatan Leningrad, di mana Narovchatov mendapati dirinya pada tahun 1942 (dan penyair menarik perhatian terutamanya bukan kepada fakta kejayaan itu sendiri, tetapi kepada kemenangan dalaman, kepada kemenangan semangat); Pada tahun-tahun selepas perang, karya-karyanya mengandungi suasana pendidikan dan refleksi diri moral.

Sejak awal lagi, Sergei Narovchatov dibentuk sebagai romantis, meneruskan kerja pendahulu dan gurunya - N. Aseev, I. Selvinsky, N. Tikhonov. Ini dinyatakan dari segi genre - balada sejarah dan moden, puisi, dan pada intipati karya - romantismenya ditujukan kepada realiti, bertujuan untuk pembangunan dan transformasinya. Dan romantisme ini menahan ujian realiti yang keras dan tidak pecah.

Mari kita beralih kepada karya "Mesyuarat" dan kenal pasti ciri-ciri genre puisi ini.

Kepahlawanan tahun-tahun perang dibangkitkan dalam “The Meeting”. Puisi itu menceritakan bagaimana di suatu tempat di Pulau Vasilyevsky semasa musim sejuk sekatan, seorang askar yang bercuti dari barisan hadapan bertemu seorang gadis yang mati kelaparan, tetapi menunggu "keajaiban." Dan askar itu berhenti seketika untuk memberikan sebuku roti rai kepada orang yang kemungkinan besar tidak akan pernah dilihatnya lagi dan yang disayanginya seperti kakaknya sendiri.

Iaitu, puisi itu dibina di atas naratif, cerita, cerita tertentu, dan kita boleh bercakap tentang permulaan epik karya ini. Kehadiran permulaan naratif memberi dorongan kepada pertimbangan "Pertemuan" mengikut undang-undang peraturan dunia balada.

Sesungguhnya, kita dapati di sini dunia dua balada: sejuk, lapar mengepung Leningrad, dengan pintu masuknya, "angin kencang", "malam yang membeku tanpa lampu", "ribut salji musim sejuk" - dunia yang memusuhi seseorang, seorang gadis yang "tidak jahat, tetapi buruk, tetapi lebih teruk, mungkin, ia boleh' t menjadi lebih teruk” dan seorang askar dibebaskan untuk satu malam di bandar. Iaitu, Leningrad yang terkepung muncul dalam kerja sebagai dunia yang tidak nyata dan bermusuhan fitrah manusia, dia mempunyai kuasa ghaib yang bersedia untuk memakan seseorang.

Tetapi merasakan permusuhan ini, menghadapinya secara bersemuka, gadis itu, yang "tidak boleh melakukan lebih buruk," masih berharap dan percaya pada keselamatan. Kami dapati satu lagi ciri balada - keajaiban balada. Askar mengambil peranan "keajaiban" ini di tangannya untuk menyelamatkan gadis itu, dan dia memberinya roti. Roti sebagai "keajaiban panas", terutamanya dengan latar mata "sejuk" (kontras), menekankan pengalaman lirik dan dramatik: pembaca pasti hadir pada peristiwa yang berlaku, dia sendiri mendapati dirinya di tempat gadis itu . "Rahmat yang ditinggikan" - metafora ini sekali lagi mengesahkan "keajaiban" roti, tetapi pada masa yang sama ia juga merupakan "keajaiban dalam bentuk hidup": jadi biasa di tangan seseorang, pada saat pertolongan dan keselamatan , menjadi ajaib, ajaib.

Di sini adalah mustahil untuk tidak melihat "roll call" balada Narovchatov dengan "Ballad of a Stale Piece" V. Lifshitz, tetapi imej rentas balada ini—imej roti—dalam "Meeting" kelihatan sepenuhnya. makna yang berbeza daripada dalam "The Balada Sekeping Basi." Di sana, sekeping roti, diserahkan kepada anak lelaki dan berakhir sekali lagi di dalam poket leftenan, mengambil makna yang membawa maut - anda tidak boleh bersembunyi dari nasib, anda tidak boleh mengecohnya. Bagi Narovchatov, roti adalah keselamatan, perpaduan dua adalah sepenuhnya orang asing, keajaiban biasa.

Dalam pertembungan dengan kuasa takdir, dalam konflik antara manusia dan nasib - konflik utama balada - manusia menang dengan keterbukaan, belas kasihan, cinta kepada jirannya walaupun dalam keadaan yang paling sukar. Dan segera kuasa jahat berundur, segala-galanya menjadi "pahit dan mudah": askar memeluk gadis itu dan bersama-sama perang itu sendiri mahupun bandar terkepung:

"Dan bersama-sama mereka adalah ketinggian yang sama

Pengepungan, Perang, Leningrad"

Kami telah menemui ciri utama balada. Marilah kita memikirkan apa yang membezakan karya ini daripada balada biasa. Takrif klasik genre balada menunjukkan bahawa pengarang tidak campur tangan dalam naratif, menjalankannya "terpisah", dan terutamanya tidak bercakap secara langsung tentang perasaannya. Dalam "Pertemuan" sikap pengarang terhadap apa yang sedang berlaku ada, dan sifat penggambaran realiti adalah emosi:

“Detik itu berbunyi begitu lama,

Pandangan bercantum begitu erat,

Sungguh nafas yang abadi

Tersentuh muka lapuk"

Pengaranglah yang menangkap "nafas keabadian" - dengan itu menekankan persaudaraan rohaninya dengan para pahlawan. "Cincin" pelik yang membingkai naratif juga patut diberi perhatian: di hadapan kita adalah kenangan pengarang, dia secara langsung bercakap tentang ini dalam baris pertama puisi:

“Melukis pandangan,

Pada malam sebelum pandangan keempat puluh tiga..."

Dan ingatan ini menjadi hidup, ia tidak terhad kepada masa lalu, tetapi berterusan pada masa kini dan (yang difikirkan) akan berterusan pada masa hadapan, kerana bukan kebetulan bahawa pada akhir pengarang menarik perhatian kepada fakta bahawa pahlawan

“...tahun kemudian, bersama-sama,

Setelah memanjat halaman buku nota,

Daripada yang di atas, ia menunjukkan bahawa genre balada di kalangan Narovchatov, Orlov, dan Vanshenkin sedang mengalami perubahan;

Sejak awal karyanya, pembaca dan pengkritik mengaitkan Bulat Okudzhava kepada kumpulan penyair tahun enam puluhan (kerana fakta bahawa dia memasuki kesusasteraan pada masa yang sama seperti Rozhdestvensky, Voznesensky, Yevtushenko, Akhmadulina), serta kepada kumpulan penyair "menyanyikan puisi mereka" ( Galich, Vysotsky, Kim, dll.).

Dalam salah satu temu bualnya, penyair itu mengakui: "Saya sentiasa berusaha untuk menulis tentang perang melalui mata seorang lelaki yang aman." Mungkin inilah sebabnya puisinya sering tidak sesuai dengan pemahaman kita dengan puisi Perang Dunia Kedua, jenis yang kita biasa: jelas, tepat, heroik. Dalam karya Okudzhava, "perspektif masa aman" ini menentukan kefasihan romantis mereka, keupayaan untuk mengemukakan dan menyelesaikan soalan yang sering tidak difikirkan semasa perang semata-mata kerana tidak ada keperluan. Sudah tentu, ini tidak menjadikan puisi "lemah" dan "tidak perlu" sebaliknya: pengarang, mengingati perang, merenung semua yang dia sendiri lalui dan pelajari dan memberi peluang kepada mereka yang berada di hadapan untuk ingat dengan dia, kepada mereka yang tidak adalah - untuk mengalaminya, pada masa yang sama memaksa pembaca untuk berfikir tentang soalan yang lebih kompleks, selalunya sosio-falsafah.

"Karyanya secara organik menggabungkan kesederhanaan dan ciri semula jadi seni realistik dengan percintaan yang luhur, ironi halus dan ironi diri," kata V.A. Zaitsev, mendedahkan keaslian gaya puisi Okudzhava.

Di samping itu, Okudzhava, sebagai ahli filologi dengan latihan, dalam karyanya merujuk kepada pelbagai bentuk genre, yang berjaya digunakannya, menambah dan membawa ke dalamnya sesuatu yang baru, sendiri. Kita boleh menemui kedua-dua genre lagu dan percintaan (“Percintaan Lain”, “Lagu Jalan”, “Lagu Askar Lama”, “Lagu tentang Infantri”). Kami paling berminat dengan balada dan penggunaan kanonnya oleh Okudzhava (perhatikan bahawa tarikan kepada genre ini jarang berlaku).

"The Ballad of Millet" ditulis pada tahun 1967. Walau bagaimanapun, idea yang terkandung di dalamnya tidak akan meninggalkan acuh tak acuh walaupun seseorang yang jauh dari sejarah secara umum, dan dari Perang Dunia Kedua khususnya.

Dari baris pertama, kita tenggelam dalam suasana tentera berundur - ia pergi, menurunkan panjinya - simbol perpaduan, keberanian dan kekuatan, pergi, meninggalkan tanahnya sebahagian demi satu kepada musuh.

Di sini kita mula melihat keraguan, ketidakpastian wira lirik dalam tindakannya. Dia kelihatan terpinga-pinga, tidak memahami apa yang berlaku, pandangannya hanya memilih serpihan individu, gambar realiti kecil: "jalan bergegar," "sepanduk diturunkan basah", dapur barisan hadapan mengikuti tentera yang berundur (seorang penyelidik menarik perhatian kepada "kualiti sinematik" khas karya penyair Levina L.A. dalam karya "Tiga kajian mengenai tema Bulat Okudzhava"). Ruang disempitkan: sepanduk diturunkan - tidak ada penerbangan, malah pandangan ke atas; Jalan bergelombang - ia menyampaikan perasaan azab, kekangan anda tidak boleh memandu dengan cepat. Di samping itu, bau dan bunyi yang memenuhi ruang kecil dan sengsara serta-merta menarik perhatian. Keriut dapur adalah sesuatu yang menjengkelkan, menindas dengan tidak dapat dielakkan, tetapi baunya "memuakkan", ia menjadi sesuatu yang hidup, ia ada di mana-mana, anda tidak boleh bersembunyi daripadanya, anda tidak boleh melarikan diri.

Dan kemudian - kembali kepada perasaan orang yang hidup:

Dan barat, dan barat

Terbakar di belakang saya. -

Peringatan dan tanda: adakah itu yang mereka lakukan? Adakah mereka melakukan perkara yang betul dengan berundur? Satu lagi dorongan kepada keraguan dan pemikiran wira lirik.

Seterusnya ialah satu lagi pukulan: senduk menuang bubur untuk askar. Dan di belakangnya adalah terobosan emosi dan perasaan manusia, kesedaran wira lirik jelas melampaui kerangka, dari belenggu yang tidak diketahui dan mengerikan, menahan segala yang nyata dalam diri individu:

Izinkan saya, Komrad Sarjan Mejar...

Kami memuaskan rasa lapar kami,

Kami menyimpan sisa bijirin,

Adakah kita meninggalkan tanah air kita?

Dan sekali lagi dunia kuasa yang dahsyat muncul, dunia dapur - ia menjalani kehidupannya sendiri "seolah-olah tiada apa-apa yang berlaku", menuntut kepatuhan kepada undang-undangnya. Bukan kebetulan bahawa semua yang berkaitan dengan dapur dipersonifikasikan - dan dia sendiri "memasak dan memasak," dan senduk "menuangkan bubur," dan baunya "berdiri seperti dinding yang kukuh." Semua bersama-sama ia adalah seperti dunia lain, kuasa yang dahsyat yang menundukkan dan melumpuhkan seseorang.

Wira lirik sekali lagi cuba memahami apa yang sedang berlaku, menilai keadaan, dia dengan penuh hormat menyayangi tanah airnya, rakyatnya, dan berusaha untuk melindungi mereka. Pengunduran yang berterusan tidak sesuai dengan kepalanya.

Dan hujan menyirami kita dengan air suci

Walau bagaimanapun, wira lirik memahami semua sindiran dan keajaiban keajaiban ini: hujan menyirami mereka dengan air suci, orang, generasi sekarang dan akan datang, menganggap dan akan menganggap mereka orang suci, walaupun sebenarnya tentera tidak seperti itu. Kesedaran tentang berundur dan "hujan suci" adalah berbeza dan tidak serasi. Wira sebenarnya tersenyum pada dirinya sendiri:

Merangkak di belakang platun orang suci

Dan dengan latar belakang ini adalah keriut dapur. "Imej bunyi dan audio Okudzhava sentiasa ekspresif." Diulang tiga kali dan intonasi seruan "dan dapur berderit!" - izinkan kami bercakap tentang ketegangan yang sangat besar, berat yang luar biasa dari tentera yang berundur menekan bahu seluruh tentera. Dapur (dan oleh itu batu, kuasa nasib) tidak meninggalkan mereka. Dan adalah mustahil untuk mengatakan siapa yang menang dalam pertempuran abadi antara manusia dan nasib. Okudzhava ternyata tiada siapa. Kerana baris akhir, yang mengandungi idea utama puisi, berkata:

Mengenai hakikat bahawa sukar tanpa tanah air

Dan anda tidak boleh hidup tanpa bijirin.

Sudah tentu, keberanian adalah penting untuk seorang askar, keupayaan untuk memberikan nyawanya demi kemenangan, tetapi seorang askar yang lemah - adakah dia mampu untuk mencapai kejayaan, kepahlawanan? Mungkin kesedaran inilah yang paling sukar dalam peperangan. Tidak kira berapa banyak kekuatan dan stamina seorang askar, teras dalaman dan keinginan untuk mempertahankan tanah airnya, dia tidak akan menyedarinya tanpa memenuhi keperluan biologinya untuk makanan. Sebaliknya, tanpa perasaan cinta kepada tanah air dan rakyat sendiri, tetapi dengan makanan, seseorang juga tidak boleh menjadi tentera. Ternyata satu tidak boleh wujud tanpa yang lain.

Ini dia - pandangan Okudzhava dari seorang lelaki masa aman: tidak seorang pun sebelum dia telah menimbulkan masalah yang kompleks, selalunya tidak dapat diselesaikan dan kompleks yang terletak dalam konsep "perang".

Pandangannya tentang perang adalah menakjubkan, kerana ia secara mendadak menyimpang daripada pandangan yang ditubuhkan dalam propaganda kita dan dalam seni kita. Dia sendiri pernah berkata: "Semua puisi dan lagu saya bukan tentang peperangan tetapi menentangnya."

Pelbagai persoalan yang dibangkitkan, selalunya kemustahilan dan ketidakupayaan (dan kadang-kadang tidak perlu) untuk menyelesaikannya, menunjukkan aspek kehidupan Perang Dunia Kedua yang tidak dibangkitkan sebelum ini - inilah yang tipikal untuk "The Ballad of Millet" oleh B. Okudzhava. Pemikiran, disokong oleh semua pengalaman hidup dan nasib pengarang, kedengaran dalam balada ini.

Sebaik sahaja puisi muda Robert Rozhdestvensky "My Love" diterbitkan pada tahun 1955, suaranya didengari. “Penyair muda itu bercakap dengan jelas dan ringkas tentang perkara-perkara yang hampir kepada ramai. Saya terpikat dengan intonasi suara yang penuh percaya, terbuka, demokrasi semula jadi dan kepenuhan sivik dalam kenyataan lirik, apabila peribadi sentiasa berusaha untuk bergabung dengan takdir masa itu, negara, rakyat.”

"Rozhdestvensky adalah seorang penyair yang bersemangat, emosi, panas. Apa sahaja topik yang disentuhnya dalam karyanya, dia pasti menyatakan dirinya secara langsung, tajam, menyedihkan, memasuki dialog yang meriah dengan pembaca, menuntut daripada kami sikap acuh tak acuh, tindak balas yang ghairah, penerimaan terhadap kepercayaannya atau polemik yang hangat. Keikhlasan, ketulenan pengalaman, ketajaman perasaan - semua ini datang dari zaman kanak-kanak, dari zaman kanak-kanak tentera. Tidak hairanlah penyair menulis:

Masa penulisan karya ini dicirikan oleh penembusan kewartawanan, dan pada masa yang sama letupannya dalam karya Rozhdestvensky. Sesungguhnya, peristiwa yang diterangkan dalam balada itu dilihat oleh budak lelaki Robert apabila ibunya membawanya ke hadapan. Mereka diberitahu dengan tepat dan lengkap. Tetapi pada masa yang sama, Rozhdestvensky mematuhi intonasi perbualan, dia bercakap dengan pembaca, cuba membangkitkan tindak balas emosi, kepercayaan dan penyertaan daripada semua orang. Dia datang ke dalam hubungan rohani dengan pembaca, seperti yang mereka katakan, serta-merta. Balada dibuka dengan ingatan soalan retorik, memaksa kita untuk mendengar, berhenti dengan wira lirik, yang baginya peristiwa dan kenangan itu penting.

Bagaimana untuk melihat jejak hari yang kabur?

Saya ingin mendekatkan jejak ini ke hati saya...

Dan kemudian - kronik, cerita tentang bateri penembak anti-pesawat wanita. Selain itu, naratif boleh dibahagikan kepada dua bahagian, satu daripadanya mencirikan peristiwa yang dilihat melalui kaca mata remaja, manakala satu lagi adalah pandangan orang dewasa yang cuba menilai di suatu tempat, menjelaskan atau mengulas tentang kenangan zaman kanak-kanak. Inilah suara budak lelaki itu: "Pagi itu kereta kebal terus ke Khimki," dan kemudian mengikuti penjelasan wira yang sudah dewasa: "Yang sama. Dengan salib pada perisai...” Trend ini dapat dilihat sepanjang balada. Kovalenkov A. pernah menyatakan dengan tepat bahawa Rozhdestvensky mempunyai "keupayaan yang jarang untuk menulis puisi untuk orang dewasa, tetapi seolah-olah dia memberitahu pembacanya tentang zaman kanak-kanak mereka," dia benar-benar merujuk kesedaran kita kepada tempoh zaman kanak-kanak, ketika kita semua berada pada sesuatu yang tertentu. lebih bebas, berfikiran sederhana dan mulia. Perkara di atas terpakai sepenuhnya untuk "The Balada Penembak Anti-Pesawat". Wira lirik mengingati komander bateri - gadis sulung (yang "...berumur lapan belas tahun" - penekanan pada umur ini tidak disengajakan, kemudian butiran ini akan menjadi sangat penting), kami ditunjukkan ciri ciri dia, terukir dalam ingatan saya selama-lamanya:

Satu dentuman hebat di atas juling yang licik,

Bravura menghina perang...

Keupayaannya untuk bertarung secara sama rata dengan lelaki ditekankan, "keberanian", "licik", dan juga "menghina perang" - kualiti yang dihargai oleh wira lirik, setelah matang, sekarang.

Sudah di baris seterusnya, imej yang mengerikan muncul di hadapan pembaca - kereta, kereta kebal, keluar untuk bertarung dengan gadis muda. Dunia dibahagikan kepada dua bahagian: gadis dan kereta kebal penembak anti-pesawat, mesin tanpa jiwa yang mempunyai kesan kematian: "Dengan salib pada perisai" - inilah cara tanda Nazi juga memperoleh di sini makna simbolik kematian seperti itu. Oleh itu, dunia dwi balada telah pun didedahkan pada bahagian pertama karya itu.

Menghadapi dunia yang bermusuhan, sifatnya yang dahsyat, tidak berjiwa, mekanikal, komander "benar-benar menjadi tua" (rujukan kepada sebutan pertama heroin, bahawa dia baru berusia lapan belas tahun) - percanggahan antara umur dan "penuaan" ” ialah motif silang dalam karya Perang Dunia Kedua ( ingatlah “The Ballad of a Stale Piece” oleh V. Lifshits dan budak lelaki itu - seorang lelaki tua). "Yang paling tua" cuba mengasingkan diri dari kengerian yang semakin hampir ("seolah-olah melindungi dirinya dari mimpi ngeri dengan tangannya"), dia takut, "kegagalannya" hilang di suatu tempat untuk seketika, tetapi gadis itu tidak berputus asa, dia pasti menarik dirinya bersama-sama:

Dia memerintahkan secara halus:

Bateri!

Dan tidak mengapa dia memerintah "secara halus", penulis menekankan dengan tepat ini: percanggahan antara konsep wanita dan perang, yang wanita itu sendiri ingin mengatasinya. Dan dalam kurungan penyair memberikan tangisan gadis itu, yang tidak boleh didengari oleh sesiapa - ini adalah "Oh, ibu!.. Oh, sayang!.." - kami bertemu lebih awal, dalam "The Ballad of the Landing" oleh Yu Drunina . Di sini ia melambangkan perkara yang sama: keinginan untuk hidup, kengerian kematian yang akan datang. Dan ia disekat oleh senapang dan tembakan. Tangisan itu terdengar seperti permulaan tangisan wanita sejagat yang akan datang:

perempuan,

Mereka meraung sepuas-puasnya.

Dan "Seolah-olah semua kesakitan wanita di Rusia" bergema dalam tangisan ini: kesakitan untuk anak lelaki, saudara lelaki, bapa yang mati, kesakitan untuk nasib seseorang, dimusnahkan oleh perang (mari kita perhatikan di sini aliterasi bunyi "b" - yang menanggung kesan kesakitan). Membandingkannya dengan "seruan epik", memaksa kuasa yang dahsyat musuh untuk berundur. Tangisan itu keterlaluan, ia menenggelamkan letupan kerang (memandangkan terdapat 30 orang dalam bateri, mustahil untuk menenggelamkan letupan dengan jeritan):

Bergantung di atas medan perang

Ia kedengaran lebih kuat daripada letupan - tangisan ini!

Ia adalah kekuatan dan kesakitan yang tidak dapat dibayangkan dari tangisan dan jeritan seorang wanita yang membantu bateri penembak anti-pesawat bertahan. Ia tidak boleh diabaikan, ia kedengaran di mana-mana:

Lukisan -

Bumi mendengar

Berhenti di garis kematian.

Pengulangan ratapan tiga kali ganda merujuk kita kepada kisah dongeng, dengan keajaiban nombor tiga. Dia membantu gadis-gadis bertahan. Rangkap seterusnya menunjukkan kemenangan yang hidup ke atas yang tidak bernyawa - manusia atas kuasa nasibnya. Tangisan penembak anti-pesawat adalah seperti satu keajaiban, membantu untuk terus hidup dan bersedia (ia adalah tangisan yang melaksanakan fungsi balada "ajaib"). Kereta kebal terbakar, dikalahkan oleh kekuatan dan keberanian gadis penembak anti-pesawat. Imej yang diberikan dalam baris ini adalah global, ia adalah sama di mana-mana, itulah sebabnya bukit itu "tanpa nama", dan pertempuran itu sendiri adalah "di tengah-tengah dunia" - keumuman sepenuhnya, perpaduan semua makhluk hidup. Dan sekali lagi penggunaan hiperbola, kereta kebal terbakar "sangat panas", ini bukan lagi kenderaan besi, tetapi "kebakaran tangki", dalam api yang mana kejahatan dimusnahkan ("empat hitam": bunyi "ch", "e ” diletakkan bersebelahan, cipta imej syaitan - dunia lain dan kuasa batu dikaitkan dengannya).

Dan perasaan senyap sepenuhnya...

Ia datang kepada mereka kemudian.

Dalam empat puluh lima.

Sudah tentu, kepada mereka yang datang dari peperangan.

Peperangan dan kehidupan yang aman jelas berbeza dalam balada, sama seperti kebaikan dan kejahatan dibezakan dalam kisah dongeng, oleh itu sifat hiperbola dan juga agak hebat. imej yang dicipta. Itulah sebabnya sifat di medan perang dan sifat Moscow adalah berbeza. Di atas pertempuran terdapat langit yang mengerikan "bersalji, berbintik-bintik", angin "panas panas". Kehidupan yang damai tetapi ini adalah "dahan musim bunga musim bunga", "hujan di atas Arbat", "perasaan senyap sepenuhnya" (menentang tangisan dan letupan perang).

"Rozhdestvensky tahu bagaimana bercakap dalam puisi, menulis untuk orang yang mempunyai pendengaran yang baik, dia tahu bahawa kadang-kadang ia lebih penting, lebih tepat untuk menekankan apa yang menunjukkan keanehan. watak manusia perkataan, bukannya kagum dengan pelbagai ciptaan puitis,” kata A. Kovalenkov. Sesungguhnya. Rozhdestvensky pada asasnya mengelakkan eksperimen ayat formal. Dia meletakkan perkataan itu ke hadapan dan menekankannya. Kata-kata ini menegaskan kebenaran mudah - kebaikan, patriotisme, kesetiaan kepada tugas.

Oleh itu, balada Rozhdestvensky hampir sama dengan balada zaman perang. Dan, sudah tentu, ia mempunyai banyak persamaan dengan "Ballad of the Landing" Drunina, bukan sahaja dalam penggunaan ratapan "Oh, Mommy," tetapi juga dalam imej gadis-gadis yang menentang kuasa rock. Tetapi kesedihannya bukan sahaja heroik, ia adalah heroik dari segi falsafah (dan kekaguman terhadap penembak anti-pesawat wanita, dan pengecaman terhadap perang di mana gadis terlibat, dan refleksi tentang kehidupan seorang wanita, ketidakserasian mutlak konsep perang dan wanita), iaitu pengukuhan prinsip falsafah juga boleh dikesan dan dalam balada Rozhdestvensky.

Andrei Voznesensky adalah seorang penyair yang berbakat dan asli. “Dia mempunyai rasa kemodenan yang mendalam, lirik yang sengit, keinginan untuk polisemi imej, persatuan yang dimampatkan seperti mata air keluli, dan metafora yang tidak dijangka, selalunya aneh. Puisi Voznesensky merangkumi sintesis unik lirik dan falsafah, muzik dan bunyi penggera. Irama ayat yang luar biasa, metafora berani, "impuls" tematik memecahkan kanon "makmur" yang telah ditetapkan puisi Soviet" Banyak yang telah dikatakan tentang kualiti puisinya, seperti naturalisme, setiap karya adalah falsafah dan naturalistik, tetapi wira lirik puisi Voznesensky tidak pernah tahu keharmonian.

Perang Patriotik Besar adalah salah satu tema penting dalam puisi Andrei Voznesensky. Ini adalah "The Ballad of 1941", "Goya", "Ditch", "Doctor Autumn", dll. Zaman kanak-kanak penyair berlalu selama bertahun-tahun ujian besar untuk negara - itulah sebabnya perang tidak meninggalkan Voznesensky. Mari kita beralih kepada "Balad 1941".

Balada ini berdasarkan kisah bagaimana dalam 41 sebuah piano dibawa ke kuari Kerch untuk dijadikan kayu api. Tetapi muzik didengari - ia adalah seorang askar, bekas pemuzik yang bermain piano.

Komposisinya mudah: balada dibahagikan kepada 3 bahagian: permulaan - dua quatrain pertama; kemuncak - tiga kuatrain pusat; denouement - dua kuatrain terakhir. Pembahagian ini amat jelas kelihatan dalam balada ini.

Pada mulanya kita dapati personifikasi piano. Ini bukan lagi objek, tetapi makhluk hidup. Dia "merangkak keluar", "berbaring di perutnya dan bersenandung", "bernafas berat seperti cicak."

Kami melihat pemisahan dunia manusia dan objek yang dipersonifikasikan ini. Askar manusia seolah-olah telah menangkap raksasa yang tidak pernah berlaku sebelum ini. Mereka "mengheret" dia untuk membunuhnya - "untuk kayu api", untuk memanaskan badan. Kuari itu tidak lebih daripada "sarang gua orang." Ternyata ada 2 dunia: dunia orang - askar, dahagakan kehangatan, letih, letih oleh perang, yang telah berhenti merasa. Dunia adalah mekanikal. Dan dunia alat muzik yang HIDUP, tetapi dahsyat - ditawan ("cicak"). Dan piano ini memahami segala-galanya, ia "menunggu pukulan kapak," menunggu kematiannya. Peperangan hanya itu - ia tidak boleh dilakukan tanpa korban. Dan, bersama-sama dengan orang ramai, tentera, alat yang tidak bersalah binasa. Tetapi orang seolah-olah lupa bahawa sebelum mereka muzik adalah seni, mereka menjadi liar.

Tetapi di bahagian kedua balada, pada kemuncaknya, dunia orang yang membatu, beku dan instrumen bersatu. Di sinilah wira rakyat itu muncul - seorang askar biasa yang, atas kehendak takdir, menjadi partisan. Voznesensky tidak melukis kita potret dia, tidak ada pencirian dia. Semua perhatian tertumpu kepada tangan orang ini. Jarinya menjadi wira balada.

Setelah kehilangan tiga jari, cacat, tangan askar ini kekal sebagai tangan seorang pemuzik, walaupun perang dan semua kengeriannya.

Tujuh jari bekas pengurus kelab!

Dan, beku dan kering,

Daripada mereka, seperti dari ubi rebus,

Sekam meluncur, berasap.

Semua kuatrain ini adalah satu metafora besar (yang membezakan puisi Voznesensky - metafora hiperbolik, dalam "persaudaraan Voznesensky dengan Mayakovsky" ini - N. Aseev akan berkata; "Metaforanya yang terlalu tepu, "depot metafora", sinkopasi dan kerosakan dalam jeritan adalah akibat, dan bukan punca fenomena itu yang sepatutnya dipanggil bakat semula jadi"). Nampaknya tiada apa yang lebih hodoh dan menakutkan, kerana ini adalah tangan seorang pemuzik. Mereka kelihatan sama sekali berbeza dalam fikiran kita: jari nipis yang rapi, panjang dan fleksibel, tangan yang cantik - ini adalah seorang pemuzik, seorang pemain piano. Tetapi bukan "jari bengkak" dari mana kulit tergelincir seperti sekam.

Walau bagaimanapun, kuatrain seterusnya memberitahu kita sebaliknya, dan jari-jari ini mengingati instrumen itu, tidak kira dalam keadaan apa pun mereka berada. Dan wira lirik berhenti menyedari kelemahan dan keburukan mereka. Jari-jari hodoh dalam peperangan ini mula kelihatan seperti sesuatu yang tidak wajar, cantik, tidak wujud dalam keadaan, hanya ideal:

Dilambung-lambung dengan api yang berterusan

Kecantikan mereka, dewa mereka...

Piano yang besar dan menakutkan dan tangan asli yang hidup, jiwa mereka bersatu dan Voznesensky membuat kesimpulan utama:

Dan ia adalah pembohongan terbesar

Semua yang dimainkan sebelum ini!

Sekarang wira lirik mula memahami kuasa penuh seni sebenar, keindahan yang tidak dapat binasa, hanya dalam keadaan yang tidak berperikemanusiaan, semasa perang, setelah mengalami detik-detik yang mengerikan. Semua yang berlaku sebelum ini tidak penting, ia tidak nyata ("Semua pantulan candelier, lajur ..." - seperti sesuatu yang tidak wajar yang pernah wujud, tetapi kini tidak lagi diambil serius). Dan kebenaran adalah apa yang dia dengar dan rasa sekarang ("Saya mencerminkan jelaga adit. Angka. Kelaparan. Kilauan api."). Sekarang, kedekatan, masa kini menarik minat balada tentang Perang Dunia Kedua, dan bukan masa lalu dan hebat. Hanya dengan merasakannya, menyentuhnya dalam koine. Untuk ngerinya, nilai sebenar dapat difahami.

Di bahagian ketiga balada, kita mendengar wira lirik itu sendiri, "pengalaman"nya pada saat ini, dan dengannya pengalaman seluruh orang. Perlanggaran dengan piano, muzik perang itu sendiri, kepahlawanan dan ketulenan, ketulenan masa ini. Ternyata dunia tidak kehilangan keupayaan untuk merasa. Dan semakin sukar bagi wira untuk menahan siksaan muzik yang berbunyi dari bawah tangan yang "sangat cantik". Motif semangat kreatif yang tidak habis-habis berbunyi dalam balada.

Keluli piano mengaum dalam diri saya.

Dan saya berbaring di kuari.

Dan saya sebesar piano.

Dua dunia bergabung menjadi satu kehidupan. Dalam satu pemahaman tentang perang, keseluruhannya. Cerminan tentang apa yang berlaku melalui perlanggaran dengan kuasa takdir yang membawa piano ke kuari. Dan ketidakupayaan untuk menanggung perlanggaran ini lebih lama lagi, ketidakupayaan untuk mendengar lebih lama lagi -

Dan, sebagai laluan puncak,

Saya sedang menunggu kapak untuk menyerang!

"Dia" (dari bahagian pertama) bertukar menjadi "Saya". Penahanan ini pada peringkat akhir adalah sangat penting, pada pendapat saya. Wira lirik bergabung dengan muzik, dengan piano. Dia menunggu dengan instrumen untuk pukulan yang dahsyat - pukulan kapak, sebagai tanda yang membunuh kehidupan dan seni. Tiada apa yang boleh diperbaiki, orang memerlukan kehangatan api. Tetapi masih, muzik terus wujud, wujud selagi tangan pengurus kelab wujud, selagi ada orang yang mampu mengekalkan dalam ingatan sesuatu yang hebat, tidak boleh rosak - seni. Tragedi denouement balada, tetapi pada masa yang sama kepahlawanan di baris terakhir.

Kita tidak akan melihat kemerduan balada klasik dalam karya ini, terdapat terlalu banyak seruan, selalunya klausa lelaki - tekanan yang luar biasa.

Oleh itu, kita dapat melihat pengukuhan prinsip falsafah dalam balada tentang Perang Dunia Kedua, diperhatikan dalam balada S. Gudzenko. Bukan sekadar cerita tentang situasi tragis, titik perubahan, tetapi juga penilaian dan penyelesaian kepada masalah manusia sejagat. Perang adalah gila: ia membawa kematian kepada semua yang murni, luhur, indah - seni.

Ciri-ciri genre balada dalam karya V. A. Zhukovsky

V. A. Zhukovsky memperkenalkan pembaca Rusia kepada salah satu genre romantik Eropah Barat yang paling disukai - balada. Dan walaupun genre balada muncul dalam kesusasteraan Rusia jauh sebelum Zhukovsky, dialah yang memberikannya pesona puitis dan menjadikannya popular. Selain itu, beliau menggabungkan puisi genre balada dengan estetika romantisme, dan akibatnya, genre balada bertukar menjadi tanda romantisisme yang paling berciri.

Apakah balada? Dan mengapa genre tertentu ini menarik Zhukovsky?

Balada ialah cerita puitis pendek yang kebanyakannya bersifat heroik-sejarah atau hebat. Penyampaian plot yang jelas dalam balada adalah berwarna lirik. Zhukovsky menulis 39 balada, di mana hanya lima adalah asli, selebihnya adalah terjemahan dan adaptasi. Permulaan abad ke-19. Zhukovsky kecewa dalam hidup, jiwanya menderita kebahagiaan yang tidak terpenuhi dengan gadis tercintanya, dan sejak kecil dia sentiasa merasakan kepahitan ketidaksamaan sosial. Dia sentiasa menghadapi masalah sosial. Ini adalah pergerakan Decembrist, yang dia terpaksa melihat dari dua sudut pandangan: kedua-duanya sebagai kawan kepada ramai Decembrist dan orang dari kalangan mereka, dan sebagai orang mahkamah yang dekat dengan keluarga diraja . Semua ini mendorong Zhukovsky untuk mengambil jalan keputusan beretika masalah akut

. Sejak awal karya baladanya, Zhukovsky memperjuangkan keperibadian murni dari segi moral. Tema utama baladanya ialah jenayah dan hukuman, baik dan jahat. Wira balada yang berterusan - personaliti yang kuat

Menurut Zhukovsky, jenayah disebabkan oleh nafsu individualistik: cita-cita, ketamakan, cemburu, penegasan diri yang mementingkan diri sendiri.

Lelaki itu gagal mengawal dirinya, menyerah kepada nafsu, dan kesedaran moralnya ternyata menjadi lemah. Di bawah pengaruh nafsu, seseorang melupakan tugas moralnya. Tetapi perkara utama dalam balada bukanlah perbuatan jenayah, tetapi akibatnya - hukuman seseorang. Penjenayah dalam balada Zhukovsky, sebagai peraturan, tidak dihukum oleh orang. Hukuman datang dari hati nurani seseorang.

Oleh itu, dalam balada "Smalgolm Castle", tiada siapa yang menghukum pembunuh baron dan isterinya secara sukarela pergi ke biara kerana hati nurani mereka menyeksa mereka. Tetapi kehidupan monastik tidak membawa mereka kelegaan moral dan penghiburan: isteri sedih, dunia tidak disayanginya, dan baron "malu kepada orang dan diam." Dengan melakukan jenayah, mereka menghilangkan kebahagiaan dan kegembiraan hidup.

Tetapi walaupun hati nurani penjenayah tidak bangun, hukuman tetap datang kepadanya. Menurut Zhukovsky, ia datang seolah-olah dari kedalaman kehidupan. Hati nurani diam di dalam Bishop Gatton yang tamak, yang membakar bangsal dengan orang miskin yang kelaparan dan dengan kepuasan sinis berfikir bahawa dia telah menyingkirkan kawasan yang lapar dari tikus yang tamak (balada "Penghakiman Tuhan terhadap Bishop").

"Alam semula jadi dalam balada Zhukovsky adalah adil, dan dia sendiri mengambil fungsi membalas dendam - untuk jenayah: Sungai Avon, di mana pewaris takhta kecil itu tenggelam, melimpahi tebingnya, melimpah, dan penjenayah Warwick lemas dalam Tikus-tikus itu memulakan perang melawan Bishop Gatton dan membunuhnya. Dalam dunia balada, alam tidak mahu menyerap kejahatan ke dalam dirinya, untuk memeliharanya, ia memusnahkannya, menghilangkannya selama-lamanya dari dunia kewujudan. Dunia balada Zhukovsky menegaskan: dalam kehidupan sering terdapat pertarungan antara yang baik dan yang jahat. Akhirnya, kebaikan, prinsip moral yang tinggi, sentiasa menang), pp JjbcV Zhukovsky adalah pembalasan yang adil. Penyair berpendirian teguh bahawa perbuatan maksiat pasti akan mendapat hukuman. Dan perkara utama dalam balada Zhukovsky adalah kejayaan undang-undang moral.

Lyudmila yang malang ini dikutuk dengan kejam kerana dia menikmati keghairahan, keinginan untuk bergembira dalam apa jua keadaan dengan kekasihnya.

Keghairahan cinta dan kepahitan kehilangan tunangnya membutakan dirinya sehingga dia lupa akan kewajipan moralnya terhadap orang lain. Zhukovsky, menggunakan cara romantis, berusaha untuk membuktikan betapa tidak munasabah dan bahkan berbahaya bagi seseorang keinginan mementingkan diri untuk kebahagiaannya sendiri walaupun dalam segala-galanya:
Keranda, terbuka;
hidup sepenuhnya;
Dua kali ke hati

bukan untuk mencintai.

Beginilah Lyudmila, yang kecewa dengan kesedihan, berseru. Keranda terbuka dan lelaki mati membawa Lyudmila ke dalam pelukannya. Kengerian heroin itu mengerikan: matanya berubah menjadi batu, matanya pudar, darahnya mengalir dingin. Dan tidak mungkin lagi untuk mendapatkan semula kehidupan yang ditolaknya secara tidak munasabah. Tetapi balada dahsyat Zhukovsky sangat menyayangi kehidupan. Penyair memberi keutamaan kepada kehidupan sebenar, walaupun pada hakikatnya ia menghantar seseorang ujian yang teruk.

Balada "Svetlana" hampir dalam plot dengan "Lyudmila", tetapi juga sangat berbeza. Balada ini adalah susunan percuma balada penyair Jerman G. A. Burger "Lenora". Ia menceritakan bagaimana seorang gadis tertanya-tanya tentang pengantin lelakinya: dia telah pergi jauh dan tidak menghantar berita untuk masa yang lama. Dan tiba-tiba dia muncul dalam mimpi yang menawan yang diilhamkan oleh ramalan nasib. Sayang memanggil pengantin perempuan untuk berkahwin, mereka berlari melalui ribut salji dengan kuda gila. Tetapi pengantin lelaki tiba-tiba bertukar menjadi orang mati dan hampir mengheret pengantin perempuan ke kubur. Walau bagaimanapun, semuanya berakhir dengan baik: kebangkitan berlaku, pengantin lelaki muncul dalam realiti, hidup, dan perkahwinan yang diingini dan menggembirakan berlaku. Zhukovsky jauh dari yang asal, memperkenalkan rasa kebangsaan Rusia ke dalam balada: dia menyertakan perihalan nasib dalam "petang Epiphany", tanda dan adat:
Sekali pada petang Epiphany
Gadis-gadis itu tertanya-tanya:
Kasut di belakang pintu pagar.
Mereka mengambilnya dari kaki mereka dan melemparkannya,
Salji disodok di bawah tingkap
Didengar, diberi makan
Mengira biji ayam, Bersemangat,
lilin telah cair
Dalam semangkuk air bersih
Mereka meletakkan cincin emas,
anting-anting zamrud,
Papan putih tersebar
Dan di atas mangkuk mereka menyanyi secara harmoni

Lagu-lagunya menakjubkan.

Penyair menghasilkan semula dunia gadis yang menarik dan anggun, di mana kasut, anting-anting zamrud, dan cincin emas adalah penting. Balada itu bukan sahaja menceritakan tentang episod dari kehidupan makhluk muda, tetapi mempersembahkannya. Keseluruhan balada penuh dengan kehidupan, pergerakan, dalaman dan luaran, semacam kesibukan gadis. Dunia rohani Svetlana juga penuh dengan pergerakan. Dia sama ada menolak permainan pembaptisan, atau bersetuju untuk menyertai ahli nujum; dia takut dan berharap untuk menerima berita yang diinginkan, dan dalam mimpi dia diatasi oleh perasaan yang sama: ketakutan, harapan, kebimbangan, kepercayaan ... pada pengantin lelakinya.

Perasaannya sangat sengit, sensasinya meningkat, hatinya bertindak balas terhadap segala-galanya.

Balada ditulis dalam irama yang pantas: kuda balada sedang berlumba, gadis dan pengantin lelakinya meluru ke arah mereka, dan hatinya hancur.

Skema warna dalam balada "Svetlana" juga menarik. Seluruh teks diserap dengan warna putih: ia adalah, pertama sekali, salji, yang imejnya muncul serta-merta, dari baris pertama, salji yang diimpikan Svetlana, ribut salji di atas giring, ribut salji di sekelilingnya. Seterusnya ialah selendang putih yang digunakan semasa menilik nasib, meja yang ditutup dengan alas meja putih, burung merpati putih salji dan juga kepingan salji yang digunakan untuk menutupi orang mati. Warna putih dikaitkan dengan nama heroin: Svetlana, cahaya, dan: seperti - cahaya putih. Zhukovsky menggunakan putih di sini, sudah pasti simbol kesucian dan tidak bersalah. Warna kontras kedua dalam balada bukanlah hitam, tetapi agak gelap: gelap di cermin, gelap adalah jarak jalan di mana kuda berlumba. Warna hitam malam balada yang dahsyat, malam jenayah dan hukuman, dilembutkan dan diserikan dalam balada ini. Jadi salji putih, malam gelap dan

titik terang

lampu lilin atau mata - ini adalah sejenis latar belakang romantis dalam balada "Svetlana".
Namun daya tarikan balada itu adalah dalam imej kekasih muda Svetlana. Ketakutannya dihilangkan; dia tidak bersalah atas apa-apa. Tetapi penyair, berpegang pada prinsip etikanya, memberi amaran kepada makhluk muda itu tentang keburukan saga solat. Iman dalam pemeliharaan berubah menjadi iman dalam kehidupan:
Senyumlah, kecantikanku,
Kepada balada saya
Terdapat keajaiban besar di dalamnya,
Stok sangat sikit.
Inilah deria balada saya:
“Kawan baik kita dalam hidup ini ialah
Berkat pencipta air belakang:

Di sini kemalangan adalah mimpi palsu;

Kebahagiaan adalah kebangkitan.” Oleh itu, dengan menggunakan contoh balada terbaik dan utama V. A. Zhukovsky, kami cuba menganalisis prinsip asas genre balada Harus dikatakan bahawa, selepas Zhukovsky, penulis Rusia secara aktif beralih ke genre ini: ini adalah A. S. Pushkin "Lagu. of the Prophetic Oleg" (1822), dan M. Yu. Lermontov "Airship" (1828), "Mermaid" (1836), dan A. Tolstoy "Vasily Shibanem" (1840)."Kozma Prutkov (1854) - parodi balada Schiller yang diterjemahkan oleh Zhukovsky "The Knight Togenvurg".